Warning: Trying to access array offset on false in /data01/virt42511/domeenid/www.arendus.1kdigital.com/kultuuriveeb/htdocs/wp-content/plugins/page-scroll-to-id/malihu-pagescroll2id.php on line 414
feminism – Sirp

feminism

  • Marwicki ilulugu: ajateljele tõmmatud seltskonnakroonika

    Kui meetodit õukonnale rakendada (3. ptk), saame ülevaate igat masti rojalistlikest tegelastest, kes oskasid oma ilu ära kasutada või selle tõttu kannatasid, ja kes siis, kas lähenesid  troonile või hoopiski kaugenesid sellest. Autori arvates võib julgesti öelda, et abielus mängib ilu tähtsaimat rolli nende jaoks, kellel on parimad valikuvõimalused, ning sel pole mingit tähtsus inimestele „kelle valikuid piirasid sotsiaalsed tingimused ja asjaolu, et nad ise polnud füüsiliselt kuigi atraktiivsed” (lk 155). Mitmete ajalooliste „figuuride” ilu polevatki väljaspool kahtlust: kaasaegsete asjakohased ülestäheldused võisid olla nakatatud  kadeduspisikust, või kirjutati välise ilu saavutused hoopis särava intellekti, läbitungiva moraalsuse või uskumatult cool’i käitumisviisi arvele. Samuti ei tuleks Marwicki arvates järele anda kiusatusele pidada kuulsate meeskunstnike töid oma ajastu iluideaali väljenduseks. Küsimusele, miks on Rubensi pekitarid just niisugused nagu nad on, tuleks vastust otsida isiklikest ja kunstilistest asjaoludest. Marwick on kohati ka humoorikas, ent see frivoolne  viis, millega ta lappab läbi kogu ajaloolise seltskonna (ja sellesse pürgijad), tekitab mingi süümekalaadse tunde, mis tabab kollast seltskonnakroonikat lugedes. 

    Marwicki umbmäärane objektivism 

    Siis, kui Marwick kirjutab justkui 1950. aastate Oxfordi tavakeelefilosoof, võib temaga ilmselt nõustuda: „Müüdid, eelarvamused, üliintellektuaalne peenutsemine ja ennekõike suutmatus tunnistada, et sõna „ilus” kasutatakse (täiesti õigustatult) mitmel erineval moel, on põhjuseks, miks inimese ilu on niivõrd hägune teema: me libiseme pidevalt ühe tähenduse juurest teise juurde nii, et moraalset ilu esitatakse füüsilisena  või väliselt kaunist inimest, kes meile juhtumisi ei meeldi, keeldutakse ilusaks tunnistamaks” (lk 14). Heidutav segadus kehalise ja hingeilu vahel saavat alguse juba Platonist. Ent kui Marwick hakkab järjekindlalt nõudma mitmete ilutüüpide eristamist ja manitsema meid selle eest, mida kõike ei tohi iluga ühte patta panna (ta on niisuguste tunnuste „iluks summeerumise” vastu), pole ma ühtäkki enam kindel, kas Marwick kaardistab erapooletult ilusõnavara rakendusvälja või teeb juba mingit peenemat sorti kontseptuaalset ilukirurgiat – sooviga ilusõnavarast välja opereerida moraalsed tähendusväljad. Kahjuks pole sellest eristamiskirest enam jälgegi, kui pruukida tuleb iluarutluste lemmikleksikat. Sõnade „ilunorm”, „iluideaal”, „ilu kriteerium” ja „ilu hinnang” tähendus ja eristatavus ei satu tal hetkekski pikema analüüsi alla ja see võib selgusenäljas inimese nii paksu  raamatu puhul korduvalt marru ajada. Näiteks väidetakse esmalt leheküljel 9, et ilu on eraldiseisev omadus, ja mõned read allpool samastatakse see ilu juba „hea välimusega” – see aga tundub liiga julge väide isegi siis, kui tegu on ainult näo ja figuuri iluga. Just „ilu on omaette omadus” on loosung, millega Marwick võitleb teiste samasuguste („ilu on vaataja silmades” ja „igal ajastul on oma iluideaal”) vastu. Ainult et selle loosungi  selgem tähendus tuleb ilmsiks alles raamatu lõpus: ilu „väärtus võistleb traditsiooniliste staatuse ja jõukusega, või hilisemal ajal ka hariduse või mõne muu turustatava andega, näiteks muusika või kirjanduse alal, kinnisvaraarenduses või aktsiaturul või – tulles hüppega tänapäeva – jalgpallis” (lk 301-302). Kuigi Marwick astub vastu marksismi, postmodernismi ja feminismi väitele, et „ilu on täiesti suhteline ja kultuuriliselt kujundatud”, deklareerides,  et „arusaam ilust [on] lääne ühiskondades püsinud ajaloo vältel sisuliselt muutumatuna”, on konkreetsete tõendite ja argumentide leidmisega ikka nii nagu lillelõhna püüdmisega kevadisel väljal.   

    Ühiskonna ilukaart 

    Niisiis jääb Marwicki teose kontseptuaalne külg ilmselgelt ajaloorubriigi varju – see on ikka seesama laialt levinud klišeekütkeis rahvaesteetika, mille kvintessentsi võiks kokku võtta järgmiselt: starteriks natuke „ilu on vaataja silmades”, „ilu on suhteline” või „ilu ei sünni patta panna” juttu ning pärast seda on kui möödaminnes pajatatud natuke sisemisest ja välisest ilust ning osutatud rahvasteaegade-kultuuride „iluideaalile” („augustamised/  venitamised”, Middendorfi Venus jms), tõdetakse kibekähku, et „maitse üle ei vaielda” ja minnakse laiali. Kuna Marwick tunneb ilmset vastumeelsust akadeemilise esteetika vastu (Eco teos „Kunst ja ilu keskajal” „nõretab akadeemilisest esteetikast”), võiks jätta ta raamatu hea meelega sinna, kuhu ta osaliselt kuuluda igatseb – elustiili ajakirjade lobisemishimulisse iludiskursusesse. Vastu tahtmist tuleb mul siiski tõdeda,  et mõnedest tabloidsetest tunnustest hoolimata, pole Marwicki raamat tõsisemale iluuurijale sugugi tarbetu. Esiteks muidugi seepärast, et „Ilu läbi aegade” võiks mitmekesise näitevaramuna sobida niihästi filosoofilise esteetika kursusesse, näiteks teine peatükk annab ülevaate Platoni ja Augustinuse teoste lääne ilufilosoofilist mõtet suurel määral mõjutanud kirjakohtadest, kui ka sugupooleuurijatele, moe- ja prostitutsiooniajaloolaste lektüüri hulka. Ent olulisem on ehk see, et Marwicki käsitlus annab hea lähtepunkti iluanalüüsi abstraktsemale, sotsiaalfilosoofilisele tasandile, kus uurime ilu võimu valikusituatsioonis, sõltumata sellest, kas tegemist on naiste, autode, teaduslike teooriate, sekspartneri või kahhelkivide valikuga ehituspoes. Kas pole siis nii, et partneri ja elukaaslase valikul keskmine isane mitte ainult tahab, et ta elukaaslane oleks ilus,  vaid ta ka peab valima võimalikult ilusa (vähemasti ilusama kui naabrimehe naise) – nõue, mis käib sageli käsikäes feministide väitel (maskuliinse) naist defineeriva nõudega, et „naine peab olema ilus”. Ja kas pole nii, et me mõistame hukka kirurgi (kui me just paadunud esteedid ei ole), kes keeldub operatsioonist patsiendi või meditsiinilise instrumendi üüratu inetuse tõttu. Niisuguseid olukordi tuvastades koorubki  välja (meie) ühiskonna ilukaart: diagnostiline aruanne selle kohta, kus on ilust lähtuv valik kohustuslik, soovituslik, või üldse lubamatu. Konkreetsete iluimperatiivide vastu mässajaid ähvardab marginaliseerumine ja süüdistus väärastunud ilumeeles. Ent nende julgustamiseks võib ütelda, et nii nagu poliitiline kaart, allub ka ühiskonna ilugeograafia ideoloogilistele ümberkorraldustele.

