Warning: Trying to access array offset on false in /data01/virt42511/domeenid/www.arendus.1kdigital.com/kultuuriveeb/htdocs/wp-content/plugins/page-scroll-to-id/malihu-pagescroll2id.php on line 414
feminism – Sirp

feminism

  • Toomas Kuusingu näituse avamine

    Esmaspäeval, 25. veebruaril kell 18.00 avatakse Tam Galeriis kunstnik Toomas Kuusingu personaalnäitus “Harilikud inimesed”. Näituse avamisel esinevad muusika ja luulekavaga poeet Hr.Taave Tuutma ja Mr. Steve Vanoni. 

    Kunstnik Toomas Kuusing ekspooneerib näitusel õlimaale lõuendil, mis on valminud ajavahemikul 2006-2013. Need kajastavad harilikke inimesi nende tavapärastes ja ka pisut tavatumates tegemistes vaadeldes olukordi nii kaugelt kui ka päris lähedalt, ülevalt ja ümbert. 

    Peamine inspiratsiooniallikas on kunstnikule olnud inimesed. Autori käsitletud teemad on siirad ja lihtsad jäädvustades nii justkui teolt tabatud ja argieksistentsist metafüüsilisele tasandile tõstetud rikkaid ärihaisid ja poliitikud kui ka allpool vaesuspiiri elavaid kodutuid. Kunstnik ei jäta puudutamata ka iseennast, naabreid, tuttavaid inimesi tänavalt. Kuusing käsitleb naivistlikult nii üldmütoloogilisi teemasid kui ka tänapäevaseid müüte. Ta loob (sür)realistlikke ja mütoloogilise sisu ning väljanägemisega situatsioonilisi pilte, mis osutavad sõrmega otse kirju inimloomaaia poole. Naivistlikus kunstis paelub Kuusingut selle ausus. 

    Toomas Kuusing on õppinud Academia Gratas, lõpetanud Eesti Kunstiakadeemia 2005. aastal. Ta on esinenud Eestis paljude näitustega, millest enamik on käsitlenud üldinimlikke teemasid, osad aga, sõltuvalt autori päritolust, Setode tegemisi. Kuusingu töid ja performance’id on eksponeeritud koos Nongrata, FLÜ ning Cnopt gruppidega väga mitmel kontinendil: Euroopas, Põhja- ja Lõuna-Ameerikas, Aasias. 

    Kunstiprojekt Tallinn Tuesdays raames toimub Tam Galeriis 26.02.2013 kell 16.00 lisaks vestlus kunstnikuga, mida juhib Peeter Allik, kes on olnud autorile eeskujuks ja õpetajaks. 

    Näitus jääb avatuks märtsi lõpuni.

  • Dialektika ja parallaks

    Niisiis, mitte „mis on tõde?” oma igaveses, kordumatus ja kõikehõlmavas määratluses, vaid millised eeldused, eelarvamused, implikatsioonid, ohverdused kaasnevad sõna „tõde” tarvitamisega – kõigis selle variatsioonides, üleminekutes, modaalsustes ning kõige erinevamatel tasanditel, alates filosoofilisest süsteemist enesest kuni mitmesuguste hierarhiliselt korrastatud ühiskondlike diskursuste ja kõige argisemate igapäevaelu pruukideni välja. 

    Võtame kokku põhiteesi: mõisted pole üksnes abstraktsed, üleüldised, igavesed ja muutumatud; mõisteid tuleb vaadelda ka (eeskätt) nende arengus, nende saamises, dünaamilisuses, aktualiseerumise protsessis, vallakätkemises. See aga tingib, et mõistet ei saa käsitada iseeneses (siinkohal oli Kantil õigus: asi iseeneses on ja jääb meile igavesti tundmatuks X-iks), vaid tema vahekorras ja läbikäimises teiste mõistetega. Teisisõnu, alati tuleb arvestada mõistete tervikstruktuuriga, mõistete omavaheliste seostega, nagu ka teatavate põhjapanevate vastandustega, mis fundeerivad ja toestavad mingit spetsiifilist  filosoofilist väidet, argumenti, mõttekäiku, liikumist, koolkonda või süsteemi. See võiks olla selge. 

    1

    Ühesõnaga, küsimus pole mitte niivõrd „mida mõtelda?” ega  ka „millest mõtelda?”, vaid hoopis „kuidas mõtelda?” Ja kuna mõtlemine on opereerimine mõistetega, siis saab edasiseks küsimuseks: kuidas mõistetega ümber käia, millise hoiakuga neisse suhtuda? Ehk siis: kuidas mõtlemine ise käib, kuhu ta läheb ja kuhu keelitab, suunab või sunnib meidki minema? Ühesõnaga, selles sihis võtangi kõigepealt ette dialektika kui vahest kõige tuntuma filosoofilise „kulgemisdoktriini” (kahtlemata mõnevõrra karikeeritud kujul – aga see pole siinses kontekstis sugugi nii oluline). Võtan dialektika, sest see kujutab endast mõtlemisloogikat, mis otsesõnu tegeleb mõistetega:  nende määratlemisega, nende dünaamikaga ja nende omavaheliste suhetega. Lühidalt öeldes väidab dialektika järgmist:

    1) igale kategooriale ehk (Hegeli sõnavara kasutades) mõistemääratlusele leidub talle vastandlik kategooria, mis lähemal vaatlusel osutub tema tõeliseks tähenduseks;

    2) iga kahe teineteisele sellisel moel vastanduva kategooria puhul eksisteerib kolmas kategooria, mille tähendus muudab need vastanduvad kategooriad ühilduvaks. Viitan siinkohal meelsasti Triin Kallasele, kes Hegeli filosoofia ringluse algusest ja lõpust kõneldes ütleb midagi sellesarnast: 

    „Vaatamata oma ületamatutele erinevustele leidub vastandite puhul punkt, kus nad langevad ühte. Sokrateski väitis valu ja naudingu olevat otsapidi kokku seotud nõnda, et oma haripunktis on nad teineteisest lahutamatud. See punkt märgib kohta, seisundit või vaatepunkti, kus asi avaldub tervikuna igas suunas” (vt Akadeemia 2007, nr 5). Selliselt teoreetiliselt positsioonilt on nüüd võimalik arendada dünaamilist monismi, s.o sellist, mis võtab aluseks suhte ja lähtub seega kahesusest, seda ülepeakaela eitamata (suhe on alati millegi ja millegi vahel). Kui monistlik vaatepunkt  väidab vaid ühe entiteedi olevat ainsa ja lõpliku reaalsuse, siis dünaamiline monism on tubli samm edasi: ta kuulutab ainulist, arengulist printsiipi, mis väljendab ennast dualismides, mille ebastabiilne, püsimatu, konfliktne loomus käitab, katab ja kindlustab edasise arengu. Nõnda osutub reaalsus arenevaks, orgaaniliseks tervikuks, mille printsiipi on võimalik aduda ja mille ühtsust saab väljendada filosoofilises süsteemis. Ent tähelepanu: need igapäevakogemuses ilmnevad dualismid ei ole illusoorsed; vastupidi, nad on hädavajalikud, paratamatud (vahe)astmed reaalsuse arenemisel (nii looduses kui ka kultuuris)  oma täieliku teostumise – oma kontseptuaalse liigendumise – poole. Ometi kätkeb iga selline näiline dualism endas varjatult identsust, mida on võimalik Hegeli arvates tabada kontseptuaalselt, ehk nagu meie ütleksime: diskursiivselt (Hegeli sõber Schelling oli seevastu arvamusel, et see tabamine on intuitiivne). Dialektilises käsituses tunneb vaim välises, objektiivses, materiaalses maailmas ära omaenese võõrandunud tingimuse. Spekulatiivne identsus ja ühtsus mõtlemise ja olemise, subjekti ja objekti, mõistuse ja tegelikkuse vahel saavutatakse alati seeläbi,  et erinevust ja paljusust välditakse või need allutatakse. Hegeli dialektika lihtsus viib lõppkokkuvõttes selleni, et totaalsust käsitatakse üheainsa seesmise printsiibi avaldumisena: nähtumuste kogu mitmekesisus tuleneb selle järgi otseselt ühe printsiibi arenguloogikast (nn ekspressiivne, orgaaniline totaalsus). Dialektika eesmärk on seega 1) ilmutada mingi mõiste seesmine vasturääkivus või demonstreerida seda ja 2) see vasturääkivus ise omakorda lahendada, ületada, sünteesida, taandada uue mõiste varal nõnda, et lõppkokkuvõttes jõuda  punkti, kus kõik vasturääkivused on lepitatud ja valitseb täiuslik harmoonia (nagu arvatavasti Preisi kuningriigis Hegeli ajal). Miks ka mitte võrrelda dialektikat siinkohal redeliga, mille abil saab filosoofiline mõtlemine ronida üles sellisele vaatepunktile, kust (Wittgensteini Tractatuse sõnul) „näeb ta maailma õigesti” – ehk siis ületada see vasturääkivuste küüsis vaevlev „õnnetu teadvus” ning olla zu Hause, „maailmas kodus”. Meile üsnagi tuttav motiiv: filosoofia kui tagasitulek, kui naasmine, pikalt eksirännakult koju saabumine, meelerahu (ja absoluutse teadmise) päralejõudmine. Ring sulgub ja osutub sellega  „entsüklopeediliseks” (kõikehõlmav ja kõiketeadev süsteem Hegel tähenduses).     

    2

    Kui nüüd aga seada küsitavaks selle kolmanda vaatepunkti positiivsus, selle võimalikkus, mis võiks pakkuda alust konflikti ja negatiivsuse neutraliseerimiseks, lahendamiseks, ülendamiseks  – teisisõnu, kui meil on vasturääkivuse puhul tegemist kahe lähedalt seotud perspektiiviga, mille vahel puudub igasugune neutraalne ühispind, mis tahes vahendav metakeel – mis saab siis!?

    Siin jõuamegi teise momendi, parallaksi juurde. Õigupoolest tähendab parallaks vaatleja asendi muutusest tingitud vaadeldava objekti näilist nihkumist (seda võib igaüks hõlpsasti kogeda, silmitsedes mingit eset kord ühte, kord teist silma kinni pigistades – vaadeldav ese näib taustal valitud punkti suhtes nihkuvat). Seda kasutatakse (näiteks astronoomias) vahemaa mõõtmiseks mingi objektini (täht), millele meil puudub n-ö vahetu ligipääs: parallaks on nurk, mille moodustavad kahest eri vaatepunktist vaatlusobjektile suunatud kiired. Kui nüüd aga pöörata pilk filosoofilisse taevasse, kus tähtedeks on mõisted ja staarideks mõtlejad: milline tähtede seis valitseb siin? Mulle tundub, et filosoofia kui koondav nimetus kätkeb endas suurt hulka erinevaid mõttevoole, koolkondi, liikumisi, käsitusi, arusaamu, ideekobaraid, maailmavaateid, mis kõik on vastastikku risti-rästi läbi põimunud, ümber kasvanud, kokku jooksnud, mida tahes – nii et filosoofiline väli kujutab  endast õigupoolest üht puretud, räsitud ja rebitud võitlusvälja (Kampfplatz kantilikus tähenduses), mida läbistavad üksteisega vaenutsevad, võitlevad, tülitsevad, rohkem või vähem haakuvad (või vastupidi – haakumatud), positiivselt või negatiivselt meelestatud või lihtsalt neutraalselt (koguni ehk õndsas teadmatuses), hoolikalt või hoolimatult suhtlevad rajad, piirid, tõkked, tsoonid, kaevikud, rindejooned, eikellegimaad – mis omakorda jällegi piiritlevad eri voole, vaadendeid, valdkondi, visioone, ühesõnaga: distsipliine, dispositiive, dogmasid, doktriine … diktaatoreid, demagooge ja demokraate. 

    Mõned neist võitlevad teadlikult ja kirglikult, hingega, selgepiirilise sihi, eesmärgi, juba äratuntud tõe valguses; teised võitlevad sellepärast, et nad ei saa teisiti – kehaliselt, ihuliselt, oma hüsteeria pimeduses, oma olevas või tulevases hulluses või ka autismis, meetodilise järjekindlusega; kolmandad teevad seda mitteteadlikult,
    näiliselt leebes, tsiviliseeritud (ja tsiviliseerivas) vormis, üritades pühas lihtsameelsuses arendada dialoogi, klaarida erimeelsusi, kujundada ühiseid väärtusi, luua eetikakomisjone, siluda nurki, moodustada ümarlaudu, tekitada konsensust – ühesõnaga, üritades elada sõbralikult, vähemalt  seal, selles kaitstud ja turvalises kohas, vähemalt nende inimestega, kes oskavad mõista, hinnata ja austada nende kõnepruuki (nende diskursust). Ma ei oska teisiti, paremini, filosoofilist situatsiooni iseloomustada. Kuid sel juhul tuleb nentida, et ainsa positiivse programmina tuleb kõne alla selle võitlusvälja laiendamine, mispuhul ka meile kättesaadav tõde universaali kohta saab üksnes ja olemuslikult olla negatiivne.

