feminism

  • Kui ime jäi see tund mul meele…

    Pealkirjas toodud Glinka romansi esimene stroof väljendab vist paljude kontserdikuulajate emotsioone, kes viibisid 17. IV Estonia kontserdisaalis Juhan Tralla ja Ivari Ilja “Vocalissimo” sarja õhtul. Ettekandele tuli juuni alguses Inglismaal toimuva Cardiffi konkursi terve kava. Viimane on praegu maailmas vokalistide silmis üks hinnatumaid – valik tehakse üle terve maailma ja esmakordselt on 25 finalisti hulka valitud ka meie tenor Juhan Tralla!

    Ivari Ilja on kindlasti üks meie armastatumaid pianiste, eriti erakordsena meeltesse jäänud Chopini tõlgendajana. Kuid suurem avalikkus teab ilmselt vähe sellest, et pärast partnerlust maailmalaulja Irina Arhipovaga on ta sagedaseks kontserdipartneriks praegu maailma ooperilavade säravaimatele lauljatele – Maria Guleginale ja Dmitri Hvorostovskile! Esimest on võimalik olnud meie ooperisõpradel Mezzo kanalil näha-kuulata, partneriks Carreras, Giordano ooperis “André Chenier” Meti laval, Ameliana Verdi “Maskiballis” La Scalas. Ja Hvorostovskiga oli viimati võimalus jälgida Arte kanalilt Meti laval Tšaikovski “Jevgeni Onegini” etendust, kus partneriks Renée Fleming ja dirigendiks Valeri Gergijev – kõigil maailmalavadel oodatud muusik. Teadaolevalt ootab juunikuu alguses Iljat koostöö Hvorostovskiga Roomas.

    Seega oli meie kuulajal võimalus kohtuda erakordse kooslusega: maailmalavadel kodus muusik Ivari Ilja oma suurte kogemustega ning suuri lootusi andev noor laulja Juhan Tralla, kellel varuks oma ea kohta suurepärane haritus ja kaaslasega võrdväärne musikaalsus. Häälest rääkimata. Ootamatu oli kõike seda arvesse võttes näha, et Eesti Raadio ei pidanud vajalikuks seda kontserti salvestada ja ETV “Muusikaelu” isegi mitte ära märkida!

    Kavalehele pilku heites võiks oletada, et kontserdil oli muusikalises mõttes kummaline ülesehitus: mõlemat kontserdipoolt alustati Mozarti ja teiste heliloojate ooperiaariatega ja lõpetati romanssidega. Kuulanud kontserdi ära, sai erakordse kogemuse, milleks on võimeline üks tõeline laulja – muusik, koostöös tundliku partneriga.

    Mozarti “Don Giovanni” Don Ottavio aariad olid lauldud elegantse maitsekusega ja kargelt ning nauding oli kuulata Ilja Mozarti-käsitlust. Kindlasti on Donizetti helilooja, kes oleks nautinud Tralla kantileeni ja stiilitaju – ilus, kuid mitte iialgi ilutsev!

    Ja siinjuures nautis kõrv jällegi Ivari Ilja oskust nii sugestiivselt ja kõlarikkalt mängida dünaamikaga – kus vaja taanduda, kus võimalik tuua kõik äärmiselt kõlarikkalt kuulajani.

    Schumanni ja Schuberti Lied’id olid hämmastavad oma meeleolu tabamises pärast ooperiaariaid. Pole ju kerge ooperlikust “suurest” üle minna miniatuursesse ja filigraansust nõudvasse häälekäsitlusse. Võib-olla ainuke küsitavus tekkis ühe laulu tempo puhul, see oli Schuberti “Musensohn” – siin on joobumust, õhinat ja vaimustust, kuid võib-olla annab veidi enam mängida teksti nüanssidega ja jälgida, et graatsiline rütmikus ei muutuks rabelemiseks.

    Ei mäleta, millal viimati sain sellise naudingu Mart Saare laulude interpretatsioonist! Juba Ilja “Vaikuse” klaveripartiis olid kuulda kõik Hüpassaare rabade vaikusehääled lausa hommikukarguses kõrte praksumiseni välja ja uskumatult värvikas oli Tralla häälevarjundite leid nii “Vaikuses” kui “Mustas linnus”, samuti laulus “Mis see oli?”. Poleks eeldanud nii noorelt inimeselt sellist süvitsi mindud filosoofilisust – mõjus ja meeltesse sööbiv.

    Kava lõpus kõlanud Rahmaninovi “Kevadveed” op. 14 nr 11 on olnud läbi aegade vene lauljate meelispala nii konkurssidel kui kontserdilavadel ja seega saanud mingi trafaretisambla endale selga. Oli hästi meeldiv kogeda, kuidas uue generatsiooni esindaja sellest taagast vabana interpreteeris puhast muusikat siirana, puhtana ja kargena. Lisapalaks esitatud Napoli laul “Catari” andis kuulajale kaasa ülivajaliku vitamiinipommi.

     

  • Jalutuskäik Stockholmis

    Linnaportree on nagu inimeseportree. Need on hetked, mis enam ei kordu, fotod, mille kaotsiminekust oleks kahju. Jalutuskäik näitusel “Urbanistlik antoloogia. Stockholmi portreed” on nagu jalutuskäik linnas ja samas jalutuskäik ajas. Näitusele on koondatud nopped Stockholmi fotokujutiste hulgast, erinevatest stiilidest, meetoditest ja vaatenurkadest XIX sajandi keskpaigast tänaseni. Näeme objektiivset realismi, romantilist piktorialismi, uusasjalikku rangust kuni postmodernismi ja postfotograafiani välja. Näeme Stockholmi sellisena, nagu ta on olnud ja nagu ta enam kunagi ei ole. Näeme fotograafi ettekujutust linnast ja samas midagi palju suuremat kui linna. Näeme inimesi, kes üle ajastute ühtäkki jalutavad meie kõrval, olles ootamatult reaalsed. Me mitte enam üksnes ei näe, vaid ka kuuleme, tunneme ja tajume: tunneme jalgades niiskust (Axel Malmström, “Üleujutus Mälari turul”, 1915) või sõrmedes külmust (Karl Werner Gullers, “Jääminek Riddarfjärdenil”, 1907). Tajume üksildust (Gunnar Smoliansky, “Slussen”, 1952), rõõmu (Erik Tryggelin, “Tüdrukud Tegnérlundenis keksu mängimas”, 10. IV 1901), ruttu (Micke Berg, “Keskjaam”, 1990 või Mike Stott, “Regeringsgatan/Hamngatan”, 1995) ja vaikust (Bruno Ehrs, “Kaijsa Bergkvist, kõrgushüppaja, Norr Mälarstrand”, 2002). Tunneme kohvi maitset (Micke Berg, “Café Java”, 1992) või rongi tulekut (Marie Nilsson, “Liljeholmen”, 1995 – 98), kuuleme kilkeid (Lennart af Petersens, “Vällingby “Mängupuu” ”, 1955), tajume kiusatust (Andreas Feininger, “Drottninggatani tänavasildid”, 1933 – 36), põnevust (Axel Malmström, “Valmistumine Walpurgi lõkkeks Skinnarviksbergetil”, ca 1925), müstikat (Marjorie Lundin, “Pesumaja”, Södersjukhuset, 1977) või uudishimu – kuidas võiksid maitseda koogikesed Nyborggatani pagaripoes (Lars Larsson, “Kinnistud nr 46 ja 48 Nyborggatanil”, 15 III 1907).