  • Käia esimest või teist teed?

     

    Jaan Aps, Tähtis kevad. Varrak, 2006. 328 lk.

     

    Ma arvan, et me kõik oleme kunagi olnud noored. Ei noh, seda küll… kuigi mõni on vananenud varem, aga vähemalt teinud nooruses kaasa näiteks mõne jabura klassiekskursiooni. Ja just nimelt bussiga. Kui mitte keskkooli ajal, siis vähemalt tudengipõlves. Ekskursioon ekskursiooniks, aga ürituse peamiseks tagamõtteks oli ikka kõva õllejoomine ja naiste/neiukeste tagaajamine, olgugi et see tavaliselt lõppes vaid meeleheitliku ja tulutu rabelemisega.

    Ok, see selleks.

    Kindlasti, kui oleme saanud natuke vanemaks, jõudnud n-ö posttudengiikka, kus meil on juba olemas oma partner, olgu 1- või 2-aastane suhe, aga ikkagi olemas ja oma…Vaat siis, olenevalt inimtüübist, käivad peas mõtted, et kas ma ikka tahan või ei taha. Tudengiaeg on ju nii meeles – “megapeod ja särki-värki” – ja samas tundub see ka juba… ehk pigem üksnes mõnusa mälestusena. Olgugi ehk liiga värske mälestusena. – “Ehk on ikka veel liiga vara end siduda.”

    Oled nagu murrangulises kohas, nagu puberteedik, kes… noh, üldjuhul on minu meelest inimene pubekas kuni ülikooli lõpuni. Siis alles kaob tasapisi see anarhistlik vastuhakk kõigile ja kõigele. Aga see murdehetk ongi nagu toot viimane piisk. – “Persse, ma ei taha ju veel abielluda, ma ei taha last, ma ei taha veeta oma elu lõputult makstes (nagu Jaan Aps kirjutab:)“…30-aastast pangalaenu ja liisitud autot.” – “Persse, ma tahan… ma tahan… ma ise ka ei tea, mida ma tahan.” Midagi, mis ei ole veel nii “normaalne” ja igav ja igapäevane. Vot – ja see ongi see hetk, mil keegi meist valib ühe tee ja keegi teise.

    On keegi, kes läheb kaasa, ja keegi, kes veel meeleheitlikult vastu punnib. Jaan Aps oma romaanis “Tähtis kevad” selle hetke meisterlikult välja joonistabki. Mis mind eriti rõõmsaks teeb: mitte nii, et on vaid üks jutujoru leheküljest leheküljeni, vaid luues Tarantino seebiooperlikult intriigidele toetuva tohuvabohu. Nauditav, muide. Lugu kulgeb mitmel tasandil. Vahel meilides. Vahel dialoogides, vahel jutustuses. See ongi, mis hoiab meele erksana.

    Ta räägib keskkooliõpilastest, tudengitest (megapeod, naised, õlu), just karjääri alustanud bürokraatidest/bürokraadihakatistest (murrangukohast), maailmakodanikest (teise tee valinuist) ja siis elutüdimuse käes vaevlevatest keskealistest (esimene tee), kelle ainsamaks eluideeks või -võluks on jäänud idiootlike asjade ja probleemide ülepaisutamine oma isiklikus elus, et neid siis ammendavalt oma himude varjus välja tuua. Ehe näide on Terje versus Taimi… vabandust, Taimi-mutt versus Terje. Aps räägib enesehaletsuses vaevlavast Evast, Annelist… Aga kõige pullim on see, et kõik need karakterid on olemas. Nad ongi reaalselt olemas. Näiteks mina leian oma sõpruskonnast iga raamatus esineva inimtüübi, mis teebki lugemise mõnusalt, vastikult reaalseks.

    Mõne inimese elu ongi too “normaalne käekäik“. Elamine Kunderi tänaval. 42. keskas käimine, keskkooliarmastus, malev, ülikool, kolimine tagasi Kunderi tänavale, samasse korterisse, töö, laps(ed), laen – ja veel üks ja veel üks, üks ja sama pood, sama maailm, samad inimesed jne, jne, jne. Mõne inimese päeva jällegi mahub tohutult palju. Ärkamine ühes ja uinumine teises riigis, sõidud siia-sinna, kolimine, enesekaotus, pohhuism, eneseleidmine, jalulesaamine… aga mis edasi saab? Vot just selles kohas lõppeb ka Jaan Apsi raamat.

    Selles peitub teatud müstika: et mis neist inimestest saab? Me loeme ja näeme, mis saab inimestest, kes käivad esimest teed, see aga jääb alati saladuseks, mis saab nendest, kes ei käi seda mitte. Näiteks mis saab edasi Imrest? Ma arvan, et kui inimene on juba üks kord võimeline kõik maha jätma, ei valmista talle kuigi palju piinu teha seda ka teist või siis kolmandatki korda. See ongi juba tema saatus. Mis siis saab Imrest ja Curlyst? Vot ei tea. Aga me teame, millega jätkub Taavi ja Terje edasine teekond. Kui seda pole kirjutatud raamatusse, siis piisab vaid, kui korraks nina välja pista ja vaadata. Paralleelid on olemas.

    Ma ei oskagi öelda, kas teist teed kõndijate elu on õnnistus või koorem. Kindlasti on see seiklusterohkem ja huvitavam, aga ka üksildasem.

    Kerkibki pinnale alateadvuses näriv küsimus, mis läbib tervet raamatut. Mis edasi? Miks minuga? Miks mitte siis minuga? – “Oeh… oleks küll nii minuga.” See ongi otsus. Terve elu otsus. Keska omadele lõpueksam. Terjele see, Evale too, jne, jne.

    Tegelikult, muidugi, igaüks teeb oma otsused ise. Neid ei tohi lihtsalt kritiseerida. Mis aga on otsuse ajendiks, see on teine asi. On see siis enda teha, mis raamatu lõpus juhtub või mitte? Tegelikult – isegi kui see ei oleks enda teha, siis situatsioonid tekivadki tänu sellele, kes sa oled. Mõni on kohe loodud jamamagnetiks ja ta ei saa sellest üle ega ümber. Mõnel jällegi nagu ei juhtugi kunagi midagi, mitte kui midagi. Kumb on õnnelikum? Vaat seda ma ei tea ja selle vastuse jääb ka raamat võlgu. See lihtsalt kirjeldab erinevaid inimesi ja nende teede ristumisi ning mõnd seika, mis sellest supist sünnib. Tore igatahes, igati positiivne.