    Teisisõnu: positiivse, otsese tõe puudumisel saab meil olla tegu vaid teatava ebatõese äratundmisega, teatava tõeavaldusega, foucault’likus tähenduses:  ahhaa, see polegi päris nii, nagu paistab! midagi on seal veel! midagi olulist, otsustavat on jäänud kahe silma vahele! Ent see, mis kahe silma vahele jääb, on lõppkokkuvõttes meie endi piiratus, lõpetamatus, ebatäielikkus, ühekülgsus, puudulikkus – see puudulikkus on aga samas ka nägemise võimalikkuse tingimus ise. Wittgensteini kuulus „jänespart” on selle paradoksi üks variatsioon ehk parallaksi visuaalne kujund. Kogu probleemiasetus taandub seega järgmiseks: kas ja kuidas on seda parallaksi üldse võimalik mõõta ehk mõtelda? Kuidas olla korraga kaks, püsida lakkamatus nihkes, labiilses paigalseisus, ekstsentrilisuses, viibida oma ainitise, suunatud ja kallutatud tähelepanu avatuses? Mis moel konstrueerida parallaks? Selles on õigupoolest kogu küsimus. Ma jätan sellele siin täna vastamata; see perspektiiv paistab igatahes üsna heidutav. Mainin vaid kahte nime, kes on sellega Hegeli sajandil tõtt vahtinud: Kierkegaard ja Nietzsche. Mõlemad lõpetasid õnnetult. Kierkegaard nägi seal „otsuse hullumeelset hetke” ning, otsustades lõpuks meeleheites Jumala kasuks, sooritas oma „usuhüppe”. Nietzsche aga, kes selle võimaluse enese jaoks juba eos välistas, arendas parallaksi edasi oma kuulsaks  „perspektivismiks”, puhtaks paljususeks, mis päädis oma ligimest eitava üleinimese hullumeelses jaatamises – mida võiks samuti aupaklikult tõlgendada lihtsalt filosoofiast väljumisena.     

    12

    Siiski, illustreerimaks mõnevõrra positiivsemalt neid kahte mõtteloogikat, toon ma ühe näite. Minu lemmikteema õigupoolest: mehe ja naise vastandus. Dialektiline liikumine (muidugi mõista mehe vaatepunktist) oleks siin järgmine: kõigepealt mees kui universaalne, eneseküllane olend, eksisteerimas oma puhtalt subjektiivses ja vahetus olemises. Seejärel, ühtäkki, märkab ta naist: see naine seisab nüüd tema vastas seal, väljaspoolsuses, objektiivsuses, objektina, ja räägib talle vastu. Vasturääkivuse vaigistamiseks muudab mees naise enda suhtes seesmiseks, õppides seda objekti (naist) tundma kui iseennast, kui seda, et „ta on mehest võetud”. Tulemusena  jõuab ta äratundmisele ja ütleb: „See on nüüd luu minu luust ja liha minu lihast”.

    Kolmas liigutus: mees loobub oma subjektiivsusest, haarab naise oma kontseptuaalsesse embusesse ja ülendub Inimeseks (inimese Ideeks). Viimases astmes, loogilise lõpplahendusena, neelab see Inimene alla ka jumala: jumal on küll see, kes loob inimese „oma näo järgi”, aga spekulatiivse pöördega tunneb Inimene selles jumalas (kui objektis) ära iseenda ehk omaenese võõrandunud loomuse (see pole küll enam Hegel, vaid juba midagi muud: Feuerbach). Parallaksvaate kohaselt aga osutub sellise sünteesi võimalikkus  äärmiselt kaheldavaks, et mitte öelda, katastroofiliseks. Mehe ja naise identsus jääb illusoorseks, fiktiivseks, koguni vägivaldseks, olles rajatud teatavale välistusele, väljasulgemisele, sissemüürimisele, surnuksvaikimisele. Nõnda ilmneb, et see postuleeritud identsus varjutab mingit radikaalset võimatust, antagonistlikku suhet, mitteidentsust, lõimimatust, mida pole kuidagi võimalik taandada mingile uuele kontseptuaalsele objektiivsusväljale (olgu selle keskmes siis „Inimene” või mõni muu uhkelt kõlav sõna). Pole võimalik olla korraga siin ja seal (nagu Figaro), kuid just see võimatu üheaegne kahetisus  on hädavajalik tingimus, mis ainsana võib pakkuda meile mingitki alust näiteks Inimese kui sellise, sõna otseses mõttes, määratlemiseks. Lõpetuseks: kui nüüd tuletada meelde uusaegse filosoofia rajaja Descartes’i kuulsat metodoloogilist aluspõhimõtet, filosoofilise tõsikindluse printsiipi „mõtlen, järelikult olen”, siis kuidas võiksid sellega suhestuda meie siinsed kaks mõtteloogikat? Dialektika ilmselt näeks seal identsussuhet mõtlemise ja olemise vahel – selle täpsustusega, et see ühtsus pole mitte esmane kogemuslik antus, teoreetiline eelduslause või lähtepunkt,  millest saab tuletada või millele üles ehitada kogu järgneva filosoofilise tarindi, vaid et see ühtsus on eesmärk, telos, mõtteprotsessi lõpptulemus. Sellega muutub Descartes’i printsiip Hegeli puhul ontoloogiliseks, sedastades õigupoolest, et igaviku vaatepunktist, Absoluutse Vaimu positsioonilt on mõtlemine ja olemine tegelikult üks ja seesama: kõik reaalne on ratsionaalne ja kõik ratsionaalne on reaalne. Aamen! Selle tõdemusega pöördub Poeg lõpuks tagasi Isa rüppe, mees tuleb tagasi Naise juurde ja Odüsseus, see Hegeli „riukaliku mõistuse” tõeline kehastus – temagi saabub viimaks koju. 

    Kuidas näeks aga see tõdemus välja parallaksvaate omaksvõtmise korral? Siin on meil tegu seisundiga, mida iseloomustab teatav olemuslik lõhestatus, võimatuse kogemus, pidetuse tunne. See on mingit laadi pingestatud ooteseisund, intensiivne liikumatus, radikaalne passiivsus; oleks justkui heitunud kahevahelolek, mis on näiliselt eimidagiütlev, aga tähenduslik, seesmiselt ahastav, kuid sõnastamatu. Ehk nagu Beckett ütleb oma tekstis „Nimetamatu” (1954): „Peab edasi minema, ma ei saa edasi minna, ma lähen edasi.” Aga kuhu edasi? Tagasi koju? Kontvõõrana, tontliku kodukäijana, lõputule rändlemisele  mõistetud igavese juudina? Kes teda seal ootamatus kodus ülepea ootabki? Ja kui ootabki, siis mida tähendab: olla kodus ootav, mõtlev naine? Ma ei tea seda. Aga ma tean, mida ta ütleb, see esimene naine ajaloos, kes teadlikult (enese teadmata) praktiseeris dekonstruktsiooni, püsides sellega parallaksi võimatus positsioonis, nädalaid, kuid, aastaid. Ta ütleb, August Annisti tõlkes: „Nii kudusin oma kangast ma pikka ja suurt kogu päeva / kuid üles kiskusin taas kõik öösiti tõrviku valgel.” Seda puhta võimatuse kogemust väljendab ehk kõige ilmekamalt Jacques Lacani parafraas  Descartes’ile (ja sellega ma ka lõpetan): „Mõtlen seal, kus ma ei ole, järelikult olen seal, kus ma ei mõtle.”

  • Balletilavastuse auhind – Marina Kesler

    Marina Kesler on lavastanud varemgi, ta alustas oma töödega juba balletikoolis. „Libahunt” on vaieldamatult tema kõige küpsem teos. Kui kuulsin, et ta hakkab „Libahunti” tegema, siis lausa jahmatasin: ei kujutanud teda ette eesti asja tegemas. Tal on julgust võtta ette keerulisi ülesandeid,  näiteks praegu hakkab ta balletikoolis tegema „Bernarda Alba maja”. Marina Kesler mõtleb originaalselt, põnevalt, on täis ideid ja energiat. Mõneti meenutab ta noort Mai Murdmaad. On kahte tüüpi lavastajaid. Ühed on loomult tantsijad, väga musikaalsed, aga lavastavad kui tantsijad. Aga on ka selliseid lavastajaid, kes tunnetavad muusikat teisiti kui tantsijad, kes mõtlevad kujundlikult, neid pean ma tõelisteks koreograafideks. Marina Kesler kuulub viimaste hulka.

    Muusikateatri eriauhind läks seekord Vitali Nikolajevile, Estonia balletitantsijale. Niisuguseid inimesi nagu Nikolajev pannakse kahjuks vähe tähele, aga nad on teatrile väga olulised, mis sest, et kõrvalosade täitjad. Vähe sellest, mõnikord kujuneb kõrvalosa nii oluliseks, et isegi varjutab peaosa. Väga väärt inimene laval.

     

     

  • Jalutuskäik galeriides

    Liina Siibi näitus ““Lla Ri Lli Ra”  Hobusepea galeriis 23. XI – 4. XII.

     

     

    Liina Siib on intrigeeriv kunstnik. Isegi nii intrigeeriv, et ka sel juhul, kui tema näitused, väikesed terviklikud projektid, väga ei meeldigi, sunnivad nad ikka ennast üle vaatama.

    Liina Siib on väikeste, kuid stiilselt väljapeetud narratiivide meister. Mõnikord lausa nii välja peetud, et väljapeetus tundub muutuvat eesmärgiks omaette ning narratiivi sõnum hägustuma elegantse tähendusrikkuse sees. Ja taas tuleb rõhutada, et sofistikeeritud kudum on tal niivõrd targalt kootud, et võrgustiku rägastikku jäetud aukudest mitte ainult ei pääse välja autori vihjed, vaid neisse mahub ka vaataja oma tõlgendus.

    Ka Hobusepeas eksponeeritud “Lla Ri Lli Ra”  oli vaieldamatult terviklik projekt, mis toimis just nii, nagu on kirjutanud galerii pressitekstiks galerist Elin Kard: “… näitus kas läheb vaatajast mööda, ilma et too üritakski aru saada, või siis sõidab sõna otseses mõttes üle ja sisse otsest kahju tekitamata, küll aga kindlasti teatavate järelmõjudega.”

    Liina Siibi näitus(t)e järelmõju või see viis, kuidas ta oma vaatajat mõjutab, on paljuski tingitud sellest taustamaterjalist, mis on omakorda kunstnikku käivitanud. Viimase projekti puhul oli selleks itaalia filmikunsti suurmeister Federico Fellini ning tema 1957. aastal valminud “Cabiria ööd”. Või uusrealistlik mustvalge film, mille näiliselt karm dokumentalistika sisaldab sensibiilseid poeetilisi nüansse, nii et musta ja valge vastandusest jäävad kõlama sootuks pehmemad ja õrnemad, ülimalt rafineeritud halli nüansid. Just nimelt hoolikalt välja joonistatud nüansid, halli värvuse ülimalt täpsed toonid, nii et nende peale tagasi mõeldes kangastub pigem sordiini all hoitud valitud värvide maailm (sirelililla, lõheroosa) kui ühtlane hall mass. Kuid sellisele kirjeldusele vaatamata ei ole ei Fellini ega ka sellest inspireeritud Liina Siibi maailm roosamannalik läila seebiooper. Fellini lõbutüdruk Cabiria on autsaider autsaiderite maailmas, kes püüab hambad ristis säilitada oma väärikust, ka siis, kui ta mitte ainult ei kaota usku oma kallimasse, vaid kaotab peaaegu elu. Giulietta Masina legendaarne väike prost on läbinisti soe inimene, kelle hingesuurust ei vähenda maailmalinna Rooma laiad tänavad ning edukate filmistaaride villade suurejoonelisus ja luksus.

    “Cabiria ööd” on fragmentaarsusele vaatamata alguse ja lõpuga lugu, kuigi nagu Fellini lugudes ikka (ja iseäranis neorealistlikud lood) jääb ka seal kõik lahtiseks. Väikese inimese tragikoomilises maailmas on kõik võimalik. Liina Siib on välistanud loo sujuvuse: ta esitab kaadreid, loost meeldejäävaid fragmente, tabades üsna hästi Fellini filmi vastuvõtmise loogika: ka “Cabiria ööst” ei sööbi mällu loo kui terviku mõttes sõlmpunktid, vaid nüansid. Just nagu elus. Liina Siibi fotode põhjal on raske, kuigi mitte võimatu lugu kokku panna. Tema mustvalged fotolavastused mängivad omaette tervikutena ning tekitavad lisakonnotatsioone. Asi pole isegi selles, et Liina Siib on loo rõhuasetuse muutnud, et tema kangelanna ei ole soe inimene, vaid iseteadlik vamp, keda ei huvita väärikus ja muud inimlikud väärtused. Ka mitte selles, et tema fotode mehekujud on nõrgad, vaat et mõttetud tegelased, sest ega Fellini omadki teab mis mõttekusega silma paistnud. Liina Siibi fotod panevad ennast tõlgendama tõlgenduste tõlgendusena: tema blond kaunitar tuletab otsekohe meelde Cindy Shermani mustvalgeid filmikaadreid-autoportreesid. Ja taas on ka siin Liina Siib intriigikese pununud: Shermani isikliku kohalolu sooviga pole Siibi tööde tõlgendamisel midagi teha, kuigi mine sa tea …

    Ilmselt just see vaatajas teatud segaduse külvamine ongi Liina Siibi puhul kõige põnevam. Vaataja võib saatetekstis heidetud sööda alla neelata, aga ta võib selle täiesti kõrvale jätta ning oma loo konstrueerida. Ning sellesse loosse oskuse ja tahtmise korral kunstniku (aga vahest ka vaataja enda) kas või kodukootud psühhoanalüüsi sisse põimida.