    Walter Benjamin on kirjutanud, et linnas pole kerge eksida. See nõudvat harjutamist. Kadumine on luksus, seisund, milles ollakse harva, hetk, kui elu on intensiivsem, vitaalsem, tavapäratum. Hea urbanistlik fotograafia võiks olla midagi samalaadset: selles võiks olla iseenda kaotamise, perspektiivi laienemise, unustamise, avastamise ja kõige esmakordse tajumise tunne. Portreed linnast ei ole üksnes portreed majadest või tänavatest, väljakutest või sildadest. Linna portreed ei ole ka üksnes linlaste portreed. Nad on kõike seda ja lisaks veel lõhnad, hääled, varjud, tunded, hirmud ja unistused. Näitus Stockholmist ei ole kindlasti mitte ainult 16 fotograafi nägemus 160 foto näol ca 160 aasta lõikes. See on ka vaataja jalutuskäik mööda linna ja mööda ajatelge, parimal juhul on see vaataja äraeksimine Stockholmis. Nende fotode kadumisest oleks kahju.

     

     

     

  • Vestlused-töötoad kunstnikega ETDM-is

    26. jaanuaril kell 12 toimub vestlus-töötuba keraamiku ja disaineri Eero Kotliga.

    Eero Kotli kollektsioon „Tainarullid, karistamise viisid“ valiti triennaali peanäitusele. Kunstnik kasutab erinevas suuruses ja värviga telliskive, neid lihvides ja kokku pannes valmivad uued esemed.

    Töötoas tutvustab Eero Kotli oma kasutatavat keraamika postmontaaži tehnikat.

    Osalejad koostavad ja monteerivad endale väikese telliskollaaži, mis sobib kasutada kuuma nõu aluseks, suviseks jookide jahendajaks, kandikuks, dekoratsiooniks lauale või seinale jne.

    Kohtumine koos töötoaga kestab 2 tundi.

    Osalustasu 10 eurot (sisaldab näituse külastust ja töötoas vajaminevaid materjale).

    Palume registreeruda hiljemalt 25. jaanuariks: kristi@etdm.ee, Kristi Paap, tel 558 6654

    Kohtade arv on piiratud.

    Olete oodatud!

  • Vaimne demokratiseerumine

    Mida kuuekümnendail aastail tähendas makk (s.t magnetofon),  seda mäletavad praegu veel ainult vanemas keskeas inimesed: jutt on tookordsest kultusesemest, mille omanikuks püüdis saada iga enesest lugupidav noor. Sellest siis ka eriline tuntus: poiss Krusteni jutus on veel üsna lapseohtu, kuid seda, et makita pole täisväärtuslik elu võimalik, ta juba teab.

    Mänguriista erilist populaarsust seletab vist kõige paremini magus sõna „vabadus”. Nõukogude Liidus käis täie  hooga uue inimese kasvatamine ja muude kujundajate hulka oli arvatud ka tõeline muusika. Paraku muudab sunniviisilisus iga tõelisuse iseenda vastandiks; noortele inimestele ei meeldinud too kraam, millega neid kõikjal kujundati: nemad hindasid piiritagust, siinpool piiri põlustatud helikunsti.

    Makk oli too imevahend, mille toel saadi põlustatut levitada ja lähedaseks teha. See kultuurilooline lühikommentaar on mõeldud kõigest hädatarviliku kõrvalepõikena, mu peamine siht on rääkida kirjaniku seisundist. Pole kahtlust, et Krusteni loos räägitakse  humoristliku varjundiga erandilmingust: makki soovinud poisi isa oli vist omal viisil veidrik; umbes nagu too, kes tahtis oma pojale Elektron nimeks panna. Niisama vähe on põhjust kahelda selles, et jutt käib millestki tõeliselt juhtunust, niiöelda tõestisündinud loost. Ja just see teeb kõnealuse pisiasja mainimisväärseks: tähtis pole niivõrd nali ise, kuivõrd see, et ta üldse tõeluseks võis saada.

    Kirjanik kontrolli ja kaitse all

    Kirjaniku seisundit iseloomustas Nõukogude Liidus kahesus: ta polnud mitte ainult riikliku kontrolli, vaid ka riikliku kaitse all.  Õieti kuuluvad need kaks ühte: kontroll ju eeldab, et on, mida kontrollida; juba kontrollile allutatus tõendab kontrollitava tähtsust. Niisiis oli riik kirjaniku seisundi ülendamisest otseselt huvitatud; iga juhtum, mis võis kahjustada kirjaniku seisust kui sellist, ei kuulunud avalikustamisele juba ette.

    Sellist kahesust tunnistati ka Nõukogude Eestis ja teiste hulgas on seda teinud ka kirjanikud ise. Eriti ilmeka näitena hakkab silma Mati Unt. „Mõrv hotellis”, nagu meile 1971. aasta kevadel ülikoolis suusõnal seletati, pidavat näitama, kuidas Nõukogude Liidus kirjanikku igal sammul jälitatakse ja tappa tahetakse. Nii reageeris Unt riiklikule kontrollile, aga ta on apelleerinud ka kaitsele. Iseäranis meeldejäävalt kõlab protest ajakirjanike vastu, kes olid temast rääkinud familiaarsevõitu toonil. Kuidas sai seda lubada ühiskonnas, kus kirjanik, nagu Unt otsesõnu mainib, oli „au sees”? Kogu kirjutis oli mõeldud osutusena, et ajakirjanikel tuleks olla vaoshoitum; vastasel korral, hoiatab autor lõpetavas lauses, võib asi lõpuks niikaugele minna, et ajalehest vaatab vastu küsimus: Noh, Mati, mis käki sa siis jälle kokku oled keeranud?”