    Mulle meeldis kohutavalt üks lause Jaan Apsi sulest: “Põrgu on see koht, kus me kohtame inimesi, kes me oleksime võinud olla.” Aga see oleneb juba täielikult meist endist, keda mina või sina seal kohtame. Eks siis näeme, kui see aeg kätte on jõudnud.

  • ?Klaaspärlimäng? algab löökpillimadinaga

    Et juulikuus Pärnus ennast kuuldavaks-nähtavaks teha, selleks ühest trummist ei piisa. Festival ?Klaaspärlimäng? alustab 16. juulil kell 19 Rüütli ja Nikolai tänava ristmikult löökpilliorkestriga ja haarab kõik uudishimulikud kaasa Eliisabeti kirikusse, kus Baden-Badeni Sümfooniaorkester tervitab kõiki Pernau-Pernau muusikasõpru avamänguga ooperile ?Don Giovanni?, mis teadagi Mozarti sulest. Kontserdi solist Piotr Anderszewski (klaver, Poola) on maailma tippude hulgast, 2001. aastal vääris ta Royal Philharmonic Society auhinna ?Parim instrumentalist?, pääsedes sellega eriti äravalitute seltskonda: varasemate auhinnatute seas on Murray Perahia, Itzhak Perlman ja Andras Schiff.

    Miks New York Times on Anderszewskit õnnistanud tiitliga ?Poola punkar?, seda õnnestub äkki Eliisabeti kirikus tuvastada. Süd-West Rundfunk Sümfooniaorkester on endale nime teinud Ligeti, Stockhauseni, Berio jt XX sajandi suurmeeste teoste ettekannetega ja tema tänane peadirigent Silvain Camberling on tuntud kui ebatavaliste ooperiprojektide teostaja.

    18. VII on Pärnu kontserdimaja peaaegu tervenisti ?omade? päralt, sest laval on Pärnu Linnaorkester, dirigendipuldis Kristjan Järvi, solist Martin Kuuskmann (fagott), aga ka Carel Kraayenhof (bandoneon, Holland). Kontserdi esimese poole kava on pärit Põhja- ja teine pool Lõuna-Ameerikast. Charles Colemani Fagotikontsert tuleb Eestis esiettekandele ja Astor Piazzolla Bandoneonikontsert on saanud nime ?Aconcagua? (Andide kõrgeim tipp) kui autori loomingu tippteos.

    Festivali kavad torkavad üldse silma läbikomponeeritud dramaturgia poolest, kuid lausa matemaatilise kombinatsiooni pärlid on Duo Martinika (Maarika Järvi, Martin Kuuskmann) pluss Matt Herskowitzi kammerkava 20. VII Pärnu kontserdimajas. Veenduge ise: raamiks on Beethoveni ja Poulenci triod ja kombinatsioonideks fagott-klaver, flööt-klaver, fagott-klaver, klaver. Väheoluline ei ole ka asjaolu, et klassikalisse raami on paigutatud Herskowitzi (1968), Feldi (1925), Schnyderi (1961) ja Pärdi (1935) teosed.

    Eesti riigist on tänavu äkki saanud Euroopa sümfoonikute treffpunkt. Juunis-juulis oli ja on meie festivalide külalisteks vähemalt kümme tipporkestrit: Tubina festivalil kuus, Oistrahhil kaks ja ?Klaaspärlil? kaks. Üks neist ? Euroopa Liidu Kammerorkester ? on Pärnus 21. VII põneva kontrastkavaga: Holst, Mozart, Sollima, Haydn, ?rosinaks? solist Christoph Koncz (viiul, Saksamaa), 18aastane noormees, kelle tähelend algas 12aastaselt François Girardi filmis ?The Red Violin? ja kelle tänavust hooaega ilmestab Herbert von Karajani Keskuse loomestipendium.

    Festivali absoluutakadeemiline kõrgpunkt saabub aga Pärnusse 26. VII, kui kavaga Schubert, Mozart, Brahms astub kuulajate ette Leipzigi Keelpillikvartett. Tegu on kollektiiviga, kes on salvestanud kõigi nimetatud heliloojate antoloogiad ning tiirleb väsimatult ümber maamuna ca 120 kontserdiga aastas. Mozarti Klarnetikvintetis on ta endale ansamblipartneriks valinud Selvadore Raehni (klarnet, Jaapan), kes tegelikult on Selvadore Rähni, st selge ?eesti poiss?, aga ametilt Kyoto SO klarnetisolist.

    28. VII püstitatakse Pärnu Linnaorkestri poolt taas igavene küsimus: kas Salieri tappis Mozarti ja festivali kunstiline juht Peeter Vähi lisab kõhklusi ? äkki see polegi tõsi? Tõsi on aga see, et ühes kavas tulevad ettekandele Antonio Salieri avamäng ?Tatari suurkhaan Hubilai? ja variatsioonid ?La Folia? teemale ning Mozarti Reekviem, mille illustratsiooniks fragmendid Formani ?Amadeusest?.

    Festivali lõpetaks justkui 3. VIII kitarrikvartett Saffire Austraaliast fantastilise koosseisu (6-, 8- ja 12-keelsed pillid) ja samaväärse kavaga: Bartóki ?Rumeenia tantsudest? Bill Whelani ?Riverdance?ini?. Kuid mida ütleb ?Glasperlenspieli? reeglistik: seal puudub mängu lõpetamise reegel. Järgides seda puuduvat reeglit, toimub Pärnu kontserdimajas 20. VIII veel üks kontsert pealkirjaga ?Ida ? kauge ja lähedane?. Tallinna Kammerorkester Eri Klasi juhatusel tuleb välja kavaga Pärt, Vähi contra ?ostakovit?, Schnittke, solist on Vestard ?imkus (klaver, Läti). Kuna mängust väljuda ei ole võimalik, siis vean kihla, et ?Klaaspärlimäng 2006? on juba valmis.

     

  • Naisskulptorid ja ajastu ideaal

    Kuigi skulptuuri õpetati nii Tartus kui Tallinnas, tuli meie 1930ndate kunstiellu skulptoreid juurde märksa vähem kui maalikunstnikke või graafikuid: nende ettevalmistamine, vajalike teadmiste-oskuste omandamine võttis kauem aega kui teiste valdkondade esindajatel. Pal-

    lase koolis oli 1920ndatel ja 30ndatel üldse vaid 15 lõpetajat, neist 4 naist: Leontine Lind (1927), Natalie Verhoustinskaja (1928), Amanda Jasmiin (1937) ja Linda Sõber (1938), kellele II maailmasõja ajal lisandusid veel Lydia Laas ja Salme Rosalie Riig-Schönberg. Kõigi juhendaja oli Anton Starkopf. Noortest naisskulptoritest pälvis algusest peale kriitika tähelepanu vaid Linda Sõber. Kuid ega noored meesskulptoridki kiidulaulu esile kutsunud, ikka suhtuti neisse kergelt tõrjuvalt. Täiesti omaks võeti vaid juba õpingute ajal monumendi loonud Martin Saks, isegi Ernst Jõesaar, Enn Roos, Roman Timotheus kippusid kõrvale jääma.