    Hobusepea näituste graafik on ülitihe: Liina Siibi fotolavastuste asemel on seal väljas Erik Alalooga masinad ja Andrus Joonase maalid. Aga Liina Siibi fotod leiavad väärika koha kultuuriministeeriumis kaunite kunstide asekantsleri kabineti seinal. Millise intriigi võiks siit veel välja punuda!

    Reet Varblane

     

     

    Rootsi sürrealisti Nilssoni graafika Laabani saatel

     

    Bert-Johnny Nilssoni (1934 – 2004) näitus “Peeglisära, sõda ja armastus” Draakoni galerii keldrisaalis kuni 16. XII. 

     

    Oli 23. august 1979 ehk Molotovi-Ribbentropi pakti 40. aastapäev. Rootsi sürrealismi klassik Bert-Johnny Nilsson võttis Georges Pompidou lennujaamast takso, mis kihutas Georges Pompidou keskuse juurde, kus eesti sürrealismi patriarhiks nimetatud Ilmar Laaban teda juba ootas. Ruudulises pintsakus ja veinipunase lipsuga Laaban istus laua taga koos mitte enam verinoore Henri Chopiniga, kelle korraldatud kõlaluulefestivalilt (“Poesie Sonore”) mõlemad olid äsja tulnud. Nüüd läks Laaban järgmise loomingulise teo juurde ehk sõitis koos Nilssoniga vormistama tema värviliste litograafiate mappi. Igale pildile oli Laaban kirjutanud saateteksti. Kuna komplekti planeeriti realiseerida pisikesele Rootsile lisaks märksa suuremal Prantsusmaal, olid tekstidki mõlemas keeles. (Draakoni külastaja saab nüüd nende tõlgetega tutvuda ka eesti tõlkes.)

    Jätame vahele selle, kuidas see komplekt sai pealkirja “Spegelkärvans krig och kärlek” / “Guerres et amours de l´éclat de miroir” (“Peeglisära sõda ja armastus”) ja palju muid detaile. Jõuame kevadesse 2001, kui alustasin Ilmar Laabani arhiivi ja raamatukogu pakkimist eesmärgiga tuua need Eesti Kirjandusmuuseumisse. Alles siis näidati mulle varem korduvalt jutuks olnud graafikamappi. Pea hakkas erutusest ringi käima, kui vaatasid sealseid luid-konte, rattaid, rümpa, päid-liikmeid ja paljut muud nõnda ahistav-vabastavates omavahelistes seostes. Kui mõistsin, et muu hulgas tuleb Eestisse ka see suurepärane kooslus, tegin kindla otsuse, et selline õrna muigega välja käidud rõõmus meeletus väärib eesti publikule näitamist.

    Just sel ajendil sai veebruaris 2005 Tartus teoks näitus Tampere Majas, kus Bert-Johnny Nilssonile lisaks sai vaadata Sven Erik Johanssoni visandeid ja üht värvilitograafiat. Kuna viimati mainitu oli huvitatud oma tööde näituse tegemisest Eestis, siis langes tema seekordsest valikust välja.

    Vaimukusest lugu pidajad ärgu piirdugu Draakoni galeriis üksnes nii-öelda põhikorrusel hullava Toomas Altnurmega (muuseas, näituse avamisel oli ta kaine, mistõttu võinuksite ikka tulla; aga võib-olla ongi etem tema jõulisi värvitransse vaadata mõni päev hiljem, kui kohale jõuab autori Lõuna-Ameerika reisi kajastav muusika): laskuge ka keldritreppi mööda sürrealismi soojalt irriteerivasse sügavikku. See polegi nii oluline, kas ikka mäletatakse, et 11. detsembril möödub Ilmar Laabani sünnist 85 aastat.

    Henno Väri nimel Jaan Malin

     

     

    Postmodernistist modernistiks ja vastupidi

     

    Pink Punki näitus “Must turg” Y-galeriis 14. – 29. XI ja Tartu Fotokala näitus “Ajateljel” kuni 10. XII ning Enn Tegova näitus “Toimivad analoogiad” Tartu Lastekunstikooli galeriis kuni 13. XII.

     

    Pink Punk oli kunagi oma nime väärt: roosa ja tobe, trotslik ja staaritsev, enamasti ebatõsine kitš ja kämp ehk justkui üdini postmodernistlik. Enn Tegova oli 1960ndatel Eesti modernismi uue laine sünni juures ning on jätkanud üpriski kompromissitu võitlevalt heteroseksuaalse kunstnikuna. Kuigi mõlema puhul on võimalik ka vastu vaielda. Pink Punk on enamasti olnud väga modernistlike meetoditega, kasutanud kaasaegset tehnikat (aktsioon “Kuum kunstiliin”), vältinud kommertslikke formaa
    te ja nende pealtnäha tobenaljakate aktsioonide taustaks on enamasti olnud väga tõsised küsimused. Enn Tegova alustas aga ju popkunstnikuna ning on aegade jooksul viljelenud kõikvõimalikke stiile, liine ja filosoofiaid ning tõsidusest on see muhe mees olnud enamasti kaugel.

    “Must turg” oli Pink Punki praeguse koosseisu (Kristin Kalamees, Sandra Jõgeva, Aino Ingrid Sepp, Kaarel Sammet) esimene näitus. Kas asi on kauaaegse juhtivliikme, disaineri Margus Tamme kõrvalejäämises, kuid Pink Punk on minetanud igasuguse glamuuri ja kergluse? Maad on võtnud hoopis kristlik sümboolika ja südamevalu, minimaalne narratiiv, modernistlik tõsidus. Roosa asemel hoopis must!

    Näitus koosnes ainult kahest elemendist. Video “Must turg” näitab inimesi järjekorras seismas, et anda oma kolm tilka verd ülevoolavasse pokaali. Video esteetika on rõhutatult raskepärane ja monotoonne, ei mingit paroodiat ega pastišši, huumorist ega naljast rääkimata. Väikest vihjet PP kerglasele minevikule võib ehk näha tagaplaanil seisvas lühikeses medõekitlis Sandra Jõgevas. Aga see on ka kõik. Massiivset aeglust rõhutab ka piinavalt modernismiklassikaline taustamuusika, mis pole tavainimese kõrvadele naudinguks mõeldud. Inimeste tahtmine müüa oma hing on aga aktuaalne teema. Paljud meist panevad oma elu panti, et saada tükikest mammonat.

    Näituse teine element oli installatsioon “Elulähedane kogemus”, mis pealtnäha meenutab musta (pihi)kabiini. Sinna tuli sisse istuda ja üles vaadata, kus  madal klaasist akvaarium. Sealsest hämarusest ilmus välja üks olend, mis meenutab väikest haid (tegelikult on tuuraline). Kalal on kristlikus sümboolikas enamasti positiivne tähendus. Siin mõjub ta pigem ähvardavana. Kala on pimedas suletud kastis ja inimene on hämaras kitsas ruumis. Panti pandud elu eest saame oma akvaariumi, karbikese suure klaaspinnaga, täpselt sama piiratud ja kandilise kui akvaarium. Hirmus.

    Enn Tegova tegi 2005. aastal Y-galeriis näituse, mis oli suuresti modernistlik: enamasti abstraktne, amorfne, narratiivita ja karm. 2006. aasta nn juubelinäitus on hoopis teistsugune. Põhiosa hõlmavad siin häbematud tsitaadid trükituna pühale lõuendile ning täiendatud Tegova tahtmise järgi igasugu elementidega: Michelangelo (Taavet), Leonardo da Vinci (Mona Lisa), Velasquez (Venus com espelho), Wiiralt (ühestükis Ilja Popovitši ja Sven Ingega), isegi otsapidi  Jaan Elken. Pluss mõned fotod Tegova perekonnaalbumist, jupid  omaenda varasematest töödest jne. Kõike seda toredust vääristavad  hiljutisurnud sõbra Jüri Ehlvesti stiilis tekstid. No näiteks: “Raadi mõisa moonamehe naine Leena, vaatab härraga Tartu all-linnale, on tõsiselt mures Ennu tütre Radi valgete käte ja jalgade pärast. Sest isa Ennu murega ei ole midagi, see maalib praegu linnarahva lõbustamiseks Vanemuise tänava ateljees seda lollakat pilti. Oma abikaasa, Jaani, hobuvankri õnnetus veel peale selle. Nii! Järgmine! Küsige! Palun!”

    Väga lõbus ja seksikas. Ei mingit peavalu. Maailmavalust rääkimata. Võib-olla on Bernhard Shawl õigus. Parafraseerides: “Kes noorena pole modernist, sel pole südant. Kes vanana pole postmodernist, sel pole mõistust!”.

    Pink Punki näitus läks sujuvalt üle rühmituse Tartu Fotokala ekspositsiooniks “Ajateljel” (29. XI olid korraga mõlemad vaadata). Üle-eestiline nähtus Fotokala  on koondunud enda ümber osavate momendijäädvustajate võrgu, kelle eesmärk on enamasti nutikate kaadrite kaudu kajastada igapäevase elu huvitavaid hetki. Tartu Fotokala liikmed said suvel ülesande teha kuu aja jooksul igast päevast üks pilt (kui tõesti ei saanud pildistada, siis tuli panna must ruut).

    Ülesande lahendused ongi üllatavalt erinevad. Kõige põnevam ja kontseptuaalsem tundub olevat Jassu Hertsmani rida “Aja leht”, kus ta on päev päeva järel pildistanud päevalehtede tükke. See on hämmastav, kui kummaline efekt on tekkinud kontekstist välja rebitud uudisloo pealkirja või/ja pildi taasesitamisel, mida on üles võetud üllatava nurga alt. Hiigelsuur “Jah!” trikolooriga sinitaeva taustal ja juures väike kiri “Arnold Rüütel kandideerib teiseks ametiajaks”. Või pilt Hummeri tagumikust ja selle kohal silt “vabariik“. Naatan Haamer on üritanud  seerias “Rutates peatustega” tabada tänapäeva elu kiirustavat olekut (kuigi miks peaks olema tänapäeva elu hirmus kiire, kui targad masinad teevad paljud kiired tööd meie eest ära ja inimestel peaks just palju aega olema). Ta on seda väljendanud ootuspäraste vahendite ja sümbolite abil: fotonihkes jooksvad inimesed  linnakeskkonnas, kihutav kanuu, sportauto Porche, edasi põrutav selvehalli käru rippuvate lastejalgadega, hääletav mees jne. Samas tundub, et mingil hetkel on Naatanil endal võhm väljas, igatahes kuu lõpupoole on ta pildistanud hoopis staatilisi objekte oma kodus või jätnud puhta mustad kastid. Janar Kull on seeriaga “Varjud” rõhunud igavestele (foto)väärtustele: valgus-varju suhe, linnatuled, päikesetõus… Inimesed Mari Plaki seerias “Ajatähestik” on pisikesed nagu sipelgad ja ajavad oma pisikesi asju. Veidraim pilt on hoopis avariilisest autovrakist, mille kerele on maalitud auk keres, mida krabab maalitud käsi – näilisus oli saanud tõeks. Daisy Lappard on seerias “Kohaoleku kontroll” kõige isiklikum, jäädvustades oma eluhetki. Samas on ta pildistanud vana vene panoraamfotokaga aga hoopis vertikaalselt, seega on peaaegu iga pildi peale jäänud tema enda jalad. Nii et foto igavene  eksistentsiaalne  küsimus “kas on?” saab siin loomulikult vastuse “on”.

     

  • Dmitri Kuzmin, mees, kes ehitab vene kirjandust

     

    Dmitri Kuzmin, te olete väga tihedalt seotud kirjandusega, esinete kui luuletaja, tõlkija, kirjastaja, kogumike ja almanahhide koostaja ja toimetaja, mitmete projektide korraldaja. Milline kirjanduslik roll läheb teile kõige rohkem korda?