    Muidugi oli see sihilik liialdus, Unt teadis hästi, et nõukogulikes  oludes poleks selline asi kuidagi võimalik. Selles mõttes ilmub nõukogude ühiskond lausa imeliselt seisuslikuna: töörahva riigis võidi kirjanik küll aastaiks vangilaagrisse saata, kuid isegi sunnitöölisena jäi ta ikka veel nii kõrgele, et töörahvale tema kohta vähimatki teadust ei antud.

    Iseärasus hakkas silma ka välismaalastele. Nii näiteks sai tollal tuntuks ühe soome kirjaniku hinnang: „Näed siis, kui kõrgelt Nõukogude Liidus kirjanikke hinnatakse; isegi vangi pannakse. Siin aga poe või nahast välja – ükski rott ei piiksu”.

    Nüüd siis oleme meiegi lõpuks niikaugele jõudnud, kuid  rõõmu selle üle nagu ei tahetagi tunda; seda peaksid tõendama juba kurtmised kirjanike liidu üldkogul. Aga need kurtmised polnud põhjendatud; olgu teistega kuidas on, kuid vähemalt kirjanikud ise peaksid aru saama, et kirjanduse osatähtsuse pidevas kahanemises pole midagi ebaloomulikku. Pigem vastupidi, lugejad, kes tunnevad lähemalt möödunud sajandi vaimuelu, peaksid teadma, et sellest kahanemisest on otsesõnu räägitud juba XX sajandil. Iseäranis kõrge vanuseni elanud autorid, kelle tegevus oli saavutanud haripunkti enne Teist maailmasõda, pidid suurele sõjale järgnenud aastakümneil  täheldama, kui märgatavalt on muutunud kirjaniku seisund. See andis endast märku juba väliselt. Oli ju sajandi esimesel poolel alatasa tehtud üleeuroopalikke ühisüritusi: kirjanikud sõitsid kõikvõimalikest paigust kokku, pidasid aru ja võtsid lõpuks vastu isegi resolutsioone, kus negatiivsed nähtused, näiteks fašism, hukka mõisteti. Pärast Teist maailmasõda muutus selline asi mõeldamatuks. Praeguseks aga on kõnealused kokkutulekud alanenud ajaloolist laadi kurioosumiteks.

    Nähtusele põhjusi otsides peatub pilk kõigepealt sotsiaalsusel: sajandi teisele poolele andis peasisu kahe vaenuliku  bloki vastasseis ja selle taustal said kirjanduslikud tegelused olla kõigest neljandajärgulise tähtsusega. Hoopis teistsugune üldhoiak valitses aastasaja esimesel poolel. Võtame näiteks stseeni „Aafrika haljastest küngastest”, kus nooremasse keskikka jõudnud Hemingway tutvub Aafrikas Kandinsky-nimelise mehega, kes oma uuelt tuttavalt peagi küsib: „Kes on teie Thomas Mann? Kes on teie Valéry?” (lk 20). Pärimine on nii paljuütlev, et selle täielikku tähendust saab näidata alles kommenteeriva peatumisega. Kandinsky teadis, et kirjanike järjestamine tähtsusastme põhjal palju ei anna, kuid veelgi paremini oli ta teadlik sellest, et tema kaasajal tavatsetakse niimoodi toimida. Sakslased olid kolmekümnendail aastail veendunud, et nende parim kirjanik on Thomas Mann ja Prantsusmaal kuulus see au Paul Valéryle; ju siis pidi säärane mitteametlik priimus käibima ka USA kirjanduselus. Nii tuligi Hemingwayl, kes ju ameerika kirjanikuna pidanuks selliseid asju teadma, vastav küsimus ära kuulata.

    Kas oleks selline pärimine meie päevil võimalik?  Loomulikult mitte, pole ju praegu isegi mitte suure kirjaniku mõistet, kõnelemata juba, et keegi saaks aru, mida tähendab „kõige suurem”. Jutt pole sellest, et kahanenud oleks autorite suutlus. Suure kirjaniku mõiste kadus sellepärast, et kirjanduse osatähtsus on kahanenud iga aastakümnega. Kirjaniku seisund polnud XX sajandi teisel poolel enam nii tähtis, nagu see oli olnud enne Teist maailmasõda, aga niipalju oli varasemate aegade hiilgusest alles, et suure kirjaniku mõistet ka pärast sõda ikka veel tunnistati. Kuidas saanuks jutt mõne isiku ümber järsult katkeda, kui see oli jätkunud juba aastakümneid?  Ja seepärast pidi kord juba saavutatud suurus lõpuni kehtima jääma. Kui Mary Hemingway või kirjaniku poeg Patrick Nõukogudemaad külastasid, siis kirjutati sellest paljudes ajalehtedes. Thomas Manni seisund oli nii tähtis, et Ida-Saksa kultuuripoliitikud, püüdes autorit tulevikuriiki meelitada, andsid välja autori „Kogutud teosed”, mille kaheteistkümnendas köites halvustati „bütsantslikku Venemaad”!!!

    Lihtne on näitlikustada kirjanduse seisundi teisenemist mõne üksikjuhtumi varal; palju raskema ülesande ette satub inimene, kes katsub kogu seda teisenemist hõlmata mõne  kokkuvõtliku formuleeringuga.Ilmekas kujund või võrdlus on parim, milleni kõnealusel juhul jõuda õnnestub. Juba mainitud Paul Valéry on kord tähendanud: „Igas Prantsuse provintsilinnas leidub noorur, kes laseks end Mallarmé värsside pärast tükkideks raiuda”. Selle kujundiga esitatakse ilmekalt suure kirjaniku põhieeldus: keegi ei loe Mallarmé värsse, kuid ühtaegu koondab see napp ja lähenematu looming enda ümber fanaatikuid, kelle raugematu entusiasm viib lõpuks selleni, et isegi ülimalt raskepärase luulevihiku autorist saab kirjandustaevas esimese suurusjärguga täht. Aga mispärast ei esine selliseid  fanaatikuid alati? See on paraku küsimus, millele saab vastata vaid ebamäärase osutusega suhtumise teisenemisele. Olid kord inimesed, kes aina selgitasid, et väärtkirjandusel ei saa menukirjandusega midagi ühist olla, kuid aegade muutudes ei leia säärane tegevus enam harrastajaid. Uuenenud maailmas hoolitak
    se veel ainult väärtusist, mida saab väljendada arvudes.