    Skulptuuri ambivalentne staatus

    Skulptuuril oli 1930ndate kunstis ambivalentne staatus: skulptuuril, iseäranis selle monumentaalvormil oli positiivse rahvusliku märgi staatus, kuid teisalt oli skulptuuril meie kunsti oma koolkonna õitseajal kiratsev maine. See tuli ilmsiks just üldnäituste retseptsioonis ning eelkõige pärast 1934. aastat, kui aastanäitusest sai riikliku kultuuritempli Kunstihoone kõige respektaablim näitusevorm, kunsti väärtuse lakmuspaber. Kui maalis seostus tõus ikka noorte annete esilekerkimisega, siis skulptuur püsis vanadel vaaladel, eelkõige avangardistlikumalt määratletud andekal pahal poisil, enfant terrible?il, trouble maker?il Jaan Koortil, kelle positsioon kindlustus tema seiklusrikka elu ning iseäranis varajase surmaga. Jaan Koorti järelehüüetes, ükskõik kas need oli kirjutatud siis avangardistliku kunstimudeli eest võitleja Märt Laarmani või rahvuslikku konservatiivset suundumust toetava Hanno Kompuse poolt, kasutati ühesugust retoorikat. Mõlemad lugupeetud kriitikud püüdsid ühendada kaht vastuolulist väärtust, luua paradoksaalset sümbioosi avangardistliku looja novaatorlikkusest ja sõltumatusest ning igavikulistest väärtustest. Laarman kirjutas: ?/—/ Jaan Koort põles kogu eluea loomistules ja ei põlenud ära, seda ei pidanud meist keegi imeks. Me vaatasime seda kui vajadust. /—/ Ta oli nagu puu, mis ei mõtle surmast, puu, mille ainsaks mõtteks on kasvada targutamata ja küsimata surmatundi, ees ainult üks siht ? kanda vilja, vilja /—/.? Hanno Kompus: ? /—/ Koort annab suurelt nähtud masse ja vorme, täidlast ümarikkust /—/, temas on armastus igavese materjali vastu /—/ imeline, hell otsekui emalik rahu /—/? Põhimõttelistes vaidlustes novaatori seiskohtadele truuks jäänud Laarman läheb Koorti juures isegi nii kaugele, et seostab teda kui avangardisti rahvuslikkusega: ?/—/ tõelise rahvuslikkuse pale, mis paratamatult kerkib nähtavale iga kunstniku loomingus, kus kunstnik on tõesti Looja?. Mitte küll nii värvikalt, kuid seda sümbioosi oodati kogu tollaselt eesti skulptuurilt. 1939. aastal kirjutas ungari kunstiteadlane Andras Dekany: ?Eesti raidkunst on massiivne jõu kontsentratsioon, kus esineb tunnete tagasihoidlikkus ja meil seninägemata kujutlusvõime väljendamine. Graniit on eesti kujurite eelistatuim materjal, ja seda käsitlevad nad nõiakunstnikkudele sarnleva osavusega?.

    Ajastu taust

    Samasugust sümbioosi võis täheldada ka 1920ndate prantsuse kultuuri konservatiivselt suundumuselt, uusklassitsismilt: ?Me ei pea tänapäeval püüdlema heroiliste Termopüülide lõuendite või Pheidiase kumerate huulte või sirgete ninade poole /—/ Meie eesmärk on sügavam. Moodne ideaal püüdleb vormi, kiretu kvaliteedi, peene, oivalise poole, mis ongi tõeline klassika, klassitsism /—/ Raffaeli moodne näide on Picasso.? (On classic ground. Catalogue. London, Tate Gallery, 1990, lk. 25). 1920ndatel populaarseks saanud mehe-, aga iseäranis naisefiguur pärineb selgelt antiikkreeka kunstist: langetatud pilguga siivsalt häbet kattev Venus Pudica on oma alastiolekust teadlik naine, kes teab, mida naiselt oodatakse.

    Kuigi 1920ndate prantsuse ideaal rõhutas ladina vaimu erilisust, vastandades seda gooti vaimule, on 1930ndate natsisaksa iluideaal vägagi sarnane. Hitler ise kõneles saksa rahvuslikkust ülistavate näituste avamisel püsivatest väärtustest ja, kuigi ta seda mõistet kunagi ei kasutanud, avangardistlikult mõtestatud suurest loojast: ?Kunst ei ole moevärk. /—/ Vaid need, kellele Jumal on defineerinud, kes on tundnud jumalikkust, neil on tõelise talendi suurus?. Kunst oli ülev ja fanatismiks kohustav missioon, mida suutsid representeerida kangelasmüüdi selged rollid: heroiline talupoeg, ema ja laps, sõdur, atleet. Deutsch sein heist klar sein! Tugeva, selgelt oma missiooni ja rolli mõistva keha tekitatud turvalisuse illusioon sobis selle ideaaliga ning 1920ndatel Saksamaal ülipopulaarne nudistlik liikumine pakkus ühiselt jagatud õnneillusioonile igati sobivat rahvuslikku tausta. Aarialase kaunilt proportsioonikas, kuid karske keha jõudis massilavastuste kaudu kogu rahvani ning kaotas massi- ja kõrgkultuuri piiri, aarialase iluideaal oli kõikidele kättesaadav ja seega kuulus kõigile.

    Kuigi naise koht oli kodus ning tema üllaim kohustus oma kodumaa ja füüreri ees oli lapsi sünnitada ja neist ideaalsed aarialased kasvatada, oli 1930ndatel Saksamaal üle 100 naisskulptori, 65 aktiivselt tegutsevat. See oli küll suurelt jaolt Weimari vabariigi pärand, mida natsi-ideoloogia osavalt ära kasutas. Naiste loodud kunsti andis üldise ideaali sees üliedukalt seostada kodu, laste, emalikkuse ? ideaalse naise maailma kuuluvate teemadega. Nii leiab ükskõik millisest laiadele massidele mõeldud II maailmasõja ajal välja antud saksa kaas-aja kunsti raamatust mõne naisskulptori teose reproduktsiooni. Naislooja, kes teab, milline on ideoloogiliselt õige kunst ja sedagi, kuidas see vaatajat mõjutab.

    Eesti tollane skulptuur, iseäranis just kunstiellu astunud noored naisskulptorid sobisid nagu valatult natsi kunstiideaali. Nende temaatikas pole küll midagi spetsiifiliselt feminiinset, sest ema ja last, Venus Pudica laadis naisakte kujutasid ka nende meeskolleegid, kuid nende loomingus polnud ka naismaalikunstnikele (Karin Luts, Natalie Mei) omast ebamugavust ja hämmingut tekitavat. Nende kunstist kõneldes ei pidanud otsima naise identiteeti iseloomustavat retoorikat, võis vabalt kasutada harjumuspärast sõnavara. Iseäranis selgelt tuleb see esile 1939. aasta naiskunstnike näituse juures. Hanno Kompus kirjutab Linda Sõbrast kui talendikast kunstnikust, kellele on antud, et ?surnud savi tema käe all muutub elavaks, ükskõik kas teeb istuva tüdruku või tantsijanna portreed?, või Amanda Jasmiini andeulatusest ja rütmitundest. Kuigi isegi praegusest Adamson-Ericu muuseumi näitusest tuleb välja nende noorte naisskulptorite eripärane hoiak, naise tähelepanelik pilk kasvõi teise naise, isiksuse portreteerimisel. Skulptuur kui riiklik märk kuulus meestemaailma, sinna pürginud naisi sai käsitleda vaid valitsevate streotüüpide kaudu.