    Küsimusepüstitus eeldab subjektiivset vastust. Kui nii, siis kõige huvitavam, köitvam on luule – seda nii ise kirjutades kui tõlkides. Mulle tunduvad  mittetäieliku, ühekülgsena mõlemad luulelise loomingu klassikalised interpretatsioonid. ühelt poolt keelest võimu saamine ja keelematerjali voolimine, teiselt poolt keelele ja selle ettekirjutustele alistumine. Tegelikult peab luuletaja keelega kaasakiskuvat dialoogi, julgustab seda millekski ning laseb endale tänuga ette öelda. Lõpetatud tekst mind enam ei rõõmusta, isegi kui ma tean selle taga seisvat ühtesid või teisi objektiivseid väärtusi. Artiklitega on vastupidi: mulle ei meeldi neid kirjutada, näen nende kallal palju vaeva – see-eest õnnestunuid loen hea meelega üle. Ja nii tulebki välja, et kõige rohkem teeb mulle rõõmu kirjastajatöö. Ning mul on kirjastus – üksnes kirjastamine: oma kabinetis laua taga küljendan raamatu, viin failid metrooga trükikotta, maksan taskust sularahaga ning kuu pärast toon taksoga tiraaži välja. Paradoksaalne, et see 13 aasta jooksul umbes 250 raamatut välja andnud kirjastus kuulub Venemaa viie parema luulekirjastaja hulka. Ning just selle töö puhul meeldib mulle võrdselt nii protsess (ausõna, ma armastan väga seda puhttehnilist tööd: paigutada tähti lehel – muidugi tingimusel, et neist tähtedest koostatud tekst mulle meeldib, aga oma aja ja raha täievolilise peremehena ma teistsuguseid tekste välja ei anna) kui ka tulemus – mitte suured, kuid ikkagi täiekaalulised raamatud, mis on viimastel aastatel (tänu minu sõpradest disainerite pingutustele) lisaks veel ka üpris elegantsed, minu maitse järgi.

    Kui minna minu isiklikest eelistustest mööda (keda need ikka huvitavad, peale minu lähedaste), siis on järeldus arvatavasti, sama. Pean oma luuletusi heaks, kuid selle taseme luuletajaid on tänases vene kirjanduses mitusada; kui neist üks kõrvale jätta, oleks vaatepilt küll veidi vaesem, kuid kadu poleks ikkagi eriti suur. Inimesed, kes on võimelised teostama kirjanduses mingit mõttekat, kontseptuaalselt argumenteeritud  projekti, võib aga üles lugeda ühe käe sõrmedel: teised tegutsevad inertsist, asjaolude survel jne. Samas on nii palju autoreid, poeetikaskaala nii lai, et ilma protsessi organisaatori eesmärgikindla tööta valitseb täielik kaos ja omavoli.

     

    Mis ergutas teid siirduma kirjandusse ning mis jätkuvalt seal hoiab?

    Nii tuli välja. Oli ka teisi variante: teadus, pedagoogika, poliitika, teater. Nooruses tahtsin teha kõike korraga. Liig oleks ütelda, et valisin kirjanduse väga teadlikult: lihtsalt katsetasin selle ja teisega, kuid läks just nii. Sellele mõteldes tuleb meelde David Samoilovi Eestis kirjutatud luuletus “Öövaht” (“Ночной сторож”), mis lõpeb sõnadega: “tänage saatust, poeedid, / […] et teil pole peaaegu miskit vaja, – / Aga kõik, mis vaja, / on alati käepärast”. Seejuures oli kirjandus mul nooruses enesestmõistetav prioriteet (lugemine, mitte loomine): vanaema (tuntud tõlkija Nora Gall) luges vaevalt kolmeaastasele valjul häälel Pasternakki; kohe esimesel õhtul kinkis isa (ilmusin tema poole 15aastase teismelisena pärast kaheksa-aastast lahusolekut – vanemad elasid lahus) mulle Nabokovi romaani “And” (“Дар”) koopia ning Natalja Gorbanevskaja samizdat’i kogu (oli 1984. aasta, mõlemad teosed olid tsensuuri all), jne. Kuid kirjanduse fetišeerimine ei tundunud mulle kunagi õige asi: see on  vaid üks inimkonna arengu moodustest, ei rohkem ega vähem.

     

    Mitmetele kirjandusprotsessis osalejatele assotsieerub teie nimi kõigepealt projektiga “Babülon” (“Вавилон”). Kuidas te sellesse suhtute? Mida teie jaoks tähendab “Babülon”?

    Esmalt ilmus see pealkiri 1989. aastal õhukese samizdat-ajakirja kaanel, mida andis välja viie autori grupp, kõige vanem (20) olin toona mina. Pidasime sellega silmas, et kaasaegses kirjanduses võib ja peab olema mitu ilukirjanduskeelt, ja see pole katastroof, vaid põneva tuleviku tagatis. Nime püsimine – alul polügraafilise almanahh-aastaraamatuna, seejärel kaasaegse kirjanduse Interneti-antoloogiana, ja nüüd paljude poolt kasutatuna laiemas mõistes vene luule ühe laastu tähistajana – viitab selletaoliste arusaamade loovale potentsiaalile, mitte minu organisatsiooniliste pingutuste edukusele. Ning isegi see, et “Babüloni” bränd ise niivõrd häirib kõiksugu normatiivsete poeetikate järgijaid, eriti paksude ajakirjade keskmise tasemega siledakarvalise kirjanduse ideolooge, see on hea märk. Teema teine arendus on see, et algselt oli “Babülon” noorteprojekt, mis ühendas nooremat kirjanduspõlvkonda kultuurimurrangu situatsioonis, kui noorte omapärased hääled polnud vanemale generatsioonile arusaadavad, kuna teadlikult või alateadlikult eelistati epigoone. Üpris varsti hakkasime põlvkondlikke piire eirama, kutsudes oma projektidesse vanemaid autoreid: esinema meie kirjandusklubis, avaldama oma töid meie raamatuseeriates, looma lehekülge meie veebis. Seejuures hoidsime maksimaalset spektrit. Praeguseks on “Babüloni” võtmefiguurid juba üle 30 aasta vanad. Sellest hoolimata hoiame teravdatud tähelepanu all uue kirjanduspõlvkonna esimesi samme (paljud hääled pole veel selged, aga tegu on kahtlemata sõltumatutega). Praegu on see liin materialiseerunud raamatuseerias “Debüüt” (“Дебют”), mis on pühendatud tänastele 20aastastele. Ja meie uus ajakirjaprojekt, kord kvartalis ilmuv luuleväljaanne Õhk (“Воздух”), mille esimene number ilmub märtsis – järgib almanahhi “Babülon” (“Вавилон”) poeetilise mitmekeelsuse suunitlust ning lubab keskendunud tähelepanu noorte autorite töödele, kuigi, nii nagu rida meie teisi projekte (sh lehekülg www.vavilon.ru), pole see piiratud mingite ealiste raamidega.

    Kuidas jõudsite oma järeldusele, et “luule on mõistete loomine”?

    Selle väite puhul ei pretendeeri ma copyright’ile. See tuleneb otseselt kõigest, mida saime XX sajandil teada laiemalt kunsti ning kitsamalt luule kohta – tänu Šklovskile, Tõnjanovile, Jakobsonile, Lotmanile. Minu põhiarusaamad luule olemusest ja ülesannetest tulenevad  vastavaid toimemehhanisme seletavate raamatute uurimisest: kõige kavalam formaalne trikk; isegi eriti epateeriv sisu erosioon on eelkõige ikkagi tuumakalt laetud. Teisalt on küsimuse all ka maailmavaateline külg. Minu jaoks on XX sajandi kõige tähtsamad mõtlejad neomarksistidest peale (eeskätt Erich Frommist) kuni Saint-Exupéryni (kelle sain päranduseks oma vanaemalt, kes on tõlkinud “Inimeste maa” ja “Väikese printsi”, umbes 40 aastat hiljem tõlkisin tema mälestuseks uuesti autori varasema jutustuse “Lõuna postilennuk”) need, kes mõistsid inimkonna arengut kui mingit hiigelehitust – kibedalt kurtes tööst viilijatele ja ehitusmaterjalidega spekuleerijatele.

    Mis on kunsti roll sellel ehitusplatsil? Kahtlemata on seal vaja ka teenindust: ehitajad ei saa ilma lõunata ja keskpäeva raadiokontserdita. Kuid kas suur luuletaja erineb väiksemast seeläbi, et “teenindab” rohkem rahvast ja ka kvaliteetsemalt? Või on tema eriala hoopiski ehitus: arusaamade loomine mittearusaadavustest, mineviku ja oleviku mõistmine ja sellega seotud tuleviku programmeerimine? Viimane ettekujutus on mulle lähedasem. Sageli räägivad mu oponendid, et selline hoiak lähtub üleolekust lugeja suhtes. Ise arvan vastupidi: sel juhul aktsepteeritakse lugejat mitte kui tarbijat (kindla staatusega nagu kohvikulist, haiglapatsienti või sa
    unalist), vaid kui subjekti-uurijat, kes jagab täielikult autori loomingulist pingutust.

     

    Kas olete nõus sellega, et uuel põlvkonnal on ennast eelmise põlvkonnaga võrreldes palju keerulisem esitleda, kuna öelda midagi põhimõtteliselt uut on peaaegu et võimatu? Kuidas siinjuures näete põlvkonda “00”?

    Ükski põlvkond ei tule tühjale kohale. Loomulikult on ka erinevusi: üks asi on tulla kirjandusareenile keset arenguetappi, kui õhk justkui võbiseb mitmetest omapärastest häältest, ning teine – etapi lõpus, kui kõik on väsinud ja häälte võbinast on saanud loid müra, või millegi uue alguses, kui erksaid hüüdeid on raske üksteisega kooskõlla viia ning tervikpilti sisse panna. Vaevalt on üks teisest kergem. Igatahes ei näe ma põhjust, miks peaks tänaste debütantide seis olema eilsete omast keerulisem. Tänane kirjandusmaastik erineb 15 aasta tagusest oluliselt: erinevalt minust ja mu sõpradest on tänastel alustajatel, millest tõukuda. Täiesti teistsuguseks on saanud ka maailm meie ümber: Lääne ja Ida peaaegu kustuva vastasseisu asemel on ohtlikult teravnemas vastasseis Põhi-Lõuna; tänases maailmas muudavad inimeste igapäevast elu, nende psühholoogiat ja käitumisreaktsioone Internet, mobiilside ja selletaolised asjad märkamatult ja tundmatuseni – jne, jms. See maailm on tarvis omaks võtta, seda mõista, jäädvustada – kuni see pole saanud minevikuks. Andekatele ja usinatele tööd jätkub. Ning juba praegu on “00”-põlvkonnas erksaid ja seda ülesannet võimetekohaselt täitvaid isiksusi. Viimaste aastate vene luules näen ma läbimurret uutele teadmistele meie elus: Mihhail Kotov, Tatjana Moissejeva, Ksenija Marennikova ja veel mõned autorid. Neil pole kerge, sest neil pole seljataga (nii nagu enamikul tänastel 20aastastel) mitte niivõrd lugejakogemus kui sukeldumine nüüdisaja keelekeskkonda, tundlik kõrv, alles hiljem lisanduvad just mitte kerge vaevaga saadud kirjandustraditsiooni õppetunnid. Kuid ka vastupidine loomingulise küpsuse mudel – enne traditsiooni sisseelamine ja seejärel sellest eraldumine – on ometi raske. Seega sujub kõik oma teed pidi.

     

    Kuivõrd haakub praegu vene kirjandus teiste suurte kirjanduste kontekstiga, kuivõrd omapärane see on?

    Kahjuks pole põhjust kõnelda mitte omapärast, vaid ühekülgsusest ja hoolimatusest. Pisut paremad on lood välisproosaga, sest seda tõlgitakse ja kirjastatakse intensiivselt (siiski jõutakse üsna harva keeruliste ja ootamatute autoriteni, samuti haruldastes keeltes kirjutajateni). Seevastu luulega on lood tõesti viletsad. Enamik vene kirjanikke pole muude maade traditsiooniga kohe üldse tuttavad. See teeb murelikuks, sest vene kirjanduse olulisemad arenguetapid – selle algusest kuni, ütleme, sümbolistideni välja – on paljuski lähtunud väliskirjandusest. Muidugi on autoreid, kes osalevad selles dialoogis üksi: Arkadi Dragomoštšenko, Aleksander Skidan, Stanislav Lvovski ja Marina Tjomkina huvikeskmes on ameerika luule erinevad voolud, Nika Skandiaka tegeleb inglaste ja iirlastega, Sergei Moreino poolakatega, Polina Andrukovitš prantslastega. Kuid see kõik on piisake meres! Ning isegi XX sajandi  titaanide Elioti, Cummingsi, Celani, René Chari jt kogemus on veel vähestel ja esialgu mitte piisavalt hästi omandatud. See on tänapäeva vene kirjanduse jaoks suur avastamata maailm ja väga tõsine ülesanne uutele tegijatele.

