Warning: Trying to access array offset on false in /data01/virt42511/domeenid/www.arendus.1kdigital.com/kultuuriveeb/htdocs/wp-content/plugins/page-scroll-to-id/malihu-pagescroll2id.php on line 414
kultuuriajakirjandus – Sirp

kultuuriajakirjandus

  • Mis sind kõditab?

    Uus arhitektuur on meelihaarav. Narva sisekaitseakadeemia õppe- ja majutushoonesse punased pesuruumid teinud sisearhitekt Mari Põld rääkis, et kui üldiselt on Narva interjöörid pigem konservatiivsed, siis selline värvisahmakas kõditab ja äratab hommikuti üles.

    Vanasti – pandeemiaeelses maailmas – käisid eesti talupoeg ja vurle kõditust otsimas välismaal. Räägin minagi tudengitele, et kui kunagi taas Viini satutakse, võiks oma silmaga vaatama minna Adolf Loosi kujundatud mikroskoopilist American Bari kohe Kärntner Straße külje all. Punane puu, roheline nahk, oonüks, malelaua­põrand. Ja muidugi marmor – aga marmorit pole kunagi ju liiga palju!

    Selle baari seinal on Gustav Jagerspacheri tehtud lokaali püsikunde Peter Altenbergi koomiliskurbliku portree koopia. Too puhmasvuntsiline ja natuke närilise käpakesi meenutavate kätega vaimsete probleemidega härra oli oluline impressionist, kelle kirjatöid iseloomustab visandlik, justkui mõne pintslitõmbega piirduv laad. Tähtsal kohal on tal sensuaalsed muljed, näiteks värvid ja lõhnad. Praegu tundub kuidagi märgiline, et peale kohvikutes mõnulemise ja alkoholi lembis ta väikesi tüdrukuid ja nii oli isegi pseudonüüm Peter tema 13aastase armastatu Bertha hüüdnimi. Altenberg on aga ta sünnikoht. Kirjamehest jäi järele pildikollektsioon, kus leiab ka aktifotosid tema 14aastasest armukesest Albinest, kellegi 13aastase Evelyne „absoluutselt ideaalsetest jalgadest“ ja palju muud imelikku. Mõneti on värskuse igatsus ühiskonnas süvenenud. Jah, pedo­fiilia mõistetakse hukka, aga elukevadet aetakse taga isegi neitsiõli totravõitu nimetuses. Ka saksakeelsest sõnast „noorus“ tuletatud „juugend“ ehk teisisõnu „art nouveau“ – uus kunst – on vaid algus igavesti kestvate elamuste ning uuenduste jahil. Lugemiselamusest elamusturismini, aga üldiselt on elu praegu siiski üpris elamusvaene ja on tekkinud elamusnälg. Sestap kogusid paljud minusugused enne uut karantiini kuhjaga kriisivaruks näituse­külastusi: eriti popp oli Kumu kõrval Fotografiska, kus teismelised end Ellen von Unwerthi töödega pildistasid ja mehed modellide ilusaid kikkrindu kunstina kogesid.

    Sajanditaguses Viinis meeldis arhitekt Loosile juua šampust ja vahuveini soodaga – eriti kõditav on seegi.

    Kuna šampuse jagamine pole rahva tervise seisukohast ilmselt teretulnud ega ka riigile taskukohane, siis püütakse avalikkusele pakkuda pigem mõõdukalt erutavat, ent siiski rahuldust pakkuvat avalikku ruumi. Näiteks Sindis, kus on natuke vahvat vanemat tööstusarhitektuuri ja on sündinud Tuberkuloited, lõppes hiljuti keskuse kavandi otsing. Välja valiti võrude ja spiraalja vaateplatvormiga lahendus (Liis Uustal, Egon Metusala, Mariliis Kundla ja Mihkel Pajuste arhitektuuri­büroost MA). See tuletab meelde üht linnaruumiinstallatsiooni, Tetsuo Kondo ja Mitsuru Maekita 2011. aastal Kadrioru parki tehtud rada, aga ka Võru keskväljakut, mille autoriks kunstipärast futurismi viljeleva Villem Tomiste Stuudio Tallinn. Sindis on kokku köidetud ajaloolised sõlmpunktid ning uus tegevusväli, inimesi lõbustavad valgusmäng, kogukonnaaiake ja veeaurupurskkaev. Autorid mainivad, et elamusrohkes kogunemiskohas on atraktsioone isegi koertele.

    Muidugi piisab ka aknast väljavaatamisest adumaks, et maailm on kogu aeg värske, muutumises: ühesugused pole ei pilved, vareste kraaksatused ega ka viimased lumehanged. Vahest seepärast tahab eestlanegi olla soomlase kombel Alvar Aalto vaimuka sõnastuse kohaselt (eskimomaa) metsaahv, sest ehe vahelduvus, loomulik kulgemine on tõesti köitev. Miskipärast on aga uus tehiskeskkond meil pigem lage, kivine, taimede poolest liigivaene, põõsaste ja suurte puudeta. Nina kõdistavad täringu­kivi vahel jätkuvalt pigem üksikud kõrrelised. Nii on ka Sindis plaanis.

    Ometi võiks meeleline maastiku­arhitektuur, kus on midagi vaadata, aga ka nuusutada, katsuda, maitsta (saaks kas või vett!) ja kuulata, leevendada rändtaudi peale surutud orderit, pakkuda neitsilikku puudutust: kõditust ja rahuldust.

     

  • Terad ja sõklad

    Teisipäev tõi pildile eelmisel aastal tehtud keeleteod,1 emakeelepäeva-eelsesse nädalasse mahtus aga mitu keeleüritust. „Eesti keele elujõust“ rahvusraamatukogus oli K. M. Sinijärve juhtimisel ennekõike mänguline ettevõtmine – puhas keeleilu. Eestikeelse kooli juba 30 aastat liiga tulise supi võttis helpida Postimees konverentsil „Eesti hariduse keel“, kus Toomas Kiho, meie riigi strateegiliselt tähtsa kava koostamise töörühma juht, oli taas sunnitud käsi laiutama – ei mingit „Eesti keele arengukava“ juba 2017. aastast! Pärast valitsuse vahetust võttis riigikogu kultuurikomisjon koalitsiooninõukogu ettepanekul tagasi oma otsuse saata arengukava täiskogule arutamiseks – igasuguse meediakärata. Keele­teadlased kogunesid aga vaid nädalase vahega taas lahendama ÕSiga kehtestatud ahistavate keelenormide põletavat küsimust (kajastus e-etteütluseski).

    Tõsi, arutelupäeval „Eesti keel normi ja vabaduse vahel“2 sain kuulda sedagi, et Liina Lindström tunnistab Tartu ülikooli tegemata tööd: ei ole osatud märgata inglise keele mõju eesti keele struktuurile ei uurijate ega õpetajate õpetajatena. Muret teeb, et viletsat õpetust saanud õpetajad keskenduvad koolis vaid ortograafia ja komareeglite pähetampimisele ega valda uut metoodikat – pole ka aega. Arusaadav ju: eesti keele tunde on koolis järjest vähendatud. Kui eksamikirjandeid parandatakse valede põhimõtete järgi, siis tegeldagu sellega. Tegeldagu harimisega. Esile toodud mured annaks ehk lahendada „Eesti keele arengukava“ raames, kui see rakendataks.

    Kui on keeletoimetajaid, kes rakendavad norminguid mehaaniliselt, ja inimesi, kes arvavad, et normeeritud kirjakeelt peab kasutama igal pool ja alati, siis pole selles ometi süüdi keelekorraldajad ja normingud. On loomulik, et keel muutub, ja on ka loomulik, et keelekorraldajad millegi kirjakeelde sobivuse üle otsustavad: kirjakeele normingute muutmine on ju EKI pädevuses. Soovitusliku keelekorralduse juures (nt Külli Habichti arvates on see toiminud seni viljakalt) jäävad mõned sõnakujud ja -tähendused niikuinii kõrvale, ka autoril või keeletoimetajal ei keela keegi vastutust võtmast. Miski ei anna aga põhjust keelekorraldajate informeeritud ja keelestruktuuriga põhjendatud soovitustest loobuda ning piirduda korpuste kasutussageduse fikseerimisega.

    On teada, et nii laste kui ka täiskasvanute suhtlus-, teabe- ja seega ka keeleväli on mullistunud, uudismeediaski kirjakeele kasutus kahanenud, varem ilmunut loetakse vähe, koolis ja ühiskonnas on järjest rohkem muu emakeelega inimesi (Harjumaal on eestikeelseid kõigest 58% rahvastikust). Äkki on aga napilt sada aastat kasutusel kultuurkeele positsiooni hakanud kõigutama EKI ja TÜ keeleteadlased, kes ise väljendavad end piisavalt korrektses kirjakeeles. Piiritletud norminguteta ei saa kirjakeelt olla – aga millises keeles siis (üli)koolis õpetada, seadusi kirja panna, avalikku elu korraldada ja võõra­maalasi lõimida?

    Emakeelepäeva etteütlus oli taas populaarne: ülesande sooritanuid oli 10 050, kusjuures väga paljud tegid vaid paar viga. Kas tõesti pole Eesti keeleruumis praegu tähtsamat küsimust kui see, et ÕS sunnib sõnadel „järele“ ja „järgi“ sisulist vahet tegema? Sedagi vaid siis, kui keeletarvitaja on valinud avaliku asjaliku keeleregistri. „Millist probleemi üldse lahendatakse?“ küsis Akadeemia peatoimetaja juba keeleteadlaste teisest võitluspäevast kokkuvõtet tehes.

    1 Vt https://www.youtube.com/watch?v=1HTTnB70wVo

    2 Arutelupäev „Eesti keel normi ja vabaduse vahel“ jätkas jaanuaris Eesti Keele Instituudi ja Eesti Keeletoimetajate Liidu ühisseminaril ning veebruaris Emakeele Seltsi ja ajakirja Akadeemia teemapäeval „Keelekorralduse äärmised võimalused“ alustatud diskussiooni eesti keelekorralduse teemal.

  • Erik ja Anna, hoidke sõprust

    Vene teatri „Erik ja Anna. Armastuse kunst“, autor Tim Janson, tõlkija Igor Kotjuh, lavastaja Jaak Allik, kunstnik Rosita Raud, helilooja Aleksandr Žedeljov, valguskunstnik Anton Andrejuk. Mängivad Tatjana Kosmõnina ja Sergei Furmanjuk. Esietendus 10. XII 2020 Vene teatri väikeses saalis.

    Vaatasin lavastust „Erik ja Anna. Armastuse kunst“ 26. veebruaril, kui teatrite sulgumise teatrikuu oli juba väga lähedal. Hetk enne algust väikeses saalis püüdis kõrv kinni prouade venekeelse sosina. Üks, kes ilmselt guugeldas telefonis, teavitas sõbrannasid: „Täna on Nadež­da Krupskaja sünnipäev.“ Teine: „Ja meie ei olegi veel tähistanud.“ Kolmas: „Alguseni on neli minutit, jõuame!“ Sisimas turtsatasin naerma, sest järsku tuli meelde, kuidas mu ema kunagi lõbusalt kordas üht pedagoogilise instituudi õppejõu lauset: „Nadežda Konstantinovna oli Vladi­mir Iljitši parim sõber – selles plaanis.“ Vabandust, sel vanal naljal ei ole „Eriku ja Annaga“ vähimatki pistmist. Ehkki näidendi teema on mehe ja naise sõprus. Ka selles plaanis.

    Kodulehe andmetel on Vene teatri repertuaaris praegu lavastusi kolmkümmend kuus. Minul neist nähtud kõigest kolmteist – ei saa just hoobelda selle kodulinna teatri süvatundmisega. Ka ei ole ma miskipärast näinud Tim Jansoni eelmiste näidendite lavastusi, need olid Ugala suvetükk „Ühes teises Eesti linnas“ (lavastaja Aili Teedla, 2008) ja Kuressaare teatri „Kartulimoos ehk Chelsea Win“ (lavastaja Jaak Allik, 2010). Ja veel: Jaak Alliku kahekümne neljast lavastusest on mul nägemata jäänud kaheksa. Nii need võrdlusalused logisevad.

    Ei söanda oletada, kas pealkirjaga „Erik ja Anna“ loob autor Tim Janson eneseiroonilis-naivistliku sillakese Carl Robert Jakobsoni näitemänguga „Arthur ja Anna ehk Vana aja inimesed“, aga kahtlustan, et pigem ei. Näidendi žanrimääratlus kavalehel on tragikomöödia. Vaatamismuljes jääb põhirõhk komöödiale, „tragi“ asemele tahaks kirjutada „lüüriline“.

    Mees, naine ja armastus – milline universaalne teema. Tundub, et Vene teatri mängukavas on sellesse rubriiki liigituvaid näidendeid rohkem kui kusagil mujal. Näiteks Semjon Zlotnikovi „Tuli mees naise juurde“ Larissa Savankova ja Rain Simmuliga (2018) ning Aleksei Arbuzovi „Vanamoeline komöödia“ Savankova ja Eduard Tomaniga (2019). Kõik ei pruugi olla tingimata kahe tegelasega lavalood, aga armastuslood ikka, nagu Vladimir Zaykini komöödia „Viimane korrus“ Elina Purde ja Aleksandr Ivaškevitšiga (2016); sisukirjelduse järgi sobitub mudelisse ka Anton Finki komöödia „Käest kätte“ (2019). No ja lõppeks Aleksandr Volodini „Viis õhtut“ Savankova ja Ivaškevitšiga, hoidmist vääriv südamlik lavastus, mis püsib mängukavas 2011. aastast. Eks armastuseni taandu või avardu viimaks ka muusikal „Minu veetlev leedi“ (2020). Ju leiaks midagi veel.

    Nüüd siis „Erik ja Anna“. Eesti autori näidendi maailmaesietendus vene keeles, tõlkinud Igor Kotjuh. Kuidagi kummastav on kuulda just vene keeles repliiki, et elu viimane naine peaks olema eestlane, sest eestlased hoolitsevad haudade eest. Paneb mõtlema.

    Näidend on lihtne, suisa pretensioonitu. Mõistetavam või puudutavam on see lugu tegelaste eakaaslastele ehk keskealistele. Sest Erik ja Anna on olnud sõbrad kolmkümmend viis aastat, lasteaiast peale. Head sõbrad, päriselt, ilma Anton Pavlovitš Tšehhovi loodud doktor Astrovi kurikuulsa küsimuseta: „Juba?“ („Onu Vanja“). Aga nad otsustavad siiski Astrovi pakutud etapid läbi proovida, ehkki teises järjekorras.

    Peategelane on Anna (Tatjana Kosmõnina) juba seetõttu, et viibime tema kodus, tema territooriumil, kus Erik (Sergei Furmanjuk) on külaline, ajutine, aga alati oodatud.

