Warning: Trying to access array offset on false in /data01/virt42511/domeenid/www.arendus.1kdigital.com/kultuuriveeb/htdocs/wp-content/plugins/page-scroll-to-id/malihu-pagescroll2id.php on line 414
humanitaarteadused – Sirp

humanitaarteadused

  • Tímea Karkissi näitus “Mosaiigimaagia”

    Olete oodatud Tímea Karkissi näituse “Mosaiigimaagia” avamisele Ungari Instituudis (Piiskopi 2, Tallinn) neljapäeval, 7. veebruaril 2013 kell 17.00

    Tímea Karkiss tutvustab oma töid järgmiselt: „Oma mosaiikide ladumisel kasutan rooma- ja bütsantsiaegseid tehnikaid – mosaiigid valmivad käsitsi murtud kividest ja klaasist. Tegu on looduslike materjalidega, mis on kunstiteoste loomiseks väga sobilikud ning mida saab vabalt kokku segada. Mosaiik ei ole pelgalt ilus, vaid ka isiklik ja omanäoline.” Mosaiikide loomine nõuab kannatlikkust, vastupidavust, planeerimist ning kingib lõpuks piiritu rõõmu ja uhke lõpptulemi.

    Kunstniku meelest ongi mosaiigikunst elusa ajaloo kehastus. „Mosaiik sobib kõikjale, alates pisikestest esemetest tohutusuurte hooneteni. Tuleb lihtsalt valida õige materjal ja tehnika. Väga olulised on põhjalikud teadmised, mis seovad ühte mineviku ja tänapäeva pildimaailma.”

    Näitus jääb avatuks 1. märtsini 2013

  • Paus

    Esmaspäeval kõnelesime Eesti Ekspressi toimetuses Jakob Karuga ühe kultuuriajakirja kokkutõmbumisest ja toimetajate tüdimusest. Kuidagi spontaanselt tuli mul üle huulte: ärge tõmmelge iga hinna eest, pidage parem paus. Sest ajakirjad ja ajalehed on täis ikka samade inimeste kirjatükke, mida on toimetanud samad inimesed. Ja et tegelikult  ei sure eesti kultuur ära, kui üks ajakiri aasta aega ei ilmu. Iga päev pannakse kinni firmasid, poode ja mida kõike veel. Iga päev leian mõne uue akna, millel on silt „Oleme suletud”. Aga selle kõrval üsna tihti ka teine teade: „Avame poe uuesti aadressil XX”. Ja samal päeval loen lehest õpetusi ja soovitusi, kuidas kohe jälle otsast peale hakata. Muidugi tähendab sulgemine töötuks jäänud inimesi ja nende tragöödiat. Aga ikkagi tahaks öelda: ärge hakake jälle kohe peale. Tehke paus. 

    Mida kaugemale Internetti kihutab meedia, seda kõvemaks läheb ta kisa. Sest suures kihisevas ruumis pole võimalik ennast muidu kuuldavaks teha. Aga Interneti lõputu ja kõigile avatud avarus on toonud kaasa ka midagi muud: pidurdatamatu sõnavoolu, kõnelemise mitte millestki. Kui küsida netiajakirjanikult, miks sa seda kõike kirjutad, siis saad vastuseks, et info jõuab netti niikuinii. Ja parem on, kui meie oleme esimesed. Tulemuseks on see, et kirjutatakse asjadest, millel pole mitte mingit uudisväärtust. Millel pole üldse mingit väärtust. Need on meediasündmused, mis  sünnivad selle läbi, et kirjutatakse. Aga kui paberajakirjanduse ajastul sünnitati niiviisi vähe ja elevante, siis lõputus netis sünnivad eeskätt hiirte hordid. Nii võib sellele, mis toimub eesti Internetis, panna praeguseks sama diagnoosi, mille sai Smuuli polkovniku lesk: nihilissimus acutus ja logorrhoea gradus gravis.

    Äkki võiks lihtsalt vaikida viie mõttetu vene marurahvuslase või kahe mõttetu soome antifašisti pisitegemistest? Sest ilma netiajakirjanduse ulgumiseta ei ole neid lihtsalt olemas. Nett on nagu tähistaevas, mille lõputus avaruses plingivad pisikesed nimetud tähed, ainult sügavat metafüüsilist rõõmu neist ei teki. Pidage pausi ja vaadake pigem ehtsat taevast. Muuseas, on silmaga näha, kuidas aastasadu peksa saanud eestlased oskavad kriisis tõmbuda otsekohe oma vana eluviisi juurde, kus poodi asendas naturaalmajandus ja poolpiduste roheliste pseudoloodushoidliku mõtteviisi asemele astub vana tõeliselt roheline mõtteviis, mis teeb laualinast käterätikuid ega viska kuivanud leiba ära. Ei aita midagi kõigi majandusteadlaste vaikne sundimine, et tuleb aina edasi tarbida, sest ainult see veab majanduse uuesti  käima. Ei, suur osa eesti tarbijaid on võtnud asja ette ja peavad tarbimises pausi. Aga tegijad ei kavatse midagi sellist teha.

    Ma olin sel aastal kirjanduspreemiate žüriis. Tuli läbi lugeda hunnik kirjandust, suur osa sellest rõõmuga. Proosapreemia sai Mari Saadi lühiromaan „Lasnamäe lunastaja”. See on tekst, mille lause liigub pealispinnal kergelt ja lõdvalt, meelitades lugeja lugu jälgima. Lugu, milles elab moodne maailm oma raha ja prostitutsiooniga. Aga samal ajal hakkab sind piinama ja edasi vedama sõnulseletamatu  ärevus, mis õhkub lausete pinna alt. Arusaam, et see kõik pole see, et midagi on õhus. See ärevus sunnib sind lugema nobedalt liikuvaid lauseid aeglaselt, lastes ennast nendest vaid õrnalt puudutada. Ja siis näed, kuidas õrnast keelepuudutusest on äratatud ellu see maailm, kus on olulised igavesed probleemid hinge ja keha, jumala ja lunastuse kohta. Raamatust ja selle lugemisest saab paus.

    P.S. Paus pole vaikus. Paus sisaldab alati ootust selle järele, mis on tulemas. Paus pole mõtlemise koht. Paus on asjade üle mõtisklemise koht. Neil tegevustel on vahe. 

  • Luciferi langus ja Kristuse veri

    Usutunnistus uuel hommikul. (Illustratsioon Uku Masingu luulekogule “Neemed Vihmade lahte”.) 1959, monotüüpia, EKMi kogu.

    Valu teel. (Sarjast “Reekviem”.) 1983, kuivnõel, EKMi kogu.  

     

    Herman Talviku näitus Adamson-Ericu muuseumis kuni 11. III.

     

    Kuidas teha suhteliselt kitsais ruumes võimalikult mahukat näitust võimalikult hästi? Paigutada kahe ruumi seintele 63 Herman Talviku teost, nii maale kui graafikat? On üks võimalus. Nimelt kutsuda näitust kujundama Tiit Jürna. Seda võimalust ongi näituse koostaja Kersti Koll kasutanud. Kuskilt ei mõista kinni hakata. Kui ainult, siis äärmiselt tihendatud ehitusega sarjast “Reekviem”. Säält võtaks küll ühe lehe vähemaks, et hingamisruumi anda.

    Iseasi muidugi, kui läheneda kogu Herman Talviku ainele hoopis teise nurga alt. Ega alati ei olegi muuseum suutnud seda mahutamise dilemmat lõpuni lahendada, kui on tahetud võtta maksimumi. Ja ruumi surve on jäänud painama.

    Tagumine peasein on kokku pandud nii, et Herman Talviku värvipalett pääseb mõjule tervikaltarina, justkui ainsa maalina. Põletava intensiivsusega maalid (peamiselt akrüülid 1970ndaist) keskosas ja kustutatumad monotüüpiad (peamiselt 1950ndaist) külgedel. Üksikteoste mõju on teadlikult taandatud ja sulatatud tervikusse. Nende kogemine ja analüüsi võimalus eraldi jääb teisejärguliseks.

    Herman Talviku värviloomes on justkui kaks elavat keset: põlev põõsas, mis põleb alati, ja Kristuse veri, mis voolab alati. Kaugelt murravad ennekõike esile intensiivsed sinised-punased-kollased. Lähemal vaatlusel hakkavad kaasa kõnelema roosad, rohelised ja lillad. Liiga toores, liiga värske on see punane, liiga räige kollase ja punase kokkulükkamine, võib selle pääle kosta mõni Pallase juurtega mees või naine. Herman Talviku seadet keskendab, seob ja põhjendab aga seesmise äratundmise kirkus. Äratundmine juhib värvi, mitte värv äratundmist. Kunstnik on leidnud graalikarika, mis ei saa kunagi tühjaks. 

    Peateemaks kasvavad praeguse näituse maalides ja graafikas kaks tungi, kaks jõudu: Luciferi langus ja Kristuse tõus. Erilise tähenduse saavutab ses suhtes ja juhatuse tulevikku annab värviline monotüüpia 1940ndate algusest, paigutatuna peaaltari vastu. Rusketes-punastes toonides langevat inglit saadab tema helendavkollane vari ehk peegeldus.

    Mõnikord kohtuvad nood jõud samas teoses. 1980ndate alguse hilissarjas “Reekviem” (kuivnõel) paistavad üksteisest läbi taeva ja põrgu sfäärid. Murduvad valgusvihud takerduvad mälurägastikesse.

    Herman Talviku loomingu tippe on ilmselt tema monotüüpiatehnikas mustvalged illustratsioonid Uku Masingu luulekogule “Neemed Vihmade lahte” (1959). Neis on vastukaaluks maalilisele pillavusele välja puhastatud kõik ülearune, kujutlus on abstraheerunud hiero­glüüfiks. Kokku saavad kaks suveräänset loojat, kellel on põhilises ühine hingamine ja rütm. Talvik ei illustreeri, ta on, ta kõlab Masinguga kokku teisel tasandil.  Omal kombel valmistavad seda väljapuhastatud poolust ette Herman Talviku varased värvimonotüüpiad oma lagedamate pindade ja laialipillatud ristimärkidega. Neis on haakumisi vana Kristjan Rauaga. Koostaja valik on välja toonud Herman Talviku ainulaadsuse eesti kunstis, tema sisekaemuslikud maalid, monotüüpiad ja graafilised lehed mitmes, nii kõrg- kui sügavtrükitehnikas.   

    Kui nüüd antaks aega ja võimalust teoseid kõrvutada, oleks kiusatus võrrelda tema loomingut eri aspektist mõnegi teise paguluses töötanud meistriga: maalilist struktureerimist ja üldistamist Olev Mikiveriga, graafilist ehitust ja joone liikumist Arno Vihalemmaga, religioosseid teemakäike Agathe Veeberiga, värvijõu rakendamist Eduard Rügaga, sisekaemuslikkust Jaan Grünbergiga.

    Herman Talviku lesk Irma Talvik väljendus näituse avamisel: “Hermanil oli vahekord kunstiga väga lihtne. Tema jaoks oli kunst püha asi ja see tegi ta vabaks kõigist muudest küsimustest.” Herman Talvik oli selles mõttes Rootsi pagulaskunstnikest lähedane Jaan Grünbergile. Ka tema ei põdenud selle pärast, kas ta saab vähe või palju esineda, kas Rootsi tihti enesesse sulgunud ja enesega piirduv ühiskond teda mingil moel tunnustab või mitte. Sest see ei olnud peamine. Peamine oli aruand iseenda ees, pühendumine kutsumusele. Looming on olnud Herman Talviku paopaik mitte üksnes paguluses, vaid maailma kõiksuses. 