    Kõigist on saanud autorid

    Teoks saab ühtlustumine: piir väärt- ja menukirjanduse vahel muutub üha hägusamaks. Iseäranis määravaks aga kujuneb uuenenud maailmas Internet: on kõik muutunud lugejaiks ja ühtaegu autoreiks, siis see saab lõppeda ainult vaimse demokratiseerumisega. Ei maksa end eksitada lasta sellest, et ikka veel võib ette tulla esinejaid, kes näivad kõnelevat iseendale; varem või hiljem nad mõistavad oma aegumust ja orienteeruvad kuulajaile. Ja mida on selles halba? Igatahes tohib öelda, et ring, mida alustati XVIII sajandil, saab niimoodi täis. Oli kord aeg, mil valgustajad avastasid, et kõigi hädade peapõhjust tuleb näha harimatuses. Algas raamatuinimeste sõjakäik kirjaoskamatuse vastu, mida XIX sajandil, juturaamatute tootmise  hiilgeajal, jätkati juba nn romaanivabrikuis. Ja nüüd lõpuks, XX I aastasajal, oleme niikaugel, et kõik pole mitte ainult lugejad, vaid ka autorid. Ühtaegu tähendab see, et kirjandusest saab siitpeale üksikute iseärakute eraasi. Valgustajad on oma missiooni täitnud ja tohivad taas pühenduda iseendale.

  • Berliin-Pärnu-London

     

    SARAH CHANG (viiul, USA) ja PÄRNU LINNAORKESTER JÜRI ALPERTENI

     

    Et Pärnu linnal on eriline suhe viiulikunstnikega, on teada-tuntud tõde. Pärnu Linnaorkestril on aga veelgi erakordsemad suhted maailma tippviiuldajatega. PLO-l on olnud õnne koos musitseerida selliste maailmakuulsate viiuldajatega nagu Liana Issakadze, Sergei Stadler, Xiang Gao, kuid need meistrid on esinenud ka teiste meie orkestritega. Erakordne on pärnakate staatus aga seetõttu, et ainult nendega on esinenud 2000. aastal Leila Josefowicz (USA) ja möödunud pühapäeval Sarah Chang (USA).

    Olen kaugel sellest, et hakata koostama edetabelit tänapäeva juhtivatest viiulisolistidest maailmas, aga siiski on olemas mõned objektiivsed näitajad, mis annavad tunnistust nende hõivatusest. Eelkõige tuleb jälgida, kus artistid esinevad, s.t millistes saalides, siis milliste orkestritega ja viimasena, aga kõige olulisemana, milliste dirigentidega. Nii Josefowicz kui Chang on nende märkide järgi Eestit külastanutest kindlasti paar sammu esireast veel eespool.

    Sarah Chang (1981) on klassikaline imelaps, kes alustas viiuliga tutvumist nelja-aastasena. Kaheksaselt kutsus Zubin Mehta New Yorgi Filharmoonikute ette ja kohe järgnes kutse Riccardo Mutilt Philadelphia orkestri ette. Need on aga dirigendid ja orkestrid, kellega esinemisest unistavad väga head ja veel paremad solistid. Teatavasti on imelaste karjäär sageli lühike ja lõpeb täiskasvanuks saamisel. Sarah Chang kuulub nende erandite hulka, kes on suutnud seda ohtu vältida. Tema elukäigu põhjal võib koostada maailma juhtivate dirigentide (ka Neeme ja Paavo Järvi) ning esindussaalide nimekirja.

    29. IV algas Pärnu kontserdimajas see Eesti ainuke kontsert, kus Sarah Chang esitas Dmitri Šostakovitši Viiulikontserdi nr 1 koos Pärnu Linnaorkestri ja dirigent Jüri Alperteniga. Õhtu kava oli ühtaegu nii klappiv kui ka provotseeriv, sest esimeses pooles kanti ette Sergei Rahmaninovi “Sümfoonilised tantsud”. Need vene autorite teosed, mis ilmavalgust näinud XX sajandi keskel seitsmeaastase vahega, on nii erinevad ja nii sarnased, et neid ainult ühel kontserdil peakski esitama. Orkestri koosseis on nn full orchestra, s.t nii palju kui võimalik keelpille ja kolmene puhkpill. Tõsi, Rahmaninovil pisut suuremgi, sest Šostakovitš ei leidnud partituuris kohta trompetitele ja tromboonidele. Üks seik tuleks veel siiski selgeks rääkida. Selles samas viiulikontserdi partituuris (esimene trükk) on teose oopusenumbriks 99, hiljem on see aga parandatud 77ks. See tuleneb asjaolust, et Šostakovitš, saanud tohutu materdamise osaliseks seoses kurikuulsate 1948. a “otsustega”, jättis kuni diktaatori surmani sahtlisse vähemalt kolm teost: Kvarteti nr 4 op. 83, vokaaltsükli “Juudi rahvuslikust poeesiast” op. 79 ja Viiulikontserdi op. 77. Viiulkontsert tuli ettekandele alles 1955 (David Oistrahh) ja partituur trükiti 1957. Autor serveeris siis seda kui värsket teost op. 99na ja kriitikud, tema endised materdajad, kaasa arvatud Kabalevski, teatasidki, et helilooja loomingus on toimunudki “suur murrang” tänu “otsustele”.

    Pärnu Linnaorkestrile oli väljakutse päris äärmuslik. Esiteks oli keelpillide koosseis neil vaevalt kolmandik nõutavast ja teiseks oli solist pilvetagusest kõrgusest. Juba Rahmaninovi tunderikka ekspressiivsuse ja sisulise traagika ere esitus häälestas kuulajad sellele nivoole, et oodata võis veel enamatki. Hetkekski kahandamata PLO ja Jüri Alperteni entusiasmi ja võimekust, pean siia ikka ja jälle lisama meie akustiku Linda Madaliku teened, sest teisiti pole lihtsalt võimalik, et minimaalselt 64 keelpilli aset täidavad partituuris 21 Pärnu keelpillimängijat ja seda laitmatult. Sarah Changi esitus, ja ma jään selle juurde, ükskõik mida mulle ka ei räägitaks, oli super! Kergeid kohanemistunnuseid võis jälgida ainult I osa Nokturni 17 taktis. Edasine oli kõigi lavalolijate poolt, ma ei karda seda sõna, ime, mille generaatoriks oli muidugi Changi meisterlikult serveeritud energiapomm. Ammu ei ole kohanud sellist kõikehõlmavat, s.t nii lava kui saalitäit publikut hõlmavat ekstaasi spontaanse standing ovation’iga. Sarah Chang tuli Pärnusse Berliinist ja suundus sealt edasi Londonisse, kus ta esitab sama kontserdi BBC orkestriga Vassili Sinaiski juhatusel 4. V Barbicani keskuses.