    Autor Tim Janson sõnastab kavalehel peamise teema: „Selle näidendi puhul paelus mind mäng mõttega, mis juhtub siis, kui kaks eluaegset sõpra, kes teavad teineteisest kõike, otsustavad astuda sammu, mis …“ Katkestan tsitaadi. Ilmselge, millisest sammust on jutt. Aga mis juhtub kahe inimesega pärast seda otsust, vaat see on küsimus. Autor pakub intervjuus välja kaks varianti. Kumb kujuneb Eriku ja Anna tulevikustsenaariumiks, jääbki küsivalt õhku. Kardetavasti mitte kumbki. Või loodetavasti? Sel lavalool ei ole well-made loogikaga algust ega lõppu, on vaid hetked need.

    Jaak Alliku lavastus keskendub näitlejatele, usaldades ja rahulikult. Pea­tegelane on laval kahtlemata Anna, kelle hingeelu valgustatakse tuntava kaasaelamisega. Mitte just idealiseerides, Anna tundepuhangud on ju vastakad, vahel kiusakad. Aga poolehoidvalt suhtub lavastus Annasse ikka. Muide, on üks eksitav detail. Torkab silma, et Tatjana Kosmõninal tuleb Annana kanda tumepruuni soengut. Kui üks parukas mõjub nii demonstratiivselt, peab sel olema põhjus. Too ontlik pedagoogi-imidž mõjub kui puhtväline enesekaitse, muutes Anna ühtaegu kohmetuks ja rangeks. Ka see, kuidas Anna kannab oma kostüüme, eriti koomiliseks tüliõunaks saavat (sini?!)rohelist kleiti, kiirgab signaale naise ebakindlusest. Tundub, et melodraamat peljates on lisatud leebet groteski, aga ma pole üldse kindel, et Kosmõnina roll sellist helistikku nii kangesti vajab. Mulle küll tundus, et Anna on oma siseilmas hoopis julgem, kirglikum, hingestatum, isikupärasema huumorimeelega naine.

    Aga kõikvõimalikud aksessuaarid ja rekvisiidid võivad väikses saalis hõlpsasti häirida, domineerida, vaataja tähelepanu kõrvale eksitada. Nõnda juhtub ka Eriku kingitud roosibuketiga: kunstlilled nii võltsid, Erik ise nii siiras. Tõsi, kuna Anna armukadedusehoos vaesed lilled prügikasti viskab, hakkaks tõelistest roosidest ju kahju, nii et las olla pealegi.

    Peategelane on Anna juba seetõttu, et viibime tema kodus, tema territooriumil, kus Erik on külaline, ajutine, aga alati oodatud. Sergei Furmanjuki Erik on passiivsem tegelane, heasoovlik lontuke ja muhe semu, õnneks huumorimeelega. Koos Erikuga siseneb tungivalt mängu lavatagune tegelane nimega Piret, kellel pole kuigi raske Erikut ümber sõrme keerata. Rahutuks küsimuseks jääb aga, miks Annal ja Erikul üldse oli vaja seda „saatuslikku“ sammu astuda. Kosmõnina ja Furmanjuki sõbralik, leebelt kõrvalpilguline partnerlus jätab vastuse lahtiseks ja nii ehk ongi õigem. Määravaimaks teguriks või otsustavaks ajuriks kujuneb arvatavasti seesama nähtamatu Piret. Et Annast ja Piretist sõbrannasid ei saa, no see on küll nagu aamen kirikus – Anna naiselik vaist on selleks liiga tugev ja kirgas. Ja Annaga samastudes ei saa Piret olla publikule sümpaatne.

    Kõige kujundlikum osa lavaõhustikus on Rosita Raua stsenograafia. Anna korter, esmapilgul igavalt olmeline ja staatiline ruum, teiseneb ja avardub pildivahedes. Anton Andrejuki valguskujunduses muunduvad trafaretse sektsioonikapi seinad ootamatult läbipaistvaks. Paotuvad Anna mälestused, nostalgia ja ilumeel; unistusena elustub kujutluspilt idüllilisest maakodust, kuhu nad koos Erikuga kolivad; viimaks aga võimutseb täielik tühjus, hall üksildus. Lavaruumi kaudu on finaal kurblik, komöödiast kaugenev. Ometi loodan ja usun, et Annal on elujulgust, et tema hallusele ei alistu. Ja küllap see Erik ka tagasi tuleb. Truule sõbrale külla.

    Lavastuse kavalehe ja plakati leitmotiiviks on kaks soonilist vanainimesekätt, väikesed sõrmed ühte põimunud. Kahe liitlase vastastikune tõotus. Mulle meenus „Eriku ja Anna“ plakatit vaadates Velda Otsus. Raamatus „Velda Otsus – nimi eesti kultuuris“ meenutab Eneken Aksel: „… ma küsisin: kas sa ei tunne ennast üksinda, kas sa ei taha, et su kõrval oleks keegi tore meesterahvas. Velda vastas, et vahetevahel ma mõtlen küll, et see oleks tore, niiviisi väikesest sõrmest kinni hoides käia jalutamas.“

    Laval põimuvad ka Anna ja Eriku väikesed sõrmed, aga ses aimub veel mänglevat flirti, võib-olla korraks humoorikat sõrmekooguvedamist. Kas nemad kord vanaduses saavad kõndida käsikäes? Kas see oleks võimalik ka eluaegsete sõpradena? Niisugune minoorne ja liigutav mõtisklus on Jaak Alliku lavastuse sõnum.

    Lavastajapoolne lisapealkiri, Erich Frommi teosele viitav „Armastuse kunst“, on omajagu ambitsioonikas. Mina pakuksin lisapealkirjaks hoopis „Hoidke sõprust“. Võib-olla ka seepärast, et samal õhtul oli Vene teatri suure saali mängukavas kontsertlavastus „Hoidke armastust“.

  • Punane Mask ja kõik need teised

    Aasta jooksul on maailma tabanud maskiuputus. Näokatete kandmine on saanud meie elu harjumuspäraseks osaks ja see visuaalne pööre saadab meid kõikjal, kuid ajalooliselt ei ole selles midagi uut. Inimkond on mitmesuguseid näokatteid kasutanud aastatuhandeid ja seda eri põhjustel. Näo katmisel võis olla kaitsefunktsioon (täpselt nagu tänapäeval!), ent seda võidi teha muudegi argielust eristuvate olukordade rituaalse tähtsuse rõhutamiseks.

    Nii näiteks on folklorist Reet Hiiemäe teemat käsitledes jõudnud seisukohale, et mask andis selle kandjale võimaluse kehastuda kellekski teiseks, tekitades talle ilma maskita inimese ees mingi omalaadse võimu ja eesõiguse.1

    Alati ei pidanud tegu olema võimupositsiooni omandamisega, näo katmise eesmärk võis olla pelgalt pealtvaatajate lõbustamine. Teame ju, et draamakunsti arenedes sai maskist teatri abivahend ning naerev ja nuttev mask on meilegi tuntud näitekunsti sümbolid.

    Maskid maadlusareenil

    Kõigi muude eluvaldkondade kõrval on näokatted olnud läbi aegade oma kohal spordimaailmas ja seda tulenevalt ikka neist eespool mainitud põhjustest – vajadus ja meelelahutus. Maskide või nendega sarnaste kaitsevisiiride kasutamine on mitme ala juures ette nähtud võistlusmäärustikuga, ent peale selle tuleb neid spordis aeg-ajalt tarvitada ka meditsiinilistel põhjustel. Või siis lusti pärast, just nii, nagu tegid omal ajal maadlusmatil tähelepanu püüdnud maskikandjad.

    Maadeldes maski kandmise komme oli tuntud juba XIX sajandi keskpaigas, seda näiteks Prantsusmaal. Tollal levisid siin-seal koguni jutud siniverelistest härrasmeestest, kes soovinud maadlejana võimed proovile panna oma kõrgesti sündinud isikut paljastamata, kuid niisuguste lugude tõsiseltvõetavus pole siiski lõplikult selge. On arvatud, et kuulujuttudele on alust andnud hoopis populaarne ja rohkete pärimustõlgendustega prantsuse jutusüžee raudse maskiga mehest.2 Teisisõnu, seesama lugu, mille tegi kuulsaks Alexandre Dumas oma teoses „Vikont de Bragelonne ehk Kümme aastat hiljem“.

    Eestis kogusid maskiga maadlejad populaarsust XX sajandi esimestel kümnenditel, mil see komme koos professionaalse maadluse levikuga omandas üha enam kommertslikke jooni. Jõumeeste heitlused kosusid suure publikumenuga vaatemänguks ja nagu teada, sai sealjuures populaarseks muljetavaldav arv siitmailt pärit jõumehi.

    Seda publikuhuvi hoidsid ülal professionaalsete maadlejate turniiridel kehtinud turundusreeglid, mis üksjagu erinesid amatöörspordi omadest – kommertsettevõtmised pidid ju publiku meelt lahutama, jõumeestele leiva lauale tooma ja korraldajad ära elatama. Osalejate puudust ei olnud, turniiridel tiirles ja koha eest päikese all konkureeris arvukalt maadlejaid, kellel tuli areenil püsimiseks peale maadlusalase võimekuse silma torgata muulgi moel ja nii võetigi kasutusele põnevaid lavanimesid, rõhuti värvikale väljanägemisele ja salapärasele nägu varjavale maskile.

    Elukutseliste maadlustrupp (u 1913). Esireas vasakult 1. Johannes Tigane, vasakult 3. aga taas üks maski kandev vägilane.
    Elukutseliste maadlusturniirist osavõtjad I maailmasõja eel Chiçinăus. Tagareas vasakult 1. ja 2. on eestlased Karl Tomberg ja Reinhold Heuer ja – nagu näha – poseerib teiste seas uhkelt ka üks maskiga maadleja.

    Miks ja kuidas?

    Avalikkusele selgitati maskikandmist ikka jõumeeste sooviga mingil põhjusel oma isikut varjata ja eelnevalt lepiti kokku ka protseduurireeglites. See võis tähendada näiteks nõudmist, et kui maskiga maadleja areenilt kaotajana lahkuma peab, tuleb tal mask maha võtta ja oma identiteet paljastada. Kuid võis olla hoopis vastupidi, nagu viitab alljärgnev iseloomulik lehesõnum 1921. aasta Tallinna maadlusturniirilt: „Maadlus täna Grand-Marina championaadi kuulsuse wägewa ja tugewa Musta Maski ja wõitmata Hall Maski vahel. Kes on Hall Mask? Kes on Must Mask? Kui Must Maske peaks Halli Maski ära wõitma, siis tuleb Must Mask rahwa soowile wastu ja wõtab oma maski wabatahtlikult ära, ehk tema küll seda kohustatud ei ole ja awaldab oma nime enne ära sõitu Tallinnast.“3

    Kaugemalt võisid kõik need maskiga vägilased tõepoolest paista salapärased, ent kui uskuda toonast ajakirjandust, peitusid näokatte varjus proosalised lood. Nii nagu sai kahe maailmasõja vahelises Eestis omajagu kriitikat kogu tõsisele sporditegemisele vastandunud elukutseliste maadlus, nii võeti arvustada ka maskikandmise fenomeni.

    Lahtiste kaartidega on seda kirjeldatud näiteks 1935. aastal Päevalehes ilmunud artiklisarjas „Kolm Eesti kangelast“.4 Selles mitmesse lehenumbrisse mahutatud pikemas kirjatöös meenutab autor Karl Reinberg raskejõustiku kuld­aega nimekate jõumeeste Aleksander Abergi, Georg Lurichi ja Georg Hacken­schmidti tegemiste kaudu, olles kogu tolle kireva maailma peale mõnelgi põhjusel kriitiline. Maskikandmise taga ei peitunud Reinbergi arvates midagi muud kui ärilised kaalutlused: „Keskmise nimega maadlejale surutakse mask pähe, antakse talle kohe alguses söödaks nõrgemad maadlejad. „Musta maski“ edu torkab silma, rahwa huwi ta wastu tõuseb. Kes wõib küll olla see saladuslik „must mask“? Lubatakse publikule, et tundmatu kõrwaldab maski esimese kaotuse puhul wõi tschempionaadi lõpp-päewal. Enamasti aga kadus „must mask“ silmapiirilt enne seda.“

    Maski kandsid ka eesti mehed

    Võis ju tõepoolest leiduda selliseidki siitkandi matihunte, kes suutsid maski püsivalt ette jätta ning sedasi lõpuni anonüümsuse säilitada, kuid siiski on ajaloost teada mitme eestlase nimed, kes selle põneva maadluskombega seotud olid.

    Ühe esimesena olevat endale maski kandes nime teinud omaaegne populaarne jõumees Johannes Tigane ehk Punane Mask (1888–1941). Samuti on ajalukku talletatud Tartu kandi vägimees Karl Albert Raag (1888–1963), kes olevat turniiridele ilmunud musta maski kandes, ja alati ootamatult, võites lõpuks rahva seas suure populaarsuse.5

    Vihjeid meie meeste maskilembusele leidub veelgi ja üldse võib 1920. aastate Eesti ajalehti sirvides ja sellaseid maadlusuudiseid lugedes tekkida mulje, et maskiga maadlejad olid siinsetel turniiridel koguni tavapärane nähtus. Kuid järeldustega ei maksa rutata, küsimus, kui levinud see tava oli, vajab täiendavat uurimist, mida ei muuda sugugi kergemaks asjaolu, et kogu elukutseliste raskejõustik oli XX sajandi alul küllaltki reguleerimata tegevusvaldkond. Seetõttu on toonasest turniirimaadlusest ülevaate saamine ajamahukas tegevus.

    Maskisümboolikat on kasutatud ka Eesti teatrite sporditegevuses, mille juures on ikka omal kohal olnud näitekunsti sümbolid – nuttev ja naerev mask.
    Johannes Tigane – Punane Mask (1910). Eesti Spordi- ja Olümpiamuuseumi näitus „Maskid spordis“ on Tartus avatud 2021. aasta mai lõpuni.
    Esimene maski kandes olümpiavõitjaks tulnud Eesti sportlane – vehkleja Svetlana Tširkova (1968).

    Eesti sport ja maskid. Lisalugemist6

    Vehklemismaskid. Kui esimesena võisidki Maarjamaa spordihuviliste seas tõsisemat avalikku huvi äratada maadlusmaskid, siis õigupoolest veelgi varem levis kaitsemaskide kandmine vehklemise harrastajate hulgas – ajaloost on teada, et esimesed nägu kaitsvad vehklemismaskid võeti kasutusele XVIII sajandi keskel Prantsusmaal.