     

     

    Paguluse kestmise seadus

     

    Herman Talviku sajandale sünniaastapäevale pühendatud näitus teravdab üht valusat küsimust, mida puudutas Leonhard Lapin 2. veebruari Sirbis. Ülim aeg oleks meil oma ülbusest üle saada ja tühistada seadus pagulaskunstist kui teise järgu kunstist. Samuti selle seaduse rakendusseadus: pole enam kunstnikke, pole ka probleemi. Tolle veneaegse seadusega avangardi peegelmaastikel enam kaugele ei libise. Meie kunstiloo tervikkäsitluse on see mälupidurdus juba lombakaks muutnud. Üksiknäitustest ja üksiküritajate tööst jääb ilmselgelt napiks, et tekitada mingisugustki üldistust. Usun, et ei tee kellelegi liiga, kui sedastan, et meie kunstiteadlaste seas ei ole praegu ühtki, kes võiks südamerahuga kinnitada, et tal on selge pilt ja ülevaade meie pagulaskunstist. Ja et sellist inimest või inimesi ikka veel ei ole, see olukord on juba talumatu. Oleme iseendalt ära võtnud mitmekordse peegelduse, enesepeegelduse ja tagasipeegelduse ahvatlevad võimalused. Meie kunstilugu pakub selleks ainukordse juhuse. Iga aasta mahamagamist eesti pagulaskunsti uurimises on möödunud ja möödub korvamatute kadudega.

    Tiina Abeli koostatud, seni ainsam ülevaatlik katse pagulaskunsti esitamiseks 1994. aastal Rüütelkonna hoones oleks võinud saada otsustavaks sissejuhatuseks teemasse, aga jäi paraku hüüdjaks hääleks kõrbes. Nüüd on kõik juba mitu korda keerulisem ja kulukam. Uurimistööd ei asenda toredate ja rikaste inimeste külastamine maailma eri paigus ning looduskaunite kohtade nautimine. Peamiseks jääb teoste nägemine.

    Näitus “50 aastat eesti kunsti eksiilis” oli algus, millele pidanuks järgnema põhitöö, mille tulemused omakorda oleksid kujundanud Kumu püsiekspositsiooni. Hellitasin kõik aeg unistust, et nüüd ometi kord, lõppude lõpuks, avaneb võimalus näha kõrvu eesti kunsti, mis loodi samas ajas paguluses ja kodumaal, põranda all ja põranda pääl. Ja asjad hakkavad iseenda eest kõnelema ning kunsti ei asendata enam pelkade kontseptsioonidega.  

    Täna kell 16 esitletakse Adamson-Ericu muuseumis näituse kataloogi.

  • „Sõjamuuseumi Filmipäevik” esitleb – „Vabaduse väljak vabaks”.

    Koostöös ettevõttega Ad Oculos Film jõuab Eesti Sõjamuuseumis 9. veebruaril kell 16.00 huvilisteni Tallinna peaväljakust valminud dokumentaalfilm „Vabaduse väljak vabaks” (2009). Linateos annab ülevaate Vabaduse väljaku ajaloost läbi aastakümnete, peatudes riigi esindusväljakut vorimnud huvitavamatel sündmustel. Filmi juhatab sisse arhitektuuriajaloolane Mait Väljas, kes annab ülevaate Vabaduse väljaku ideest, kujunemisest ning ajaloost.

    Vaatajate ette jõuavad jäädvustused kunagisest Heinaturust Harju väravate ees, millest 1910. aastal sai koos tsaar Peeter I monumendiga Peetri plats. 24. veebruaril 1919. aastal sai siit alguse Eesti Kaitseväe paraadide ajalugu. Eesti Vabariigi esimesele sünnipäevale pühendatud paraade peeti mitmes Eesti linnas, kuid nendest tähtsaim oli paraad toonasel Peetri platsil, millest võttis osa ka pea- ja sõjaminister Konstantin Päts. 1922. aastal võeti Peetri ausammas maha ning Tallinn sai endale Vabaduse platsi. Esimesed filmikaadrid sellest pärinevad 1922. aasta 24. veebruarist, kui Vabaduse platsil annetati sõjakangelastele Vabadusriste.

    Vabaduse plats kujunes 1920. ja 1930. aastatel linnarahvale oluliseks avaliku ruumi osaks, kus korraldati mitmesuguseid üritusi ning tähistati riigi tähtpäevi ja rahvuslikke pühi.1930. aastatel nimetati Vabaduse plats ümber Vabaduse väljakuks ning sellest perioodist pärinevad veel tänapäevalgi väljakut ääristavad ehitised nagu Kunstihoone ja hotell Palace.

    Pärast Eesti okupeerimist marssisid üle Vabaduse väljaku mitme armee sõdurid, paraadide korraldamine jätkus ka peale II maailmasõda. Siis sammus jube uue nimega Võidu väljakul Nõukogude armee ja kohustuslikud töörahva demonstratsioonid 1. mail ja 7. novembril. Peale taasiseseisvumist sai väljak tagasi oma endise nime ja taas kerkis esile 1920. alguse saanud Vabadussõja võidusamba püstitamise idee.

    Režissöör Peeter Brambat on dokumentaalfilmis „Vabaduse väljak vabaks” on koostanud omamoodi mosaiigi, milles põimuvad Vabaduse väljaku minevik ja olevik, arhitektuuri ja avaliku linnaruumi planeerimise ajalugu ning väljaku uuendamisega seotud spetsialistide (arheoloogide, arhitektide, poliitikute, muinsuskaitsjate ja skulptorite) nägemused.

    Sissepääs filmiõhtule on tasuta.

    Kohtade arv on piiratud. Võimalusel palume oma osavõtust eelnevalt teatada e-posti aadressil: film@esm.ee või telefonil 55 656 354

  • Roosid, kartulid ja tulevik

    Tuleviku ja maailmapildi seos

    Reclami rahvakirjastuse teatmik „Ajalooteaduse leksikon. Sada põhimõistet” (esitrükk 2002, järeltrükk 2007), mis pakub oma nimeka autorkonnaga tegelikult maksimaalset teaduskultuuri väikevormis, juhatab ajaloohuvilise tuleviku mõiste juurde järgmiselt. „Tulevikuks nimetatakse ajaloo tulevat aega. Kõnelemine tulevikust eeldab seisukohta olevikus, millest lähtudes ajalooline pilk suundub nii tagasi minevikku kui ka ette tulevikku.  Niivõrd on ta tihedalt seotud kujutlusega ühest kõikehõlmavast, homogeensest ja lineaarsest ajast. Selles mõttes on „tulevik” – samuti nagu ajalugu – olemas üksnes ainsuses, vaatamata tõsiasjale, et igal kaduval olendil on igal ajahetkel tema oma tulevik. Kuna tulevik seostub nimelt subjektiivselt igakordse olevikuga, lõikub möödunud tulevik objektiivselt olevikuga ja tulevikulise minevikuga.” Nende ridade autor on XX sajandi teise poole mõjuka ajalooteoreetiku R. Kosellecki õpilane Lucian Hölscher, kes on jätkanud õpetaja kontseptsioonilist tööd ka raamatuga „Tuleviku avastamine” (1999). Tsitaat  on siin esitatud peamiselt näitena selle kohta, kuidas alustab tuleviku mõiste iseloomustamist teadusliku ajaloo paremikku kuuluja, teadlane, kelle kohus on vahendada ühiskonnale ajalooteaduse maailmapilti. Ajaloolist mõtlemist teatud kultuurivormi resp. päritolukonteksti avaldusena käsitledes, nagu on teinud historismiloolane Gunter Scholtz oma lühiuurimuses „Maailmapildid ja tulevik” (1991), eristades tulevikku suhtumist vastavalt religiooni, filosoofia ja teaduse maailmapildis, saame kolm võtmemõistet: prohvetlus, utoopia, prognoos.

    Ometi tundub, et etteteadmise jumalikkus, etteaimamise inimlikkus või ettenägemise teaduslikkus on nende mõistete kaudu seotud peamiselt kollektiivse (rahva, kogukonna või ühiskonna) saatusega, mitte individuaalse perspektiiviga. Erinevus kollektiivi ja indiviidi tuleviku palja antuse teatavaksvõtmise vahel on terav. Tulevik („ajaloo tulev aeg”) on meile antud võimalikkusena, mitte tegelikkusena, ja tulevikult me ei oota enam (nagu usuti enne „modernsust”), et kõik oleks selles võimalik. Ajaloo tulev aeg, mõtteliselt haaratuna, ei näi nüüd-hetkest olevat veel mitte kellegi aeg, ent siiski on, see on lõppev aeg kõigi nende puhul,  kes vastavalt oma sünniajale teavad, et nad ei saa keskmise eluea ülempiirist kauem elada ja peavad maailmast lahkuma. Nendele inimestele ei ole kaugem tulevik midagi muud kui teistele jäetav maailm, poeetiliselt öeldes, surematutele jäetav maailm, kui siin pöörduda Hölderlini 1790. aastail kirjutatud „Hyperioni” poole. Teoses (1. raamatus) reserveerib autor tänapäeva mõistes inimese esimesele elueale eksistentsilise eelisseisundi, lapse seisundit maailmas iseloomustab veel oma lõplikkuse teadvustamatus: „Ta on surematu, sest ta ei tea surmast midagi”. Kuid ka see vaid kronoloogia järgi ammuaegne  ütlus mahub baltisakslase Reinhard Wittrami futuroloogiakriitilise kujundiloome raamidesse. Wittrami artikkel „Tulevik ajalooteaduse küsimuseasetustes” (1965) mängib ajaloos kõigi osaks jäävate „maskeeritud tulevike” ideega. Esiteks reedab läänesaksa ajaloomõtte kunagine juhtivteoreetik Wittram sellega omaenda religioosse, usutunnistusliku päritolukonteksti, sest väljend on tuletatud Lutheri ajalooteoloogiast (ajalugu kui „Jumala maskeraad”), mis tähtsustus talle 1930. aastail enne Baltikumist lahkumist. Teiseks osutab Wittrami näide, et täiskasvanu individuaalne ajalooteadvus võib modelleerida  tulevikku ühe põhiidee varal mitukümmend aastat ning arvestusega, et ajalugu kulgeb edasi ka ilma temata. Luterliku teoloogia funktsioon on tulevase aja suhtes kahene: see julgustab inimest astuma usu toel vastu tundmatule tulevikule, aga tuleva aja tundmatusega, millesse peab usuga sisenema, ka provotseerib inimesi ennustama. Küsimus on, et kui päritolukontekstid ajaloomõtlemises tegelikult põimuvad, kas siis uuemast ajast ei võiks leida kultuurilooliselt haruldasi tulevikuvisioone, kus teatud määral ja suhtes eksisteerivad koos prohvetlik, utoopiline, prognostiline  element? Ning kas seejuures pole õieti tegemist ajastuomaselt kultuurilis-poliitilises vormis esinevate ennetusteadvuse juhtumitega, mille erilisus on veel selles, et visiooni tekketingimustesse kuulub autori (kirjaniku, luuletaja, mõtleja) spetsiifiline, tavalist-rutiinset ajakulgu läbi elava „reainimese” omast mitmeti erinev ajatunne? 