    Loomulikult pole vene kirjandus midagi rahvusvahelistest protsessidest väljapoole jäävat – muutuvas maailmas ei pääse ka kirjandus muutumiseta. Kuid vene luuletajate haikuhuvi kasvus pole mingit märki muu maailma haikukirjutajate loomingust, ja vastupidi. Sellise “väljajäämise” põhjusena näen seda, et vene kirjanikele on kirjanduslikud ja kultuurilised tendentsid võrdse tähtsusega: katse restaureerida mis tahes žanriilmingut pole olulisem selle ilmingu tekke aluseks olnud kontekstist (näiteks haiku puhul kõneleme püüdest taastada inimese ja keskkonna ühtsus).

     

    Millised liikumised mõjutavad vene kirjandust? Kas ühiskondlikud? Kirjanduslikud? Poliitilised?

    Sellele küsimusele vastaja peab seisma vene kirjandusest väljas. Selle sees olles tundub mulle, et laias laastus sõltub tänane kirjandus ühiskondlik-poliitilisest olukorrast üsna vähe. Mainimata ei saa jätta, et just viimasel kümnendil on tulnud olulisi erandeid, veenvaid ilukirjandusteoseid, mis on otseselt seotud sotsiaal-poliitilise dimensiooniga (näiteks võib tuua 1999. aastal ilmunud terve luuleantoloogia Tšetšeeni sõja kohta, tekstide tase küll kõigub, kuid autorite seas on ka esimese suurusjärgu figuure). Eraldi eksisteerib veel “patriootilise kirjanduse” maailm, mis püsib Nõukogude kirjanike liidu kõige suuremal killul, kuid kunstilises mõttes on selle ringi sadade kirjanike produktsioon eranditult tühine ja seetõttu tuleb see maailm tõsistest kirjandusaruteludest välja jätta.

    Probleemiks on ka see, et kirjandusparteide võitlust mõjutab üleeilse päeva sotsiaal-poliitiline inerts. Näiteks jätkavad mitmed ajakirjad ilmumist (seejuures esindab nende juhtkond kirjandust üleriigilises mastaabis!) täiesti kirjandusvälistel ajenditel: mitte platvormi või oma autorite ringi esindades, vaid üksnes seepärast, et nõukogude ajast jäid neile tellijad kohalike raamatukogude näol, kultuuripärandi kandja reputatsioon ja kinnisvara, millest osa võib anda rendile. Kerge on ette kujutada seesuguste väljaannete ilukirjanduse inertsust.

    Üldiselt jätkub vene luules nõukogude ametliku kirjanduse ja tsensuurivaba kirjasõna vastasseis. Esimest iseloomustab vastuvõetavuse diapasooni (esteetiline, temaatiline, eetiline) kitsus, teist – laius. Võib-olla oleks produktiivne esteetiline eraldumine, aga laia spektri igale osale pole vastavaid väljaandeid, festivale ega teisi kirjandusprojekte. Ega eralduda eriti üritatagi, sest igal säärasel ettevõtmisel peab olema andekas eestvedaja, aga napib (nagu rahagi). Seega käib võitlus endiselt kahe leeri vahel: kas luulet võib olla igasugust või peaksid kõik kirjutama üsna ühtmoodi.

     

    Mil määral aitavad Venemaa suured kirjanduspreemiad lugejal orienteeruda raamatute voos ning milliseid viimaste aastate autoreid tõstaksite ise esile?

    Arvan, et preemiad küll mingit selgust ei anna, sest korraliku preemia headus tuleneb n-ö kunstilisest loogikast ja motiveeritud kontseptuaalsetest otsustest. Venemaa põhilised kirjanduspreemiad meenutavad aga rohkem loteriid. Eriti kõnekas on seik, et igal aastal tegutseb uus žürii – et kindla peale poleks mingit järjepidevust. Nõnda juhtub, et isegi Bookeri preemia (see on kõige suurem proosapreemia) võib keskpäraste või heade-sobilike teoste kõrval saada ka meistriteos (mõne aasta eest Mihhail Šiškini romaan “Izmaili vallutamine”). Selgrootus tuleb aga kahjuks nii preemiale kui ka meistriteosele. Kahjuks kehtib sama noorte autorite debüüdi preemia  puhul. Selle kasuks kõneleb põhimõtteline erinevus: valiku algstaadiumis töötavad pidevalt tõelised profid, kes koostavad igal aastal nominentide nimekirju, millest “vahetusžürii” valib iga kord välja suvalise asja. Õnneks antakse  välja nominentide loominguga aastaantoloogiaid, mille järgi saab 20aastaselt loodut hinnata. Ainus Venemaa kindel ja püsiv, tõsiseltvõetav kirjanduspreemia on Andrei Belõi nimeline preemia. Paraku pole mul just sellest auhinnast mugav rääkida, kuna olen selle laureaat aastast 2002 ja eelmisest aastast kuulun selle preemia komiteesse.

    Ma pole pädev rääkima kõige erksamatest tänapäeva prosaistidest, sest ma ei loe kogu proosat ja võin midagi vahele jätta. Viimaseks ekstraordinaarseks ilminguks vene proosas on senini jäänud mainitud “Izmaili vallutamine” (Šiškini järgmine romaan meeldis mulle vähem). Mulle on lähedane see liin vene proosas, kus pööratakse tähelepanu igale sõnale ja intonatsioonimuutusele, tegeldakse rohkem miljöö loomise ja ajavaimu peegeldamisega ega keskenduta lugude paj
    atamisele. Säärast proosat esindab eelkõige kirjastuse Novoje literaturnoje Obozrenije seeria “Soft Wave”, milles ilmusid Stanislav Lvovski, Olga Zondbergi, Leonid Kostjukovi, Deniss Ossokini, Vadim Mesjatsi, Margarita Meklina, Jüri Leidermani (kaks viimast Belõi-nimelise preemia laureaadid, Ossokin debüüdipreemia laureaat, Mesjats on vastloodud Bunini-nimelise preemia laureaat). Vahest võiks nendele nimedele lisada üksnes 30aastase Linor Goraliki, kes praegu lõpetab oma kolmandat romaani, kuid kes kõige enam vapustas mind proosaliste miniatuuride ja proosaluuletuste kogumikuga “Me pole kohalikud” (“Не местные”).

    Veelgi keerulisem on rääkida luuletajatest – sest mitmeid ma armastan ja paljudest pean lugu. Tõsi küll, enamik mu lemmikuid on minuga koos olnud juba umbes kümme aastat. Uued sõbrad on viimasest 3-4 aastast, kellega tutvusin väljaspool Vene luulet käsitleva projekti kallal töötades (see projekt koosneb eelmise aasta antoloogiast “Vabastatud Ulysses” – 244 autorit 26 riigist – ja raamatuseeriast “Vene diasporaa poeete”) tulid välja Arseni Rovinski Kopenhaagenist, Sergei Magid Prahast, Vassili Lomakin Washingtonist, iisraellane Leonid Švab – nimed, mida varem peaaegu ei tuntud. Tuntud nimedest – sündmuseks sai suure luuletaja Aleksei Tsvetkovi tagasitulek luulesse, ta ei ole kirjutanud tervelt 17 aastat. Sündmused: Jelena Fanailova ja Maria Stepanova iga uus raamat. Ka paljud, paljud teised esmaklassilised autorid jätkavad edukalt.

     

    Maikuus esinete Tartus kirjandusfestivalil “Prima vista” loenguga tänapäeva vene kirjandusest. Mida oskate öelda siinse kirjandusprotsessi kohta ja kas teil on mingisuguseid ootusi seoses selle reisiga?

    Umbes 20 aastat pole ma Eestis käinud, heameelega tulen uuesti. Vene publikatsioonide järgi, ka vene Internetis, pole mingit võimalust luua tervikpilti Eesti kirjanduses toimuvast. Tõsi, nii oli ka varem, kui Riia vene luule koolkond, mis kogunes ajakirja Rodnik ja isaliku Andrei Levkini ümber (kusjuures temagi on üks suurepäraseid vene prosaiste, keda viimastel aastatel aktiivselt avaldatakse), oli vene luule mastaabis justkui ilmutus. Tallinnast tulid aeg-ajalt harva Svetlan Semenenko sümpaatsed luuletused. Aga mida eesti keeles tänapäeval kirjutatakse (eriti veel noorem põlvkond), seda on võimatu ette kujutada (ning jällegi: Läti noored vene luuletajad tõlkisid ära oma lätlastest sõprade-kaaslaste kaks raamatut ning ma andsin need hea meelega välja). Olen rõõmus, kui pärast seda sõitu tean rohkem.

     

     

  • Itaalia muusika pidu festivalil ?opeNBaroque?

    Festivali ?opeNBaroque? selleaastase programmi alateemana võiks välja tuua pühendumise itaalia muusika kavadele. Festivali lõpetab Veneetsia meistrite kava ja itaalia meistreid tutvustasid ka üritust alustanud Monica Huggetti ja Sonnerie ning Neapolis Ensemble?i kontserdid. Ja nagu mainitud näited juba viitavad, kuuleb tänavusel festivalil itaalia muusikat nii itaallaste endi esituses kui ka teiste vanamuusika korüfeede hinnalises, eesti kontserdisaalidesse harva ulatuvas interpretatsioonis.

     

    Huggett ja triosonaadi kuldajastu

     

    ?Triosonaadi kuldajastu? krestomaatilise ülevaate egiidi all esinesid Tallinnas Monica Huggett (barokkviiul) ja tema ansambel Sonnerie. Selle koosseisus mängivad hetkel Emilia Benjamin, muusikateadlase ja muusikuharidusega viiuldaja; t?ellist Joe Crouch, keda kuuleme samas ka teiste Euroopa nimekate kollektiivide nagu The Academy of Ancient Music ja The Gabrieli Consort liikmena, ning klavessinist Matthew Halls, kes üllatas kontserdil Michaelangelo Rossi ootamatult humoorikas ja XVII sajandi korduste muusikat pakkuvas tokaatas.

    Londonis sündinud Monica Huggett, kelle elust seitse värvikat aastat möödusid Amsterdami barokkorkestri kontsertmeistrina, on samas ka üle kahekümne aasta olnud seotud enda asutatud barokkansambli Sonnerie?ga, millega on salvestatud meeletult barokkrepertuaari ja mitte ainult. Sonnerie? mängule on osaks saanud hulgaliselt preemiaid ja õnneks ei pidanud Sonnerie? mängutasemes ka Tallinnas pettuma. Seesama täpne ja efektne artikulatsioon, mis looritatud kerge humoorikuse ja soojusega, ning ansamblijuhi Monica Huggetti särav isiksus ning tema kui suurepärase inglise interpretatsioonikunsti esindaja kohalolu tagasid publikule kindlasti ainulaadse kogemuse.

    Triosonaadi ajaloolise ülevaatena käsitletava kontserdi kuulamisel pakkus suurimaid elamusi just see vähem mängitud varasem pool, triosonaadi varajaste vormide näited itaalia XVII sajandi heliloojatelt. Need lood ei esindanud kõrgbarokki, siin oli palju selgemaid viiteid rahvamuusikale, millest ka Huggett ise tõi esile just mustlasmuusikat. Ehkki selle ?vähem mängitud? ütlemisega peab olema kaunis ettevaatlik, sest Huggett on andnud terveid kontserte Itaalia varajaste meistrite nagu Biagio Marini loominguga. Meie siin saime vaid veidi nautida Marini veidraid, ootamatuid harmooniaid. Marini, kelle elu kulges nii Veneetsias Püha Markuse kirikus kui ka Euroopa õukondades, näiteks Navarras ja Münchenis, oli nii helilooja kui viiuldaja ning just viiuldajana teadis ja tundis Marini keelpillitehnika üksikasju ning oskas viiulitehnika eripärast välja võluda terviklikke muusikalisi arendusi. Seda oli võimalik kuulata ka Tallinna kavas Marini teoses ?Pass?emezzo concertato in dieci parti?, mille teises pooles kõlasid lõbusalt kasside kräunumist meenutavad glissando?d, mis olid muide lisaks rabavale humoorikusele ka kenasti ja loomulikult muusika arendusse sisse kirjutatud. Kauneid muusikalisi elamusi pakkus ka Marini ?Capriccio per sonar quattro parti con doi violini?, kus basso continuo koosluse moodustasid t?ello ja portatiivorel. Sekventsiliselt hargnevad järgnevused ning rohked kaunistused pakkusid taas ühe sissevaate püsimatu itaalia helilooja loomingusse.

    Kontserdi avaloona kõlas aga Giovanni Battista Buonamente 1626. aasta Sonata quinta ?Poi che noi rimena?, mille meloodia meenutas pigem rahvalaulu ülesehitust ja intonatsioonimaneeri. See mulje hajus sonaadi teises pooles, kui seni alumises registris mänginud viiulite partiid kõlasid kõrgemas registris ning viiulid esitasid üksteise järel kajana sädelevaid viiulipassaa?e.

    Giovanni Battista Fontana Sonaadi nr 7 algus meenutas oma väljapeetuse poolest ehk hilisemat sonata da chiesa?t. Peab ikka ja jälle tõdema, et Monica Huggetti fraseerimine on tõesti erakordselt nõtke. Sonaadi interpretatsioonis oli tunda erksust, aga mitte läbematust, harmooniajärgnevustele anti aega ilmuda ning ära märkimata ei saa jääda maitsekas kaunistuste kasutamine.