  • Muuseumikeskus Vapriikki koomiksinäitus

    Neljapäeval, 21. veebruaril avatakse Tampere Maja galeriis näitus „Kasupojad ja töölistüdrukud“ originaaltöödest. Soome koomiksikunsti esinimed stsenarist Pauli Kallio ja kunstnik Tiitu Takalo Tamperest on koostanud üheksa koomiksit Tampere linna ajaloost.

    Projekt sai alguse Tampere linna 230. aastapäeval 2011. aastal, kui Muuseumikeskus Vapriikki tellis Tammerkoski näituse tarbeks leheküljepikkused lood üheksast Tampere perekonnast rauaajast 2000. aastani. Tehtud tööst sündis teedrajav koomiksialbum Tampere ajaloost ja näitus koomiksi originaalteostest ning selle loomisprotsessist.

    Projekt loodi tihedas koostöös koomiksi autorite ja muuseumi uurijate vahel. Vapriikki töörühm kujundas igast valitud ajastust perekonna ja nende vahetu ümbruse: kujutati selle aja elu, riietumist ja kombeid. Perekonnalood on fiktiivsed, kuid põhinevad kaasaegsetel arheoloogia- ja ajalooteadmistel.

    Professionaalne stsenarist Pauli Kallio on loonud lühikesed liigutavad lood pereliikmete elust, mis ühtlasi kirjeldavad ka ajastu läbimurdeid ja iseloomulikke jooni. Koomiksjutustuste põhjal avaneb uusi vaatenurki möödunud põlvkondade inimeste elule, samas lähenetakse neile ajaloolistele igapäevasündmustele tänapäeva kodaniku kogemustemaailmaga.

    Tiitu Takalo elavad joonistused toovad delikaatselt esile kujutatud inimeste iseloomuomadused ja tunded. Suure pühendumusega tehtud joonistustes on ühendatud soome illustratsioon ja rahvusvahelised koomiksi- ja kujutava kunsti traditsioonid.

    2011. aastal sai Vapriikki projekti „Kasupojad ja töölistüdrukud“ eest MTÜ Koomiksitegijad poolt välja antava aasta koomiksisaavutuse auhinna. Album oli 2012. aastal Koomiksi-Finlandia võistluse üks nominentidest.

    Tampere Maja galerii on avatud iga päev kl 9-18. Näituse külastamine on tasuta. Olete oodatud!

  • Santayana 1896

    Santayana raamat „Ilutunne. Esteetikateooria visand” (1896) koosneb neljast osast. Esimene ja põhjapanev kannab pealkirja „Ilu loomus”. Sellel rajanevad kõik autori edasised mõttearendused, mis pakuvad üksnes kõrvalist huvi. Meid lahutab tolle raamatu sünnist 113 aastat ning esteetika on vahepeal kogenum kui Santayana omal ajal. Tema „esteetikateooriast” on suuresti saanud esteetika ajalugu. Ta ajab omaaegseid asju („hedonistlikest esteetikuist”  räägib ta äratuntavalt tõsiasja taustal, et viis aastat tagasi oli ilmunud Wilde’i „Dorian Gray portree” ning aasta tagasi oli pandud selle autor vangi; väga ajastuomaselt koloniaalpsühholoogiline on arusaam, et inglase iluideaalid „lähtuvad kõigile ühistest vaimsetest osistest ning on suhteliselt püsivad ja üldised”, lk 14).

    Teoreetikuna jätkab Santayana XVIII sajandi  šoti koolkonna õpetust, mille sõnastas Thomas Reid 1764. aastal teoses „Uurimus inimvaimust terve mõistuse põhimõtete järgi” („An Inquiry Into the Human Mind on the Principles of Common Sense”): igal inimesel on juba sündides kaasas headuse, tõe ning ilu aluslikud põhimõtted, mis moodustavad „terve mõistuse” (common sense) ja mille alusel inimene hakkab kohe pärast sündi spontaanselt langetama otsuseid ja tegema valikuid. Rikkumata  (tervemõistuslik) inimene, kellel on võimalik valida, eelistab alati headust kurjusele, tarkust rumalusele ning ilu inetusele. Ka Santayana meelest „peab meie loomuses kätkema väga radikaalne ja üldlevinud kalduvus täheldada ja väärtustada ilu” (lk 10) ning „pole olemas niisugust hüve, mida tema puudumisele või vastandile ei eelistataks” (lk 25). „Meie lihtsate otsuste alusena” toimibki tal otsesõnu „tervemõistuslikkus” (lk 9, sanity of judgment).  Kuid Santayana lisab ka midagi uut. Esmalt lahutab ta mõistuse hinnangud („kriitika”) kui „võrdlemise mingite standarditega” „väärtusotsustustest, mis on vaistlikud ja vahetud” (lk 22). Selle tulemusel „esteetilised ja kõlbelised otsustused kuuluvad … [ühte ja] samasse klassi” (lk 29). Ja seejärel isoleerib oma ainesest („esteetilisest võimest”, lk 13) „mõistuspärased ja kõlbelised otsustused” (lk 39). Niisiis lahutab ta ka esteetika ning eetika. Algul veel  küllalt kobamisi: „… Esteetilised otsustused on valdavalt positiivsed,… kõlbelised otsustused on peamiselt ja põhjapanevalt negatiivsed…” (lk 29). Siis aga ütleb ta välja oma keskse esteetikaidee: ilu ning inetuse asümmeetria. Ilu esteetiline vastand ei ole inetus, sest inetus on iseseisva algena hoopis eetiline kategooria. Ilu ning inetuse dualism on tegelikult esteetika ning eetika dualism ning esteetikas on „inetus” üksnes ilu privatsioon, „ilutus” (51).

    Meenutagem,  et just nõnda ületas Aquino Thomas headuse ja kurjuse dualismi! Ilu määratlus Santayanal jääb kummatigi abituks: „… Ilu on millegi positiivne, loomupärane ja objektiveeritud väärtus. Või, lihtsamalt öeldes: ilu on nauding, mida mõistetakse asja omadusena.” (lk 50). Hüva, naudingut tunneb subjekt tänu temas peituvale „esteetilisele võimele” (lk 13). Aga mis peitub subjektis, et ta naudingut objektiveerib, mis siis lõpuks  produtseerib temas(t) ilu? Mis kõrgem vägi see on? – Sellele Santayana ei vasta muuga kui postulaadiga, et „esteetilise naudingu … organid peavad olema niiöelda läbipaistvad, nad ei tohi hõivata meie tähelepanu, vaid peavad suunama selle otseteed mingi välise objekti poole” (lk 40). Niisugune arusaam on muidugi väär. Semiootika vahepealne areng on pannud meid mõistma, et spetsiifiliselt esteetiline  nauding saadakse kunstikoodist, piltlikult öeldes: sellest, kui hästi on maalitud, mitte sellest, mis on pildi peal. Roland Barthes ütleb 1980. aastal fotograafiat analüüsides: „Foto … on triiki täis kontingentsust, mille läbipaistev ja kerge kest ta on. Näidake oma fotosid kellelegi; ta kraamib kohe välja enda omad: „Näete, see siin on minu vend; see seal, see olen mina lapsest peast jne. Fotograafia on alati vaid pelk kaasitus (chant alterné): „Vaadake!” „Näe!”,  „Siin see on!”, ta näitab näpuga mingile konkreetsele esemele ega saa lahti sellest puhtast viipekeelest. Seepärast võib küll vabalt rääkida mingist fotost, aga, nagu mulle näib, mitte vähimatki fotograafiast. Tõepoolest ei eristu konkreetne foto iial oma referendist (sellest, mida foto kujutab), või vähemalt mitte jalapealt ega igaühele (mis on võimalik mis tahes muud tüüpi pildi puhul, sest nood on juba ette ning iseenesest märgistatud moodusega, milles eset jäljendatakse): fotograafilist signifikanti tajuda ei ole võimatu (spetsialistid teevad seda), aga see nõuab teatavat sekundaarset teadmiste või refleksiooni akti.” (1)