    Prohvetlike ennustuste kirjanik

    Moodsa kultuurifilosoofia alusepanijaid Ernst Cassirer on ühes  oma viimaseks jäänud töös, Thomas Manni Goethe-romaani („Lotte Weimaris”) käsitluses märkinud: „Ajal ei ole kirjanikule seesama struktuur, nagu on asi argipäeva elus. Selle tulek ja minek, selle püsimine ja viibimine järgib teistsuguseid, raskestiseletatavaid ja -mõistetavaid seadusi.” Goethe-keskne tähelepanek on ajaloolasele märguanne, et loovkultuuris on tõepoolest ajatunde erijuhtumeid. Neidki, mis panevad nagu Heinrich Heine (1797−1856) puhul vaatlema, kuidas poeet, kes ütleb iseenda kohta „näen ette” ja mõne ajaloolise isiku kohta „aimab vaimus”, suudab oma kujunditega tulevikku peegeldada. Kuigi Heine armastas vahel müstifikatsioone, on tema prohvetluses tegu ajaloofilosoofia valda kuuluvate spekulatsioonidega pärast ta enda arvates Goethega lõppenud „kunstiperioodi”. Heinel väljendavad aimdused „siseaja” suhet „välisaega”, kirjaniku (lootvat või kartvat) suhet teatud sotsiaalajalooliste arenguteede võimalikkusega. Enda sõnul Pariisis „maapaos” olnud, kokku 25 aastat võõrsil elanud Heine on eriline ka angažeerituse poolest (Sartre’i termini mõttes). Nagu ei ühelgi teisel ajastu autoril, oli tal nii sümpatiseeriv kui arvustav isiklik kontakt kolme edaspidi XX sajandit tuntavalt  mõjutanud liikumisega: sänsimonismi, hegelianismi ja marksismiga. Heinet on nüüd nimetatud XIX sajandi esimese poole saksa kirjanikest kõige moodsamaks, sest ta vastab kriitilise intellektuaali kuvandile, ka oma programmilise seisukohaga, et literaat on ühtlasi „kunstnik, tribuun ja apostel”. Sellel hoiakul olid kahesugused, omavahel seotudki tagajärjed: Heine tõstis ajaleheartikli kunstiteose tasemele ning võitles pidevalt mitmeastmelise tsensuuriga. Nagu teada, on Heine arvel palju tulevikunägemustena käsitletud visioone, neist kuulsaim on holokausti-ennustus draamas „Almansor” (kirjutatud 1820/21).  Kristluse ja islami usukonfliktis põletatud koraani asjus laseb Heine ühel oma tegelasel öelda: „See oli eelmäng vaid, seal, kus põletatakse raamatuid, põletatakse lõpuks ka inimesi”. (Ei tarvitse lisada, et natsistlikul Saksamaal põletati Heine teoseid, teisaldati ja sulatati tema mälestusmärke, lisada aga tuleb, et mõned natsijuhid olid varem olnud Heine austajad.) Goethet luulekunsti ja Napoleoni koodeksite pärast austanud vabaduskirjanikul oli reinimaalasena sisuliselt kolmene (juudi, saksa, prantsuse) rahvuslik-keeleline identiteet, ent loojana kirjutas ta ainult „filosoofia- ja laulurahva” ehk saksa keeles. Lauldav  Heine on oma isiksuse salapärast hoolimata eestlastele tõlgetemuganduste kaudu ammu tuttav, ka Eesti NSVs tähistati poeedi 100. surma-aastapäeva mahuka köitega. Meie Heinepilt kandis aga pool sajandit ühekülgse marksistliku kirjanduspoliitika pitserit, jättes oma jälje kollektiivsesse teadvusse. Jälje, mis takistab lähiajaloo õpetajal esitada küsimust: kas Heine ei tajunud sotsiaalteooria ja poliitilise praktika ehk „filosoofia teostamise” ohtlikku vahekorda Marxist sügavamalt, humaansemalt? (On tõsiasi, et sotsialismileeri ofitsiaalses kultuuris oli Heine looming „progressiivne” ja koolilektüürina  populaarsem kui kapitalistlikus lääneilmas.) Heinet XIX sajandi ajaloo kontekstis teistmoodi näha, temas ideeajalooliselt kas Nietzsche või Freudi eelkäijat näha oli mõeldamatu, sest ta poliitilises luules otsiti „marksistlikku teksti”. Seevastu tänu Klaus Brieglebi välja
    andele („Kogutud teosed”, 1968−1976) käivitunud Heine-renessansist alates on ta maailmakirjanduse suurus ning, mis parata, 2000. aastaiks juba sama hästi kui ajalooturunduse ja kommertskunsti objekt. 

    Igal juhul ei otsusta tema ühiskondliku maine üle enam olupoliitikud, need, keda ta kahtlustas alati rikutuses, mis on esmapilgul üllatav autori kohta, kes ise deklareeris söakalt oma politiseeritust. Heine printsiip 1837. aastast („mina olen kunsti autonoomia poolt”), mille järgi kunst on iseendale eesmärk, mitte religiooni ja poliitika ümmardaja, ei taha küll lubada esteetilise  vaimu allutamist organiseeritud võimule. Poliitika ehk Heine sõnul „suur vabaduse teadus” täitis tema kui varase inimõiguslase silmis oma otstarvet ainult siis, kui see teenis igakülgset (sh hedonistlikku) emantsipatsiooni. Eesti Heine-retseptsioonile XX sajandil tagasi vaadates ei saa jätta mainimata August Sanga (1914−1969) panust sellesse autori, koostaja ning tõlkijana läbi nelja kümnendi, sealhulgas Heine ühe tippteose, „Saksamaa” poeemi eestindajana (esitrükk 1946. aastal). Näib, et tema algatusel eestindati ka vahetult Hegeli surma järel ilmunud meistriteos „Religiooni ja filosoofia ajaloost Saksamaal” (kirjutatud 1833/34). Uuema saksa mõtteloo tõlgendamisega Lutherist Hegelini avaldas teos üsna märkimisväärset mõju noorhegeliaanide põlvkonna küsimuseasetustele ja tegi viimaks Heinest endast noorhegelianismi algkuju. Nii on see teadlikult kirjanduslik, populariseeriv tekst, mis oli adresseeritud samaaegselt kahele täiesti erinevale (prantsuse ja saksa) lugejaskonnale, „pikaks XIX sajandiks” (1789−1917) nimetatud perioodi ideeajaloo üks võtmetekst, ja seda laadi tekste on eesti keelde tõlgitud vähe. (Paraku on tõlkefakt kultuurilooliselt vaadates poolik, sest mainitud teosega  kuulub Heine proosas lahutamatult kokku seni eestindamata „Romantiline koolkond”.) Tõsi, kirjandusteadlane Bernd Kortländer on oma soliidses monograafias „Heinrich Heine” (2003) teose lõpuosa kohta öelnud: „Tekst lõpeb selle kuulsa saksa revolutsiooni prohvetliku ennustusega, mille apokalüptiline kõrvaltoon paneb tagasivaates XX sajandi ajaloole eriti õudust tundma.” Juhtiv Heine-uurija peab muidugi silmas natsionaalsotsialismi ajajärku. Kuid juba kõnesoleva teksti eelloosse kuuluvas „Sissejuhatuses” Robert Wesselhöfti brošüürile „Kahldorf aadlist” (1831) viitas Prantsuse 1830. aasta juulirevolutsiooni  entusiast Heine möödaminnes sellele, et revolutsiooni iseloom võib olla kahene: terroristlik ja humanistlik.     

    Juhtumite ajalooline  hermeneutika

    a) Esimene prohvetlus: mõte ja tegu     

    Euroopa revolutsiooni õhutaja Marxi sõber ja arvustaja Heine ei näinud oma 1844. aasta kuulsas poeemis „Saksamaa. Talvemuinasjutt” ette Lenini 1917. aasta võimuhaaramist Venemaal,  ehkki Plehhanov oli teose I peatükist (nn Heine utoopiast) lugenud välja töölisliikumise manifesti. Pealegi ei käsitlenud autori poolt „reisieeposeks” nimetatud värssteos üldse mitte Vene, vaid Saksa olusid, tehes seda ajaloolis-satiirilise kriitika vormis. Lisaks kõigele osales Marx poeemi editsiooniloos ja pidi selle ajalehevariandile kirjutama eessõna, seni teadmata põhjusel jäi autori palve täitmata. Poeemis (VI peatükis) mõistukõneliselt „koduvaimu” ja „kirvemehe” hoiatuskujundiga kirjeldatud olukorda hakati uuesti tajuma endelisena siis, kui sai teatavaks stalinismi kuritegude ulatus (publikatsioonid Lääne-Saksamaal),  aga samas kinnistus neostalinistlik režiim („uuel” Saksamaal ehk Saksa DVs). Heine teose kirjandusloolise tõlgenduse kõrvale tekkisid aktuaalpoliitilise sihiga käsitlused. Wolf Biermanni kunstiline adaptatsioon („Saksamaa. Talvemuinasjutt”) ning Hans Mayeri filosoofiline motiivilugu („Heinrich Heine ja saksa ideoloogia”), mõlemad 1970ndate algusest, on sellise retseptsiooni klassika. Traditsiooni jätkas kriitilise marksistina üle-euroopaliselt tuntud sotsioloog Oskar Negt, kes Stalini paljastamise ajal oli tudengiealine nooruk. Kui ta, 1992. aastal ühes artiklis („Karl  Marx aastal 1991”) nõukogude tüüpi totalitarismi poliitilist metslust meenutades tsiteeris ohtralt Heinet, oli talle just ajalooline kogemus see, mille valguses luule omandas ennustava jõu. Heine VI peatüki ere tekstikoht kõlab (A. Sanga tõlkes) järgmiselt: „Napoleon tähtsate sündmuste eel / üht punast mehikest silmas, / ja samuti saatis ka Sokratest / üks deemon antiikmaailmas. // Ja minagi vahel, kui südaööl / töötan õhinaga, / üht sünget meest olen märganud, / kes seisab mu selja taga. // Ta hoiab midagi mantli all. / See sädeleb võikal virvel, / ja avaneb hõlm, siis kuju on sel kui kirvel, kui timukakirvel.” Edasises,  poeetilise „mina” ja „vaimu” kõneluses ning unenäo-peatükis (VII peatükis) selgub, et alalise saatja puhul ei ole tegemist „mineviku tondiga”, vaid tuleviku nimel äraelatule („ebausu skelettidele”) hoopide andjaga. Saatja ütleb: „Ma olen praktik – tumm, kannatlik. / Ma selleks ilmun siia, / et kõike, mida sa mõtlesid, / teoks teha, täide viia. // Ja kuigi ka aastaid võib mööduda, / ma enne ei puhka kui seostan / teo mõttega. Me toimime koos: / sa mõtled ja mina teostan.” Sõna-sõnalt võttes kirjeldab Heine teoreetilise ja praktilise loomuse, mõtleva ja tegutseva poole, mina ja teisiku kooseksisteerimist inimeses. Antud juhul tuleks Heine poliitilist luulet lugeda ka tema filosoofilise proosa silmadega (O. Negt ei ole seda teinud). Tosin aastat varem, oma religiooni- ja filosoofialoo 3. raamatus, kirjeldas Heine mõtte ja teo vahekorda selle raamatu alguses piibellike („Mõte tahab saada teoks, sõna lihaks”) ja lõpus looduslike metafooridega („Mõte eelneb teole, nii nagu välk kõuele”). Enamgi, mõtte ja teo dialektiline koeksistents taandus Heinel siis teoinimeste ja mõtteinimeste seotusele ajaloos: esimesed polevat muud kui teiste „ebateadlikud käealused” (Heine tõi näiteks Robespierre’i ja Rousseau,  esimene oli teise „verine käsi”). Nüüdki, poeemis, annab poliitiline allegooria ärevaid signaale. Öine kõnelus luuleilmas on nimelt kantud ohutundest väljamõeldu (bukvaalses tõlkes) „tegelikkuseks muutmise” ees, ja, nagu proosateksti kaasates tundub, uuemas ajaloos üldiselt: mõtte ja teo vastuolu on Heinel ajaloolise universaali analoog. Heine ridade mõistmine endelise sõnumina omandab reaalajaloolise tähenduse veel teisiti, tema poeetiline kujund ajendab meid esitama küsimuse poliitilise loogika kohta. Eelkõige meie enda õnnetu lähiajaloo kõige vägivaldsema osa,  repressioonide ajaloo seisukohalt. Kas mitte juba Lenini mõtte taga ei olnud varjul Stalini teod? „Sa kohtunik oled, ma timukas, / kes teenritruuduse näide. / Ma saadan kõik su otsused, / ka ülekohtused, täide. […] // Kui liktor sul kirvega kannul käin / ja teen, mis tarvis teha. / Ma olen su mõtete tegu ja jõud. / Ma annan su mõttele keha.” Paari viimase rea eestindus on originaaliga võrreldes sõnaliiane, Heine ütleb lihtsalt – „ma olen sinu mõtte tegu”; s.t meie kontekstis – ideoloogia elluviija. Pärast bolševistliku revolutsiooni toimumist ja tegelikuks riigijuhiks saamist oli marksism („teaduslik sotsialism”) Leninile  eeskätt „marksistlik poliitika”, nagu ta seda ise ütles, s.t võimupoliitika, kui pidada silmas bolševike võimu laiendamisele ja tugevdamisele suunatud poliitikat. Selline asjade käik ei saanud rahuldada võimu enda humaniseerimise küsimuse üles tõstnud euromarksistlike teoreetikute gruppi („Kautsky ja Ko.”), keda Lenin armastas seada dilemma ette, kas marksism või liberalism, sest nende koeksistents polevat võimalik. Nüüd, 90 aastat hiljem, võime siiski tõdeda, et just see koeksistents on osutunud euroopalikus poliitilises kultuuris üheks kõige elujõulisemaks ideede partnerluse vormiks ja taastanud ka Marxi  poliitikakriitika vaimu. „1917. aasta” on kriitilisele lähiajaloole õppetund selle kohta, millest leninism kaugenes ning v
    iimaks loobus, ja millega see (eetikast kaugenemine ja loobumine) võib lõppeda. Lenin tegi proletaarse emantsipatsiooni ideest või õieti müüdist uue poliitilise keele ja nõukogude organisatsiooni abil nii kommunistliku ideoloogia kui sotsialistliku riigi telje. Nõukogude vabariigi lühiajalise juhina rõhutas ta vene revolutsiooni eriteed, oli poliitilise liberalismi raudne vastane ja sellisena kahtlemata üpris mitteläänelik liider („punane tsaar”). Lenin pani aluse antiliberaalsele marksismivormile ning võitlusele ühiskonna kodanlikustumise vastu kogu sovetismiajastuks.