  • Pealkiri pealkirjale

    Merike Estna ja Maksim Surin,

    Põhjamaa, mu sünnimaa. 2006,

     õli, lõuend. elin kard

     

    Merike Estna ja Maksim Surini näitus “Sõda ja rahu ehk Issanda loomaaed on kirju” Hobusepea galeriis kuni 9. X.

     

    Eelmise aasta alguses on keegi Marco Laimre kirjutanud ja avaldanud Sirbis teksti “Luuletus pulbitsevast kunstielust aastal 2004”. Kontseptuaalne luuletus koosneb vaid kunstinäituste retsensioonide pealkirjadest ning on sõltuvalt lugejast kas täielikult teemat ammendav või siis täiesti pealiskaudne. Luuletus lõpeb reaga: “Poodu maandus jalgadele ja ta näos ei liikunud ükski lihas”. Pole vist vaja mainida, et ühtegi pilti selle teksti illustratsiooniks ei ole. Näituste ja teoste pealkirjadest saaks kahtlemata samasuguseid ja mitte ainult esteetilisi loetelusid kokku panna. Aga ma ei tea, kas selliste loetelude raamatus peaksid olema illustratsioonid või mitte.

    Merike Estna on üks kunstnikke, kes on pealkirjafriik. Pealkiri või tekst, mis ei ole töö otsene osa (Estna maalidel, muide, ei ole kunagi tekste), on oluline selle seisukohalt, mis üks teos üldse on, kaasa arvatud see (tekst), mida ta võib vaataja peas põhjustada. Pealkiri ujub kuskil teose ümber, nii üks kui teine võivad kergesti kaotsi minna. Eelistan esialgu lasta kaotsi minna just piltidel.

    Antud näituse pealkiri on kilomeetripikkune justkui mõnel külakomöödial: “Sõda ja rahu ehk Issanda loomaaed on kirju”. Hullemaid klišeesid annab välja mõelda, kirjust loomaaiast räägivad tavaliselt lobisejad, kui on vaja mõnd liigisiseseid erinevusi puudutav arutelu ümaralt kokku võtta. Ilmselt pole sellele eelnevgi arutelu intellektuaalse kõrgpilotaaži näide olnud, ent see viimane väide on küll nii napakas, kui vähegi võib.

    “Sõda ja rahu” viitab jällegi kõige levinuma binaarse väärtuskoodi‚ hea-halb teisendile. Kui jätta välja radikaalseim vorm “sõda on rahu”, siis üldjuhul viib kontemplatsioon sel teemal välja samasuguse jabura nendinguni, et on jah vahel sõda, vahel rahu, vahel välispidine, vahel seespidine. Siinkohal oleks küll paslik vaadata selgituseks esimest illustratsiooni, näitusel välja pandud kineetilist maali, kus sinitaevas tütarlapse pea kohal on auk. Auk seal on küll ainult tehnilises mõttes, sest augutagune on sama maal, ainult et selle liikuv osa. Masinliku loogikaga vahetavad üksteist välja kaks detaili: rahutuvi ja sõjalennuk. Peategelase nägu pildil seejuures ei muutu. Võib-olla sellepärast, et ühele maalile kahte mootorit külge ühendada oleks olnud liiga palju. Kui see ükski mootor katki läheks, ei oskaks keegi öelda, kas jääks paistma lennuk või linnuke. Mida ilmselt oligi vaja tõestada.

    Ambivalentsed või absurdsed pealkirjad on Estnal samasugune instrumendiks saanud kinnisidee nagu ka filmilik kadreering, muinasjutulis-unenäolis-psühhedeelne atmosfäär ning maaliline fotorealism. Napakus ja lobisemine selles maailmas ei ole pahe, vaid Alice’i imestus, kui ta ühineb kutsumata külalisena jabura teelaudkonnaga. Maalid, mille tähendused muutuvad nii ruttu, kui mootor neid liigutada jõuab, on samasugused statement’id või lausungid. Käesoleval näitusel on Estna püüdnud koostöös Maksim Suriniga oma maailma ka videomeediumisse konverteerida. Töö meenutab vene neoakademistide analoogseid teoseid, kus barokk, camp ja kitš on odavalt mõjuvate montaažiefektidega uskmatuteks ja toretsevateks videoteks kokku traageldatud. Inglisarnaseid olendeid kehastavate modellide teatraalse meigi alt paistavad vistrikud, lavastus on diletantlikult püüdlik ja efektid nagu Balti jaama turult ostetud plaadil. Kui Estna maalide pildimaagia on üsna lummav, siis see video jätab napaka ja infantiilse mulje, mis justkui rõhutaks vaatajale, et maailmad piltidel lihtsalt lobisevad temaga, ärgu vaataja tahtku neisse päriselt siseneda. Mida vaene vaataja oskakski peale hakati, kui ta ühtäkki – vhiuuut! – imetaks näituse keskmes olevasse maali. Ta satuks väikese lapse arstliku läbivaatusstseeni tunnistajaks, inimpüramiidi tunnistajaks ja pildi nurgas oleva hobuse tunnistajaks. Mida ta seepeale võiks teha või arvata? 

  • Loomemajanduskeskuses avatakse kahe Iiri kunstniku isikunäitused

    Laupäeval, 19. jaanuaril kell 16 avatakse Tartu Loomemajanduskeskuses (Kalevi 13) kahe Iiri kunstniku isikunäitused: trepigaleriis Maria Kerini näitus “Meeting Marks” ja kohvikus Spargel Fiona O’Dwyeri “I drug this dress up in the garden”. 

    Mõlemad Iiri kunstnikud keskenduvad märkidele. Fiona O’Dwyer trükib oma joonistustesse märgid ajast, mälestustest ja lugudest kasutades maapinda, tinti, pigmenti ja liimi. 