    Tõelises iluelamuses vaatame oma vaatamist. Ilu kood on füüsiline märgistik. Niisiis ilu on mingi füüsilise märgi omadus, ilu ise on teatav märgilisus, märk (designaat). Kuid mille märk? Subjektivistid arvavad, et ilu on vaataja enda psüühika sümptom („ilu peitub vaataja  silmades”), objektivistid arvavad platonistlikult, et ilu on mingi sõltumatu idee, kantiaanid ehitavad kiriku keset küla: ilu on teatav subjekti ning objekti vastavus. Santayana väidab, et ilu on subjekti naudingu objektiveering. Aga selle ainsaks põhjenduseks suudab ta tuua, et „esteetilise naudingu … organid peavad (!) olema niiöelda läbipaistvad, nad ei tohi (!) hõivata meie tähelepanu, vaid peavad (!) suunama selle otseteed mingi välise objekti  poole” (lk 40). Nagu me nägime, on see vale – ei pea nad midagi. Tõlge on nauditavalt keeletundlik, ehkki „Fausti” tsiteeritakse – Santayana jälgedes – saksa keeli vigaselt (lk 17, vrd WA I, 14: 93) ja näiteks „püherdavad Epikurose aedikus” (lk 18) jääb kommenteerimata, samas kui peetakse vajalikuks seletada, mis on „refleksioon” (lk 19). Olen ikka arvanud, et esteetiline alaväärtuslikkus  on ebaeetiline. Santayana ütleb, et eetiline küündimatus pole üldse esteetika asi. Need kaks arusaama on ühitatavad. Peaks mõtlema, kuidas täpselt.

    1 Roland Barthes, La chambre claire. Note sur la photographie. Cahiers du cinéma, Gallimard, Seuil, 1980, lk 16-17.

  • Tõde, milles Waltaril on ikka veel õigus

    Tegu on reportaažiga, mille Waltari avaldas 1941. aastal Rootsis varjunime Nauticus all. Malmö linnas kirjastuse Förlaget Balticum poolt välja antud teoses kirjeldatakse detailselt Eesti, Läti ja Leedu annekteerimist Nõukogude Liitu. Kuigi soome keeles ilmunud raamat oli mõeldud soome lugejatele, anti see meelega välja Rootsis, vältimaks tagajärgi, mille võimalustele Waltari ja WSOY jõudsid mõelda raamatu kirjutamise ajal ja eriti pärast Talvesõja lõppemist 13. märtsil 1940. Kuigi Moskva rahu (12. III 1940) tingimused ei puudutanud otseselt Soome ühiskonna sisekorraldust, oleks raamatut Soomes kindlasti tõlgendatud trotsina või isegi üleskutsena „nõukogude sõltumatuse” vastu.

    Raamatu ilmumiskoht oli ennatlik ka selles mõttes, et pärast Jätkusõda 1944. aastal keelas liitlaste (s.t Nõukogude Liidu) järelevalvekomisjon raamatu tõesti ära ning see korjati ära ka raamatukogudest. Nii sai Nauticuse teosest bibliofiilne haruldus, mida oli aastakümneid peaaegu sama raske leida kui Waltari teist superharuldust, Jätkusõja ajal 1942. aastal valminud uurimust „Neuvostovakoilun varjossa” („Nõukogude luuretegevuse varjus”). Viimase raamatu keelustamise põhjused on lühidalt kokku võetud raamatu alapealkirjas: „Nõukogude Liidu Helsingi suursaatkond õhutus- ja luuretegevuse keskusena („Helsingin neuvostolähetystö kiihoitus- ja vakoilutoiminnan keskuksena”).

    “Totuus Virosta, Latviasta ja Liettuasta” kirjeldab annekteerimise kiiresti arenenud sündmuste taustaks Baltimaade iseseisvust enne sõda, nende suhet Nõukogude Liiduga ja staatust maailmapoliitikas. Proloogina Ždanovi, Võšinski ja Dekanossovi lavastatud poliitilisele näidendile – metafoor, mida autor pidevalt kasutab ja mis ehk pärinebki tema sulest – kirjeldatakse Nõukogude Liidu poolt dikteeritud koostööpakte, suhtumist Soome ning Baltimaade olusid vahetult enne okupeerimist. Erilist tähelepanu leiavad Poola allveelaeva Orzel juhtum ning Vilniuse saatus. Paljud leedulased tervitasid Esimeses maailmasõjas Poolale kaotatud Vilniuse tagastamist Leedu koosseisu siira rõõmuga, hoolimata sellest, et see tähendas tantsu hauaküngastel – Vilnius saadi ju Nõukogude Liidult kätte Leedu Vabariigi hinnaga.

    Waltari raamatule on eessõna kirjutanud professor Seppo Zetterberg, kes sügisel kandideeris oma mahuka teosega „Viron historia” Soome Tieto-Finlandia auhinnale. Kuigi Waltari oli oma raamatut kirjutades Riigi Informatsiooniameti ehk sisuliselt kaitseväe propagandaosakonna teenistuses, tõdeb Zetterberg, et raamatu stiil on „usutavuse tõttu” neutraalne ja kommentaarid jäävad tagasihoidlikuks, mis aga ei välista, et „sündmuste dramaatilisus ajab ka tasakaaluka teksti vahutama”. Zetterbergi arust on Waltari raamatu eesmärgiks olnud ennekõike „tugevdada soomlaste vaimset vastupanu” ning hoiatada Soomet Baltimaade sündmuste ja eriti Soome vasakpoolseid ringkondi selle eest, mida „Balti idealistid” on Soome lahe lõunakaldal korda saatnud.

    Zetterbergi arvates on raamat tõetruu selleski mõttes, et see on hästi vastu pidanud ka hilisemale ajaloo kriitikale. Zetterberg kirjutab, et Waltaril oli võimalik kasutada Soome julgeolekupolitsei, sõjalise luure, diplomaatiliste allikate, Nõukogude Liidu ja Baltimaade ajakirjanduse taustainfot ning pealtnägijate intervjuusid. Raamatutest viitab Waltari leedu kirjaniku ja ajakirjaniku Ignas Jurkūnas-Šeiniuse 1940. aastal  Rootsis ilmunud pealtnägijakirjeldusele „Den röda floden stiger” („Punane tulv tõuseb”).

    Zetterbergi arvates on selge, et Waltari raamat on omakorda mõjutanud president J. K. Paasikivi mälestusteraamatut „Toimintani Suomessa ja Moskovassa 1939–41” („Minu tegevus Soomes ja Moskvas 1939-41”), kus Paasikivi annab pikalt aru sündmustest Baltimaadel 1940. aasta suvel. Paasikivi on saanud oma mälestustes toetuda ka Jaan Siirase ehk August Annisti 1942. aastal ilmunud kirjeldusele „Viro neuvostokurimuksessa” („Eesti nõukogude keerises”), mille käsikirja Waltari nähtavasti siiski ei tundnud või ei saanud kasutada.