    Vene eritee idees oli eos olemas Stalini sotsialismiehituse strateegia ühel eraldi võetud maal koos selle kodanike isoleerimisega välismaast, koos riikliku tsensuuri, poliitilise jälitamise ja vangilaagrite süsteemiga. Kes lihtsameelselt või hoopis salakavalalt küsib, kas küüditajate protsessid on tänapäeval ikka sallitavad, eirab „kirvega liktori” kui ajaloolise metafoori tähendust ega mõista läinud sajandil marksismi lavastatud klassisõja tragöödiat. Selle tragöödia juured, kui koos Heinele toetuva Negtiga öelda, on asjaolus, et liiga palju oli „timukasulaseid”,  s.t neid aktiviste, kellel mõtte ja teo vastuolu oli ähmastunud. Olgugi et tähtsad „marksismi” allikad jäid Leninile tundmatuks, omistas ta Marxile kui edasiarendajale ja lõpuleviijale keskse, globaalse tähenduse modernses poliitilises kultuuris, seda kultuuri aga võttis ikkagi ületatud nähtusena. Parteilise stalinismi kukutanud uutmine valis formaalseks lipukirjaks tagasipöördumise Lenini revolutsioonilise marksismi juurde (poliitiline loosung: „revolutsioon jätkub”), olles sisult, vastupidi, hoopis antileninlik, reformistlik marksism. Sotsialistliku impeeriumiga liidetud osastisriikides toimus uue revolutsiooni  nime all õieti kodanlik-demokraatlik restauratsioon. Heine kujunditega võiks piltlikult öelda, et seejärel (okupatsioonivägede väljaviimisega) vabaneti meie regioonis „punase mehe” hirmust, timukal võeti kirves käest, aga heineliku loogika järgi ei maeta poliitikas märgilist ähvardavat kirvest maha. Tema sõnum ajaloopoliitilise luuletajana („Kord Roomas ees käis kirvemees, / kui läbi linna läks konsul. / Ka sul on liktor kirvega, / kuid selja taga see on sul”) jääb küllap tänapäevalgi aktuaalseks kuulutuseks.     

    b) Teine prohvetlus: kunsti lõpp

    Vene bolševike eliidi noorema generatsiooni hulgas oli samuti üks suur Heine austaja, Stalini timukakirve all hukkunud Nikolai Buhharin. On huvitav, et tema ameerika biograaf Stephen Cohen on võrrelnud Buhharini kartust, et revolutsioonivõitlus võib hukutada Euroopa tsivilisatsiooni, Heine samalaadse kartusega. Cohen on pannud talle suhu isegi Heine tsitaadi (Buhharinit „vaevas kunstniku ning teadlase salajane hirm”). Buhharin kirjutas ka Heine mälestuseks väga asjatundliku teksti  „Heine ja kommunism” (1931), kus ta ütles tabavalt: „Heine oli kommunismi poolsõber-poolvaenlane”. Minu arvates on selle ütlejat ennastki iseloomustava ütluse tänapäevane vaste Heineuurimise sama leidlik konstruktsioon: Heine oli „esteetiline (anti-)kommunist”. Nende sõnadega võib sisse juhatada järgmise, Heine maailma- ja inimesepildile keskse, ent ajaloolise prohvetluse semantikale keerulise juhtumi. Eesti lähiajaloo kui okupatsiooniloo kontekstis pole Heine mineviku võtmeisik mitte sellepärast, et ta võitles koos Marxiga tsensuurivaba kultuuri eest, sobides nii haritlase vabaduspüüde  eeskujuks, vaid põhjusel, et Hegeli õpilased Heine ja Marx tegid hegelianismist eri järeldused. Heine oli poliitilise valgustuse sõdur oma ajalaulu moodi (luuletus „Doktriin”1842): Hegeli filosoofiat mõistnud „tubli trummimees”, kes äratab „rahva üles maast” (originaalis: „inimesed unest”). Eksiilis elanud Heine oli patrioot, „Saksamaa” poeemi eessõnas kutsus ta rahvuslasi üles isamaalust avardama, nõudes, et „must-punakuldne lipp” tõstetaks „saksa mõtte kõrgusele”, tehtaks „vaba inimsuse plaguks”. Heine niihästi sarnaneb kui ka vastandub Marxile. (Noor Marx ja Engels võtsid religioosse, filosoofilise ja poliitilise revolutsiooni ajaloolise genealoogia idee Heinelt, kes oli selleni jõudnud oma „maestrot” Hegelit tõlgendades.) Radikalist Marx nõudis aga „saksa mõtlemise”, Hegeli (riigi-)filosoofia ületamist ja pidas usku, „et filosoofiat saab teostada ilma teda ületamata”, poliitiliseks veaks. Heine elu viimaste, 1850. aastate autobiograafilisi tekste läbiv kommunismikriitika, mida on ekslikult tõlgendatud poeedi „antimarksistliku” hoiakuna, näib olevat abstraktne hoiatustekst. Pean silmas proosat, ennekõike „Testamenti” (ehk „Eessõna” „Lutetia” prantsuse väljaandele) ja „Pihtimusi” (lõplik pealkiri „Geständnisse” oleks  täpses tõlkes „Ülestunnistusi”).

    Heine suhtumine kommunismi oli tegelikult ambivalentne: ühelt poolt nägi ta selles omaenda positiivsele kultuuriväärtustusele vaenulikku jõudu, millesse suhtus „hirmu ja murega”, teiselt poolt oli ta valmis seda jõudu sotsiaalselt õigustama kui „tänapäeva ülekohtumaailma” vastast liikumist. Heine jutt roosidest ja kartulitest oli tema poliitilise semiootika oluline osa. Kolmas tunnusjoon Heine arusaamises kommunismi rollist oli üldine demokratiseeriv moment: ta vastandas kommunismi kui „absoluutse kosmopolitismi” tolle aja saksa „kitsale natsionalismile”. Oma publitsistikas kultuuride  vahendamisele rõhku pannud Heine on tõstetud kilbile euroideoloogias (Saksa-Prantsuse dialoogis), ajaloodiskursuses peab tema kommunismi-mõistet vaagima historismitundega. Heine tekst juurdus õieti varasemates, 1830. aastate elamustes ja aktualiseerus isikuloolise refleksiooni tulemusel. Nagu veenab juba germanist Leo Kreutzeri analüüs („Heine ja kommunism”, 1970), peegeldas see tagasivaade – halvatuse tõttu avalikust elust isoleeritud kirjaniku tekst – veel kord Heine „vana väitlust” ühe talle kunstnikuna vastuvõetamatu prantsuse tsivilisatsioonikriitika agiteeriva suunaga, nimelt  „väitlust russoistliku traditsiooniga kodanlikus jakobinismis ja proletaarses babuvismis”. Marxil (ja samuti ta partneril Engelsil) esinevaid tüpoloogilisi eristusi arvestades ei olnud Heine vastukriitika objektiks mitte niivõrd marksistlik sotsialism, kuivõrd utopistlik, võrdsustav kommunism. Täpsemalt, XVIII sajandi prantsuse varasotsialismi allikatega seotud babuvistlik õpetus, millest Marx lahku lõi ja mida ta 1840. aastail (nn Pariisi käsikirjades ja „Kommunistlikus manifestis”) korduvalt kritiseeris. Kuid võttes arvesse meie ajaloolist kogemust, XX sajandi toore kommunismi näiteid tsensuurist otsese hävituseni, eriti  niinimetatud sotsialistliku kultuurirevolutsiooni laastavat toimet mitmes riigis, oli sellel ettehoiatava funktsiooniga kriitikal oma tsivilisatsioonilooline mõte, mida Heine ka ise teadvustas. Tema 1854. aasta „Pihtimustes” (E. Jungi tõlkes) on muu hulgas öeldud: „Mu hirmul viimase [s.o kommuunse kommunismi] ees pole tõesti mitte mingit tegemist õnneseene hirmuga, kes väriseb oma kapitalide pärast, või jõukate töösturite pahameelega, kes kardavad, et neile kurnamistegevuses takistusi tehakse; ei, mind rõhub pigem kunstniku ning teadlase salajane hirm, kes me kommunismi võidus näeme ohtu kogu meie kaasaegsele tsivilisatsioonile, paljude aastasadade vältel nii suure vaevaga kättevõideldud saavutustele, meie eelkäijate õilsate jõupingutuste tööviljale”.