    Kava teises pooles kõlasid näited triosonaadi kõrgperioodist: Vivaldi kuulus ?La Folia? sonaat, Corelli Triosonaat op. 4 nr 10 ning Händeli Triosonaat op. 2 nr 6.

     

    Pilk Napoli muusikaellu

     

    Esmaspäeval saime heita pilgu aga Napoli muusikaellu ja maailma, mis eksisteeris Napolis XVI ? XVIII sajandini. Napolis tegutseva Neapolis Ensemble?i kava ideed on sündinud vaevalt aasta tagasi, kui ansambel otsustas kokku tulla lauljatar Marina Bruno ümber, kes on ka ansambli eestvedaja. Bruno koos Neapolisega annab oma plaate välja väikese plaadifirma Musicaetcetera märgi all. Selle koduleheküljelt leiab viiteid ilmunud albumitele ja tundub, et selles ringkonnas, kus tegutseb Bruno, on lõunamaale iseloomulikult teisigi suurepäraseid vokaliste ? siinkohal tooks ära Stefano di Fraia.

    Neid ühendav lüli ei ole mitte ainult tegutsemine Napolis ja itaalia varajase muusika pärlite värske interpretatsioon, vaid ka ühine õpetaja, 1933. aastal sündinud meister Roberto De Simone. De Simone on muusik, kes õppis klaverit ja kompositsiooni, kuid on nüüd tuntud pigem etnomusikoloogi ja dirigendina ning kirjutanud põhjalikke Napoli ja lõunaitaalia rahvamuusikaga seotud muusikaliste nähtuste käsitlusi, sealhulgas on ta olnud seotud nii Napoli tarantella?de kui karnevalikunsti traditsiooni uurimisega. De Simone on muide olnud ka San Carlo teatri kunstiline juht ja 1995. aastast Napoli konservatooriumi direktor. De Simone Napoli traditsioonilise muusika elementidest inspireeritud üsna originaalmuusikale sarnaseid palu kuulis ka Neapolise sel kontserdil.

    Tunnustust väärib samuti see, et festivali korraldajad on Neapolise näol üles leidnud üsna uue nähtuse Euroopa vanamuusika maastikul. Neapolise esimesi kontserte oli võimalik kuulata möödunud suvel Brügges ?Musica Antiqua? festivalil, millest räägin seetõttu, et juba siis jõudis see Euroraadio vahendusel ka terasemate eesti muusikahuvilisteni. Nüüd oli siis tänuväärt võimalus neid oma silmaga musitseerimas näha.

    Eks tegelikult oleme kõik vähemal või rohkemal määral kursis, kuidas kõlavad Napoli laulukesed, sinna kõlapilti kuulub meie ootuste kohaselt rohkelt emotsioone, kurvameelsust, rütmikaid tantsuelemente ja mandoola tämber. Napoli muusika eripärana rõhutatakse rahvamuusika ja kunstmuusika sulandumist ning eks rahvamuusikale omast musitseerimislaadi oli tunda ka Neapolise esinemises. Ja kuigi mõnikord kaasavad Napoli ansamblid oma koosseisu tänapäevaseid instrumente nagu sopransaksofon või klarnet, lähtub Neapolise instrumentaarium rohkem traditsioonist. Neapolise koosseisus kõlavad mitmesugused löökpillid (kõik need ei olnud ilmselt küll pärit Napoli muusika traditsioonilisest esituskunstist), populaarsed instrumendid nagu mandoola ja traditsiooniline kitarr, ka t?ello kuulub Napoli muusikatraditsiooni juurde samuti kui plokkflöödid.

    Kontserdi kavas oli ülevaade Napoli anonüümse heliloojaskonna loomingust XVI ? XVIII sajandini, samuti helinäited Roland de Lassuse ja juba mainitud tänapäeva Napoli helilooja Roberto De Simone muusikatoast. Napoli laulukeste vahele kõlasid ilmselt üsna oodatud itaallasliku rütmirõõmuga küllastatud tarantella?d. Muide, mulle tundus, et kontserdil õnnestus eesti publikul Neapolist piisavalt oma energiaga nakatada, sest plaadiversioonis tundusid tarantella?d olevat veidi rahulikumas tempos.

    Napoli laulude juures on kindlasti väga oluline saada osa ka laulutekstidest pudenevatest vaimukustest, kuid see pool jääb eesti kuulajale paraku vaid aimatavaks. Õnneks olid kavalehel iga näite kohta vähemalt lühikesed sisukokkuvõtted. Kuulates Marina Bruno hääle varieerumist rõõmsast, üleannetult flirtivast kurva ja sardooniliseni, võis küll hoomata teksti krõbedaid vaimukusi. Marina Bruno vokaalikäsitluses oli teravdatult esile toodud Napoli muusikatraditsiooni omapära: rahvamuusikast lähtuv bravuursus ja vabadus. Mõnes mõttes ei suudak
    ski teda mõnes muus rollis laulmas näha, aga ehk ma eksin ja samas ? küllap on Napoli rahvamuusika traditsioon piisavalt rikkalik, et sellega jätkuvalt tegeleda.

  • Tiit Rammuli ja Ove Büttneri ühisnäitus “Sünnipäevad”

    Reedel, 22. veebruaril kell 17.00 avatakse Tartu Linnaraamatukogu muusikaosakonna galeriis Ove Büttneri ja Tiit Rammuli ühisnäitus “Sünnipäevad”. Raamatukogu kolmele korrusele on välja pandud Büttneri maalid ja Rammuli graafika. Kunstnikke inspireeris tõsiasi, et ühe nädala sisse jääb nii nende endi kui ka Eesti Vabariigi sünnipäev ning tulemas on linnaraamatukogu 100. sünnipäev. 

    Näitusele on välja pandud Ove Büttneri 2013. aasta hakul valminud värvikirevad maalid. Graafik Tiit Rammul aga on näitusele toonud pildid 24. veebruarist, ühel neist aastatagune India, teisel askeetlik pidusöök. Rammuli sõnul seostub sünnipäev talle inimeste kokkusaamisega, mälestustega, pisut ka nostalgiaga. Ta võtab sünnipäeva teema lühidalt kokku sõnadega: “Igatahes emotsionaalne virvarr, võib öelda ka, omamoodi tulevärk meeltes”. 

    Ove Büttner on sündinud 1959. aastal Tallinnas ja lõpetanud Eesti Riiklikus Kunstiinstituudis tahvelmaali eriala. Aastast 1990 on ta Eesti Kunstnike Liidu liige. Büttneri töid on eksponeeritud lisaks Eestile Saksamaal, Rootsis, Soomes ja Kanadas. 

    Tiit Rammul on sündinud 1964. aastal Tartus. Ta on õppinud Tartu Kunstikoolis dekoraatori ja Eesti Riiklikus Kunstiinstituudis graafika erialal. Rammul on Eesti Kujundusgraafikute Liidu liige alates 2006. aastast. Põhiliselt tegeleb ta raamatukujundaja ja illustraatorina ning peab ka õppejõu ametit Eesti Kunstiakadeemias. Rammul on osalenud plakatinäitustel ja on oma töid varemgi eksponeerinud koos Ove Büttneriga, sealhulgas ka Tartu Linnaraamatukogus. 

    Näitus “Sünnipäevad” algab II korruse fuajees, kust vaataja leiab Rammuli pildid. Büttneri maalid on väljas III korruse fuajees ja muusikaosakonna galeriis. Näitust saab vaadata 21. märtsini.

  • Euroföderalistide kibedus

    Seitsmeosalist esseekogumikku, kus autori ideed variatsioonides korduvad, oli huvitav lugeda, sest see pakkus unikaalse sisevaate  Euroopa Liitu ja tema toimimisse, raamatust on kasu Euroopa arengu- ja poliitikasuundade mõistmisel. Autori värvikad kirjeldused pikaajalistest vahetutest kokkupuudetest Euroopa Liidu fassaadi- ja ka köögipoolega annavad piisavalt ainet realistlike seisukohtade kujundamiseks Euroopa integratsiooni kohta. Soovitan seda raamatut lugeda, ja mitte ainult eurofiilidel, poliitikutel ja euroametnikel, vaid ka euroskeptikutel, sest nii ehedaid süvitsi minevaid  paljastusi ja kriitilist suhtumist Euroopa Liitu pole ma eesti keeles pärast Eesti liitu astumise debatte kirjasõnas kohanudki. Paljud olulised ja keerulised euroasjad õnnestub autoril lugejale selgeks teha lihtsas ja kujundlikus keeles. Mitte et see oleks olnud kindlasti vajalik, kuid kohati oli siiski raske tabada autori enda seisukohta käsitletud teema puhul, sest tekstist leiab nii paljude autorite vastukäivaid seisukohti. Teisal jätsid  autori enda kohati üle keevad kommentaarid ja suhtumised temast pigem kibestunud euroföderalisti kui ametitele kohasema neutraalse ja tasakaalustatud eurorealisti mulje. 

    Euroopa eeskuju 

    Autor leiab, et „tänu ilmalikule maailmakorraldusele, riigikorralduslikele põhimõtetele, valgustusele, inimõigustele, aga ka lõimumise suurepärasele näitele on Euroopa Liit omaette kaasus, mida tuleb teistele eeskujuks seada. Geopoliitilised protsessid nõuavad tugeva Euroopa teket, mis võiks innustada sarnaste riigiüleste ühenduste teket ka teistes maailmajagudes”. Nõustun, et Euroopa Ühenduste asutamine oli Euroopale eelkõige rahuprojekt,  mis on võimaldanud tal elada ilma suuremate relvakonfliktideta juba ligemale 65 aastat. Meie rahvuslikud julgeolekuhuvid on kõige paremini kaitstud siis, kui me kõik loovutame neist ivakese, et võidaks kogu liit. Selles mõttes tagab suveräänsuse osaline loovutamine tõepoolest suurema suveräänsuse ning liit on tugevam tema liikmete summaarsest jõust. Ka energeetikaja keskkonnaprobleeme poleks võimalik lahendada ainult kitsal rahvusriiklikul tasandil. 

    Paraku tagavad julgeoleku Eestile siiski eelkõige NATO ja USA, mitte Euroopa Liit. Siinkohal tuleks mainida, et Euroopa Ühendused, mille rajamisega alustati pärast II maailmasõda, ja praegune Euroopa Liit erinevad vägagi. Rahvusriikide majandusühendustest on saanud föderaalriiklike tunnustega liit. Paraku ei saa aega tagasi keerata ning kahjuks on Euroopa hiilgeaeg, kui sealne kultuur, majandus ja sõjavägi olid ülejäänud maailmale eeskujuks,  ilmselt praeguseks läbi saanud. Euroopa hiilgeaeg oli rahvusriikide õitseajal, kui isegi mitmetel väikeriikidel olid oma kolooniad üle maailma. Kuid me teame, et kõik impeeriumid on lühema või pikema aja jooksul lagunenud. Euroopa ühendriikide idee pakkus krahv de Saint-Simon (Claude-Henry de Rouvroy) välja juba pärast Prantsuse kodanlikku revolutsiooni XIX sajandi alguses ning seda arendasid edasi nii Karl Marx ja Vladimir Lenin kui ka Jean  Monnet ja Valery Giscard d’Estaing. Euroopa Ühendriigid ja Euroopa Liidu juhtimise vana mudel võivad olla veel mõnede riikide jaoks atraktiivsed, kuid ilmselt vaid kõrvalt vaadatuna. Tsentraliseeritud paljurahvuselisi ühendusi ei saa postmodernses demokraatias enam efektiivselt juhtida.