    Muu hulgas pakub autor lausa numbrilist infot näiteks maatöötajate sissetulekute ja maksustamise kohta, kui väiketaludelt hakati enne kolhooside moodustamist minema üle plaanimajandusele. Tähelepanekuid on ka toidukaupade hindadest ja üleminekuaja hiigelinflatsioonist, kui krooni asemel võeti kasutusele rubla.

    Teose lõpupoole on Waltari pühendanud Nõukogude Eesti muutunud oludele: nõukogude süsteemile, kasvatusele, ajakirjandusele, Stalini põhiseadusele, aga ka kiriku ja armee likvideerimisele, arreteerimistele ja terrorile. Lühikirjeldused jätavad liidu uuest proletaarsest osariigist üpris trööstitu mulje. Raamatu kokkuvõttes kirjeldab Waltari: „Tegelikult on elu Eestis sünge ja ängistav, ja iga kuuga on seda üha raskem taluda – aina raskem, mida kaugemale ulatub nõukogude süsteemi haare ja mida laiemale levib NKVD luuretegevus”.

    Baltimaade ajaloo mõjuvõimsaima ja pikaajalisima näitemängu murelikku algust Eesti püünel ehk riigikogu istungit 21. juulil 1940 retsenseerib oma allikatele toetudes kriitik Waltari järgmiselt: „Saalis ei kõlanud mitte ühtki vastuhäält. Eesistuja teatas, et aruanne oli heaks kiidetud ja koda sellega nõustunud. Lavastus oli täiuslik. Režissöör oli oma aplausi ära teeninud, aga Ždanovit ei kutsutud kordagi lavale tagasi”.

     

     

  • EKA graafilise disaini tudengid Šveitsi disainist

    Jaak Kaevats

     

    Kaunimate raamatute žüriisse kuulunud ja Metropolis M graafilise kujundajana tuntud Julia Borni koostööle ja innovatiivsusele rõhku panev loeng algas Eesti ja Šveitsi koostöö suurepärase näitega: Šveitsi 2005. aasta eurolaul „Cool Vibes” Eesti tüdrukutebändi Vanilla Ninja esituses. See suhteliselt kõrvaline asi näitab paljugi. Bänd on kogunud kuulsust enamasti Saksamaal ja Austrias. Šveitsi eurolaulu esitaja valiti bändi populaarsuse tõttu nii Euroopas kui ka Šveitsis. Laulu oli  kirjutanud David Brandes, kes küll sündinud Šveitsis, kuid on põhimõtteliselt sakslane. Koostöö on šveitslastel loomupärane, võib öelda, et isegi veres.

    Analüüsides Šveitsi disaini, tundus ikka ja jälle, et kõrvutan seda miskitmoodi Eesti omaga: kas meie graafilisel disainil on rahvuslikku indentiteeti? Vastus jääb endiselt õhku.

    Egle Vesk

     

    Šveitsi päevade raames loengu pidanud Marco Walseri (Elektrosmog) töödest kumab vaikimisi läbi osav suhestumine kontekstiga. Swiss Federal Office of Culture (SFC) disainiosakonna jaoks loodud identiteet läbipaistvate plastümbrikute ja omapäraste kataloogide ning promoplakatitega mõjub võimendatud kujul millegi sellisena, mida siinsed reklaami- ja disainibürood armastavad kutsuda „erilahenduseks”. Samas ei peegeldu kodumaistest kohtlakk-lips-ümber-ümbriku-kujundustest kunagi samasugust otsustusvõimet ja julgust katsetada ebatraditsiooniliste materjalidega. Näituse „In den Alpen” Elektrosmogi kujundatud kataloog viitab mahedalt oma  inspiratsiooniallikale, XX sajandi alguse alpinismiklubide väljaannetele, kasutades mustvalgete fotode esitamiseks 14 koloreeringut. Promomaterjalidel on info kujundatud 55kraadise nurga all, vihjates kõrgmäestikke kujutavatele kaartidele. Just kontseptuaalselt kooskõlla viidud detailid on need, mis terase vaatleja südame põksuma panevad.

    Kaarel Nõmmik

     

    Näitusele tulijaid tervitas suur punane sein Šveitsi lipu valge ristiga ja Helveticas kirjaga „Šveitsi graafiline disain”. Esialgu kahtlasena tunduv ning modernses mõttes pompoosne dekoratsioon osutus aga täiesti enesestmõistetavaks: väikesele näitusepinnale oli paigutatud mitme galerii ning mitme kümnendi jagu mõtteid.

    Näituse põhiline võlu seisnes siiski raamatutes. Nimelt võis sealt ka midagi asjalikku lugeda, mis on juba iseenesest märkimisväärne, kuigi kummist kaaned, peidetud kirjad ja printeri toorvärvides kleepsud võiksid viidata hoopis muule. Sellel näitusel võis kogeda, et sisu tingib vormi, vorm tekitab sisu või sisu oligi vorm. Raamatute disainerid olid endale neid huvitanud projekti kujundada valinud.

    Norman Orro

     

    Plakatitest olid väljas mitmed Zürichi linnateatri Schauspielhausi kujundusrevolutsiooniga kaasne­nud afišid. Selle projekti teostamisel oli oluline osakaal just tellijal, teatril, täpsemalt uuel näitejuhil, kes soovis midagi hoopis erinevat sellest, mida oli kultuuriasutuses viljeldud viimase aastasaja jooksul. Teatri trükiste ja graafilise disaini ümberkujundamisest sai disainerite jaoks enneolematult võimalusterohke eneseväljendusprojekt. Pea  mitte mingeid piire ette andnud teater kaotas peagi radikaalse kujunduse tõttu osa oma püsiklientuurist, kuid võitis juurde hulgaliselt noori kultuurihuvilisi, keda võlus uus lähenemine. Tahes-tahtmata meenus Schauspielhausi kujundusi vaadates mõned aastad tagasi alustatud Estonia teatri kampaania: „Noored, tere tulemast Estoniasse!” Kas poleks plakatite asemel, kus kujutatud rulluiskudel läbi linna kulgeva noore või nahktagis punkari taolisi klišeesid, tulemuslikum olnud lahendus, kus nooruslik uljus ja radikaalne vaim ka kujunduses selgelt väljendunuks?

    Jaak Kaevats

     

  • Mäng, mis vääris küünlaid

    Raimo Kivistiku korraldatud XIII Rapla kirikumuusikafestival (22. VII ? 7. VIII) algas suurejooneliselt, avakontserdil tuli Rapla kirikus Tõnu Kaljuste dirigeerimisel esiettekandele Enn Võrgu (1905 ? 1962) mammutoopus, 44 numbrist koosnev neljaosaline oratoorium ?Valvake!? (?Vigilate?). Pea poolteisetunnise piibliainelise suurteose saamislugu on sama tähelepanuväärne kui selle nüüdne esmaesitus. Nimelt oli helilooja aastatel 1950 ? 1955 punavõimurite tagakiusamise eest Viljandimaal maapaos, kus valenime all elades kirjutaski oma suurima teose. Just nimelt kirjutas, kuna klaverit tal komponeerimiseks polevat seal olnud. Ja seda kõike vähimagi lootuseta tollases Eesti NSVs ka elavas esituses kuulda, kuna usk loeti sotsialismi ajal teadagi ?oopiumiks rahvale?.