    Maria Kerin kasutab näituse tegemisel omaloodud “kehastatud loovuse protsessi” (embodied creativity process), millesse kaasab ka kümme Eesti kunstnikku, kirjanikku ja loovinimest. Protsessis kombineerib Maria tantsu ja visuaalset kunsti uue meedia vahenditega ning näitus sünnib trepigaleriis kahe nädala jooksul. Maria Kerini esimene teos on näituse avamisel toimuv perfomance. Perfomance’id jätkuvad ka näituse toimumise ajal igal tööpäeval kell 13.45. Näitused juhatab avamisel sisse Mooste Kunsti- ja Sotsiaalpraktika Keskuse (MoKS) juht Evelyn Müürsepp. 

    Nii Maria Kerin kui ka Fiona O’Dwier on pärit Clare maakonnast Iirimaalt ning kuuluvad rühmitusse Outrider Artists. Rühmituse tegevuseks on lisaks kunstiloomingule ka näituste ning kunstisündmuste kureerimise ning kunstiresidentuuri korraldamine. 

    Näitus jääb avatuks 2. veebruarini. Näitusi korraldab Kaleidoskoop Kunstilaenutus ning toetab Tartu Kultuurkapital.

  • Pariisi raport

    Küsimustik, mis loovisikut ja loomeliite puudutava seadusandluse  ning sotsiaalse staatuse maati läbi kompas ja millele sai ka küllaltki pealiskaudselt ja libisevalt vastata, saadeti laiali üle paari aasta tagasi; konverentsi korraldamine veniski osalevate maade tagasiside hilinemise ja korraldajate rahastusmurede tõttu. Siiski, napilt Prantsusmaa eesistujamaa staatuse lõppedes see iseenesest väga vajalik üritus läbi viidi, kannustajaks Prantsusmaa ilmselge soov kultuuri puudutavas osas ka ELi sees liidripositsiooni hoida. Kindlasti oleks paremaid ja efektiivsemaid teid info maade kaupa kokkukandmiseks, kuid just eri maade kunstnike elava  esituse tõttu oli terve esimese konverentsipäeva kestnud raportite esitamine omaette show, mis mõnelegi ehk Pariisi 1968. aasta sotsiaal-selt kuumenenud õhustiku meelde tõi. Raportid kinnitasid eelarvamusi, esitasid palju kontekstist välja kistud faktipuru, kuid sisaldasid ka tabavaid üldistusi ja palju infot igaühe arengu kohta. Võib-olla oligi sobiv, et üritus nihkus majanduslanguse perioodile. Seesugune foon sunnib ühelt poolt hoopis fundamentaalsemaid, teiselt kõige lihtsamaid „kuidas ellu jääda?”, „kes maksab mu sotsiaalkindlustuse eest?” jne küsimusi esitama. Mõlemad lähenemised on  õigustatud, õiglase tulemuse nimel.

    Madal käibemaks on reegel

    Mida väärtuslikku meil järele teha tasuks? Ei hakka siin pikemalt rääkima nn Skandinaavia mudelist, pikaajalist stabiilset sissetulekut võimaldavast stipendiumide-grantide süsteemist, kuigi viimase aja arenguna on komisjonides pool kohtadest kunstnike kõrval poliitikute kätte läinud. Spetsialistidigalalal-mentaliteedi pealetung, ka seal? Või Taani unikaalsest sotsiaalkindlustussüsteemist, mis katab kõiki residente, nt kui kunstnikul pole sissetulekut, kohaldatakse talle valutult  sotsiaaltoetusi ja töötu abiraha. Kui käibemaks on riigis tervikuna 25%, siis kunstitöödel on see 5,5%, lisaks maksusoodustused kunsti investeerivatele firmadele.

    Meie möödunud aasta kontserdi- ja teatripiletite käibemaksurallis kasutas kultuuriministeerium loomeinimesi reetes minu mäletamist mööda retoorikat, justkui oleks enamik Euroopa riike valinud ühtlase käibemaksunivoo. Vähemalt kunsti müügi maksustamise kohta räägivad faktid küll teist juttu: alates 0-protsendilisest käibemaksust, kui müüb kunstnik (Poolas ja Leedus), Portugal 5%, Taani ja Prantsusmaa 5,5%, Belgia ja Luksemburg 6%, Saksamaa ja Hispaania 7%, Soome 8%, Sloveenia 8,5%, Kreeka 9%, Austria 10%, Rootsi 12%, Iirimaa 13,5%. Ja siis tuleb Suurbritannia 17,5%, Eesti 18% (18% on maksukohuslasest galerii osa lõpphinnast ja kunstniku osa, kui käive ületab 250 000 krooni aastas), Slovakkia ja Holland 19% ning Ungari 20%. Kordan, kunstikultuuri asend ja kunstituru väljaarendatuse aste on maati nii erinev, et numbritega võib soovi korral mida tahes tõestada, seetõttu peab alati üritama luua tervikpilti.

    Sloveeniat tasub detailsemalt vaadelda. Ka meie poliitikud  on Eestit eneseimetluse eufoorias tihti võrrelnud sotsiaalmajanduslikult meile lähedase taustaga Sloveeniaga, kuid kultuuripoliitiliselt pole põhjust hõisata. Nii on Sloveenias sellestsamast käibemaksust vaba kunstimüük alla 25 000 euro aastas. Kui kunstnik teenib kuni 42 000 eurot aastas, võib ta 25% automaatselt kuludeks maha arvata, ülejäänu maksustatakse nagu tavakodanikul. Kui ta teenib üle 42 000, peab ta kulutusi raamatupidamispõhiselt tõestama ja saab nood tuludest loomulikult maha võtta. Ta võib taotleda lisamaksusoodustust 15% (lisaks 25%-le), kuid seda kuni 25t eur aastas. 

    Riik maksab valikuliselt sotsiaalmaksu kunstnike eest, kelle looming ja asend on rahvuskultuuriliselt oluline, seega kes on võrdsemast võrdsemad. Kõik ülalöeldu puudutas niiöelda vabaturul raha teenivaid kunstnikke, peale selle on olemas Põhjamaade omaga võrreldav omavalitsuste ja riiklike grantide-fondide-abiraha võrk, k.a reisistipendiumid nii õppimiseks kui resideerimiseks, lisaks kujutavatele kunstnikele mõeldud riigile kuuluvad külalisateljeed olulistes kunstimetropolides nagu Berliin, London ja New York, resideerimisaeg on kuni kaks kuud. 