    Seda tunnistab autor ka ise, kui kirjeldab otsustamisseiku Euroopa Ülemkogus ja Aasia suurte rahvusriikide kasvavat mõju maailma julgeolekus, majanduses ja  poliitikas. Ameerika Ühendriigid on viimane Euroopa tüüpi riik, mis toimib kui multikultuuriline föderaalriik, kuid isegi ameeriklaste mõju on maailmas hakanud märgatavalt vähenema. Selles kontekstis ei tooks föderaalse Euroopa tekitamine Euroopa Liidu baasil tõenäoliselt pikemas perspektiivis kaasa mitte Euroopa tugevnemist, vaid kiireneva allakäigu, sest ühist keelt, euroopa rahvust ja kultuuri ei kujune.  Huvitaval kombel toetavad seda seisukohta mitmed autori raamatusse toodud viited ja seisukohad. Näiteks tsitaat paavst Benedictus XVI sõnavõtust Euroopa tuleviku teemal: „Kui Euroopa tahab ellu jääda, vajab ta uut mõistmist iseendast. Kirglikult nõutav multikultuursus on mõnikord eeskätt lahtiütlemine omast, põgenemine iseendast. Maailma kultuuride jaoks on see absoluutne ilmalikkus, mis Õhtumaal valitseb, üdini võõras”. Sellepärast meenutab paavst tugeva Euroopa põhialuste kristlikku pärandit ja manitseb selle juurde tagasi pöörduma. Teiselt poolt „samas seisneb ka Euroopa nõrkus just nimelt laienemises, sest üle kontinendi sirutuv ühisturg toob kaasa mitmekesisuse, mis muudab omakorda võimatuks sarnase maailmavaatega suurriigi arengu. Liidu laienemine pakub uuenduskuuri, kuid on samas ohuks ühtsuse sidususele ja nõrgestab  ühtekuuluvustunnet,” väidab autor ning lisab, et Euroopa Liitu on sageli võrreldud tuhmuva Eurovisioni lauluvõistlusega, millest on saanud maitsetu muusika maraton, millest asutajamaad vargsi eemalduvad. Euroopa nõrgenemise uus etapp algas ilmselt rahvusriikide suveräänsuse olulise piiramisega Euroopa Liidu Maastrichti lepingu sõlmimisel 1992. aastal ning kulmineerus ELi põhiseadusliku leppega, millele Euroopa  Ühenduste asutajariigid Prantsusmaa ja Holland ütlesid 2005. aasta referendumil „EI ”. Euroopa Liit ei sobi eeskujuks ka seetõttu, et selle institutsioonides valitseb nn demokraatia defitsiit, mis väljendub näiteks ka selles, et rahva valitud Euroopa parlamendi saadikutel on suhteliselt piiratud õigused ELi õigusloomes. Ka vanal euronaljal „Kui Euroopa Liit sooviks liituda Euroopa Liiduga, poleks see võimalik. Põhjusel, et liit ise ei täida oma demokraatlikke  standardeid” on ikka oma tõepõhi. Konkreetsete kohtulahendite näidetega on tõstatatud uusliikmete majandusliku protektsionismi ja diskrimineerimise küsimus ning tahetakse teada, mida Euroopa kavatseb ette võtta, et mitte lõhestada hiljuti taasühinenud kontinenti. Nende näidete varal on toodud päevavalgele nii Euroopa Liidu, rahvusriikide ja kohaliku õigusraamistiku vastuolud kui ka turu- ja sotsiaalskeemide kokkupõrked kaupade,  tööjõu, teenuste ja kapitali vaba liikumise kindlustamisel. Need on Euroopas teravad päevateemad, millest oleks tahtnud sisepoliitilise kemplemise asemel rohkem kuulda äsjaste Euroopa Parlamendi valimiste ajal. 

    Nõrk välis- ja julgeolekupoliitika

    Karmi kriitika osaliseks saab ka Euroopa Liidu välis- ja julgeolekupoliitika. Kuigi liit on ikkagi majanduslik hiiglane, on tema välispoliitika jäänud kääbuseks. Autor tunnistab, et liidu välispoliitika mõju rahvusvahelisel areenil pole kuigi tõsiseltvõetav, sest seda iseloomustab deklaratiivsus, selle elluviimist takistab  otsustamatus. „Euroopa poliitika on kui kriisivalitsus, kus uued ideed tekivad sellest, et eelmist musta plekki hoolikalt varjata” (lk 34). Lahkarvamused on koostöös NATOga, suhtumises Iraagi, Afganistani ja teistesse regionaalsetesse konfliktidesse.

    Vaevalt et Euroopale suurte volitustega välisministri määramine olukorda muudaks. Tõest kaugele ei jää ka autori äärmiselt teravad hinnangud, et „eurooplased suhtuvad lähinaabritesse kui külakerjustesse, kes püsivad elus tänu kopikatena loobitud lubadustele” ja „kardan, et euroliitu sissepääsu ootajatele meenuvad ülbe turvamees ja ustepaugutamine nukkermagusast kultuuripaleest, kust kostab vaid klaasiklirinat”. Kibedaks, aga tabavaks tuleb pidada autori väljaütlemist Balti riikide inimõiguste teema käsitlemise kohta Euroopa Liidu ja Venemaa suhetes: „Nad on kujundlikult Venemaale  söödaks, justkui oleks Moskva suur kala, mida läbi Balti vihmaussikeste õnge tõmmatakse. Ja kuni pole leitud paremat ettekäänet Venemaa tabamiseks, jäävad Balti riigid alati ussikesteks” (lk 140). Autor ütleb julgelt, et vahel langetatakse Euroopa Liidu majanduslikke otsuseid suhetes kolmandate riikidega (näiteks Hiina ja Venemaaga) enesestmõistetavalt inimõiguste arvel ning seda nimetatakse
    elementaarseks realismiks. 

    Suurriikide poliitmängud käivad sageli üle väikeriikide pea. Liidu välis- ja julgeolekupoliitikas pole selget tuleviku tegevuskava ja töös puudub järjepidevus. Otsustamine on aeglane ja vastu võetakse resolutsioone, mille elluviimiseks pole meetmeid. Lisaks topeltstandardid, välispoliitika nn „schröderiseerumine” jms. Selle tõttu on kaotanud oma sära ka kunagised globaalsel areenil mõjukad riigid Suurbritannia, Prantsusmaa ja Saksamaa. Kokkuvõtvalt  järeldab autor, et „Euroopa välispoliitikast on saanud paradoks: kui liikmesriigid koos ei toimi, mõjub EL kasutuna, ent aktiivselt üheskoos tegutsedes paljastame oma nõrkused” (lk 193). Selliste skeptiliste väljaütlemiste järel Euroopa Liidu välispoliitika kohta ei jää enam palju ruumi autori varasemale eurooptimismile. Nii on juhtunud teistegagi, kes on hakanud sügavamalt tegelema Euroopa Liidu teemaga.   

    Eesti Euroopa Liidus

    Vaatamata raamatu globaalsele haardele, on eurooptimistlikus toonis kirjeldatud hoopis Eesti ja Euroopa Liidu suhteid. Nimelt usub autor Eurobarometeri andmeid, et Eesti on üks kõige euro-entusiastlikumaid riike. Õnneks  küsib ta samas: „Millest tuleneb meie euroentusiasm, kui samaaegselt on tunda ükskõiksust Euroopa teemade vastu?” Autor, toetades küll Euroopa Liidu ühtset, tsentraliseeritud välispoliitikat, heidab siiski Eestile ette, et puudu on kindlatest seisukohtadest, millega Eesti saaks rahvusvahelisel areenil kaubelda. Praegu on Eesti probleem liidus selles, et ei öelda midagi. „Eesti kuvand ELis töötavast riigiametnikust on kena tütarlaps,  kes klõbistab töögrupis sülearvutiga, kordagi suud avamata.” Sellest hoolimata unistab autor, et mutrikesest saab kunagi suur kruvi, ja pakub kahte suuremaks saamise teed: ELi juurde lähetatud esindajate „brüsseliseerumist” (samastumist sealse bürokraatiaga) või Tallinnas resideeruvate ELi temaatikaga tegelevate ametnike „kahe tasandi mänge”. Meediale heidab autor aga ette, et pole leitud õiget viisi, kuidas Euroopa teemasid kaasakiskuvaks muuta, ning arvab, et Euroopa vähese kajastamise põhjus võib olla ka selles, et Eesti meedia jaoks on EL endiselt valitsuse eraasi, liidu muresid vaadeldakse läbi sisepoliitilise prisma (lk 284). „Võib-olla ongi parem, et Eestile olulistest asjadest räägitakse vähem,” ironiseerib ta, viidates ühele Briti uuringule, mille kohaselt on nii, et mida vähem kajastab meedia Brüsseli toiminguid, seda positiivsemalt näeb rahvas Euroopa Liitu.  Euroopa tuleviku kohta on Martin Kalal mitu seisukohta. Ühelt poolt taotleb ta tugeva föderalistina korduvalt, et „Euroopa Liidu võimalus end maksma panna peitub poliitilises tsentraliseeritud otsustuse tulemis” (lk 269), mis eeldab tugevate üleeuroopaliste riigijuhtimise struktuuride loomist. Teiselt poolt aga arvab ta, et „just nimelt see eristab Euroopat muust maailmast, et teda polegi olemas. Pole olemas Euroopat, on hoopis europaniseerumine  ehk protsess, ajalooline kulg ja mõttelisus, enesemääratlemise kontiinum ning euroopaliku mõtlemise pidevustik, jätkumine” (lk 292).

    Üllatav on ka raamatus väljaöeldu taustal viimase peatüki viimane lause: „Võime öelda, et Euroopa Liit on muutuva geomeetriaga stabiilne üksmeel”. Huvitav, huvitav, kas suurenevaid erimeelsusi vanade ja uute, aga ka Põhja- ja Lõuna-Euroopa liikmesriikide vahel mitmetes liidu juhtimise ja poliitika küsimustes  saab ikka veel pidada stabiilseks üksmeeleks? Peagi (tõenäoliselt veel sel aastal) saame näha, kas Pyrrhose võiduna Lissaboni leppe jõustamine pärast kordusreferendumit Iirimaal toob kaasa suurema üksmeele Euroopas või pigem süvendab erimeelsusi. Kaldun arvama viimast ja usun, et eurooplaste süvenevaid vastuolusid hakkavad jälle tasandada ameeriklased, nagu see on varemgi juhtunud, kuid nüüd mitte enam föderaalse  Euroopa toetamise, vaid juba uute transatlantiliste struktuuride rajamise teel, et Euroopa ja Põhja-Ameerika koostöös seista vastu globaalsetele väljakutsetele. Lõpetuseks mõnedest tehnilistest puudustest raamatus. Euroraha pole kasutusel mitte 13 (lk 27) vaid 16 liikmesriigis. Prantsuse kunagise välisministri Robert Schumanni osa on üle tähtsustatud II maailmasõja järgse Euroopa integratsiooni kujundamisel. Saksamaa ja  Prantsusmaa vastuseisu kaotamise idee autoriks peetakse hoopis W. Churchilli ning Euroopa Söe- ja Terasekoondise asutamise projekti pani kokku Prantsusmaa tollane plaanikomitee esimees Jean Monnet. Solvavalt nimetab autor „paranoilisteks” riigijuhte (silmas pidades eelkõige poolakaid, inglasi ja tšehhe), kes nõudsid Euroopa Liidu riikliku sümboolika väljajätmist Lissaboni leppest. Kibestumist ei suuda autor ületada  seoses Prantsusmaa presidendiga, kasutades tema kohta väljendit „Sarkozy-sugused skeptikud” (lk 95). Äärmiselt halvakspanev hinnang on antud referendumile Lissaboni leppe asjus, mida ta nimetab „Iiri õuduseks”, kutsudes loobuma „sellest vene ruletist, kus iga läbikukkunud referendumiga lasevad kõik ülejäänud endale kuuli pähe”.

    Autori arvates võiks igal referendumil olla eeltingimus: „kui oled edasimineku vastu, tuleb sul endal lahkuda” (lk  221–229). Vahetu emotsioon pärast Iirimaa referendumit 2007. aastal oli Postimehe kaudu veelgi räigem, siis ei pidanud ta paljuks rääkida tänamatu Iirimaa väljaviskamisest Euroopa Liidust. Poleks ime, kui selliste kirjaridade kohta oleksid mõned riigid esitanud ametliku protesti. On ju referendum vaba valiku oluline demokraatlik vorm, euroopaliku kodanikuühiskonna võimalus. Kui sellest põhimõttest loobuda, laguneks suuresti ka see Euroopa  Liitu veel siduvate väärtuste kontiinum, mida autor oma raamatus on eespool ise väärtuseks pidanud.

  • Teise lennu elulood

     

    Anne Tuuling, Iivi Lepik, Ma jutustan teile oma loo. Tallinna Riikliku Konservatooriumi lavakunstikateedri teisest lennust. Toimetanud Mall Johanson, kujundanud Kersti Tormis. Valgus, 2006. 447 lk.

     

    Eesti NSV Riikliku Noorsooteatrina nelikümmend aastat tagasi alustanud Tallinna Linnateater on küllap Eesti teatritest kõige jõudsamalt üritanud omal initsiatiivil oma tegevust ka raamatukaante vahel jäädvustada. Näiteks märksa pikema ajalooga Ugala jõudis esimese süstemaatilisema kogumikuni alles tänavu (Helle Leppiku kokku pandud “Ugala Aja Lugu”). Siia kõrvale on panna ka suhteliselt “äsja” alustanud NO-teatri artiklikogumik, mis esindab täiesti uut lähenemist ühe teatriinstitutsiooni töö dokumenteerimisele. Noorsoo/Linnateatri ajalugu koondavatest trükistest on siis nimetada kümnenditagune “Tühi ruum ehk Meie elu kunstis” ning selle teatri markantsele ehitustemaatikale keskenduv “Kaamel vapiloomaks ehk Ühe teatri ehitamise lugu” (2000), lisaks veel ridamisi promotrükiseid, mis peegeldavad paari-kolme hooaja tegemisi.