    Peaks olema selge, et Heine oli XIX sajandi keskel esimene maailmatasemega kirjanik, kes seadis tõsiselt üles revolutsiooni kultuurilise õiguse küsimuse. Engelsi 20 aastat hiljem „härraste” pilkeks kirjutatu („revolutsioon on kindlasti kõige autoritaarsem asi, mis on üldse võimalik”) erineb täiesti Heine murest. Heine tüüpi oli pigem Nietzsche oma valulise, aga ühtlasi ajaloolisele süüle mõtleva reageeringuga (juunis 1871) kuuldustele kommunaaride ajajärgu ekstsessidest.  Heine ei võinud kogeda nüüdseks möödunud
    punatulevikku, mis oli tema prestiiži suhtes kahepalgeline. Koos historiograafilise väitega, et jakobiinide ideoloogial ja praktikal oli 1920. aastate bolševismile suur mõju, tuleb aktsepteerida ka ajalooline fakt, et nõukogude võim tähistas Heine 75. surmaaastapäeva uhkelt, teaduste akadeemia piduliku istungiga (aprillis 1931). Natside võimuletulek Saksamaal ning Prantsusmaa okupeerimine lubas aga reklaamida Nõukogude Venemaad kui Heinele uue poliitilise varjupaiga andnud maad. Heine kommunismikriitikat ei vaikitud küll maha, sellele anti  parimal juhul lunatšarskilik interpretatsioon, mille järgi Heine oli lüürik, mitte poliitik ja mõtleja. Ehkki kultuuri nivelleerivate tendentside aimaja, eritleja ning vastustaja rollis ta seda viimast just oligi. Sovetism möönis babuvismi ajalooliste kriitikute mõtlejaõigusi alles karilejooksnud võimuna, 1990. aastal, aga ka siis apelleeriti pigem Marxile kui Heinele, kes selles küsimuses oleks esimesena meenutamist väärinud. Artistliku Heine peamure oli kunsti (nii kujutava kunsti kui muusika ja teatri) ning selle avalike institutsioonide (ta oli ka sagedane muuseumikülastaja) ühiskondlik saatus proletaarse  võrdsustava revolutsiooni võidu järel. Heine-uurijate ekspertarvamus kinnitab seda teesi: Kortländeri meelest oli Heine kommunismi-antipaatia aluseks tõesti kartus, et egalitaarne ühiskond on kunsti lõpp, Kreutzeri arvates on Heine vastumeelsus nagu mentaliteedimudel olukorraks, kus agitatsiooni mitte teenivas kunstis nähakse luksust. Ilmselt varasema, sotsialismiajal viljeldud ametliku pärandipoliitika tõttu ei ole meie kommunismijärgne patriootlik ajalookirjutus tundnud huvi selle vastu, kui arvustavate väljenditeni proletariaadi oletatava tulevikuvõimu aadressil („moodsad barbarid”, „sünged ikonoklastid”)  küündis Marxi sõbra Heine prohvetlus. Prohvetluse tähendust ei ammenda pragmaatiline nending, et see on teadmisväärne, aga kasutu tarkus, mis tuleb ühiskonnale tagantjärele. Heine sõnum rakendub autoriteksti moonutamata ka „kogu kaasaegsest tsivilisatsioonist” väiksemat mastaapi objektidele. Rakendub kultuurilise primitivismi „retsidiividele” (ajaloos korduvaile ilminguile), mis käivad sageli kaasas sotsiaalse askeesi nõudega, ent johtuvad ka sellest, et mingit õpetust hakatakse kohe ja vägisi „kehtestama”, olemata seda küllaldaselt mõtestanud. Pragmaatika kõrval mängib rolli veel teoreetiline kaalutlus. Asjaolu, et meenutuskultuur avab kunstivaenulikkuse ajalugu ka ennetusteadvuse aspektist, annab teadusele väikese tõuke paindlikumaks lähenemiseks tuleviku eelvisandite probleemile ajalooteadvuse struktuuris.       

    Ajaloo poeesia ja iroonia

    Väljendit, et maailma ajalugu on suurim poetess, on tsiteeritud lendsõnana, autorit nimetamata ja, mis siinkohal veel olulisem, sageli poolikult. „Maailma ajalugu on siiski kõige suurem poetess, ta on hakkama saanud isegi Heine parodeerimisega.” Nõnda alustas oma kirja Marxile (septembris 1870) Friedrich Engels. Kirja motoks olid valitud noore Heine 1819. aasta esindusluuletuse „Grenaderid” read: „Mis on minul naisest ja lapsest nüüd veel? / Suurem mure mu hingele langes. / Kui tunnevad nälga, las kerjavad teel! / Mu keiser, mu keiser on vangis.” (A. Sanga 1956. aasta tõlge.) Paroodia sünniks on vaja, et järgmine tekst saaks eelmisesse teksti suhtuda nagu selle stilisatsioon, jäljendav suhe varasema tekstiga on siis ajamuige moodi. Heine  Napoleoni-luule põhjal sõnastas Engels kaasajapilkelise repliigi Saksa-Prantsuse sõjas vangistatud Napoleon III saatuse kohta: „Mu keiser, mu keiser on vangis! Ja pealegi veel „haisvate preislaste” käes, vaene Wilhelm aga seisab sealsamas ja kinnitab […], et see on puhas jumala tahtmine!”. Sama kiri näitab maailma ajalugu iroonikuna ta endagi suhtes, sest kirja lõpul arutles tulevane marksismi-leninismi klassik hirmuvalitsuse olemuse üle. Engelsi resümee, et „terror tähendab enamasti kasutuid julmusi”, mõjub kommunismi järel võllanaljana. Mõne kuu pärast seati sisse Pariisi Kommuun (märtsi keskelt mai lõpuni  1871), mis oktoobripöörde korraldajatele Venemaal oli Marxi sünkroonajaloo „Kodusõda Prantsusmaal” (1871) prisma läbi nähtuna proletaarse riigi ideoloogiline eeskuju. Lenini ideest – poliitiline kasvatus kunstiliste vahenditega – lähtunud monumentaalpropaganda raames kavandati skulptuuride püstitamine väljapaistvatele revolutsiooni- ja kultuuritegelastele, sealhulgas kunstiuuendajatele (Cézanne’ile ja Vrubelile). 1918. aasta suvest pärinevas dokumendis, ümmarguselt 60 kujukandidaadi lõppnimekirjas, olid ka Babeuf ja Heine, babuvistliku kommunismi ideoloog ja selle ideoloogia peamine kriitik.  Erilist huvi pakuvad Heine suhted noore Marxiga, igatahes Wagneri ja Nietzsche suhetest mitte väiksemat. Võiks ka küsida, kumb hindas Heine geeniust kõrgemalt, kas enne Marx või pärast Nietzsche, ja kuivõrd nad olid „heineaanid”? Marx tegi Heine alahindajatele vahel peapesu, Nietzsche paigutas lõpuks Heine sajandi panteoni. Üksik kõditav fakt nagu see, et Marxi sule all muutus Heine kuju aeg-ajalt „vanaks koeraks”, toidab klatšikroonikat, mitte ajalookirjutust.

    Kindel on, et vastupidiselt marksistliku germanistika legendile ei olnud nende kohtumine ja umbes aastapikkune koostöö Pariisis ühepoolne „Heine tähetund”. (Gerhard Höhni põhjapanevas „Heine-käsiraamatus” on pühendatud ka 2004. aasta 3. trükis küsimusele üksjagu allikakriitilist ruumi.) Nende kohtudes oli väljakujunenud Heine 46 ja otsinguline Marx 25 aastat vana, ilma Heineta on Marxi hiilgetekst „Hegeli õigusfilosoofia kriitikast. Sissejuhatus” (1844) kujuteldamatu: traktaadis sisalduv mõttesugulus ulatub otsese Heine tsiteerimiseni. Kui ilmus küpse Marxi „Filosoofia viletsus” (1861), oli Heine juba viis aastat  surnud, teoses aga kõneldi ühiskonna viimsetest asjadest. Sellest, et „totaalne revolutsioon” on klasside võitluse „haripunkt” ja „lõpplahendus”, seejärel „ei ole enam õieti poliitilist võimu”. Ei tea, mida kostnuks seepeale Heine, tööstusajastu antagonisme oli ta näinud ja kujutanud Marxist varem, paar aastat enne surma ei oodanud ta midagi head sellest, „kui tõelise valitsuse saab enda kätte suur toores mass”. On tõenäoline, et individualist Heine pidas tulevaseks uueks võimuks masside ühiskonda, selle tendentsi äratundmisest annab märku juba „Inglise fragmentide” (1828−1830) Londoni kirjeldus. Seda  läbib idee, et kapitalism toodab samaaegselt kaupade mitmekesisuse ja vitriinide kirevusega inimeste ühetaolisust, „masinlikku liikumist” ja „hiiglaslikku üksluisust”, peites fassaadi taga sotsiaalseid kontraste, keset „jõllitavat rikkust”, millele „kuld on talisman”, ka „palju viletsust”, mis „kerjab silmadega”. Noore Heine reisitekstidest võib leida paraja koguse mõttekäike, mida akadeemiline maailm tunneb peaasjalikult Marxi võõrandumiskontseptsiooni kaudu. Tees, et Heinega algabki kauba vaatlemine moodsa elu keskse „fetišina” ja peaaegu et kaubaesteetika, ei ole õhust võetud.  Sellest ja veel mitmest aspektist vastab Heine tõepoolest teda kaksikvalguses näinud, teda puhtausuliste („revolutsiooni ja sotsialismi puritaanlaste”) eest kaitsnud Lunatšarski intuitsioonile. Heine kehastub kultuuris ümber uute põlvede omaajas: ta „seisab praegugi meie ees”, on „inimene väljaspool aega”, see, „kes oskas ometi luua oma ajaloolise üleminekumomendi dissonantsidestki kordumatut, imelist värvirikkust”. Nagu ikka, toimib ka nitšeaanlik-marksistliku esteetiku idee teatud raamides, kindlatel eeldustel ja taustadel, need on tema lähiajaloo omad. Raamid aga liiguvad, historistliku vaate järgi  meie lähiajaloo omaselt, kui möödunud tulevik on demaskeeritud (olevikule nähtavaks tehtud), kui kriitika saavutab maskide languse ja narratiiv loob aegade vahel uued seosed (hülgab senise jutustuse). 

    Heine ja tulevik on ajalooteooria vaatepunktist olnud söötis teema, poeetiliste mõtlejate galeriis o
    n talle eelistatud kas Hölderlini või Nietzsche käsitlust tulevikuliste asjade selgitamisel. Ent Heine kontekstist on pärit kaks sotsiaalrevolutsioonilise taustaga probleemi, mis on jõudnud ülemöödunud sajandist meie tehniseeritud kaasaega ja mille edasisest mõtestamisest näib sõltuvat ka globaalne tulevik. Need on, esiteks, filosoofia teostamine sotsiaalses maailmas ning, teiseks, revolutsiooni ja restauratsiooni ajalooline dialektika. Endastki mõista oleks ajakohatu  neid hõlmata vana korra ideedega, vandenõuteooria kultiveerija Metternichi stiilis nagu Heine ajastul, mil konservatiivid üritasid tulevikku reguleerida tsensuurimeetmetega, keelustades vahepeal Metternichi mahitusel isegi Heine tulevase loomingu.