    Veel mõned aastad tagasi oli Kreekas, kus sealne Kunstnike Koda (kreeka kunstnike liidu kohustustes organisatsioon) organisatsioonina kultuuriministeeriumi palgal, kõik kunstnike liidu liikmed (NB ! ka pereliikmed) sotsiaalkindlustatud riigi poolt. Nüüd tasutakse vaid ravi ja vältimatu abi eest riiklikes haiglates, maksed sotsiaalkindlustuse eest on nagu Eestis FIEdel kunstnike endi kanda vastavalt sissetulekule. Taanis ja Iirimaal säilib kunstniku sotsiaalkindlustus ka siis, kui kunstnikul sissetulekut ei ole ja kindlustusmakseid ei tehta.

    Suhteliselt kunstisõbralik on Prantsuse süsteem: kunstnikud  on kõik sotsiaalkindlustatud, kuid kuni 650-eurose kuusissetulekuni makse maksma ei pea, üle selle on sotsiaalmaks 15,40% kasumist, seega jälle ennekuulmatu „privileeg”. Saksamaal ei pea vabakutseline kunstnik, kui ta ühineb sotsiaalkindlustusmaksete süsteemiga, esimesed kolm aastat makse maksma, kui tal sissetulekut pole. See on noore inimese elukutsevalikul ja elukutse kinnistumisel vajalik riigipoolne žest. Ka preemiad-stipendiumid on Saksamaal maksuvabad. Aktuaalne mitmete maade kunstnike seas on õigus maksustatav tulu nii-öelda laiali jaotada mitme eeloleva  aasta peale, vältides liigsete maksude tasumist niigi ebastabiilsest sissetulekust.

    Galerii, mitte loomemajandus

    Kultuur on seni olnud valdkond, kus mingit unifitseerimisnõuet ega ettekirjutavaid manitsusi Brüsselist lähetatud pole, vähemalt pole need meetmed kultuuriloojaid seni märkimisväärselt seganud. (Üks erand siin muidugi on, see on nn loomemajanduse fenomen, mis kultuuribürokraatidele ja tuuletallajatele veel pikalt tööd ja konverentsileiba annab, ehk teisisõnu nägemisnurk, mis kultuuritööstuse  lipu all pesuveega ka kultuuri kui niisuguse kasumlikkuse voolusängi peaks juhtima. Pariisi konverentsil õnneks loomemajandusest juttu ei olnud, kui, siis hommikusöögilauas kolleegidega, kus seda võimukoridorides leiutatud „isetasuvat”, lõppkokkuvõttes turusuhetele allutatud ja üleilmastuvale kommertsialiseerumisele rohelist teed sillutavat kultuurimudelit piisavalt sarjati.

    Või mida arvata Eesti kultuuriministeeriumist, kes kodulehekülje andmetel kunsti rahastusprogrammis on sulgenud galeriitoetuste programmi, „loomemajanduse” lahtris  aga teeb suuri sõnu „kultuuripoliitika prioriteetidest” loomemajandusest rääkides? (vt L. Jänese ettekanne konverentsil „Loomemajanduse võimalused Eestis”, Tartu 2008). Huvitav, milline loomemajandus peale panustamise professionaalsete kunstigaleriide ja nn avatud ateljeede või väiketiraaže tootvate disainilaborite tugevdamisesse meil üldse võimalik oleks (räägin siin oma kunstiala piires toimuvast)?

    Galerii on formaat, kus kunstniku teos leiab tarbija, tõmmates lisaressursse kunstiala toimimisse. Seega, ministeeriumi kõik ressursid peaksid olema sellele suunatud,  juhul kui „loomemajanduse” ja „loovtööstuse” jutu mõttest ikka aru saadakse. Või jäämegi „klastritest” rääkima, mis Eesti dimensioone arvestades on suhteliselt mõttetu importretoorika (vähesed positiivsed näited Katariina käigu ja Meistrite hoovi näol on siiski ka olemas – ainult seesugune võrgustik peaks ka kaasaegset kunsti ja disaini katvaid struktuure hõlmama). Seega, rohkem meie kvaliteetgaleriisid, omandivormile vaatamata, võiksid paikneda atraktiivses kesklinna tsoonis ja saada nii tugevaks, et neil oleks stiimul vastavate toetusprogrammide  toel minna ka välisturule, esialgu osalemaks olulistel (ja ka ebaolulistel) rahvusvahelistel kunstimessidel. Ja ei ole vaja siin ühe näite (Vaal Kölnis ning Arco-l Madridis) külge klammerduda, maastik on väga paindlik – toimiv mudel sisaldab endas mitmeid tasandeid.

    Konverentsi teisel päeval üritati defineerida professionaalse kunstniku statuuti, seega seda, milliste pa
    rameetrite järgi on üks amatöör ja teine professionaal (kui on „privileegid”, peab saajate ring ka seadusesilma jaoks määratletud olema). Nagu arvata võis, oli diskussioon elav, kuid tulemus etteaimatav. Kuigi mitmel maal (üllatuslikult ka Taanis, Küprosel, Austrias jm) arvatakse kunstikõrgharidusega noor kunstnik automaatselt loomeliidu liikmeks, on enamasti jäetud kriteeriumide defineerimine erialaorganisatsioonide pädevusse ja tüli pole sellest kusagil tõusnud.

    Kokkuvõttes, midagi oleks Eestis justnagu tehtud: loomeliitude ja loovisikute seadus on ka sellisena, „privileegidest” (euroopalikus kõnepruugis „maksusoodustustest”) puhastatuna ajutiseks toeks raskesse olukorda sattunud loovisikutele. Kuid uutmine maksurindel toob valdavalt  negatiivset teavet. Keegi ei pidanud nõu loomeliitudega ega loovinimestega, enne kui alanud aastast hüppas üle kahe korra üles vabakutselise minimaalne avansiline tulumaks kvartalis. Eesti riigi käitumismudel näib olevat ühe käega kitsilt anda ja ainult selleks, et see teisega kohe tagasi riisuda. Õigem tee tundub mulle ikkagi olevat loomemajandusega teenitut pigem vähem maksustada, kui et kasvatada ministeeriumides kükitavate ametnike armeed, kes seda raha siis targal jõul ja nõul meile tagasi jagavad.

  • Psühhedeelne retk üle Himaalaja

    Tõva kõrilauljad juhatas sisse Bhutani lauljatar Chhoden, kes sobis selleks ka ideaalselt. Habras lõikav naishääl muutis õhu kontserdisaalis kristalseks. Tema esitatud laulud kõlasid kui palvused või loitsud. Valdav osa Bhutani lauludest ongi palved. Bhutanlaste uskumuste kohaselt aitab laul ja tants jõuda vabanemise ning taassünnini. Inimesed saalipõrandal patjadel kuulasid kinnisilmi ja mõnumuie suul.