    Teatri juubeliks üllitus kaks uudisteost. Esmalt aukartustäratavalt kopsakas “Minu Linnateater” (koostajad Ülev Aaloe, Triin Sinissaar, Kalju Orro), mis väärikale juubeliraamatule kohaselt sisaldab meenutusi möödunud aegadest, mõtteid teatri tänastelt juhtfiguuridelt, rikkalikult kauneid fotosid ning põhjaliku statistika. Tõele au andes tuleb tunnistada, et teos tuleb lahterdada taas nn ilutrükiste valdkonda – eriti kui silmitseda raamatu lõpuossa lisatud teatri lavataguse personali galeriid, kõik püüdlikult meigituna-sätituna poosidesse paigutatud. Nii et kui välja arvata Jaak Alliku ümmarguse juubelijutu formaadist välja ulatuv löövalt subjektiivne sõnavõtt, on tegu rohkem ühekordseks sirvimiseks mõeldud pildialbumiga (millise printsiibi vastu pole loomulikult midagi).

     

    Kaante vahel noorsooteatri “alguste algus”

     

    Suuremat tähelepanu väärib aga teine raamat, veelgi mahukam “Ma jutustan teile oma loo”. Seekord on siis kaante vahele saanud teatri “alguste algus”.  Lavakunstikooli teise lennu lõpetanud Anne Tuuling ja Iivi Lepik on kokku kogunud kahekümne ühe lennukaaslase, Noorsoo/Linnateatri asutajaliikmete elulood. Ühelt poolt polegi siin ehk midagi väga avastuslikku: mõndagi siin esitatust on tuttav kas või “Tühja ruumi” raamatust (ja mujaltki): et loodi ühestainsast Pravdas ilmunud lausest ajendatuna teater, mille peanäitejuhiks sai Voldemar Panso ja mille trupi moodustasid 21 noort lavakunstitudengit pluss mõned Panso kutsutud “staarnäitlejad”. Juba esimesed hooajad aga näitasid, et sedavõrd suurel noortetrupil puudus reaalne väljund. Iga uus peanäitejuht oli sunnitud alustajate koosseisu ridu kärpima; mitmed näitlejad olid sunnitud eriala vahetama, mõned loobusid ise. 

    Samas on selle raamatu näol meie kontekstis tegu pretsedenditu ettevõtmisega: see on esimene lavakunstikooli lõpetanud lennu “oma” raamat. Niisiis on teine lend nüüd isegi kahe võrra kõigist ülejäänud näitlejalendudest “üle”. 1965. aastal said “oma” teatri ja 40 aastat hiljem “oma” raamatu. Veel raamatu ilmumise ajal oli neid teatrites tööl viis, nüüd, pärast Kalev Tammini lahkumist, kõigest neli: Marje Metsur, Luule Komissarov, Tõnu Mikiver, Tõnu Tamm.

    Teose ülesehitus on lihtne ja loogiline: iga inimene saab rääkida oma lapsepõlvest, teatrikoolist, teatriaastatest;  need, kes on elukutset vahetanud, ka uuest “algusest”. Niisiis monoloogid, mida liigendavad koostajate delikaatselt suunavad küsimused. Kursusekaaslastest koostajate-küsitlejate kiituseks peab ütlema, et kõneluste siirus ja sujuvus jätab mulje, nagu oleks tegemist täiesti spontaansete, toimetajakäest puutumata monoloogidega  (ehkki see kindlasti nii ei olnud).

    Vormiliselt meenutavad kõnelused TMK “Vastab” rubriigi intervjuusid (ühtki selle lennu inimestest ei ole selles rubriigis seni küsitletud!), veelgi rohkem aga kõnealuse teatri ajaloos nii märgilisi Merle Karusoo elulugude lavastusi. Ehk siis: raamatu autorite dramaturgiline vaist on töötanud õigel lainel. Näiliselt kõige argisemad, ka korduma kippuvad lapsepõlvepildid (selle raamatu “kangelastel” siis valdavalt 1940ndate algus) või juhuslikuna mällu talletatud pisiasjad muutuvad järjestikku asetatuna kõnekaks, diskutaabliks. Igapäevase alt hakkab selginema olemuslik, tüüpiline, ühendav.

     

    Harjumatult Panso-kriitiline

     

    See ei ole “juubelitrükis” ega nostalgiliste fotode kogumik koos “kohustuslike” kaastekstidega (kuigi sisaldab rohkelt unikaalset fotomaterjali). Ühest küljest avameelne, mitte silmakirjalikult läbi lillede õhkav, ainult helget ja pidupäevast esile toov, teisalt on säilinud ka näitlejakutsega eeldatavalt kaasas käiv respekt. Probleemide üle, mis lahti kooruvad, saab kaasa mõelda ka see lugeja (k.a siinkirjutaja), kes pole oma silmaga näinud teise lennu teatritee nii lootusrikast algust ega isegi mitte suurt osa selle lennu inimesi mõnes lavarollis.

    Senise eesti teatriretseptsiooni taustal tundub raamat ehk harjumatult Panso-kriitiline. Siin ei tehta saladust sellest, et kõige imetlusväärse kõrval seostuvad paljudele oma õpetajaga ka jäikus, tähelepanu puudus, kõikehalvav kramp. Öeldakse koguni, et tollane lavakool oli “pisike käsitöökool, kus me omaette pusisime midagi”. Et Pansot huvitas rohkem eneseteostus kui teater tervikuna. Et teater loodigi rohkem Panso jaoks (“Meie olime nagu pudinad” etc.). Või sedagi, et mitme luhtunud lavasaatuse üheks “süüdlaseks” oli paradoksaalsel moel liiga tugev kursuse vaim (“Aga meie olime kõik nagu üks suur näitleja”). Muidugi ei otsita raamatus “süüdlasi”, vaid reastatakse rahumeelselt erinevaid seisukohti, lähenemisi, hoiakuid.  

    Igal juhul kinnitab teise lennu kogemus selgelt (valdavalt) samaealise, ilma loomuliku “verevahetuseta” teatritrupi problemaatilisuse teesi. Ainus võimalus selle elushoidmiseks oleks ilmselt tõeliselt võimas idee, mis hoiaks tahet üleval ka siis, kui esimene vaimustus on jahtunud ja maad on võtnud tervet truppi korraga tabanud tüdimus ja/või keskea kriis.  

    Võib-olla paneb nende näitlejamonoloogide lugemine oma seisukohta ümber hindama nii mõnegi, kes on seda elukutset seostanud impulsiivse, irratsionaalse inimtüübiga. Siit selgub, kui väga eeldab see amet ikkagi ka pidevate läbikaalutud otsuste vastuvõtmist. Läheb kolmas, neljas hooaeg ilma peaosadeta. On see normaalne? Kas ongi siin mu võimete lagi? Ei…? Kas viga on minus või kuskil mujal? Kas peaksin truppi vahetama? Mida see annaks? Kas peaksin end täiendama, midagi juurde õppima? Või leidma “oma” lavastaja? Kas tasub näitlejal ehitada oma tulevikku vaid ühe lavastajaga? Või pole see töö ikkagi mu tegelik kutsumus?

     

    Kas tasub näitlejakutsest loobumist liialt dramatiseerida?

     

    Mitme teatrist lahkunud näitleja edasine elukäik kinnitab, et ehk ei pruugiks näitlejakutsest (sunnitud?) loobumist liialt dramatiseerida. Teatris “üle” jäänud näitleja  eneseteostusvõimalused on palju laiemad kui klubijuhataja töö või koduüksindusse sulgumine. Näitlejakoolituse baasil on toime tuldud isegi nii (esmapilgul) teatrikaugete elukutsetega nagu insener või päästeameti logistik. Kõik nad väidavad nagu ühest suust, et ikka eluvõõraks, liialt spetsiifiliseks peetud näitlejaharidus on tulnud kõigis neis ametites kasuks. Ikkagi kõlavad selle raamatu lehekülgedel ka ülestunnistused stiilis: “Aastaid, võiks öelda, et terve elu kandsin ma kaasas unistust teatrist”. “Mul oli nii valus vaadata, kuidas teised mängivad”. “Need olid mu parimad aastad ja mul ei olnud tööd.” Mõtlema paneb ka see, et mitmedki neist, kes lavalt ammu ära, julgevad tun
    nistada, et võtaksid ka praegu rollipakkumise vastu. Aimame, et mitte kõik haavad, okkad, solvumised ei ole tänaseks tasandunud, mõned neist on vist määratud ka igavesti alles jääma. Vaevalt aga kahetseb keegi neist seda, et neil oli võimalus ühe nelikümmend aastat edukalt püsinud teatri alguse juures olla. Või mõelda korraks veelgi laiemalt – nagu ütleb Viiu Härm: “Ei ole ju niipalju tähtis, missugused näitlejad meist on saanud. Kas pole tähtsam see, missugused inimesed meist on saanud?”

    Paraku ei saa aga juttu sellest raamatust kokku võtta läbinisti tunnustaval toonil. Toimetajatöö on olnud nõrgavõitu. Vigu ja ebatäpsusi on sisse lipsanud rohkem kui soliidsele väljaandele kohane. Loomulik, et meenutaja mõne faktiga eksib, aga ebaloomulik, et need on jäetud korrigeerimata. Näiteks “vene Gailitiks” nimetatud autori nimi on tegelikul Galitš, “Romulus Suurest” kõneldes peab meenutaja ilmselgelt silmas Ardi  Liivese teatriteemalist näidendit  “Robert Suur”. Eduard Järsi romaani pealkiri pole “Külm on tuul”, vaid “Sõnad on aur”. Becketti “Õnnelikud päevad” ei ole mononäidend, Schisgali “Lavv-stoori” ei ole muusikal, opereti “Mister X” õige pealkiri on “Tsirkusprintsess”. Vigaselt on esitatud Bernard Shaw, Jerome Robbinsi, Johann Köleri, Betti Alveri, Ajtmatovi, Grotowski, Schisgali nimekuju.

    Kummastust tekitab ka isikunimede kommenteerimise printsiip. Vajalikuks on peetud  joone all selgitada, kes on Linda Rummo või Kaarin Raid, aga eeldatakse, et lugeja teab, kes on Mare Jõgeva, Terje Luik, Lehte Mark, Väino Uibo, Mari Urbsoo, Aleks Sats või Kalju Vaha, millised tuntud kultuuritegelased on Anni Kreemi vanemad või Viiu Härmi vend. Ka mõni teinegi koht tekstis vajanuks ehk abistavat kommentaari. Näiteks tunnistab üks meenutaja, et temagi tahtnuks proovida “Metspardis” Mari Lille osa. Aga millisest osast käib jutt? Või vihje Mati Undi näidendile “keiser Nerost”, mille tegemisest Kalju Komissarov loobus. Võinuks ju lisada, et Undi “Keiser Nero eraelu” tõi Komissarov 1990. aastal siiski lavale, 15. lennu tudengilavastusena, ka on näidendi tekst ilmunud Vikerkaares.  Väiksemaid ebatäpsusi on ka teose lõppu lisatud rollide nimestikus.

    Vähemalt selles osas tahaks loota, et järgmised lennud taipavad teise lennu kogemustest õppida. Järgmiste lendude “oma” raamatute puhul loomulikult.

     

  • Eestlased poetry slam?il Berliinis

     

    Asko Künnap

    3. augustil pandi toime järjekordne mõõduvõtmine Eesti ja Saksa poeetide vahel. Poetry slam?i tüüpi võistuetlemised on viimase aasta jooksul Eesti kirjanduskuulajale päris hästi tuttavaks saanud, seekordne üritus toimus siiski Saksamaa pealinnas. Kohtumispaigaks Literarisches Colloquium Berlin, maja, mis sealsele huvilisele vahest sama tuntud kui meil Musta Laega saal või Ku-Ku. Sakslaste meeskonna kaks liiget Wehwalt Koslovsky ja Toby Hoffmann on varem Eestis slämminud, Felix Römeril ja Micha Ebelingil tuleb see tee alles jalge alla võtta. Eesti keelt asetasid võõramaalaste kõrvadesse Triin Soomets, fs, Asko Künnap ja viimasel hetkel tõvevoodisse langenud Jan Kausi asendanud Karl Martin Sinijärv. Ühtlasi õnnestus Eestist paariks päevaks kaasa paluda ka vihm, mis oma sadamisega nullis vabaõhuetenduse ja surus küllaltki rohkearvulise publikumi siseruumidesse. Vihma mõjul hakkasid Wannsee-äärses pargis põõsastel kasvama banaanid, ette kantud kirjanduse mõjul mähkis rohkearvulise publikumi ja esinejaskonna enesesse enneolematu rahulolutunne.

    Nagu slämmil kombeks, päädis poeesimine hääletusvooruga. Numbrite kokkulugemise järel selgus, et kõige kuivema nahaga ujus tumedast sõnajärvest välja Asko Künnap, esikoht hambus. Etlusvoorus sekundeeris talle tõlgete ja muu saksakeelsusega isand Koslovsky. Üllad laulikud jagasid esikoha suuremeelselt pooleks ning kõik märgid näitavad, et seda rämedat paari võib kohata veel nii mõnelgi äkilisemal kirjandusüritusel. Jälgigem eelreklaami.

    KMS

     

Sirp