  • Paar pilku talvemuusikale

    Esimesel lummas Siiri Sisaski laulude mõttesügavus ning piirideta fantaasia oma häälekäsitluses, sugestiivne kooslus saateansambli ja meeskooriga, hästi läbi mõeldud kava ülesehitus ning RAMi paindlikkus ja maskuliinsus kõlas. Ning teisel õhtul ühe kauni hingelinnu, kes Maria Listras peidus, olemuse kuulajani toomine läbi puhta, sillerdava hääle, millega targalt ja maitsekalt fraseeritud.

    Teist talve toimus Pille Lille Muusikute Toetusfondi (PLMF) Tallinna Talvefestival, mille motoks „Tõsta pilk ja ava süda”. Selle lausega kaasneb heateoalgatus, millega esimesel festivalil toetati puuetega laste päevakeskust Käo 30 000 krooniga.

    PLMF asutati 7. II 2003, 2004. aastal alustati kahe üle-eestilise klassikalise kammermuusika sarja toetamist: „Meistrite akadeemias” esitletakse kodumaiseid tippmuusikuid meie suuremates linnades ja „Hingemuusika” kontsertidega viiakse instrumentaal- ja vokaalmuusika Eesti kirikutesse.

    Nüüd siis 28. XII Kaarli kiriku kontserdist, kus osalesid Margarita Voites (sopran), Hanna-Liina Võsa (sopran), Oliver Kuusik (tenor), Maris Oidekivi-Kaufmann orelil ja Tallinna Festivali Orkester.

    Kontserti alustas Tallinna Festivali Orkester, mis on kujunenud EMTAs Mari Tampere juhendatud kammerorkestri baasil. Kõlasid Corelli concerto grosso’d op. 6 nr 2 F-duur ja nr 3 c-moll. Ääretu heameel oli kuulata noorte muusikute küpset ja täiuslikult ühes hingamises ning mõtlemises musitseerimist ja sealjuures dirigendita! Kontsertmeister Olga Voronova kaunis kõlakultuur ja intensiivne fraseerimine olid nagu vundamendiks, millele oli rajatud teoste ettekandeline ülesehitus, seda eriti solistide saatmisel, kus oldi heas ansamblis ühegi viperuseta. Kõik sujus täiuslikus üksteise tajumises. Ei saa mainimata jätta, et meie keelpillide koolitus kannab juba väga uhket vilja!

    Õhtu iva oli üksteisest mitme generatsiooni kaugusel olevate unikaalsete annete kooslus. Margarita Voites, kes on oma kellukesena helisevat häält osanud pool sajandit säilitada uskumatult ehedana, nooruke Hanna-Liina Võsa, kes jõudnud end tõestada küll hoopis teises žanris, kuid nii võõrsil kui kodus, ning Oliver Kuusik, kes ooperilaval juba oma esimeste tenorirollidega ooperiaustajate kõrvad kikki ajanud.

    Margarita Voitese häälele sobisid seekord eriti Quidi „Palve”, Francki „Panis Angelicus” ja eriti lummav oli Schuberti „Ave Maria”. Siin sündis mingi maagia: pärast Oliver Kuusiku imelises pianissimo’s kõlanud teist salmi oleks Voitese hääle kõla nagu veelgi noorenenud, säilitades samas küpse täiuslikkuse. Orelil sekundeeris Maris Oidekivi-Kaufmann, kes valdab värvikate registrite leidmist, tabades pala üldtoonust. Ja midagi pole parata – kirikus kõlab hääl oma parimas kvaliteedis ikkagi kooripealselt ja eriline lummus lisandub kooslusest oreliga.

    Oliver Kuusikul on hea kontsentratsiooni ning kauni tämbriga hääl ja õnneks ka küllaldasel määral stiilitunnet. Ta ei uhkelda oma diapasooniga (Rossini „Tuhkatriinu” etendusel Estonia laval tõestas ta, et omab kaunis kvaliteedis teise oktaavi e-d!) ning tema spirituaalsus on vaimulikus muusikas õnnelik ja õnnestab kuulajat.

    Händeli „Messiase” aaria sobis Kuusiku mentaliteediga ning traditsioonilised jõululaulud kõlasid siiralt. Pani imestama tema anne kuulata partnerit – kuivõrd hästi sulandas ta oma ooperliku maneeri Hanna-Liina Võsa absoluutselt teistsuguse häälekäsitlusega. Loomulikult mängis siin oma rolli mõlema noore inimese musikaalsus ja enesest jäägitu andmine. Eriti viimane omadus on Võsa puhul kaasakiskuv. Kõrvu jäi helisema dueti harmoonilisus A.-L. Webberi „Pie Jesu” Reekviemist.

     

    Emotsionaalne skaala seinast seina

    5. I õhtul sündis Tallinna raekojas kindlasti üks meie päevade muusikalisi imesid: Henry-David Varema ja Ivari Ilja kokkusaamine Dmitri Šostakovitši ja Edvard Griegi fantaasiamaadel. Esimeselt kuulsime Sonaati op. 40 ja teiselt Sonaati op. 36 tšellole ja klaverile.

    Henry-David Varema kätes kõlas tšello nii mahukalt, soojalt. Ning näiteks Šostakovitši sonaadi Largo’s, mis viib kuulaja kaasa kuskile sügavale peidetud õrnusesse; tundus, nagu võtnuks pianist selle hapra olendi oma suure, turvalise käe kaitse alla. Lausa füüsiliselt oli tajutav kuulajate hinge kinnihoidmine! On ju teos kirjutatud möödunud sajandi 1930ndate keskel, ajal, mil järjest kadusid heliloojale lähedased inimesed. Sonaadi kahes allegro’s on valusat, lausa põletavat groteski ning dissonantsides väljendatud näilisse bravuuritsemisse on peidetud suisa marraskile kistud valu. Tšello ja klaveri helide müriaadid suubusid ennastunustava kirglikkusega neisse avameelsuse hetkisse.

    Griegi tšellosonaat on oma temaatikalt tuttavlikult peergyntlik: siin on Norra mägede võimsust ja salapära, koskede kõikehõlmavat väge, trollide hullutavat tembutust ning Solveigi ootamise ja hällilaulu vastuhelke. See muinasjutumaailm toodi kuulajani täiuslikult. Ilja ja Varema emotsionaalne skaala rullus kuulajaile lahti n-ö seinast seina – fortissimo’st pianissimo’ni, jäädes sealjuures kõiges esteetilisuse raamidesse.

    Kontserdil kõlasid veel Schuberti vokaalteosed: sopranile, klarnetile ja klaverile loodud „Der Hirt auf dem Felsen” op. 129 ning sopranile, metsasarvele ja klaverile kirjutatud „Auf dem Strom” op. 119. Antud juhul olid puhkpillid asendatud tšelloga, mis andis mõlemale loole täiesti uue ja väga malbe värvingu. Eriti kaunis oli neist esimese ettekanne: Pille Lill valdab lauljana väga kaunist piano’t ning sulandumine kolme muusiku vahel hellitas kõrvu. Teise teose puhul tekkis küsitavusi, kuna see pala on mõeldud veidi kergemale hääletüübile, kui seda on Pille Lille dramatismi kalduv häälekäsitlus. Kippus kaduma fraasi elegants ja kammerlikkus.

    Ning veel üks väike okas: kui kavalehel on ära toodud laulutekstid nii saksa kui inglise keeles, siis peaks kuulajale olema kättesaadav ka tõlge meie emakeelde.

     

  • Elaval skulptuuril ei ole valuvormi?

     

     

     

    Flo Kasearu. Eesti skulptuur. 24. XI 2005. 2x Jaan Klõšeiko

     

    Amandus Adamsoni 150. sünniaastapäevale pühendatud workshop’i esitlus Paldiski linnapargis 3. VII (kuraator Terje Ojaver), “Elavad skulptuurid” Tallinna Kunstihoones 24. XI (kuraator Anders Härm).

    Traditsiooniline skulptuur, elav skulptuur, kehakunst, performance – neli erinevat suhestumist inim-keha-vormiga. Elav skulptuur on neist marginaalseim ja üllatavalt määratlemata. Uuemategi kunstileksikonide sirvimine on lausa šokeeriv: saksa väljaandes (1995, eesti keelde tõlgitud 2000, kirjastus Kunst) puudub märksõna üldse; eesti autorite kollektiivi koostatus (kirjastus Eesti Klassikakirjastus, 2001) peetakse elavaks skulptuuriks hüperrealistlikku, inimkehalt võetud kipsjäljendit (George Segal, Duane Hanson). Kehakunsti ehk body art’i määratlemisel on leksikonid tunduvalt üksmeelsemad. Kahe ülejäänu kohta kehtib konsensus.

     

    Paldiski fenomen

     

    Elav skulptuur on loomupäraselt kasvanud traditsioonilise skulptuuri pinnalt. Ilmselt on just Bruce Nauman, kaasaegse maailmakunsti üks esinumbreid, sattumisi tegelenud elava skulptuuri (küll videolindistuse või performance’i vormis) ja traditsioonilise skulptuuri kõrvutamisega. Tema keha-katsed kasvasid välja uuest muusikast, kirjandusest, sealhulgas muide Samuel Becketti ideedest (ta oli ka, nagu Naumangi, selle aasta Veneetsia biennaali eksponent) ja tantsust. Ta püüdis luua midagi, mis oleks kunstiteos, ka tingimusis, kus tema käsutuses olid vaid tühjad taskud, tühi ateljee ja seal  motoorses rahutuses ringe tegev kunstnik ise. Ta liitis küll kehale liikumise, kuid kummalisel kombel mitte aja. Tema liikumised ruumis mõjuvad kui kontraposti otsingud. Biennaalitaieses “Shit in Your Hat – Head on a Chair” (1990) olid Naumani hilisematele töödele omaselt ühendatud erinevad meediad, sh reaalne skulptuur-pea kineetikale alluval laest rippuval toolil ja virtuaalne, püsivalt manipuleerimisele allutatud elav inimfiguur ekraanil. 

    Küsimusele, kas elavat skulptuuri on raskem elustada kui tavapärase(ma)st materjalist, savist/pronksist kuju, kostis  Terje Ojaver, klassikaline skulptor ja skulptuurikehandi piiride ületaja ühes isikus, vastuseks: “Traditsioonilist skulptuuri elavaks muuta ei ole kõigile jõukohane. Traditsiooniline figuraalskulptuur on raske ala. Kujurilt nõuab see suurt järjekindlust ning püsivust, palju abitööjõudu, organiseerimist, kompromisse, vastutust jne. Elavat skulptuuri tehniliselt teostada ei ole raske. Gravitatsiooni kontrollib keha ise, eksida ei saa. Materjali on laialt ja suhteliselt odavalt käes. Vastutus on väga väike. Ei jää ju selline skulptuur kivise etteheitena rahvale silmi ega kriitikuile mällu. Raske ja füüsiliselt koormav on elavaks skulptuuriks olemine esitajale endale. Selle juures peaks evima budistlikku mediteerimiskunsti ja joogat.”