    Vehklemismaskidega on seotud ka maske kandnud Eesti sportlaste esimene olümpiaedu. Esimene maski kandes olümpiamedalivõiduni jõudnud Eesti sportlane oli moodne viievõistleja Hanno Selg. Vehklemine on koos ratsutamise, ujumise, püstolilaskmise ja maastikujooksuga üks moodsa viievõistluse osistest ja just sellel alal võitiski Hanno Selg 1960. aasta Rooma OMil NSV Liidu meeskonna koosseisus võistkondliku hõbemedali. Tõsi, käegakatsutavat oma medalit ta saavutuse eest ei saanud, sest tollal andsid korraldajad meeskonna peale ainult ühe medali – ja meie meheni see paraku ei jõudnud. Maski kandes olümpiavõitjaks tulnud esimene Eesti sportlane oli aga vehkleja Svetlana Tširkova. Võitnud NSV Liidu floretinaiskonna liikmena kuldmedali nii 1968. aasta México kui ka 1972. aasta Müncheni mängudelt, sai Tširkovast ühtlasi üldse esimene olümpiavõiduni jõudnud Eesti naissportlane ja tänini ainus vehkleja, kes kõigi meie epeevehklejate kõrval on jõudnud medaliteni floretis.

    Väravavahimaskid. Esimesed näo kaitseks mõeldud maskid levisid jäähokis 1930. aastatel. Püsikasutusse võttis kaitsemaski esimesena profiliigas NHL mänginud Montréal Canadiensi väravavaht Jacques Plante, seda pärast 1. novembril 1959. aastal kohtumises New York Rangersiga saadud näovigastust. Esimene maski kandnud väravavaht Eesti jäähokis oli teadaolevalt Jõgevalt pärit Tiit Mets, 1963. aasta Eesti jäähokimeister Tallinna ekskavaatoritehase meeskonna koosseisus. Erilist pleksiklaasist valmistatud kaitsemaski hakkas Mets kandma 1962. aastal pärast õnnetut näkku tulnud litritabamust.7 Esimene talvistel rahvusvahelistel kompleksvõistlustel maski kandnud ja kullavõiduni jõudnud Eesti sportlane oli aga väravavaht Andrus Ahi, kes kuulus 1989. aastal taliuniversiaadil kuldmedali võitnud NSV Liidu jäähokikoondise koosseisu. Paljudel aastatel Eesti parimaks hokimängijaks valitud Ahi tegi ka Moskva Krõlja Sovetovi ridades kaasa NSV Liidu kõrgliiga meistrivõistlustel, võites seal 1991. aastal pronksmedali.

    Allveemaskid. Maski kandnud ja suurtelt võistlustelt kõige rohkem medaleid võitnud Eesti sportlased on allveeujujad. Tiitlivõistlustelt enim medaleid – 20 on ette näidata Anatoli Dalidovitšil, kellele kogunes MM- ja EM-võistlustelt kokku 13 kulda, 3 hõbedat ja 4 pronksi. Eesti meistrivõistlustelt on enim medaleid saanud Nikolai Tover, kes on võitnud aastail 1998–2019 kokku 107 medalit, sealhulgas 82 kulda.

    Maski kandnud Eesti sportlased on püstitanud ka Guinnessi rekordeid. 1993. aastal püstitati Tallinna spordiklubi Sebak eestvõttel rekord saja kilomeetri lestadega allvee-teateujumises, kus läbiti kokku 2000 etappi ajaga 13 tundi, 40 minutit ja 18 sekundit. 2011. aastal aga püstitasid allveesportlased Guinnessi rekordi „Kõige rohkem sukeldujaid korraga vee all kabet mängimas” – Raplamaal Valtus sai siis teoks teadaolevalt maailma esimene allveekabe turniir, kus lõi kaasa 52 allveekabetajat.

    Kalle Voolaid on Eesti Spordi- ja Olümpia­muuseumi teadur.

    1 Krista Taim, Reet Hiiemäe, Mask annab kandjale võimu ja eesõiguse. – ERR 21. V 2020.

    2 Michael East, Ring Heritage: An Early History of Mexican Lucha-Libre An Integral Part of Mexican Culture, Lucha-Libre Has an Interesting History. 25. IX 2020.

    3 Päevaleht 7. VII 1921, lk 1.

    4 Karl Reinberg, Kolm Eesti kangelast. – Päevaleht 5. VII 1935.

    5 Georg Kristjanson, Eesti raskejõustiku ajaloost. Eesti Raamat, Tallinn 1973, lk 48.

    6 Rohkem teavet maskide kasutamisest Eesti spordis läbi aegade saavad huvilised Eesti Spordi- ja Olümpiamuuseumi näituselt „Maskid spordis“, mis on Tartus avatud 2021. aasta mai lõpuni.

    7 Tiit Lääne, Tiit Mets – Eesti esimene maskiga väravavaht. – Vooremaa, 2. II 2013.

  • Ääremärkusi teaduse vahelt – Van Gogh ja sõrmkübaratäis kunstiannet

    Teadlasena filme vaadata on sageli ühtaegu naljakas ja piinlik. Muidugi pole see nii kõikide filmidega, vaid mõnega, mis on näiteks teadusetegemisest üldiselt või konkreetsemalt mind ennast puudutavast valdkonnast. Näiteks on tüüpiline, et mis tahes Jeesus Kristust portreteerivas filmis käib möll kõrbes, kus kasvavad kaktused. Teatavasti kasvavad need üksnes Uues Maailmas. Lähis-Ida kõrbetes kasvavad hoopis sukulentsed piimalilled.1 Eks nad natuke sarnased muidugi on – konvergents ja puha. Rääkimata sellest, et kõikjal maailmas – Vietnami džunglitest kuni Patagoonia tasandikeni – krooksuvad California endeemsed konnad. Loomulikult pole teadlased siin mingi erandid, küllap vaatavad arstid analoogsete tundmustega näiteks sarja „Dr House“,2 torulukksepad „porri“ jne.

    Sageli valingi vaatamiseks filmi peaasjalikult seepärast, et saada teada, kuidas kujutatakse filmis mõne konkreetse teadlase elu (Freudist ja Jungist rääkiv „Ohtlik meetod“,3 „Eksperimentaator“4 Stanley Milgramist), mõnd läbimurdelist teaduslikku eksperimenti kas minevikus ja tegelikkuses („Eksperiment“5 1971. aasta Stanfordi vanglakatsest) või teaduslikke tobedusi tulevikus ja väljamõeldises („Prometheus“,6 „Lucy“7), või mis tahes muus aja, ruumi ja fiktsiooni ühitamises. Vaimuhammas läheb kohe verele selliste filmide peale. Mõnikord võtab see napakadki mõõtmed, kuna vaatan filme, mille kohta tean ette, et küllap pettun, kuna mingi nipiga need minu huvi vääri. Kas või juba žanrilt. Näiteks vaatasin teaduslikest kaalutlustest lähtudes hiljaaegu eluloofilmi maalikunstnik Vincent van Goghist (1853–1890) pealkirjaga „Igaviku väravas“.8 No ei meeldi mulle eluloofilmid! Näitlemise asemel kiputakse võimalikult täpselt imiteerima mingit arhiivimaterjali, mis on nagunii Youtube’is olemas – nagu näiteks parima filmi, lavastaja, stsenaariumi ja peaosatäitja Oscarid saanud „Kuninga kõne“.9 Kuid mis peamine: kuna elulugu, vähemalt põhilises osas, on enamasti kõigile teada (eluloofilme tehakse ju ikka kuulsustest), siis poogitakse sinna alatihti juurde mingeid totakaid paljutähenduslikke, sageli eraelulisi stseene, et lugu vaatajale huvitavamaks ja kaasakiskuvamaks teha, ent mille tõttu läheb film hoopis üle võlli camp’iks.10

    Sõrmkübara tinktuur …

    „Igaviku värava“ lühitutvustuses kirjutati igatahes midagi sellist, et eluloofilm portreteerib perioodi Vincent van Goghi elust, mil ta arendas välja talle eriomase värvipaletiga maalimisstiili. Eks seda maalimisstiili tea isegi reaalteadlased, nii palju nad ikka kunstist jagavad. Näiteks van Goghi „Iirised“ on vähemalt kahe taimeteaduse põhitõdesid edasiandva õpiku kaanekujunduses. Selle eriomase värvi

    1890. aastal valminud Vincent van Goghi maalil „Dr Gachetʼ portree“ silmitseb van Goghi elu lõpukuudel ravinud arst, seesama dr Gachet mõtlikult sõrmkübarakimbukest.

    paletiga on aga nii, et olen kunagi ei tea kust kuulnud, et selle taga pole mingit suurt kunstilist geniaalsust, vaid tegu on teatud taimede tinktuuridest tingitud kõrvalmõju(de)ga. Taimede biokeemia ja ei miskit muud.

    Esiteks manustati toona XIX sajandi teisel poolel ravimina südamepuudulikkuse ja -rütmihäirete puhul, mis van Goghil teadaolevalt esinesid, sõrmkübarast valmistatud mikstuuri. Sõrmkübar (Digitalis) on teeleheliste sugukonda kuuluv taimeperekond, mille üks esindaja Digitalis purpurea ehk verev sõrmkübar on ka Eestis küllaltki levinud üleni mürgine taim. Villase sõrmkübara (D. lanata) lehtedes leidub ühendit nimetusega digoksiin ja just selle põhjal valmistatud preparaate on juba sajandeid kasutatud südamelihase tegevuse väestamiseks. Südamega ei olnud van Goghil kõik korras, pealekauba on ta sõrmkübarat ka maalinud. Nimelt silmitseb 1890. aastal valminud maalil „Dr Gachetʼ portree“ van Goghi elu lõpukuudel ravinud arst, seesama dr Gachet, mõtlikult sõrmkübara­kimbukest. Kokkusattumatusele viitavat tähendusrikkust nagu muda.

    Sõrmkübara tinktuuri manustamine on küllaltki ohtlik ning tekitab vähemagi ülemanustamise puhul peale muude hädade ka nägemishäiringuid. Silmavaade kisub servadest uduseks, domineerima hakkavad kollased toonid ja sageli on kollakat valgust kiirgavatel asjadel sinakas halo ümber. Ammu teada kõrvalmõju, mida nimetatakse ksantopsiaks ehk kollasenägemiseks, on loodusteadlane ja arst, inglise Linnéna tuntud William Withering (1741–1799) kirjeldanud juba XVIII sajandil.11 Õigupoolest just tema tegigi kindlaks, et sõrmkübar on taim, millega saab leevendada südame rütmihäireid.

    Siinkohal väike kõrvalepõige. Seesama Withering uuris üht kohalikku, Inglismaa lääneosas levinud paljudest taimeliikidest kokku segatud tinktuuri, mida kasutati tursete ravimisel. Ta tegi üheksa aasta jooksul põhjalikke eksperimente ja vaatlusi: kogus tinktuuri valmistamisel kasutatavate taimede osi eri aegadel, prepareeris neid eri viisil, tegi hoolikaid ülestähendusi oma patsientide kohta, kellele ta seda tinktuuri manustas. Kuni lõpuks jõudis järeldusele, et ravijõu annab sellele tinktuurile sõrmkübar. Samuti kirjeldas ta prepareerimise ja manustamise protseduure, mis olid patsiendile kõige ohutumad ja tõhusamad. Aga siis tuli Darwin ja pätsas selle teadmise ära! Tegemist on ühe kõige varasema teadaoleva teadusliku plagiaadi juhtumiga.

    See ei olnud siiski mitte Charles Robert Darwin ehk see Darwin, kes on Inglise kümnenaelase peal, vaid tema vanaisa Erasmus Darwin, kes oli väga mitmekülgne mees – poeet, insener (muu hulgas ka koopiamasina leiutaja!), loodusteadlane, aga peaasjalikult samuti praktiseeriv arst. Tal oli üks südamehäirega patsient, kelle puhul ta palus konsultatsiooni ka Witheringilt, ja küllap see siis rääkis talle sõrmkübara toimest ning aitas patsiendil terveneda. Mispeale Darwin avaldas kohe artikli (mõni kuu enne Witheringi eespool nimetatud samateemalist traktaati), kus kirjeldas sõrmkübara raviomadusi nendesamade katsete ja vaatluste põhjal, millest Withering oli talle rääkinud. Mehed läksid seepeale tülli ja Erasmus, vana intrigant tegi pärast kõik selleks, et määrida Witheringi renomeed, kuigi teda peeti Inglismaa juhtivaks taimetargaks ja kõige kuulsamaks arstiks väljaspool Londonit.

    Wikimedia Commons
    Vincent van Goghi maal „Öine kohvik“ (1888) on üks kõige ksantopsilisemaid töid.

    koirohi absindis …

    Aga tagasi van Goghi juurde. Teiseks võimalikuks taimseks toimeaineks, mille kergelgi üledoseerimisel kipub tekkima kollasenägemine – nii nagu sõrmkübarast eraldatud digoksiiniga – on santoniin, mida saab kõige tõhusamalt eraldada meripujust (Artemisia maritima). Meripuju on koirohuga (Artemisia absinthium) samasse perekonda kuuluv rohttaim, mõlemad kasvavad ka Eestis, kuigi on haruldased ja meripuju lausa kaitse all. Santoniini on kasutatud ka ravimina sooleparasiitide vastu. Van Goghi organismi jõudis santoniin pigem absindi manustamise kaudu, kus seda koirohupõhisuse tõttu ka omajagu leidub, kuigi absindile iseloomulikku värvi ja maitset põhjustab hoopiski tujooni-nimeline ühend. Jällegi – seda, et ekspressionistid liiga palju absinti kaanisid, teavad isegi reaalteadlased.

    Kas siis võib olla, et van Gogh „avastas“ talle eriomase värvipaleti mõnel hapramal eluperioodil (mitte et tal neid vähem hapraid väga olnukski12), kui ta oli liialt palju sõrmkübara tinktuuri või absinti manustanud? Mõneti on seda raske uskuda, ja seda veidi paradoksaalselt just seepärast, et need ülemanustamise mõjud, vähemalt sõrmkübara puhul, põhjustavad kollasenägemist ja vaatevälja servades pildi hägustumist äärmise järjekindlusega. 1969. aastal juhtus ühes ravimifirmas äpardus, mille tagajärjel sattus tabletipartiisse ülemäära palju digoksiini.13 See partii jõudis ligikaudu kahesaja inimeseni, kellest 95% kaebas ksantopsiat – nende nägemismeel oli kolinud van Goghi maalimaailma. Sel juhul võib ju arvata, et mõni teinegi kunstiandega inimene on kunagi meripuju või sõrmkübara tinktuuriga kogemata liialdanud, niisugust eriomast värvipaletti enda ümber näinud, seda joonistanud või maalinud.14

    või hoopis kromatopsia?