    ?Valvake!? valmis eeldatavalt aastal 1953, mis on ühtlasi ka stalinismi lõputähiseks. Peab kohe ütlema, et vaevalt oleks Võrgu oratooriumi helikeel ise toona punastele ametimeestele peavalu valmistanud ? esmakuulamisel võib üllatuda selle ülimast konservatiivsusest. Ikka klassikute (Beethoven) ja romantikute (Wagner) laadis ?korralikud? harmooniajärgnevused, Händeli oratooriumide stiilis ?koolifuugasid? meenutav vokaalpolüfoonia jms. Sellise anakronistliku efekti paremaks mõistmiseks asetame ?Valvake!? oma ajastu konteksti ning vaatame, mis maailma avangardmuusikas tol ajal tehti.

    Täpselt samal aastal (1953) kirjutas Messiaen oma ?Lindude ärkamise? ja Stockhausen ?Elektronische Studie I?, aasta varem (1952) hämmastas Boulez muusikaavalikkust totaalse serialismiga teoses ?Struktuurid I? ning Berio epateeris publikut ekstravagantse ?Opus Number Zoo?ga?. Cage ?okeeris kõiki oma radikaalsete perfomance?itega, modernism õitses siis nii Darmstadti suvekursustel kui Donaueschingeni uue muusika festivalidel. Sõnaga ? 1950. aastate alguse läänemaailmas tähendas helilooja ühtlasi novaatorit ja avangardisti.

    Ent kunstis pole ühetähenduslikke eeskirju ja Võrgu ?Valvake!? peaks küll veenma, et heliloojal pole kohustust olla ilmtingimata novaator, et ka alalhoidlikus ja anakronistlikultki mõjuvas helikeeles saab luua sügavaid ning vägevaid heliteoseid. Ja väge oli nii kõnealuses oratooriumis kui selle ettekandes küllaga. Nüüd tervelt pool sajandit oma esmaesitust oodanud loost lähemalt.

    Nagu öeldud, jaotub ?Valvake!? nelja ossa, millest kaks kõlasid esimeses kontserdipooles ning ülejäänud teises. Oratooriumi 44 numbrit on enamjaolt üsna lühikesed ja sulanduvad attacca üksteiseks üle, mis lisab muusikale terviklikkust ning muusikalis-dramaturgilisele arengujoonele pidevust. Suurteose kaheks oluliseks jooneks oleksid dramaatiline intonatsioonide ring ning polüfooniline tekstuur, mõlemad kõige selgemini väljendumas eelkõige koorinumbrites. Mis puutub koori, siis tegelikult arvestas helilooja kolme, s.o nais-, mees- ja segakooriga. Antud ettekandes osales vaid Nargen Opera oratooriumikoor, mis polnud küll teab kui suur, ent Rapla kiriku akustikat arvestades täiesti piisav, et jaotuda tutti-kõlade kõrval kandvalt ka nais- ja meesrühmaks.

    Oratooriumi esimene osa räägib Kristuse hävingukuulutusest Jeruusalemmale ja jüngrite lohutusest. Dramaatilise kõrgpunktina mõjus siin koorinumber ?Rahvas tõuseb rahva vastu?, kus Tõnu Kaljuste tegi efektse tempokiirenduse, millega pingestas koori nais- ja meeshäälte tämbraalset vastandust veelgi. Järgnev Mati Turi soolo kandis seda pinget artistlikult edasi aldi (Helen Lokuta) soolonumbrisse, kus lisandus juba ka lüüriline dimensioon.

    Teine osa räägib suurest viletsusest ja Inimese Poja tulekust, dramatismist saab siin juba traagika, millele vaid baritoni (Rainer Vilu) soolo tõi viivuks leevendust. Lausa ooperliku afektiga kõlas Mati Turi ?Ja siis ilmub Inimese Poja tunnustäht?, ent isegi tema häälevõimsusest jäi siin väheks, kuna Tallinna Kammerorkestri massiivne kõla kippus teda oma intensiivsusega sootuks enda alla matma. Muuseas, esimeses kahes osas piano?t nagu ei kuulnudki ning pole ka ime, kui helilooja ei kirjutanud partituuri ainsatki dünaamikamärki.

    Ent kolmas ja neljas osa olid dünaamika poolest märksa mitmeplaanilisemad. Sopran Kädy Plaas üllatas siin meeldivalt oma vokaalse avarusega, millele omalt poolt aitas kaasa orkestrisaate redutseerumine piano?sse. Plaasi soologa haakus hästi ka Rainer Vilu lüürilise tundelaenguga esitatud ?Öö on möödumas?, mis kõlas kui nokturn või hällilaul. Neljandat osa, mis võtab oratooriumi viimsepäeva-meeleolud kokku, iseloomustab ehk kõige paremini kontsentreeritus ? muusikalis-dramaturgiline arengujoon läks siin aiva tõusujoones loo viimaste numbriteni, mis koos suurejoonelise lõpukooriga ?Meie ootame tema tõotuse peale? moodustasid ühtse hingusega terviku.

    Igatahes vägev kogumulje, mida kviteeris ka publiku standing ovations. Lõpetuseks tsiteerin aga kolleegi, kes ettekannet elutargalt iseloomustas: kunst kuulub Raplale!

  • Ülikooli kunstimuuseumis tuleb Rein Rauaga jutuks Ida-Aasia esteetika

    21. veebruaril kell 17.15 räägib Tartu Ülikooli kunstimuuseumis kirjanik ja Tallinna Ülikooli kultuuriteooria ja Aasia kultuuriloo professor Rein Raud teemal „Aegruumi tajumine ja representatsioon Ida-Aasia esteetikas“.

    „Nii, nagu Lääne teadus peab primaarseks ja õigeks aegruumi kirjelduseks füüsikalist maailmapilti, on Lääne kultuuris juurdunud arusaam ka selle õigest, realistlikust representatsioonist, millest näiteks avangardistlikud stiilid teadlikult kõrvale kalduvad, selle olemuslikku “õigsust” siiski ohustamata. Mitmed kunstiteoreetikud on siiski osutanud, et see nägemisviis on tegelikult vaid üks võimalikest, õpitud arusaam inimese, ruumi ja pildi suhetest, ning teistes kultuurides võivad kehtida üpris teistsugused viisid seda suhet kunstiliselt teostada. Loengus kirjeldan Ida-Aasia ruumitajumise esteetika lähtekohti ja arengut, mis on pannud aluse ka Jaapani kunstikultuuri erinevatele traditsioonidele,“ tutvustab Raud loengu sisu.

    Enne loengut, kell 16.15 esitletakse kataloogi „Puusse lõigatud pildid. Jaapani traditsiooniline puulõikegraafika“, kus on värvilised reproduktsioonid ja kirjed kõikidest näitusel eksponeeritud töödest. Kataloogis kirjutatakse ka traditsioonilise ukiyo-e puulõikegraafika motiividest, kollektsioneerimisest, valmistamisest ning puulõikegraafika arengust 20. sajandil. Kataloogi koostasid Inge Kukk ja Ingrid sahk ning tekstid on paralleelselt eesti ja inglise keeles. Mari Kaljuste ja Riina Eeriku kujundatud raamatut saab osta TÜ kunstimuuseumist, kus näitus „Puusse lõigatud pildid. Jaapani traditsiooniline puulõikegraafika“ on avatud kuni 15. märtsini.

Sirp