    Performance’ist näib elavat skulptuuri lahutavat veel otsustavam veelahe, kuigi Härmi  kuraatoriprojekt toimus “Nu Preformance’i“ festivali raames ja kui “performance’i-kunsti marginaalse haru” uuring Eesti oludes. Tundub, et elav skulptuur välistab sarnaselt traditsioonilise taiesega aja ja juhuse kohalolu, performance on aga protsessi- ja sündmusekeskne. Elav skulptuur on küll ajalik, kuid oma ekspositsiooniaja kestel peab ta mõjuma kui püsiobjekt – vastupidiselt  elava keha kogu loogikale. Ilmselt on just see n-ö loogikavastasus üks olulisimaid žanri tõmbepunkte.

    Esmakordselt kogesin skulptuuri ja aja(lisuse) kummalist, pingestavat põkkumist Paldiskis sellesuvisel Terje Ojaveri veetud Amanduse workshop’il. Tartu kõrgema kunstikooli üliõpilased (enamik maali erialalt!) kehastusid Adamsoni kujudeks, olid skulptuurid. Elavatest skulptuuridest ei olnudki tegelikult tol hetkel juttu, pigem – elustamisest. Peatähtsaks ei osutunud mitte see, et toimkond oli vaeva näinud usutava marmoreeringu saavutamisega, vaid kõigi pealtvaatajate silme all toimuv fakt, et Eesti skulptuuriklassika on jalad alla võtnud, liigub rongkäigus läbi linna, postamendid kaenlas, parki jõudes paigutuvad kujud suurde sõbralikku sõõri ja võtavad kohad postamentidel sisse, nende vahel kõnnivad pealvaatajad, toimub samas sõõri keskel avatseremoonia, tutvustatakse taieseid, sh “marmorkujude” ringist eemale jäävaid vanarauast,  autokummidest, rannakividest installatsioone (autorid Toomas Mikk, Ekke Väli, Pasi Karjula, Tiiu Kirsipuu) ja eemal anarhilise agregaadi juures pööraselt töötavat timukaliku maskeeringuga ürituse ainsat performaatorit (Jüri Ojaveri “Nii läheb elu edasi”) ning antakse üle Juha van Ingeni “Ausa mängu” rändkarikad Paldiski noortele, vahepeal märkad mõnd “marmorkuju” end kohendamas … mingi aja möödudes astuvad aga kujud  üksteise järel postamentidelt maha ja kogunevad juttu puhuma ja muljeid vahetama – nagu see skulptori äraolekul arvatavalt ka tema ateljees saab toimuma! Samas istuvad valgete kujude lähedal murul (kunstirahvale kohaselt!) musta riietunud Paldiski vene rahvusest noormehed. Päike paistab, ilm on kaunis ja soe, õhkkond sundimatu ja ülev. Keegi ei vandaalitse.

    See kõik kokku oli väga ilmutuslik. Klassikalistel marmorkujudel ei ole küll varem sellist mõjuvälja kogenud!  Meeleolu sõnastas üks pealtvaatajaist: “Nii võikski jääda, et need kujud tulevad iga päev teatud kellaajaks siia parki – aastaringselt – alati.” Ja lisades kuraatori nüüd novembris, tagantjärgi öeldud sõnad selle kohta, mis korrelatsioonis võisid olla Adamsoni (alg)kujud, “elustatud kujud” ja osatäitjad: “Arvan, et elustatuna olid need kujud palju õilsamad, ilusamad, nõiduslikumad, kui nad eales saavad olla ükskõik millises kivises või puiduses materjalis. Usun, et osatäitjate tunne ja suhe oli sellega vastavuses, nad muutusid õilsamaks, ilusamaks, nõiduslikumaks. Kindlasti oli ka Meistri vaim kohal ja juubeldas.” 

    Kummaline, aga seda kõike ei usu vist keegi, kes ise ei olnud kohal ja imet ei näinud. Mateerias on alles Adamsoni väiksemõõdulised biskviidist, pirnipuust, vahast, kipsist, üks ka marmorist, Paldiski kuue vabaõhu-kuju prototüübid, kuskil muuseumihoidlas … ja kujuri lagunenud rääbakil rahvusromantilises stiilis majake keset militaarsovetliku pitseriga  asustust. Kõiki seoseid, mis selles workshop’is toimisid, polegi tegelikult võimalik üles lugeda ega lahata. Kujude ellu-ilmutuse hetkelisust pargis võimendas ilmselt ka nende tegeliku olemasolu sajandine ajafoon.

    Kuus tundi Kunstihoone defileel oli teistsuguse ajasuhtega. Neil kujudel, ehkki näiteks Kiwa Hitler meenutas Mauricio Cattelani tööd põlvitavast füürerist (“Him”, 2001), puudus ekspositsiooni eelne minevik. Nad olid piiritletud antud näituse päeva aja ja valge kuubi ruumiga. Segavad (!) kõrvalmõjud olid minimeeritud. See andis tunda teostajate endigi juures: poosi staatika kangelaslikus hoidmises või liikumisskeemi muutumatus kordamises. Staatikat aitas hoida omalt poolt ka Rene Kari, esinedes fotoülesvõtte kujul, ehkki kaastekstis rääkis ta 30 aastat väldanud oma keha vormimise protsessist “antiikset iluideaali jäljendavaks kunstiteoseks”.

     

    Keha

     

    Kui traditsiooniline skulptuur kasutab keha kui motiivi, kui teemat, siis kaasaegne kunst, sh elav skulptuur on võtnud keha kasutusele materjalina, võrdväärselt kõigi teiste võimalike materjalidega.

    Tõepoolest – Paldiski esitlusel puudus igasugune lihalikkus, õhk oli täitunud ilu ja harmoonia vaimust (kõigile segavatele asjaoludele vaatamata). Adamsoni klassitsistlik-romantiline vormi-ideaal realiseerus ka elustatud kujudes, mis iseenesest oli veel üks selle ime paradokse. Ehkki oli kasutatud keha kui materjali, varjutas selle klassitsis
    tliku idee universaalsus.

    Kunstihoone valdavalt noorte kunstnike autoriesituses töödes domineeris aga keha(lisus).  Kaasaegse kehakunsti materjalikasutuse võiks provisoorselt jagada introvertseks ja ekstravertseks. Esimesest iseloomustaks omaenese kehatunnetuse/kogemuse (näiteks valu, nauding, ilu, tervis) aktualiseerimine, teist keha ja keskkonna suhe, keha kui mingi kehavälise sõnumi kandja. Kunstihoone näitusel domineeris – ehtpõhjamaalaslikult – teine suund.

    Toimuvat žanriesitlust metareflekteeriv, sealhulgas skulptuuri ja elava skulptuuri dilemmat ekspluateeriv  oli Flo Kasearu “Eesti skulptuur”: rahvariietes figuur kõrgel kitsal postamendil, käes silt “Ma olen surnud”. Härmi kuraatoripaigutuses oli tööle antud avalöögi funktsioon: tõepoolest, jõudes “elavate” skulptuuride näitusele, võtab sind esimesena vastu “surnud” (vana, traditsiooniline, eesti) skulptuur.

    Traditsioonilise skulptuuri kontraposti temaatikaga seostus moderntantsijate  paari kahefiguuriline töö “Kohe kukub” (Karmen Ong ja Madli Teller) ja osaliselt ka Villem Jahu  “Marionett”. Kuid nii lakke kinnitatud konstruktsiooni seatult kui ka vaatajate poolt nöörides siplev marionetikujund omas skulptuuritehnoloogia väliseidki olulisi sõnumeid.

    Ka Kiwa kehastumine Hitleriks tegeles poliitilise moraaliga, aga mitte ainult. Õigupoolest jäi täiesti lahtiseks, miks on kunstnik valmis peksa saama, ja mis roll sellel kõigel oli Hitleril? Või oli oluline hoopis raha? Vaatajate (rikutud mõtteviisi) testimine? Või mida oli kunstnikul antud tingimustes võimalik lunastada oma kannatustega? Külastajate hinged – kui need ei tõtta teda piitsutama? Töö juures rippunud juhis kõlas: “Lunasta end – löö Hitlerit!”.  Tugev hoop maksis 100 krooni, keskmine 50 ja nõrgim 25.

    Kai Kaljo “Kunstnik töötab” vastastas (kaasaegse) kunstnikukuju ja (publiku?) aegunud kunstnikuideaali. Tema ringituuseldavalt koristajafiguurilt oli keegi vaataja pärinud, et kust ta teab, et ta kunstnik on. Elava skulptuuri poseerimisraskustele olid ettenägelikult mõelnud lillakaks tõmbunud patjade vahel magav Pink Punk (“Haigused ja seisundid: Lumivalgeke ja Okasroosike”) ja suure saali altarisse paigutunud Jasper Zoova “Tiibeti mässaja”. Viimase, ülima eraldunu valge lina all lebava keha oleks ju võinud kuraator näiteks ka asetada dialoogi Marco Laimre tulistava anarhistiga, kuid jäi mulje, et kuraator püüdis tahtlikult vältida sisulist mängu eri teoste sõnumitega ja võimalikult säilitada iga elava skulptuuri “rahu ja suveräänsust”. 

    Kuigi elavad skulptuurid on põhimõtteliselt nagu kõik teisedki kunstiteosed vaatajatele vaatamiseks ja arvustamiseks, tundus selles keskkonnas ka vaataja skulptuuristuvat, ja teoseid respekteerivalt vaiki jäävat, seda isegi siis, kui mõni elav skulptuur väga elavalt vaatajaga kontakti püüdles (Jüri Ojaveri “Sabaparaad”). Vaataja pole ehk ikkagi harjunud interaktiivsete kunstiteostega? Ootamatuid liigutusi vaatajate suhtes tegi ka Inge Ting (“Mina ja värdjad” II), olles ise küll punasesse puuri aheldatud. Saalis näis olevat vaid üks külastaja, kes selliste interaktiivsete juhtumitega adekvaatselt suutis suhestuda: Sorge.

    Mida andis/annab elava autori reaalne siin ja praegu kohalolu, see on muidugi tunnetuslikult teistlaadne kui statisti kasutamine autori idee elluvormimiseks. Ants Juskel oli elav skulptuur 1990ndatel mitmes idee-projektis kasutusel (küll vaid näituse avamisel), esimesena “Kunsti piirides” (1994). Teoreetikuna uuris ta kunsti ja elu, illusiooni ja reaalsuse piire. Kunstihoone puhtalt žanrinäitus kasutas aga elavas skulptuuris veendununa seda kui arvestatavalt võetavat komplitseeritud väljendusvahendit. Sai nähtavaks ka selle vahendi nõudlikkus ja võimalused. Raamatust loetu Benist, kes istunud kunagi 1972 Kasselis “Documenta’l“, kaelas silt “Vaadake mind, sellest aitab!” (kirjutaja toon, justkui tegu naljanumbriga), on reaalsuses midagi muud.

    Kas elaval skulptuuril on ka valuvormid? “On küll valuvorm. See on nähtamatu ja seisneb vaatajate pilkude ja kohaloleku poolt tekitatud eriskummalises tundes, mida tunneb elava skulptuuri esitaja” (Terje Ojaver). Võib ka öelda, et valamise vormiks võiks lugeda autori elu- ja kunstikogemust tervikuna, mis tuli kunstihoone näitusel eriti hästi esile, kuna kõik esitajad olid autorid ise. Huvitav tõesti, kas sel maailma mastaabiski vähelevinud žanril võiks olla Eestis ka tulevikku?  