    Ühesõnaga, asusin filmi „Igaviku väravas“ vaatama lihtsalt seepärast, et näha, kas need võimalikud hüpoteesid on ka sisse toodud. Paljulubav oli. Alguses möllas van Gogh Pariisis, aga kukkus seal läbi, pettus sealses kunstisüsteemis ja läks üksi ohtlikule rännakule – küllap sellesama igaviku värava poole. Filmi lavastaja Julian Schnabel on ise ka endine maalikunstnik ja tema filmikeelgi on ekspressiivne. Schnabeli ehk kuulsaim film, „Tuukrikell ja liblikas“,15 mis räägib koomasse langenud mehest, kes väljendab end üksnes vasakut silma pilgutades, tuli kohe silme ette oma servast udutatud avakaadritega, mis pidid väljendama seda, kuidas peategelane end ümbritsevat hoomas. Tõepoolest, niipea kui van Gogh asus oma rännakule, käisid tal peal kõiksugused hood ja ta istus liialt palju kõrtsis – tema maal „Öine kohvik“ (1888) on üks kõige ksantopsilisemaid töid –, hakkasid ka filmikaadri servad säbrutama ja ekraanil domineeris kollakas, ülesäritatud kiirgus.

    Hakkasin juba lootma, et kas tõesti … Näidati veel mitut teda ravinud arsti, kes rohupudelitega sahmerdasid, nende hulgas seesama dr Gachet. Aga ei miskit! Biokeemiast, sõrmkübarast, santoniinist ja digoksiinist ei sõnagi. Ei mingit vihjetki sellele, et inspiratsiooni võis anda taimedes leiduvate orgaaniliste ühendite kõrvalmõju. Selle asemel oli järjekordne klišeeline ülistus kunstniku­hingele, mis meeleheite ja -segaduse katarsises keetis kokku midagi erakordset. Äh! Paganama tüüpiline eluloofilm!

    Siiski – üks teaduslikumat sorti hüpotees on veel ja seda film ümber ei lükanud. Kromatopsia ehk värvide nägemine objektidel, mis tegelikult värvilised pole. Et Lõuna-Prantsusmaal, Arlesʼi vahemerelises kuivuses ja pilvitus päikesekiirguses absindipohmakast tingitud veepuuduses päevade kaupa mööda kõlvikuid ringi ukerdades sai van Gogh lihtsalt liialt palju päikest ning see põhjustaski tal kromatopsia, nii et kõik kippus silme ees päikesekullasena kiirgama. Ei ole vaja ronida soojadele maadele, eriti veel, kui tervis on niigi kehv. Püsige kodus!

    Lauri Laanisto on kiiksuga filmisõber.

    1 Üks silmatorkav erand on film, kus Jeesuse tegelaskuju kannab nime Brian – Terry Jonesi „Monty Python’s Life of Brian“ (1979) on filmitud Tuneesias.

    2 „House, M.D.“, David Shore, USA 2004–2012.

    3 „A Dangerous Mind“, David Cronenberg, Kanada-Saksamaa-UK 2011.

    4 „Experimenter“, Michael Almereyda, USA 2015.

    5 „Das Experiment“, Oliver Hirschbiegel, Saksamaa 2001.

    6 „Prometheus“, Ridley Scott, UK-USA 2012.

    7 „Lucy“, Luc Besson, Prantsusmaa 2014.

    8 „At Eternity’s Gate“, Julian Schnabel, Prantsusmaa-UK-USA 2018.

    9 „The King’s Speech“, Tom Hooper, UK-Austraalia 2010. Youtubeʼis otsida „Georg VI speech 1939“. Nt: https://www.youtube.com/watch?v=opkMyKGx7TQ

    10 Üks hiljutine käsitlus ilmus hiljuti: Nicholas Barber , Why biopics go so wrong. – BBC 15. I 2021.

    11 William Withering, An account of the foxglove and some of its medical uses. Robinson, Birmingham 1785.

    12 Elu tema ümber oli hirmus juba siis, kui ta veel kunstnikuks polnud hakanud – elukoledusi, mis ümbritsesid van Goghi näiteks 1879.-80. aastal Valloonias Borinageʼi kaevanduspiirkonnas misjonäriametit pidades, on kirjeldanud Egon Erwin Kisch raamatus „Pöörane reporter“, Loomingu Raamatukogu 1961.

    13 A. H., Lely, C. H. J. Van Enter, Large-scale digitoxin intoxication. – British Medical Journal 1970, 3, 737–740.

    14 Ja tõepoolest, näiteks Joris-Karl Huysmansi romaanis „Äraspidi“ (Koolibri 2016, tõlkinud Leena Tomasberg) valib peategelane des Esseintes oma uuele kodule tapeeti, loobudes kohemaid lillast, sest: „Pealegi tundus talle üsna tarbetu selle värvi poole pöörduda, sest kui manustada paras annus santoniini, paistab kõik niigi violetsena ja sedaviisi saab hõlpsasti seinakatte värvi muuta, ilma et tarvitseks üldse midagi ette võtta“ (lk 17)

    15 „Le Scaphandre et le Papillon“, Julian Schnabel, Prantsusmaa-USA 2007.

  • Rein Raamat 90: maalikunstist filmimaailma ja ringiga tagasi

    20. märtsil saab 90aastaseks Rein Raamat, Eesti joonisfilmitootmise rajaja. Tähtpäeva puhul 15. – 21. III 2021 toimuma pidanud filmilinastused ja konverentsiüritused, mida korraldavad Eesti Animatsiooni Liit ja Eesti Kunstiakadeemia, oldi sunnitud koroonapiirangute tagajärjel kolima virtuaalruumi. Värskelt on äsja ilmunud ka mahukas juubelitrükis, mis koondab endas rohkelt illustreeritud linnulennu-ülevaate autori pikaaegsest loometeest nii kunagise Tallinn­filmi kinostuudio filmikunstniku, joonisfilmirežissööri kui ka vabakutselise maalikunstniku ja kunstnikest rääkivate dokumentaalfilmide lavastajana.

    2020. aasta lõpus (täpsemalt 9. novembril 2020) anti Rein Raamatule rahvusvahelise animafilmide assotsiatsiooni ASIFA (Association Internationale du Film d’Animation) elutööpreemia. Varem on Eestist nii kõrge rahvusvahelise tunnustuse osaliseks saanud ainult Priit Pärn (2001), kelle Raamat 1970. aastate alguses vastloodud Tallinnfilmi joonisfilmiosakonda tööle oli kutsunud. Võib ka liialdamata väita, et kui poleks olnud Raamatut, poleks ka teisi hinnatud animatsioonitegijaid Heiki Ernitsast ja Janno Põldmast kuni Mati Kütini välja (või siis oleks nende karjääritrajektoor olnud hoopis teistsugune). „Raamat kutsus,“ öeldi sageli nii 1970. kui ka 1980. aastatel esmalt vastuseks küsimusele, kuidas üks või teine tuntud kunstiinimene joonisfilmi juurde oli sattunud. Ei olnud vahet, kas vastajaks oli näiteks siis Aili Vint, Leonhard Lapin, Sirje Runge, Ando Keskküla, Rein Tammik, Jüri Arrak või Sirje Eelma, peamiselt värvilahendusega töötavatest foonikunstnikest rääkimata – selline nimekiri läheks liiga pikaks.

    Igatahes leiame Rein Raamatu joonisfilmid itaalia animatsiooniajaloolase Giannalberto Bendazzi mitmesse keelde tõlgitud käsitlusest „Animafilmid – 100 aastat animatsiooni“,1 mille läbitöötamiseta ei saa diplomini jõudmist maailmas ette kujutada vist küll ühegi animatsioonitudengi puhul. Eestis peaks omakorda igale animatsioonitudengile kohustuslik lugemisvara olema Rein Raamatu mälestusteraamat pealkirjaga „Värvilindu püüdmas“.2 Olles lõpetanud 1957. aastal toonase Eesti Riikliku Kunstiinstituudi (ERKI) maali eriala, pürgis Raamat filmi ja kunsti sünteesi poole. Kanada animatsiooniajaloolase Chris Robinsoni monograafias „Geniaalsuse ja täieliku kirjaoskamatuse vahel: Eesti animatsiooni lugu“3 nimetatakse Raamatut õigusega prohvetiks: tal oli visioon ja ta viis selle ellu. Veel praegugi Eesti filmipoliitikas hingitsev arusaam, et animatsioon ei pruugi olla ainult kommertsiaalne väikelastele suunatud meelelahutus, vaid see võib olla ka kunst, rahvusvahelistel erialafestivalidel näidatav autorianimatsioon, on ajaloo perspektiivist suuresti just Rein Raamatu teene.

    Nii palju on seda, millest rääkida, ent keskendugem 1971. aastal alguse saanud Tallinnfilmi joonisfilmiosakonna sünniloole ning Raamatu tuntumatele joonisfilmidele „Suur Tõll“ (1980) ja „Põrgu“ (1983).

    Rein Raamat, võib-olla alustuseks küsiksingi selle hästi lihtsa, aga samas, kui nüüd mõtlema hakata, keerulise küsimuse. Et kas joonis­animatsioon on kunstiajaloo uurimisobjekt või on see pigem filmiajaloo uurimisobjekt? Mis teie arvate, kuna teie hariduslik taust on ju selline, et tulite sisuliselt diplomeeritud maalikunstniku-portretistina filmitööstusesse?

    Kui meil hakkasid ajad muutuma ja kõik läks vabamaks, siis sain kontakti ka inimestega, kes tegid animatsiooni juba teistmoodi, mitte nagu Walt Disney stuudio. See kõnetas mind niipalju, et mul hakkas tekkima seos sellega, mille teostamise peale olin juba varem palju mõelnud, kuigi mitte ilmtingimata seoses animatsiooni, vaid maalikunsti vahenditega. Mõtlesin, et kuidas ikkagi oma erialast haridust siduda filmiga.

    Pärast õpingute lõpetamist maalisin alguses vabal ajal ja olin pikka aega mängufilmide peal, tegin üle kümne filmikujunduse (sealhulgas näiteks „Põrgupõhja uus Vanapagan“, „Mäeküla piimamees“, „Viini postmark“ ja „Viimne reliikvia“4 – A. T.) Siis sain aga aru, et sellega ma hea meelega jätkata ei tahaks. Need filmid olid enamikus väga tugeva ideoloogilise taustaga – mida nõutakse ja mis ka läbi läheb –, kuna kõike finantseeris Moskva. Kõike kontrolliti kümneid kordi, enne kui film tootmisesse läks, ja kui film oli lõpuks valmis, tuli seda ka neile esitleda. Ja mulle hakkas see kõik kuidagi vastu. Nägin palju vaeva ja portreemaalimise asemel pidin filmikunstnikuna tegelema hoopis arhitektuuri õppimisega jne.

    Kõik see oli nii keeruline ja hakkas päris vastu siis, kui pidin kujundama mängufilmi „Valge laev“.5 Siis oli mul küll niisugune tunne, et lähen selle filmi pealt üldse ära, aga samal ajal mõtlesin, et äkki tundub see pirtsakusena, kui ma olen töö peaaegu juba ära teinud. Mõtlesin samas, et mul on siiski tarvis Tallinnfilmi tuge, kui tahan midagi muud teha. Ja siis tulid inglased, prantslased, sakslased, poolakad ja ma nägin hoopis teistsugust animatsiooni, mida maailmas tehakse. Siis oli mul juba kindel otsus, et ma hakkan sellega tegelema.

    Muidugi, Tallinnfilmi direktor Nikolai Danilovitš ütles kohe, et nukufilmi osakond on ju meil olemas 1957. aastast, miks sa tahad veel teistsugust. Ütlesin, et need on kaks täiesti erinevat asja. Püüdsin talle seda selgeks teha ja läksin oma sooviga ka Eesti NSV kinokomitee esimehe Feliks Liiviku juurde. Liivik oli niisugune otsustaja, kes ei kaalunud väga kaua, aga vaatas, et sellest võib asja tulla. Ta ütles: tee, me anname sulle natukene raha, et saaksid kursusi teha ning see kõik on väga tagasihoidlik, aga eks siis vaatame, mis tuleb. Ja nii oligi.

    Rein Raamat: „Ma olen oma filmid üles ehitanud nii, et neis käsitletakse inimlikke probleeme ja ühiskonna probleeme. See võib tunduda üldsõnaline, aga need teemad ei piirdu riigipiiriga, vaid on piiride ülesed.“

    Aga nukufilmi ja joonisfilmi osakond olid ja jäid ikka eraldi?

    Ikka eraldi, jah.

    Kuidas uustulnukasse suhtuti, kas toetati? Töötasite ju pärast instituudi lõpetamist ka Elbert Tuganovi esimese (ja üldse Eesti esimese) nukufilmi „Peetrikese unenägu“ (1958) juures.

    Toetus võis väljenduda ka nii, et ei oldud vastu. Tuganov küll hiljem soovitas: Raamat, teie filmides võiks ikka mõni nali ka olla. Aga ei saanud seal mingit nalja.

    Kui pikk katseaeg alguses anti?

    Edasi seisis ees selline praktiline töö: pidin käima Moskvas tutvumas, kuidas joonisfilmi tehakse. Õnneks sattusin seal niisuguse mehe peale nagu Fjodor Hitruk. Ta oli minu suhtes heatahtlik. Teadsin, et ta eriti ei taha algajatega suhelda, aga minu suhtes ta kuidagi leebus, olime aastaid hiljemgi kontaktis.

    Tulles tagasi selle küsimuse juurde, millised minu filmid pidid hakkama olema, oli mul soov, et need ei peaks olema sellised, nagu Disney on teinud. Kuigi ma olen seal stuudios käinud ja Frank Thomas, tema üks lähemaid abilisi, rääkis, kui keeruliselt nad oma filme tootmisse annavad ja milline nõudlikkuse tase neil on. Vaat see mulle küll meeldis ja ma mõtlesin, et ka meil tuleb tulemuse saavutamiseks selline nõudlikkus kehtestada.

    Minu lähtepunkt oli aga see, et ma olen ju maalikunstnik, nii et … Kuidas ühendada maal joonisfilmiga? Kuidas ühendada need niimoodi, et tulemus ei oleks lihtsalt üks lastefilm? Ja et kui see on kunst, siis tähendab see, et mul on suurem õigus teha film nii, et see ei ole ainult lastele mõeldud, vaid on täisväärtuslik kunstiteos. Ja sellega on mul võimalik teha palju enamat. Teha midagi, mille piirid ei ole nii kitsad, vaid mis oleks laiemalt kunstiteosena vaadeldav. Ja siin ei tohiks olla tabuteemasid.

    Näiteks oli mul konflikt Kanadas. Ottawa animafilmifestivalil näidati „Suurt Tõllu“ ja tavaliselt oli seal järgmisel päeval pärast filmide linastumist programmis pressikonverents. Mulle oli olukord kaunis keeruline sellepärast, et pressikonverentsil vaadati, et NSV Liidus tehtud film ja – noh, kuidas nüüd öeldagi? – ajakirjanike suhtumine ei olnud väga sõbralik, vaid isegi terav. Seal siis öeldigi: vaadake, animatsioon peab olema lastele, ajaviiteks ja õpetuslik ja nii edasi. Aga mis teie teete? Sellise vägivaldse filmi! Kellele ja miks te sellist asja üldse teete? Kõik kuulatasid, mis ma selle peale vastan. Ja siis ma ütlesingi, et kui see on kunst, siis ei tohiks olla neid piire, mida teie välja pakute. Ja kui see on kunst ja kunstiteos, siis võtke seda ka kunsti ja kunstiteosena!

    Kõik jäid vait. Aga pärast läks niimoodi, et žürii liikmed olid samuti olnud sellel pressikonverentsil ja ma sain auhinna (1982, II auhind IV Ottawa rahvusvahelisel animafilmide festivalil. – A. T.). Nii et pidin veel sõnadega kinnitama seda, mida nad ekraanil juba näinud olid. Belgia animatsiooni algataja Raoul Servais ütles mulle: tead, see jutt, mis sa rääkisid, ja see, mis me nägime, on väärt rohkemat. Nii et tegijad said väga hästi aru, aga ajakirjanikud olid esiti kriitilised.

    See on huvitav ja näitab, et Disney mõju on ikkagi olnud kogu valdkonnale nii suur, et eeldatakse automaatselt, et animatsioon on laste meedium. Seda nii läänemaailmas kui ka Sojuzmultfilmis.

    Tegelikult on niimoodi, et 80% tehti lastele ja 20% lubati muud. Väikese kahtlusega küll: vaadati, mida see tähendab, kui täiskasvanutele tehakse, mis tagamõte sellel on? Ja kes seda vaatama hakkavad? Nii see kõik need aastad toimis.

    Kuidas teil üldse õnnestus Goskinos saavutada selline olukord, et nii mitmed eesti joonisfilmid ei pidanudki olema otseselt lastele toodetud?

    Meie toimetaja Silvia Kiik vastutas vägagi palju: ta kontrollis stsenaariume ja rääkisime palju sellest, mida või kuidas Moskvale esitleda. Etappe oli ju terve rida: kõigepealt kirjutati stsenaarium, mis läks toimetuskolleegiumisse, ja siis juba sõnastati see Moskvale natuke teistmoodi. Juba kaks aastat varem oli see tootmisplaani kirja pandud nii, et näiteks „Suur Tõll“ – rahvamuistend. Rahvamuistend – no muidugi, mis siin siis ohtlikku on, ja nii ta kirja läks. Moskvas ei leitud vajadust kontrollida, kuidas need kujud välja näevad. Ja nad ei nõudnud ka lavastusprojekti, mida nõuti Tallinnfilmis. Eks ole, et on stsenaarium, režiistsenaarium, lavastusprojekt ja siis alles hakkab tootmine pihta. Nii et mitu astet, mida kõiki enne kontrollitakse.

    Mulle aga oli tähtis, et kui ma hakkan seda filmi tegema, siis milline on see stiil. Et see oleks terviklik ja hõlmaks kogu lugu ega oleks eklektiline. Et kõik toimib nii, nagu ma olen kirjutanud ja milline see mõjujõud peab olema. Ehk ei saa seda viia üle karikatuuri, vaid sellel peab olema tugev jõud taga. Ja kui ma seda kirjutasin, siis ma nägin juba, et seda filmi võiks Jüri Arrak kujundada. Tema kujundatud tüübid ja taustad. Kõik. Tema küll ei tea, kuidas filmi tehakse, aga on teisi kunstnikke, kes teavad, aga nemad ei valda jälle seda, mida Arrak. Nii tegigi tema tüübid, värvid ja taustad. Seejärel tulid juba Heiki Ernits ja Valter Uusberg, kes õppisid Arrakult, kuidas neid kujusid joonistada.

    Ka ei andnud ma järjest kõiki stseene animaatoritele teha. Et keegi ei saaks näpuga näidata, et see on kahtlane, mis siit tulema hakkab. Selle jätsin enda teada. Samal ajal hakkas kõik pikkamööda kujunema. Kuigi vägivaldsed filmistseenid andsin üle kõige hiljem, et keegi väga ei ehmataks. Teadsin küll, et kogu aeg oli ju silm peal ja vaikselt kontrolliti, mida ma teen. Aga ma ei teinud midagi, mis oleks olnud väljaspool neid piire, mis oli seal stsenaariumis ette antud. Ja nii sai film valmis. Aga seejärel, kuna filme finantseeris Moskva, kutsuti mind “vaibale” ja öeldi, et väga palju tulevat kaebekirju. Pensionäridelt eriti.

    See oli siis siin Tallinnas või Moskvas?

    Moskvas ikka, kõige kõrgemal, sest Moskva ju jagas raha. Arutati, mis see Raamat nüüd on teinud. Siis ma ütlesingi neile: Venemaal on ka vaenlasi, sakslased tahtsid hävitada Venemaad, samuti oli Eestis. Rääkisin neile selle ajaloo ja sidusin selle kuidagi niimoodi ära, et … nii, nagu ongi, et seal ei olnud midagi valet.

    Ehk siis käidi piltlikult välja seesama vana kaart, et kõik baltlased olla fašistid?

    Mitte ainult selle filmi peale, vaid „Põrgu“ peale täpselt samamoodi. Film põhineb Eduard Wiiralti graafikal ning kui ütlesin, et Wiiralt tegi seda 1930. aastatel, kui Hitler tuli võimule, siis … kõik.

    Siis võis teha?

    Siis võis teha jah. Vahepeal pandi see film ju seisma. Kutsuti mind välja. Esitati küsimusi. Inimesed jäid ilma palgata.

    Aga samal ajal sai „Suur Tõll“ festivaliauhindu.

    Jah, film oli valmis ja asjatundjad võtsid selle väga hästi vastu, aga kui seda televisioonis lastele näidati, siis lapsed jooksid mõnikord teise tuppa. Siiamaani räägitakse, et see oli nii hirmus. Ja eks on ka tegelikult. Lapse psüühikale on see ikka vastuvõetamatu, aga see ei olnudki mõeldud lastele.

    1983. aastal valminud „Põrgu“ eest saite 1985. aastal XIV Annecy rahvusvahelisel animafilmifestivalil žürii eripreemia ja film sai ka rahvusvahelise filmikriitikute ühingu FIPRESCI auhinna. Selles mõttes oli joonisfilm üks väheseid näiteid Nõukogude Liidu aegsest eesti kultuurist, mille vastu oli ka rahvusvaheline huvi. Kas mõeldi teadlikult sellele, kuidas teha filmi, millest kodupublik saaks aru, mis läheks läbi Goskinost ja mida saaks pärast saata ka välismaa filmifestivalidele?

    Ega meie saatnud. Mulle oli suur üllatus, kui Moskvast helistati: Raamat, teie film sai Prantsusmaal auhinna. Mulle ei rääkinud keegi varem midagi. Järgmisel aastal kustuti mind aga Annecysse žüriisse ja öeldi, et hakka nüüd seda juhtima. Siis mõtlesin küll, et prantslased, hiinlased, bulgaarlased …, kõigil erinev kultuuritaust, ja mina seal eestlasena. Olin varem Nõukogude Liidu mängu- ja animafilmide žüriides küll olnud, aga niisugust žüriid ei olnud ma kunagi varem juhtinud.

    Arvestades, et filmitegemine on rühmatöö, siis milline oli joonisfilmistuudio suurus 1980. aastateks, kui palju inimesi töögruppi kuulus?

    60 ringis, nii see arv kõikus. Kui oli tarvis lisatööd teha, siis tehti veel lepinguid. Näiteks „Põrgu“ ajal tegi Sirje Eelma väga häid joonistusi; teadsin, et ta on väga hea joonistaja ja ta oli nõus seda tööd tegema. Nii et oli veel palju inimesi, kes teatud lõike joonistasid.

    „Põrgu“ tegemine oli üldse väga keeruline. Mulle öeldi, et Eestis pole inimest, kes oskaks joonistada nagu Wiiralt. Tase ei olevat see. Käisin ka instituudis abi otsimas, kuni lõpuks Allex Kütt ütles, et on üks mees – skulptor, aga töötab restauraatorina, Vambola Mets. Kahe nädala pärast olid tal tüübid valmis tehtud. Kui ma teda ei oleks leidnud, siis ma ei tea, mis oleks lõpuks juhtunud. Mul olid mõned enne lausa stuudiost minema läinud, et muidu rikuvad oma käekirja Wiiraltiga ära. Pidin Sojuzmultfilmist inimesi appi kutsuma. Lõpuks saime grupi kokku.

    1970. aastate alguses olite alustanud 14 inimesega.

    Lihtsalt ei olnud tookord rohkem raha.

    Aga tahtjaid tuli konkursi peale kõvasti rohkem?

    Sadu, sadu inimesi tuli. Kõik tundsid huvi selle ala vastu ja teadsid kindlalt, et hakkavad tegema joonisfilme nagu Disney. Ja kõik olid pettunud, kui ma hakkasin hoopis teistmoodi tegema ja teistmoodi mõtlema.

    Aga küsisite ka selle kohta, et need filmid tekitasid rahvusvahelist huvi. Ma olen oma filmid üles ehitanud nii, et neis käsitletakse inimlikke probleeme ja ühiskonna probleeme. See võib tunduda üldsõnaline, aga need teemad ei piirdu riigipiiriga, vaid on piiride ülesed. Need on inimestevahelised suhted: konfliktid inimese ja ühiskonna vahel ning inimeste omavahelised konfliktid, mis on alati viidud piirsituatsiooni. Ja me ei tea, kuhupoole see kõik pöördub.

    1 Giannalberto Bendazzi, Cartoons: One Hundred Years of Cinema Animation. Indiana University Press, 1994.

    2 Kristel Schwede, Rein Raamat, Värvilindu püüdmas. Canopus, 2011.

    3 Chris J. Robinson, Geniaalsuse ja täieliku kirjaoskamatuse vahel: Eesti animatsiooni lugu. Varrak, 2010 (inglise keeles algselt 2003).

    4 „Põrgupõhja uus Vanapagan“, Jüri Müür, Grigori Kromanov, 1964; „Mäeküla piimamees“, Leida Laius, 1965; „Viini postmark“, Veljo Käsper, 1967; „Viimne reliikvia“, Grigori Kromanov, 1969.

    5 „Valge laev“, Kalju Komissarov, 1970.

  • Steven-Hristo Evestus, ühingu Korruptsioonivaba Eesti juhatuse esimees 

     Tairo Lutter / Pm / Scanpix  
    Steven-Hristo Evestus

    Nad kardavad, et nende teguviis ei leia toetust. 

    Nad kardavad, et neid ei kuulata ega märgata. 

    Nad kardavad, et neid hakatakse taga kiusama. 

    Nad kardavad, et nad vallandatakse ning neid ei usalda enam keegi. 

    Nad kardavad, et neid peetakse kohtlasteks. 

    Nad kardavad, et perekond ja sõbrad jätavad nad maha. 

    Nad kardavad, et nad leiavad ähvarduskirja oma postkastist. 

    Nad kardavad, et nad sildistatakse koputajateks. 

    Nad kardavad, et nad jäävad üksi. 

    Kes nad on? 

    Sel aastal juhatab kehtima hakkav teavitaja (ka vihjeandja, vilepuhuja) kaitse seadus meid uude ajajärku, mis tähistab hapnenud organisatsioonikultuuri järkjärgulist asendamist värskema tõlgendusega. See eeldab julgust kõrvale heita iganenud müüdid ning enesekindlust liikumisel usaldavama ja läbipaistvama ühiskonna poole. Kolmkümmend aastat kestnud vabaduse üheks negatiivseks kõrvalnähuks on töösuhetes aset leidvatest rikkumistest möödavaatamine. Võimusuhetele toetuvad taunitavad olukorrad, mis vahetult ei riiva ja millel puudub igaüht puudutav mõjuei ole pälvinud hukkamõistu. 

    Ministeerium, ülikool, teater – siinkohal pole määrav, mis seal juhtus, murelikuks teeb hoopis kõrvaltvaatajate reageerimisviis. Kas teavitajale lüüakse hingekella või liigub ühiskond süvenemise ja mõistmise abil edasi? Eetilistel kaalutlustel tegutsevat ausat teavitajat ei sunni tegudele poolehoiu otsimine ega kuulsuse saavutamine, vaid kodanikukohustus sünkroonis moraalse kompassiga. Hirmu ajel loobumine tähistab aga vabaduse ideaalist kantud väärtuste kahanemist, muudatuste tühistamist ning vastutamatuse elushoidmist. 

    Miks väärtustada neid, kes julgevad välja astuda? 

    Sest nad teavad, et tõe rääkimine on riskantne ja ennastohverdav kaalutlusotsus, kuid tasub alati ära. 

    Sest nad on valmis väärtuste ja muutuste nimel kannatama. 

    Sest nad ei lase ringkaitsel ega jõujoontel ennast heidutada. 

    Sest nad usuvad, et nende motiive mõistetakse ja neid ei jäeta sellel teekonnal üksi. 

    Sest iga riik ja organisatsioon vajab oma hea käekäigu säilitamiseks kangelasi. 

     

     

  • „Ma unistan, et ma ei jookseks oma unistuste eest ära“

    EMTA lavakunstikooli „Jooks“, lavastajad Tiina Mölder ja Helen Reitsnik, kunstnik Keili Retter, muusikaline kujundaja Lauri-Dag Tüür, valguskujundaja Oliver Kulpsoo. Mängivad lavakunstikooli XXX lennu tudengid Hardo Adamson, Maria Ehrenberg, Elo Tuule Järv, Maria Teresa Kalmet, Merlin Kivi, Jaan Tristan Kolberg, Karel Käos, Maria Liive, Alden Kirss, Maarja Mõts, Jass Kalev Mäe, Hardi Möller, Tuuli Maarja Põldma ja Mark Erik Savi. Esietendus 22. II EMTA black box’is.

    Lavakunstikooli XXX lend on saanud publiku tervitamiseks hoogu võtta kaks aastat ning parasjagu läheb kolmas, mis peaks esimeste mängukordadega tooma nii unistuste täitumist kui ka nende luhtumisest tingitud tagasilööke. Kurja viiruse levikust tingitud sundpausid etendustegevuses on neid juba mõjutanud: ühe uuslavastuse („Kõige all ja kohal on …“ Eesti Noorsooteatris) esietendus on edasi lükatud ja „Tabamata ime“ mängimine Theatrumis tuli katkestada. Just nendel põhjustel mõjus veebruaris esietendunud „Jooks“ turgutava erandina, pakkudes võimaluse paari aastaga omandatud oskusi ja kujunenud ühtekuuluvustunnet teistsugusel moel ja viisil vaatajate peal katsetada.

    „Jooks“ on selle lennu teine avalik lavastus ning liidab endas nüüdisaegse tantsukunsti, füüsilise teatri ja ansamblimängu elemente. Liikumise eriala juhendaja Tiina Möldri ja nüüdistantsu ühe isikupärasema esitaja Helen Reitsniku eestvedamisel on asutud avastama jooksmise ja unistamise tähendust inimese elus, nende suhet, põhjusi ja tagajärgi. Selline ühine ettevõtmine on kõnekas märk lavakunstikooli näitleja suuna õppematerjali ja -võimaluste mitmekesisusest. Nüüdisaegse tantsukunsti ja väljendusvahenditest pulbitseva etenduskunsti piir on tinglik, mistõttu selles valdkonnas tegutsevate eriilmeliste kunstnike lisandumine juhendajate-lavastajatena on noortele suureks konkurentsieeliseks.