  • Loomemajanduskeskus otsib Tartu noore kunsti oksjonile visuaalset identiteeti

    Tartu loomemajanduskeskus kuulutab välja konkursi, et leida uus visuaalne identiteet iga aasta kevadel ja sügisel toimuvale Tartu noore kunsti oksjonile. Tööde esitamise tähtaeg on 4. märts 2013. 

    Konkursile tuleb esitada Tartu noore kunsti oksjoni logo kavandid, plakati, kataloogi ning näitusesiltide kujundusnäited ning soovi korral ideed oksjoni turundamiseks linnaruumis. Konkursi tingimustega saab lähemalt tutvuda veebiaadressil www.lmk.ee/logokonkurss. Konkursi auhinnafond on 1000 eurot. 

    Tartu Loomemajanduskeskus korraldab alates 2009. aastast igal kevadel ja sügisel koostöös partneritega Tartu noore kunsti oksjonit. Seni on igal oksjonil olnud erinev teema, logo ning nimi. Alates sellest kevadest soovivad korraldajad hakata oksjonite läbiviimisel kasutama ühtset visuaalset identiteeti ning nime „Tartu noore kunsti oksjon“.

    Tartu noore kunsti oksjoni eemärk on olla noorte kunstnike loomingu esiletõstja ja hüppelauaks noortele kunstnikele kunstipubliku teadvusse jõudmisel. 

    Selle aasta kevadine Tartu noore kunsti oksjon toimub maikuus, kunstiteoste esitamise tähtaeg oksjonile on 25. märtsil 2013. Tartu noore kunsti oksjoni korraldajad on Tartu Loomemajanduskeskus, Kaleidoskoop Kunstilaenutus Tartu Kunstnike Liit ja Tartu Kõrgem Kunstikool.

  • Risk oli kaalutud

    Nii Mati Palmi kui ka Peep Lassmanni annotatsioon algab samade sõnadega: „…on üks väljapaistvamaid Eestis…”. Tundub, et mõlema muusiku lühitutvustus, mis kordub kavast kavasse, vajaks laiendamist-täiendamist ning kõvade kaante vahele köitmist, sest materjali, millest kirjutada, on küllaga ja aeg nende väljapaistvate eesti interpreetide tegevus raamatusse raiuda on küps. Tiit Kuusik oli paar aastat tänasest Mati Palmist vanem, kui üllatas publikut Schuberti „Talvise tee” ettekandega (1978) Estonia kontserdisaalis ja jätkas veel kümme aastat aktiivset tegevust ooperis. Õnneks on erakordse häälematerjali tark hooldamine ja kasutamine ka Mati Palmi tugev külg ja see lubab temalt veel palju oodata.

    Kontsert algas veel üle-eelmisel sajandil looduga, sest A. Kapi „Kütkes” (Karl Eduard Sööt) on dateeritud aastaga 1897 (?) ja sama aastat pakutakse ka tema populaarseimale romansile „Metsateel” (K. E. Sööt), kuigi käibel on ka aastad 1895 ja 1902. Lisaks nendele noorpõlve hinge puhangutele esitas Mati Palm samalt autorilt veel „Sa oled mu südame suvi” (1922, K. E. Sööt), „Sõitis kosja õlekubu” (1921, E. Wöhrmann) ja „Puhtad pihud” (1948, L. Koidula). Järgnes viiene bukett Mart Saare ülirohkest (u 180) laululoomingust järjekorras „Vaikus” (1906, K. Kadastik), „Päike ja vari” (1922, E. Wöhrmann), „Minu süda” (1908, M. Heiberg), „Sügise mõtted” (1922, K. E. Sööt) ja „Sügisene lill” (1922, J. Liiv).

    Siinkohal on vajalik esitada üks täpsustus, soov ja üks küsimus. Üldisel taustal mõjus uue aasta esimese kontserdi kavaleht täpse ja korrektsena, kuid täpsustama peab A. Kapi „Sa oled mu südame suvi” teksti autorit, kes ei ole E. Wöhrmann, vaid ikka K. E. Sööt. Ja soov oleks näha eriti eesti autorite puhul ka teoste loomisaastaid ning küsimus on, et kuna M. Saare „Sügise mõtteid” autori loomingu nimekirjadest ei leia, siis kahtlustan, et tegemist on 1906. aastal loodud lauluga „Sügis” (K. E. Sööt).

    Kavas järgnesid nendele kümnele laulule noore Ernesaksa kaks soololaulu oma tekstidele, s.o „Tuuliku laul” (1939) ja „Hulkur” (1932), siis kaks kõige suuremat üllatajat E. Kapilt – „Lilled” (1977, A. Koney) ja „Kutsumine” (1931, A. Suurkask). Üllatajad seepärast, et kogu kava taustal kõlasid need Eugen Kapi laulud eriliselt värskelt, vaatamata sellele, et loomeaastate vahele jääb 46 aastat. Kava lõpetasid Villem Kapi šedöövrid „Kui lõpeb suvepäeva viimne vine” (1952, J. Sütiste) ja „Rannal” (1951, J. Smuul), mõlemad tsüklist „Õnnelik päev”.

    Ei peakski vist lisama, et kogu kava oli algusest lõpuni esitatud kõrge meisterlikkuse ja emotsionaalsusega ning muidugi on Mati Palm ületamatu oma diapasooni valdamises madalast bassist kuni kõrge baritonini. Eriliseks tuleb kvalifitseerida ka Palmi tämbripaletti, mida oli võimalik selle repertuaari baasil näidata „sametist” kuni „metallini”, kordagi eksimata saali poolt antud võimaluste-piirangute vastu.

    Peep Lassmann, ilmselt inspireerituna neist tämbritest, pakkus lossi saali klaverilt sama imepärast sametit ja muidugi säras eriliselt Mart Saare sügiselaulude, Eugen Kapi „Kutsumise” ja Villem Kapi „Rannal” esitusega, kus saatepartiid arendatumad ja noodirohkemad. Kuna Saare laulud jäidki meelde esituse erilise süvenemise märgiga, siis ei olegi üllatav, et ka lisaks esitati tema 1908. aastal kirjutatud „Mis see oli” (K. E. Sööt).

    Mis see siis oli? See oli teadmiseks kõigile tegijatele, et kui soovite täismaja ja ülihead vastuvõttu publikult, siis korraldage oma kontsert 5. jaanuaril eesti klassikalisest vokaalmuusikast ja jääge ka ise eestlaseks. Tõsi, seejuures pead olema võimeline pakkuma kõrget loomingulist meisterlikkust, ainult siis on tegu kaalutud riskiga.

     

  • Wazzap?

    Billeneeve performance “Kestavabrik”: protsess…

    … ja tulemus. Maarin Ektermann

    Nädalavahetuse reportaaž Rael Artel Gallery’st 

    Kontrollkäik Pärnusse näitas, et galerii on olemas ja funktsioneerib ning et galerii õu toimib sealse suvise kunstielu ühe trehvpunktina. Galeriikogukond vaatas kunsti ja jalgpalli ning hängis niisama (vanemat “Kunstisuve” generatsiooni küll ei märganud, aga võib-olla olin siis ujumas). Eriti palju outsidereid ehk tavalisi inimesi sisse põikamas ka ei näinud, kuigi silt kuulutas juba kolmandat suve “tasuta kaasaegset kunsti”. Rand on siiski paratamatu prioriteet.

    RA Gallery suurimaks plussiks saab lugeda fakti, et asi on olemas ja toimib. Kusagil mujal Eestis on suviti galeriid pidada nagu vastuvoolu ujumine, aga Pärnus ühilduvad suvitajate ja kunstnike tempod ühtlase tiksumiseni ja kogu (kunsti)elu toimub, vaatamata lõõskavale kliimale, küll aeglustatult, aga siiski. Iseloomulikuna alternatiivsele tegutsemisele on work pidevalt in progress: midagi toimetatakse, vahepeal minnakse aiaäärsele tänavale saadusi demonstreerima ja kümmeldakse siis linnakodanike välklampide all, kes kõik seda ilmaimet endale mälestuseks jäädvustavad. Chill out.

     

    Daamide õnn

     

    8. – 9. VII toimus galeriis maraton nimega “Kestavabrik”, mille näol pidi tegemist olema kohaspetsiifilise üritusega, st et valmivad esemed pidid kehastama kuurortlinna hetkemeeleolusid. Ehk et “välimus kui sisemuse adekvaatne kirjeldus”.

    Üks asi tuleb kohe alguses selgeks teha – asi oli siiski Billeneeves. Billeneeves, kes täiendas oma garderoobi. Kuigi ametliku info järgi pidid performeerima nii tema kui Tuul, koondus kestavabriku aktsioon iseeneslikult ümber esimese. Sest kes meist ei teaks Billeneeve ekstravagantset garderoobi ja elukestvat performeerimist, millega saavad sisse õnnistatud nii näituseavamised kui ka hall argipäev. Nädalavahetusega ilmutati, et tegemisprotsess on niisama vaatemänguline kui tulemus.

    Niisiis koondusid emamesilase ümber tema usinad töövabrikumesilased, kes mängisid ühtemoodi välja nii overloki kui catwalki. Galeriiruum (garaaž) transformeerus salongiks. Laual pitslinikud ja kohviserviis, lademes kangaid, lisaks suleboad ja pitsid… Vahepeal saadeti jooksupoiss kaunistustega kummipaela juurde tooma… Kes on lugenud Émile Zola “Daamide õnne”, oskab täpselt ette kujutada, milline atmosfäär valitses.

    Ning see teatraalselt lavastatud moeateljee külvas enda ümber ekstravagantset naiselikkust. Kes ütles, et haute couture pole kandmiseks? Billeneeve, kes hoiab enda käes siinset efekti-monopoli, on pärjatud ka näiteks galerii c.n.o.p.t. parima kostüümi auhinnaga (konkurentsitult) ja külvatud üle fetišeerijate tähelepanuga. Nüüd sai rahvas näha, kuidas pitsiga püksikutest saab tanu; kuidas palavusest sünnib suvine võrktraat-rannakivikleit (juurde klaas-kild-kingad); seanahast ja pärlitest bikiinid. Kohaspetsiifilisus jäägu nendele, kellel endal fantaasiat pole ja rahvas… rahvas saab võimaluse fännata!

    Muide, suurepäraseks fooniks “Kestavabrikule” oli samal ajal toimunud “Moeturg”. Mis on siis Eesti ametliku moemaailma suvine kõrghetk. Omavahel hakkasid resoneeruma mõisted nagu performance, moekunstnikud, õmblejannad, massimood, käsitöölised, trendipeded jms. Ja samal ajal, kui popp ja noortepärane seltskond turgu pidas, sündis tõeline kõrgmood hoopis ühes kõrvaltänava hoovis, tunnistajaks sõbrad ja tuttavad. Ilusasti väljajoonistunud poolused, kas pole.

    Kokkuvõttes võib öelda, et R A G: N-P P S (loe: Rael Artel Gallery: Non-Profit Project Space) on sel hooajal a) pikema nimega kui kunagi varem b) sissetöötatud bränd c) viljeleb “tüüpilist” kaasaegset dokumentaal-kontseptuaalkunsti, kus põhirõhk läheb protsesside uurimisele, kaardistamisele ja vähemalt ideetasandil ka mõjutamisele (mõõdukalt vanakooli aktivismi). Kohaspetsiifilisus kukub mõnikord rohkem, mõnikord vähem välja, aga vahva võib olla nii või teisiti. Ning õue peal on WiFi ka.

    NB! Rohkem ja värvilisemaid pilte vaata artishok.blogspot.com!

     

Sirp