    Kui otsida meie teatriloost märke spordi ja teatritegemise ühisosast, siis kas õnnestub leida sündmusi, kus sõnum on edastatud mingi kindla spordiala soorituste kaudu? Meenub 2011. aasta vabaõhulavastus „Tants aurukatla ümber“ (Kaks Musketäri), kus lavastaja Tiit Palu juhendamisel võtsid Tanel Jonas, Riho Kütsar ja Veikko Täär meeskonnana publiku ees ja ümber ette pooleteisttunnise jooksumaratoni koos Mats Traadi romaanikatkete ettekandmisega. Nimetatuile kuulub küll omanäoline, tundlikumale vaatajale peapööritust põhjustanud rekord, ent jooksmise kui populaarse liikumisvormi filosoofiline taust jäi seal pigem tabamata.

    Kümme aastat hiljem on lavakunstikooli katsetusega seatud eesmärk tabada jooksmise, s.t aktiivse liikumistegevuse kaudu inimeksistentsi sügavamaid kihte ja avada seeläbi selle esitajat. Erinevus on ka selles, et seekordne lavastus on toodud siseruumi ning piiratud oludes on jooksjaid kümne jagu rohkem (mis ei tähenda, et publikul tuleb end ette valmistada higiseks võimlakogemuseks).

    Muusika- ja teatriakadeemia black box annab trupile nii jooksmises kui ka unistamises kätte vajaminevad võimalused. Mõlemat tegevust harrastatakse paljudel tasanditel lavapinnast kuni laes rippuvate prožektoriteni, täpipealt nii kaugel ja kõrgel, kui füüsilisel kehal on võimalik selles ruumis liikuda. Unistused ja nende tagaajamine ei tohi kunagi sõltuda kehale ja meeltele tajutavatest piiridest ning sel põhjusel pakub too ruum selliseks ülesastumiseks ka soodsad tingimused.

    „Jooks“ on eripärane verstapost lavakunstikooli XXX lennu (esiplaanil Karel Käos ja Mark Erik Savi) pedagoogilisel jooksurajal.

    Hoolimata sellest, et black box on etenduse kestel hõivatud füüsilisest liikumisest, on määrav osa sõnal. Sõnast saab abistav vahend jooksuvõtete selgitamisel ja unistuste tähtsuse järjekorda seadmisel. Meeskonna ühisloomena valminud lavastuse lõplik versioon oma koreograafia ja tekstidega annab võimaluse lahata iga osalejat nii üksikisiku kui ka grupiliikmena. Mõjub kui vürtsikas kokteil, milles on mõistlike annustena liikumist ja sõnadega selgitamist.

    Lavastuse ülesehituse saab kogetu pinnalt jagada kaheks. Julgen asjatundmatu jooksueksperdina (kui aeg-ajalt aset leidvad äkk-katsetused enesedistsipliini taasleidmiseks välja arvata) väita, et sellesse tegevusse kuuluvad enese soojaks ajamine ning seejärel sõltuvalt keskkonnast nelja tuule poole panek. Lõpuks saab anda oma vormile ja võimetele hinnangu, mis omakorda ärgitab vastu astuma uutele katsumustele. Nii ka sel korral: mugavast toolist vaadatuna paistis lavastuse esimene pool minevat ühise tunnetuse leidmisele ja enese positsioneerimisele. Pinge hakkas tegevust saatma siis, kui jõuti füüsiliselt tasandilt vaimsele ning nende koostoimes paljastusid eesmärgid, võimed ja unistused.

    Kuna terves kehas pidavat peituma terve vaim, siis seda järgnenud toimingud oma ratsionaalsusega ka esindasid. Unistuste arusaadavuse huvides tehakse elavat muusikat, kasutatakse akrobaatilisi võtteid ning muid õhku paisatud mõtete kohalejõudmist mitmekesistavaid vahendeid. Loodan, et 2021. aasta kolmanda kursuse kasvandike arenguloos kooruvad aktiivsest liikumisest sündinud unistustest kaugeleulatuvad eesmärgid.

    „Jooksus“ ei lasta kordagi kõlada välismaailmast ette antud fiktiivsel informatsioonil, vaid kõik esitatakse usutavalt oma kogemuse pinnalt. Tudengite unistuste, rõõmude ja hirmude kallale on selles koolis ka varem mindud, kuid seekordne sooritus on õnnestunud tõestus unistamise tekkemehhanismide teadvustamisest ja kasutamisoskusest. Unistamine on lõputu võidujooks ajaga, ajale võib jalgu jääda, alla vanduda või püüda sellest kasu lõigata. Lavastuse plussiks tuleb pidada peaaegu aasta kestnud prooviperioodi tulemusena aset leidnud tudengite esimest publikuga jagatud kohtumist oma intiimsemate tunnete ja tungidega. Enamasti unistatakse ju teiste eest varjatult, kuid „Jooksus“ ei pane selle põhimõtte eiramine resultaati kahtluse alla. Lavastuse teises pooles klassikaline pilt jooksjast äkitselt teiseneb ning painama jäävad küsimused, kas unistamine on vaid mõne vähese õigus ning kas see peaks tähistama hoopis midagi püha ja pidulikku.

    Vaataja on nüüdistantsu või füüsilist teatrit kogedes enamasti keerulises seisus, sest liikumise tugevat mõju emotsioonidele, kulgemisele ja muutumisele on istudes raskem tabada. Sel korral on eelisseisundis need, kes lahkuvad etenduselt jalgsi, et sobivalt valitud rütmis asuda nähtut taas kogema – see on selle lavastuse lisaefekt.

    Näinud nüüdseks üksjagu lavakooli varasemate lendude lavastusi, olen kindel, et lõplik arvamus kursusest kujuneb alles neljanda aasta lõpuks. Seega tuleb „Jooks“ liigitada XXX lennu üheks eristuvaks ja meeldejäävaks soorituseks, mille põhjal on vaatajal ennatlik teha ammendavaid järeldusi näitlejatööde, liikumise valdamise ja ruumi tajumise kohta. Kui lisandub uusi töid ja stabiilne etendustegevus taastub, võib avastada seninähtamatuid värve ja toone. Vaatajat saadab aga halastamatu subjektiivsuse taak sellest ühest ja ainsast korrast ning nii läksid „Jooksu“ puhul oma sooritustega mulle enim korda jooksmise reegleid avanud Karel Käos ning unistuste võitluses osalenud duett Tuuli Maarja Põldma ja Alden Kirss.

    Lavastuse kavalehelt saab lugeda näitlejate mõttevälgatusi jooksmisest ja unistamisest. „Ma unistan, et ma ei jookseks oma unistuste eest ära“ on vaid üks tabavatest ülestähendustest, mis annab, kui seda tihti meelde tuletada, noorele (ja vist igale inimesele) jõudu täitumata unistuse poole jooksmisel. „Jooks“ on eripärane verstapost XXX lennu pedagoogilisel jooksurajal, lastes lõpptulemust alles aimata.

  • Mustrimotiivid tuttaval taustal ehk Tõlkekirjandus lastele ja noortele aastal 2020

    Pealtnäha on kõik Lihula lilltikandiga kaunistatud seelikud sarnased, aga nende seas pole kaht ühesugust. Lähivaatlusel leiab erinevusi värvivalikus ja motiivides. Lihula seelikut meenutavad ka eesti keelde tõlgitud lastekirjanduse kokkuvõtted: arv ja suundumused ei ole viimastel aastatel muutunud kuigi palju.

    Tõlgete koguarv, kuhu on arvatud ka aimekirjandus ja tegelusraamatud, kõigub endiselt viie-kuuesaja kandis, ilukirjanduse tõlkeid koos kordustrükkidega on sellest umbes kolmandik: sel aastal vastavalt 589 ja 196. Üldarv vähenes aastaga 2019 võrreldes 50 raamatu võrra, ilukirjandust ilmus 8 vähem. Tõlgete jagunemine vanuserühmade kaupa pole samuti muutunud. Üle poole ilmuvast on adresseeritud koolieelikuile ja algklassidele – 110 raamatut. Ülejäänust kuulub lõviosa 8–12aastaste lugemislauale – 67 teost. Noortele ehk 13+ vanusele ilmus 19 raamatut. Seda kõike koos kordustrükkidega.

    Ka keele alusel jagunemises puuduvad üllatused. Kõige rohkem tõlgiti inglise keelest – 75 raamatut. Vahest on huvitav märkida, et Ameerika ei edestagi ülekaalukalt Inglismaad nagu mõnel varasemal aastal: avaldati 32 Inglise autorite, 6 Austraalia ja 37 USA kirjanike raamatut. Rootsi keelest tõlgiti 16, soome keelest 17 raamatut, lisaks 6 soomerootsi teost. Ka saksa keelest tõlgiti 16 raamatut pluss 2 austria kirjaniku teost. Leedu ja Norra on esindatud 6 raamatuga, vene keelest tõlgiti 5 ja muudest keeltest järjest vähem. Tänu kirjastusele Päike ja Pilv ning nende ettevõtmisele „Meie väike raamatukogu“ on esindatud horvaadi ja sloveeni lasteraamatud. Kui miski tõlgete geograafia puhul silma torkab, siis see, et üks raamat tõlgiti türgi keelest – Gülşen Arslan Acka „Millal ma ometi suureks saan?“ (tlk Ave Põlenik).

    Muinasjutukogumikud

    Mida uut tuttavlike mustrimotiivide puhul silma hakkab? Muinasjutukogumikke sirvides lähen sageli pahuraks – no kui lihtsaks annab üht lugu veel muuta, enne kui mõte päris ära kaob! Tüüpiliseks näiteks siin on „101 klassikalist muinasjuttu“, mis ei anna ühelegi jutule rohkem ruumi kui lehekülje või kaks, millest pildid ja suur kiri oma osa võtavad. Kellele küll on vaja loo annotatsiooni? Lühendamine-lihtsustamine, kui nüüd võrdlust otsida, on nagu oleks terve Lihula seelik varspistes kaunistatud. Hea, kui raamatul on mingi eripära. Näiteks kogumikku „Loomalood“ on koondatud maailma rahvaste ja riikide loomamuinasjutud, geograafia on lai ja tuttavaid lugusid vähe. Eristub ka María Ballaríni „Elas kord …“ (tlk Kristiina Raudsepp), mis õigupoolest polegi muinasjutukogumik, ja kas ta ülepea lastele on, vajab kaalumist. Raamat tutvustab muinasjutte ja esitab põgusalt nende süžeed, mida analüüsitakse väärtuspõhiselt ja täiendatakse taustainfokildudega.

    J. K. Rowlingu muinasjutt „Ickabog“ (tlk Krista ja Kaisa Kaer) jutustab mõistukõnetsi valitsemisest. Edev ja isekas kuningas on kahjutu sinnamaani, kuni ta ei sekku riigiasjadesse ja kuulab häid nõunikke. Kui nende asemele asuvad omakasupüüdlikud ja võimuahned õukondlased, siis veereb elu õitsvas kuningriigis kiiresti mäest alla: üks vale nõuab üha uusi valesid ja lõpuks ka süütuid ohvreid. Saab aimu võimuhaaramise anatoomiast, nii et külva aga hirmu ja usaldamatust, vägivallatse kaitsmise egiidi all ning esitle ennast päästjana. Koletis pesitseb igaühe peas, mitte kaugel mägedes. Vastu saadav peegeldab omaenese suhtumist. Kirjanik ei pelga olla irooniline ega kasutada kujundikeelt ja ridadevahelist sõnumit.

    Pildiraamatud

    Pildiraamatute kogus ja eripära rõõmustasid ka mullu. Soomlaste Aino Havukaineni ja Sami Toivoneni „Teedu ja Peedu hämmastav muinasjuturaamat“ (tlk Hille Lagerspetz) pakub võimalusi muuta kooslugemine mänguks. Autorid õhutavad asendama sõnu ja lauseid etteantud väljendite või žestidega, häälitsema ja nägusid tegema. Raamatu pluss on loomingulisusele õhutamine, huumor ja rutiinivabadus.

    Hea pildiraamat toob esile väärtusi, julgustab ja toetab, õhutab sõbralik olema ja oma abi pakkuma, olema tolerantne. Lätlanna Anete Melece autoriraamat „Kiosk“ (tlk Contra) jutustab sõnas ja pildis, et ka üliülekaalulisel on õigus ja võimalus täita oma unistused. Leedu kirjaniku Marius Marcinkevičiuse „Võlujärv“ (tlk Tiiu Sandrak) usaldab lapse taiplikkust, loos aitavad notsu ja lehm talvel jäätunud järves lämbuvat „tundmatut looma“ Alaki, kes neile lõpuks ütleb „hätia“. Inglase David Lichtfieldi „Karu ja klaver“ (tlk Kadri Rahusaar) teeb küll sõnumi puust ja punaseks – mis siin elus oluline on, kas karjäär või sõbrad? Benji Daviese „Vanaema linnupoeg“ (tlk Dea Oidekivi) jutustab põlvkondadevahelise sideme tekkimisest. Soome autori Katri Kirkkopelto „Molli ja maailma äär“ (tlk Hille Lagerspetz) julgustab reisi ette võtma, uute olukordade ja võõra seltskonnaga kohanema.

    Uued teemad

    Lastekirjanduse teemade ring laieneb üha. Kas sellega iga kord rahul ollakse, on iseasi. Noppisin nooremale koolieale suunatud teoste hulgast kaks erandlikku – väga üleannetut raamatut. Kas on varem lastekirjanduses pikemalt pajatatud peerust ja aluspükstest? Ameeriklase Dav Pilkey „Kapten Aluspüksi seiklustes“ (tlk Jüri Kolk) kirjutavad poisid samanimelist koomiksit, teevad koolis tempe ja muudavad hüpnoosi kasutades direktori naeruväärseks superkangelaseks – Kapten Aluspüksiks. Lugu maandab mässumeelsuse autoriteetide vastu üle võlli huumoriga. Soomerootslase Malin Klingenbergi loriluuletus „Peeru elu“ (tlk Mihkel Mõisnik) tekitas minus poolehoidu: madala teema ja poeesia kui kõrgeima ilukirjanduse vormi sidumine kummatigi toimib.

    Inglise näitleja, kirjanik ja koomik David Walliams on tuntud kui piiride kompaja ja ületaja. Tema „Paha papsi“ (tlk Maria Lepik) tahaks käsitleda paaris austraallase Nat Amoore’i „Koolihoovi miljonäri saladustega“ (tlk Hels Kure). Need kaks jõuavad mööda hoogsat ja põnevat sündmuskäiku väga ühese sõnumini: rikkus ja raha ei asenda perekonda ja sõpru ega too õnne.

    „Pahas papsis“ kasvatab üksikisa oma poega ja teenib raha romurallil. Nende omavaheline suhe teeb kadedaks – nii hea, hell ja hooliv on see – üleelusuuruses nagu kõik, mida Walliams kirjeldab. Õnnetuses jala kaotanud paps püüab pere majanduslikku seisukorda parandada kurjategijatele abiks hakates. Muuseas, viimases peatükis toimub kirikus kahe naisinimese laulatus. Ka raamatus „Koolihoovi miljonäri saladused“ on peategelase sõbral kaks ema. Kummaski raamatus ei tehta asjaloost mingit numbrit. „Koolihoovi …“ peategelane on nutikas tüdruk, kes on pärit viielapselisest perest, kus raha pole just laialt käes. Tema äriplaanid toimivad, majandusliku mõtlemise poolest teeb tüdruk täiskasvanutelegi silmad ette. Kord näeb ta võimalust panna pihta naaberhoovi kurikaela ebaseaduslikult saadud raha. Näeme, mida raha inimestega teeb ja mida inimesed rahaga teevad.

    Kirjutatakse kohanemisest uues koolis, sõprade leidmisest, muutustest pereelus, lähedase surmast. Tõlkekirjandusel on olnud ka lüngatäitja roll: mida meie algupärases kirjanduses napib, selle leiame tõlgete seast. Saksa kirjaniku Frauke Scheunemanni „Winston, salamissiooniga kõuts“ (tlk Tiina Aro) ja rootsi autori Jenny Jägerfeldi „Minu suurejooneline elu“ (tlk Kadi-Riin Haasma) jutustavad sulandumisest uude keskkonda. Mõlemas vahetab peategelane elukohta ja läheb puhta lehena uude kooli. Mõlemas on lapsele oluline saada koolis populaarseks ja võita sõpru. Kas eelistada populaarsust võimalusele leida tõelised sõbrad, see on küsimus. Raamatud panustavad arusaamale, et oleme kõik erinevad ja oma kiiksuga, aga see on pigem voorus kui puudus.

    Austria kirjaniku Christine Nöstlingeri auhinnatud lasteraamat „Kui mu isa tahtis abielluda Anna Lachsi emaga“ (tlk Piret Pääsuke) meenutab sama autori „Vahetuslast“. Ka siin on mängus kärgperendus, lapse jäämine ühe vanema juurde ja elukohavahetusest tekkinud pinged. Ka siin käitub tüdruk sihilikult vastikult. Raamatus kujutatakse, kuidas lapsed peavad oma vanemate suhteõnne ja valikute nimel kiiresti kohanema.

    Kõige raskem on kohaneda lähedase kaotusega. Rootsi autori Emma Karinsdotteri „Tuhande Tähe saar“ (tlk Kadri Papp) on fantaasiavõtmes lugu leinast. Isa on aastaid depressioonis, sest tema abikaasa hukkus autoõnnetusel. Tema tütar Tigris oli siis pisike ja sai küll viga, aga jäi ellu. Nüüd peab tüdruk oma isa toetama ja samal ajal ka ise kaotusvalust üle saama.

    Lastepõnevikud

    Hingeasjade ja elus ettetuleva kõrval on hulk raamatuid, mis mõeldud ausalt meelt lahutama. Hoo sisse saanud krimiseikluste sarjad. Ei saa küll hästi aru, miks peaks juba eelkoolis või esimeses klassis lugema kurikaelte järel luuramisest, aga see selleks. Põnev ju! Oma pahupidisusega eristub siin rootsi autori Anders Sparringi sari Perekond Pikknäpust. Selle pere liikmed on kõik kurjategijad, välja arvatud Aksel, kes teeb siiralt pingutusi, et ausaks jääda ja oma pere kuritegevust ohjeldada. Peresuhted on raamatutes „Perekond Pikknäpp ja kuldteemant“ ning „Perekond Pikknäpp ja sünnipäevamürgel“ (tlk Kadi-Riin Haasma) eeskujulikult head. Autor ei pretendeeri tõepärasusele – lugu on lõbus ja pahupidiselt mänguline.

    Kummituslugudest ei saanud ka mullune tõlkekirjandus üle ega ümber. Hakkas ilmuma soome autori Magda­lena Hai Painajapoe sari. Loo keskne tegelane on tragi tüdruk Ninni, kes pakub end poodi abiliseks, teadmata, mis laadi kauba ja tööga on ses kaupluses tegemist. „Painajapood ja kohutav kõdipulber“ ning „Painajapood ja kadunud hambad“ (tlk Kristiina Kass) kutsuvad lapse mängulisele ja naljakale huviretkele poodi, kus tunnevad end koduselt kummitused, vampiirid ja muud paranähtused.

    Ameerika autori Victoria Schwabi „Kummituste linn“ (tlk Marge Paal) on samuti mitmeosalise sarja avalöök. Cass on erandlik tüdruk: ta näeb kummitusi. Tema vanemad teevad telesarja maailma kõige kummituslikumatest paikadest. Nii suunduvad nad Edinburghi, kus vanades hoonetes on vaimolendeid jalaga segada. Kas Cassi anne on karistus või kingitus? „Kummituste linn“ on tõsiseltvõetav tondijutt, kui nii sobib öelda – põnev ja piisavalt hirmus.

    On ootuspärane, et lastekirjanduses kuritöid sooritatakse ja kummitatakse. Hoopis harvem räägitakse lastele vanureist. Julia Kuznetsova „V-kodu“ (tlk Tarmo Rajamets) peategelane on käbe memm, kes laste eest salaja harrastab poksi, teeb üle mõistuse hästi süüa ja elab poja perega ühes korteris. Ühtäkki teavad aga noored paremini, mis nende memmele hea on, ja suunavad ta vanadekodusse. Nagu lastel, nii pole ka vanuritel justkui õigust omada eelistusi ja avaldada vaba tahet. Raamat nagu omaaegne vene film – ei tea, kas pisar silmanurgas on naerust või nukrusest.

    Elulood ja feministlik varjund

    Mulluste tõlgete seas hakkas silma isikupõhine lähenemine ja feministlik varjund. Ilmus elulugusid/edulugusid ja ka mõned muinasjutukogumikud on koostatud peategelasest lähtuvalt. Itaalia autori Luca Novelli sarja „Suurvaimu sähvatus“ avaraamatuna ilmus „Hawking ja mustade aukude mõistatus“ (tlk Els Heinsalu). See on kirjutatud minavormis ja varustatud ohtrate illustratsioonide, teadusalaste kõrvalpõigete ning mõistete sõnastikuga.

    Francesca Cavallo ja Elena Favilli kogumiku „Unejutud mässumeelsetele tüdrukutele“ teine osa (tlk Pirjo Leek) jätkab tuttavat formaati: igale kuulsale naisele on pühendatud lehekülg teksti, teine pilti. Tegemist on ajalooliste isikutega Nofretetest J. K. Rowlinguni. Samalaadne raamat valmis ka kirjandusteoste naistegelaste kohta – Beatrice Masini „Kangelannad, kes saadavad meid läbi elu“ (tlk Eva Ingerpuu-Rümmel). Valikus on lasteraamatute naistegelasi (Pipi, Alice, Matilda, Bibi) ja naisi täiskasvanute klassikast (Anna Karenina, Jane Eyre). Neid teoseid saab võrrelda eelroaga, mis äratab isu, kuid ei kustuta nälga.

    Kogumiku „Unustatud muinasjutud tarkadest ja kartmatutest tüdrukutest“ (tlk Eva Nooni) teeb omapäraseks muinasjuttude valik, nende tõlgendus ja piltide poliitkorrektne tonaalsus. Huvitav on mõte, et Grimmid meessoost muinasjutuvestjatena on vanasid lugusid ümber jutustades teinud tütarlastest vagad kannatajad ja päästja ootajad, ehkki nad olid algselt kõigiti tegusad ja hakkajad ning sageli ootasid just printsid päästmist … Ei söanda siiski kinnitada, et ümberjutustaja just juurte juures ära on käinud.

    Järjed ja sarjad

    Endiselt teevad ilma järjed ja sarjad. Nii autoril kui ka kirjastajal võib kahju olla, kui menukas ning hästi sisse toov sari lõpule jõuab. Mida teha? Võib ju kirjutada eelloo, nagu seda on teinud Suzanne Collins „Näljamängude“ sarjaga. „Laululindude ja madude ballaad“ (tlk Evelin Schapel) võimaldab lugejal viibida tuttavas Capitoliumi valitsetavas maailmas ja minna taas areenile. Võib kedrata loo veel kord läbi, aga seekord hoopis teise tegelase vaatepunktist, nagu on teinud Stephenie Meyer „Keskööpäikeses“ (tlk Marge Paal). Seal edastab autor tuttava loo hurmurvampiir Edwardi seisukohalt.

    Võib ennast haakida klassika külge. Kas teate, et Sherlock Holmesil oli peale vend Mycrofti ka õde – Enola Holmes? Nancy Springer pajatab tema seiklustest „Kadunud markii juhtumis“ (tlk Marianne Ots). Üks on teose puhul tänuväärt: autor püüab edasi anda ajastut. Lugu on otsapidi ka naistest, kes ei sobitu oma aja reeglitega ja on sunnitud nii mõndagi ohvriks tooma, et elada oma soovi kohaselt. Tõlkija võinuks küll oma eesti keele oskust julgemini rakendada, et vältida selliseid sõnu nagu „vaibakott“, „raudteenael“ ja „õlekõrtest peakate“.

    Alati teeb rõõmu lugeda põnevaid lugusid tarkadest ja toredatest lastest, kellel on siht silme ees. Ilmumist alustas Ameerika kirjaniku Trudi Trueiti sari „Avastajate akadeemia“, mullu ilmusid „Nebula saladus“ ja „Pistrikusulg“ (tlk Triin Olvet). Tiitellehel kuulutatakse, et sari põhineb faktidel ning National Geographicu uurijate tööl. See sari on mõtteline sugulane norralase Bobbie Peersi „Lüriidiumivargaga“, mille juba V osa „Kaoseparalüsaator“ ilmus samuti mullu (tlk Annika Kupits). Ka siin on loo keskmes eelteismeline poiss, kes läheb teaduse tipptasemel õppekavaga internaatkooli. Ka Cruzi ümber on palju saladusi ja ohte. Poisi ema töötas enne hukkumist laboris ja tema leiutis oleks jätnud ravimifirmad sootumaks tööta. Raamat on koolilugu, kusjuures kõik õpivad suure kirega. Pole ka ime, liitreaalsuses toimuvatele tundidele ei õnnestu meie tavakoolidel midagi vastu panna.

    Louis Sachari „Pahupidikool ja Hukatuse Pilv“ (tlk Leelo Märjamaa) on samuti koolielust ja sarja neljas raamat. Selle ja esimese osa kirjutamise vahele on autori sõnutsi jäänud 40 aastat. Uus osa on sama kummaline, köitev, fantaasiaküllane ja … uskumatult tõepärane. Väike nihestatus osutub vajalikuks, et edasi anda asjaloo mitmekihilisust. Leidub tabavaid tõdemusi: „Mõnikord on raskem jääda sõbra kõrvale, kui tal läheb hästi.“ Pole osanud eladeski kirjaklambritest niimoodi mõelda nagu proua Pärl. Märgakem väikesi asju …

    Noortekirjandus

    Noortekirjanduses tegid ilma kordustrükid ning järjed ja peamiselt fantaasiakirjandus. Sellest žanrist tahan esile tõsta inglase Philip Pullmani „Põrmu raamatu“ teise osa „Salarahvas“ (tlk Eve Laur), kus kohtume taas Lyraga. Kirjaniku eelmise triloogia „Tema tumedad ained“ võtmeisik on nüüd täiskasvanud naine. Pullmanile on ühtviisi tähtis see, mis toimub tema tegelasega või sünnib laias ilmas, näiteks võimuhaaramise mehhanism. Lyra teekonnale kaasa elades kobame globaalsete protsesside osas pimeduses nagu raamatu tegelasedki. Aetakse taga haruldast roosiõli, eriti magus näib see ravimifirmadele, mille karvast kätt näeb seal ja siin.

    Päris elu peegeldavaid raamatuid on ka näpuotsatäis ilmunud – üheksateistkümnest neli. Autorid on naised ja peategelased enamasti neiud, v.a „Kuutõusus“. Varem on noortekirjanduse tõlkevalikus silma torganud keskendumine haigustele ja psüühilistele probleemidele. Mullu olid domineerivad teemad eneseleidmine ja sobitumine siia maailma. Iiri kirjaniku Sarah Crossani nimi on saanud juba kvaliteedimärgiks. Varem ilmunud teoses „Üks“ kasutab autor huvitavat vormi, „Kuutõus“ (tlk Kristina Uluots) on „Ühest“ veelgi enam vabavärsilise luuletuse laadne. Sõna tõsises mõttes lugemisest kui protsessist saab elamuse. Raamat kõneleb hukkamõistetusest ja hukkamõistmisest. Teema on troostitu: üks noormees ootab mõrtsukatöö eest surmanuhtlust. Tema vend ja muu pere pole temaga kõik need kümme aastat suhelnud. Nüüd, kui on peaaegu liiga hilja, otsib noorem vend vanemaga ühendust. Käiakse läbi minevik ja olevik. Masendav keskkond, kus lapsed elavad ja sirguvad, on vajutanud nende saatusele pitseri.

    Ameeriklase Sarah Desseni „Lihtsalt kuula“ (tlk Kristina Uluots) kujutab hoopis teistsugust kasvukeskkonda – materiaalselt kindlustatud, oma kuvandi eest hoolitsevat ja edule püüdlevat. Klantsfassaadi taga on aga inimesed katki. Võetakse läbi sõprus ja selle lagunemine, reetmine, armukadedus ja tärkav armastus. Kas midagi oleks muutunud, kui oleks õigel ajal õigetest asjadest räägitud ja räägitut ka kuulatud? Kuulatud muu hulgas ja eeskätt oma seesmist mina.

    Sisuliselt armastusromaan on teisegi Ameerika autori Jenn Benneti „Südame õige kuju“ (tlk Liis Konovalov). Tegelased erinevad pisut stereotüübist. Beatrix soovib üle kõige saada kunstnikuks, kes joonistab anatoomiliselt täpselt inimese siseorganeid. Jack on grafitikunstnik, kes kirjutab ühesõnalisi sõnumeid. Nagu selgub – vaene rikas poiss: tema isa on linnapea ja ema skisofreenik, kes viibib arstide hoole all. Poisil on muresid ja saladusi. Beatrix koorib selle sibula lahti, aga õnneks ei saa ta nutta.

    USA noortekirjandus kultiveerib lugejais kinnisarusaamu: igas raamatus on juhmivõitu, aga ilus ja populaarne spordipoiss, populaarne, aga sandi iseloomuga kaunitar, sümpaatne nohik, sõbralik veidrik, paha poisi kuvandiga hurmur jne. Autor justkui võtaks peotäie malenuppe, mille käigud ja rollid on teada, aga millega annab alati uue partii maha mängida. Karen M. McManuse nimi on meie lugejatele tuttav: „Üks meist on järgmine“ (tlk Hels Kure) on tema kolmas eesti keelde tõlgitud noortepõnevik. Tegemist on järjelooga raamatule „Üks meist valetab“. Tuttavad tegelased vilksatavad taustal, keskmes on uued noored. Uskumatult palju kurja saab teha n-ö puhaste kätega, kasutades anonüümseks jäädes oma nutitelefoni.

  • Midsomeri lesed, Tammaru Tiina ja poisu

    Ugala teatri „Leskede kadunud maailm“, autor Priit Põldma, lavastaja Ringo Ramul, kunstnik Kristiina Põllu, helilooja ja muusikaline kujundaja Jakob Juhkam, valguskunstnik Laura Maria Mäits, videokunstnik Margo Siimon. Mängivad Oskar Punga, Terje Pennie, Garmen Tabor, Kaie Mihkelson, Luule Komissarov ja Vilma Luik. Esietendus 23. II Ugala teatri väikeses saalis.

    Põlvkonnakaaslastest lavastajate taustal eristub Ringo Ramul mõningase filoloogilise kallakuga. Tema lavastuste käivituspunkt ei näi olevat visuaalne kujund ega ühiskondlikult kõnekas probleemsõlm, vaid kirjalikult vormistatud fiktsioon, kunstiliselt läbi komponeeritud tekst: näidend, dramatiseering või erisuguste teoste ainesel loodud uus tekst.

    Siinkohal tuleb mängu tuua Priit Põldma, kelle tekst on õige mitme Ramuli lavastuse aluseks: olulisemad on „Ilmavõõras“ (Jaan Kaplinski, Uku Masingu ja Lauri Sommeri tekstide alusel, Saueaugu teatritalu, 2018) ning „Saja-aastane, kes hüppas aknast alla ja kadus“ (Jonas Jonassoni romaani dramatiseering, Ugala teater, 2019). Kuigi Ramuli lavastuste omailm luuakse suuresti kunstilise sõna abil, pole see (ainult) askeetlik tekstiteater, vaid verbaalsele dialoogile liitub delikaatselt kujundlik-atmosfääriline foon. Nende kahe pooluse, stiiliühtse sõnakesksuse ja visuaalse aktiivsusmonitori kohalolu samaaegne koostoime tundubki moodustavat Ramuli lavastajakäekirja telgjoone.

    Leseteadus ehk vidualoogia. Ka vaadeldava lavastuse aluseks oleva Põldma näidendi „Kadunud leskede maailm“1 alguses on omakorda olnud sõna: Andrus Kasemaa proosadebüüt, 2012. aastal ilmunud samanimeline romaan, mis Toomas Haugile on meenutanud „aruannet mingile akadeemiale“ või „süsteemse haardega uurimistööd“, mis on leidnud „kirjanduslikult nauditava väljenduse.“2 Kasemaa esitusviisis sulanduvad isikupärasel moel poeetiline kõrgstiil ja (populaar)teaduslikult kiretu fikseerimistarve. Viimane on ajendanud autorit koguni formuleerima uue teadusliigi, leseteaduse ehk vidualoogia. (Kirjandusajaloolise paralleelina pakub end välja Enn Vetemaa lansseeritud näkiteadus ehk naiadoloogia.)

    Kasemaa romaani – hajusalt esitatud kirjeldusi 1990. aastatel Peipsi-äärses külas elanud lesknaiste olnust ja olevast – saab vaevalt nimetada teatripäraseks: puuduvad nii faabula kui ka eristuvad karakterid. Põldma ongi võtnud (pigem originaal)näidendisse romaanist vaid tegevust käivitava keskkonna (üksikud leskprouad väljasurevas külaühiskonnas), kaksanud selle lahti konkreetsest aegruumist ning komponeerinud selle alusel eesti omadraama keskse traditsiooniga üsna sujuvalt haakuva näitemängu – igati tervistav vaheldus rodule postdramaatilise lõtvusega kokku lükitud tekstiklimpidele. Intrigeerib muidugi ka fakt, et just nooremaid meesloojaid on samaaegselt inspireerinud just vanemate naiste elusfäär: välja­kujunenud mõttemallide kohaselt peaks ju tegu olema totaalselt erisuguste, teineteist pigem võõristavate väärtusmaailmadega. („Mis sa, vanamutt, ka noorte elust tead!“) Romaani minajutustaja on näidendis kehastunud Poisiks (Oskar Punga), kelle eluoluline probleem (peatne isadus ja sellega seotud finantskriis) viib ta lehekuulutuse peale heauskselt kolkakülla, kus talle on (hämarat liiki) tööd ja teenistust lubanud neli lesknaist, kes koos ühe vanatüdrukuga moodustavadki parasjagu suletud kogukonna. Poiss hakkab käima justkui külakorda ühe daami juurest teise juurde ja täitma viimaste enam kui kentsakaid korraldusi. Näitemängu kudet iseloomustab muinasjuttudest tuttav rännakukronotoop, seda ka metafoorses (s.t iseeneseni, oma individuaalse identiteedini jõudmise) tähenduses. „Lesed andsid võimaluse leida oma koht siin maailmas, avastada midagi rohkemat kui lihtsalt enda eluring,“ ütleb Kasemaa lavastuse kavaleheintervjuus – teatriversioonis avaldub see mõte veelgi aredamalt kui romaanis.

    Vanatüdruk (Vilma Luik) on kogukonna tõrjutu, kes (leskede sõnutsi) on rikkunud abielusakramenti ühe lese mehega ning oma lapse sohu uputanud.

    Noorukist täismeheks. Võtab üksjagu aega, enne kui vaataja (koos Poisiga) hakkab leskede koloriitse naiskvarteti (Terje Pennie, Garmen Tabor, Kaie Mihkelson ja Luule Komissarov) heatahtlikus, kuid siiski varjamatult õrritavas freak show’s tajuma süsteemi ning lahti lugema Põldma näidendi subtiilset salastruktuuri. Nimelt markeerivad antavad ülesanded astmeid noorukist täismeheks saamise initsiatsiooniriituses.

    Poiss peab end järgemööda tõestama venna, abikaasa, poja ja isana. Iga sotsiaalse rolli täitmiseks tuleb sooritada väike rituaal (performatiivne, asendustegevust märkiv akt), mis ühtekokku panevad proovile nooruki empaatia, tolerantsuse, suuremeelsuse, andestamisvõime, vastutustunde, nupukuse ja … musikaalsuse. Tõestamaks, et põlvkondade ürgne seotus – ükskõik kui sõgedad või lupjunud eelmiste generatsioonide prioriteedid tänapäevaste väärtuste maailmas ka ei tundu – on midagi, mis ainuvõimalikuna tagab ühe kogukonna kestmajäämise.

    Laiemas plaanis liitub Põldma näidend eesti dramaturgia mälutemaatikaga (Rein Saluri, Madis Kõiv, Jaan Kruusvall), aga ka Merle Karusoo mäluteatriga, ent mõne selge erinevusega siiski. Esiteks, kui kõigi eelnimetatute puhul (Ugala teatri konteksti ajel lisan Ene Mihkelsoni „Katkuhaua“ dramatiseeringu, Priit Pedaja lavastus ja dramatiseering, 2020) saab rääkida mäletamise kõrgendatud subjektiivsusest ja fragmenteeritusest, mälu tihnikutest ja keelutsoonidest, mis kõigis oma üksikasjades pole mõeldud võõraga jagamiseks, siis Põldma näitemäng uitab mälumaastikel, mis peaksid olema ka keskmise talupojatarkusega lahti muugitavad (siiski mõne keelualaga, millest tagapool).

    Teiseks, kui ülejäänud loetletud autorid on ette võtnud minevikutraumade mentaalse diagnostika, „mälestuste organiseerimise piinarikka protsessi“,3 „mäletamise valu ja pained“, mis teatrimängu ühiskogemuse kaudu hõlmab endas ka „psühhoteraapilist aspekti, sealhulgas traumadest ülesaamist“,4 siis Põldma näidendi (nimetu!) peategelase mure on pigem mälestuste puudumine, nullidentiteet, tahtetus, otsustamatus, seisukohatus.

    Sotsiaalpsühholoogilises mõttes on Poiss stabiilse ühiskonna turvapatjadel võrsunud produkt, kes pole seni tundnud tarvet oma kaitsvast mullist väljuda. Dramaturgilises plaanis on Poisi nn tegelasprofiiliks klassikaline antikangelane, kes on pidevalt sündmuste tulipunktis, kuid kõigi tõugata ja lükata, kelle eneseotsingute kõige otsustavam (murdumis)hetk asetub näidendi ja lavastuse kõige viimasesse remarki ja mänguminutisse. Võib oletada, et Oskar Punga soe ja empaatiline näitlejanatuur loob vaatajale suuremaid võimalusi lavastuse võtmetegelasega samastumiseks, sest tekstipõhiselt oleks vist mõeldav ka hoopis iroonilisemalt irduv antropo­loogitüüp?

    Kultuurimälu ladestused. Põldma näidendis peitub veelgi tasandeid, mis pole praeguses lavaseades erilist rõhutamist leidnud. Nii võib soovi korral siit leida ka tugevamalt sotsiaalkriitilisi, religioosseid, freudistlikke, mütoloogilisi, koguni botaanilisi (lesed tegelevad innukalt hobiaiandusega) allusioone. Võib oletada, et just võimalus tuua Ugala teatrisse kokku sedavõrd elu- ja mängujõust pakatav naistepunt on kallutanud lavastajatõlgenduslikku lähenemist, milles minu meelest on võimendunud eelkõige näidendi performatiivne, mänguline, barokselt teatraalne olemus.

    Võtab üksjagu aega, enne kui vaataja koos Poisiga (Oskar Punga) hakkab leskede koloriitse naiskvarteti (vasakult: Luule Komissarov, Garmen Tabor, Terje Pennie ja Kaie Mihkelson) heatahtlikus, kuid siiski varjamatult õrritavas freak show’s tajuma süsteemi.

    Märksõna „mälu“ tähendab selle lavastuse kontekstis eelkõige kultuurimälu eripalgelisi ladestusi. Tähenduslikuna aitavad Poissi tema initsiatsiooniretkel just koolipõlvest meelde jäänud paar kitarriduuri ja üks repliik koolinäidendist. Leskede koondportreest võib leida viiteid vana naise stereotüüpidele maailmakultuuris vanaemadest nõidadeni (Harmsi vanamutid, Kunksmoor, vanaema õunapuu otsas, Tammaru vanaema jne). Teatriteadlane muidugi ei pääse ka professionaalsest kretinismist, sest mälestuste laegas tähendab selle naiskonna puhul automaatselt ka omaenda teatrimälu aktiviseerumist. Näiteks Kaie Mihkelsoni ja Terje Pennie lühike ühisstseen toob kohemaid meelde Evald Hermaküla lavastused 1990. aastatest, kui need kaks näitlejannat viimati laval kohtusid.

    Siit ka veel üks erinevus Kasemaa romaanist, mille lehekülgedel toimetavad lesed viitavad eelkõige ohutule turvapaigale. Ramuli lesed on aga saanud kaasa kapaga verekat väe- ja loomisjõudu, mis avaldub nii konkreetses tegevuses (kulinaaria, aiandus, korilus, ühismusitseerimine) kui ka suhete tasandil. Nende leskede kreatiivne plahvatuslikkus paigutub õrnale piirile, millest ühele poole jääb vaheda kirvena õhus rippuv ohutunne (seda sugereerivad ka Kristiina Põllu stsenograafia puutüvede gorgolikud haarmed), teisele aga selle horror-õhustiku tempimine paroodiaga, mänguks pööramisega. See on lubanud trupil mõõdukalt hullata ning õigustanud lavastaja natuke vabama joonega struktureeringut.

    Kui leskede natuke revüülikud ühisstseenid tunduvad kohati siiski visuaalselt ülekoormatuna (leskede viimane tulek valgete beduiinitaridena, kusjuures lisanduvad liikuvad seinad, valgusmuudatused, video ja õhku paisatav värvipulber), siis Poisi kahestseenid iga lesega on rikkad nii mängulisest kui ka sisulisest alltekstist ning neis avalduvad umbusk, narritamislõbu, mõistmispüüd ja äkilised äratundmishetked on mõjusalt suurde plaani tõstetud. Silmakirjalik oleks maha salata ka kohati esile kerkivat erootilist pinget (üks Poisi ülesandeid kätkeb endas peiu asendamist ühel olemata jäänud pulmaööl), mis on aga lahendatud piisavalt tinglikult ja mänguliselt (vihjed „tillerniksule“ ja „jõmpjahtile“) ega pea kelleski ebamugavust tekitama.

    Tõlgendustele avatud. Ent, nagu öeldud, on selleski omailmas oma keeluala, mida autorid päris lõpuni ei ava. Selle kehastuseks on (sõnatu) tegelane Vanatüdruk (Vilma Luik, kelle faktuuri tõttu assotsieerub Tammaru Tiina), kogukonna tõrjutu, kes (leskede sõnutsi) on rikkunud abielusakramenti ühe lese mehega ning oma lapse sohu uputanud, kusjuures liiderdajast mehe nimi on graveeritud Vanatüdruku valduses olevasse uuri (lesed ise paistavad elavat justkui ajavälises sfääris).

    Vanatüdruku integreerimine põhiliini, Poisi looga, ning selle tegelase täpsem tähendusväli on jäänud erisugustele tõlgendustele avatuks. Näidendi tekst oma lõpuremargis siiski annab ühe vihje, mis on jäänud laval realiseerimata, kuigi Vanatüdruku sisemine ühisosa Poisiga on siiski selgelt tajutav. Kas pole äkki Poiss see uppunuks peetud sohilaps? Aga sel juhul on üks leskedest tema võõrasema? Kui aga eeldada, et kõik lesed võiksid olla omavahel õed (mitmel neist on peaaegu identseid lapsepõlvemälestusi), siis ju …?

    Ent respekteerigem autorite tõmmatud nähtamatut piirjoont, millest üle astub iga vaataja juba omal vastutusel. Ja jätab enda teada selle, mis ta sealt leiab.

    1 Priit Põldma, Leskede kadunud maailm. Andrus Kasemaa romaani ainetel. 2020. Käsikiri Eesti Teatri Agentuuri näidendikogus.

    2 Toomas Haug, Vanavarakoguja Poeedirahult. – Looming 2013, nr 5.

    3 Valdeko Tobro, Kirjad „Külaliste“ kohta. Ilmunud kogumikus „Teater ja film“, 1982.

    4 Piret Kruuspere, Mõtteid eesti mäluteatrist. Ilmunud kogumikus „Ruti raamat“, 2006.

Sirp