    Tõva muusika ajalugu on üldiselt rahumeelse kuluga kuni NSV Liidu mõjudeni. 1930ndatel, enne kui Tõva ametlikult NLiga liideti, hävitati kõik pillid ja ka laulmine keelati. Kuni 1992. aastani olid lubatud vaid sotsialistlikud ja NLi ülistavad laulud. Tuttav lugu. Tõva muusikatraditsioon on väga tihedalt seotud šamanismi, looduse imiteerimise ja ümbritsevaga ühenduses olemise ning selle hoidmisega. Kõrilaulu kasutatakse vaimude või neid ümbritsevate paikade poolt loodavate helide imiteerimiseks. Nii saab laulja vaimudega ühendusse ning avaldab neile tänulikkust kaitse eest. Sama jäljendav ja ühendav funktsioon on ka kasutatavatel traditsioonilistel pillidel.

    Võimas oli kontrast, kui Bhutani lauljatar lavalt lahkus ja härrased Tõva vabariigist esimesed madalad helid kõrisügavikest kristaljalt tardunud õhku paiskasid ning selle uuesti võnkuma panid. Eriti müstiliselt ja üllatavalt mõjus nn sõgõt-kurgulaul – heli ei tulnudki vilelaadsest puhkpillist, nagu oleks tahtnud arvata, vaid tekitati samuti kurgulaulu ja vilistamist ühendava tehnika abil.

    Huun-Huur-Tu, kes on ilmselt tuntumaid Tõva vabariigi kultuuri esindajaid maailmas, on olnud BBC maailmamuusika auhinna nominent, esinenud muu hulgas koos ka selliste tuntud muusikutega nagu Frank Zappa, Stevie Wonder, Ry Cooder, Kronos Quartet ja Ravi Shankar. Eesti publiku ees on Huun-Huur-Tu ka varem käinud. Ülimalt võimas, ilmekas ja põnev rahvamuusika!

    Paraku jäi kontserdielamus üldjoontes vaid vabaks meelelendluseks, sest ilma nende rahvaste kultuuri ja keelt põhjalikumalt tundmata polegi võimalik sealt rohkemat ammutada kui rütmidega rikastatud vaba fantaasialendu ja inspiratsiooni. Lähemalt tutvuda tasub aga kindlasti, kes veel jõudnud pole või kontserdil ei käinud. Siinkohal aitäh “Oriendile”!

    Kontserdijärgselt keerleb peas juba pikemat aega Jimmy Page’i ja Robert Planti lugu “City Don’t Cry” nende Marokos lindistatud live-albumilt. Jutuks olnud kontsert ja see lugu kannavad vähemalt minu jaoks väga sarnast emotsionaalset tähendust.

     

  • Alateadvuslike hirmude kättemaks

    Jaan Elken. Lüpsi ootel/Remix 2001. Õli, akrüül, lõuend. 1979/2001.Aldo Luud

    Jaan Elkeni näitus “Oktoobridemonstratsioon” Tartu kunstimuuseumis kuni 13. XI.

    See väljapanek on Jaan Elkeni  kolmas suurem näitus sellel aastal: märtsis-aprillis sai näha võimsat manifestatsiooni Tallinna Kunstihoones ning sügisel Pärnu uue kunsti muuseumis. Ühelgi juhul ei muutunud kontseptuaalne platvorm, komplekt oli aga igal pool erinev ning Tartu näituse jaoks valmisid ka mõned uued maalid.

    “Näitus koondab rämedat maskuliinsust, alateadlikke ja tegelikke hirme, paineid. Saalist saali korduvad aadressid ja daatumid on faktidena tõesed, tekstiilid kohati autentsed,” väidab näituse kaaskirjas kunstnik ise.

    Enamasti teevad kunstniku sellised väited veidi ettevaatlikuks, pannes kahtlema, kumb oli enne, kas keeruline (vajalik, trendikas) jutt või visuaalne ettekujutus. Seekord oli mul aga võimalus kuulata maalide kohta autori avameelseid selgitusi.

    “Tallinn. Kopli kaubajaam” on valminud  1982. aastal ning oli tookordsetel ametlikel näitustel oodatud. Rasketööstuse ja kaubarongide kujutamine oli igati tervitatav. Loo teeb huvitavaks teadmine, et Jaan Elken on sündinud 1954. aastal Krasnojarski krais, kuhu tema vanemad saadeti just sealtsamast Kopli jaamast samasugustes kaubavagunites. “Lüpsi ootel/Remix 2001” on osaliselt maalitud 1979. aastal ja taas on tegu lausa näidisteematikaga, kuid kunstniku tudengineiust ema oli saanud pagenduses tööd lüpsjana ning see päästis Jaani ilmselt paljudest küüditatute lapsi kimbutanud haigustest. 2001. aastal  maalitud mix’i tekstid aga on pärit stalinliku küünilisusega kirjutatud raamatust “Maitsvast ja tervislikust toidust”, mille eestikeelse variandi sugulased Elkenitele Krasnojarskisse järele saatsid. “Rasvad” kuulub kunstniku “Keha keemia” sarja ja on näitusele lisatud juba elkenliku küünilisusega. “Looney Bird” 1980. aastal maalitud tankiga oleks kollaboratsionismi musternäidis – “Võidu väljak 22. septembril 1944” tõi autorile kavandite võistlusel auhinna ja 200 rubla –, kui  võiduka tanki tagant ei paistaks hotell Palace. K. Pätsi kinnitatud kavandite järgi kujundatud Vabaduse väljak mõjus ka nõukogude okupatsiooni ajal eestiaegsuse sümbolina. Samasugusena toimis ka riigipöörde üle elanud hotelli reklaam, olles nii meenutus kui ka sõltumatuse kinnitus. Suurt ajalugu meenutavat pilti ümbritseb armastuslaulu tekst: meenutus kunstniku 1980. aastal alanud ja seni kestvast armastusloost. “Märts II” on mitmeid kordi üle maalitud lõuend, millele jäänud vaid vanglaseinal päevi lugenud mehe kalender (märts 1949).

    Pikas keskmises saalis küütleb kullas “Pobeda truda”, mälestus lüpsjast ema aukirjadest. Vaevatud, virelevatele inimestele jagati kullast ja sametist kiiskavaid aukirju ja lipukesi, kui teab mis suurt au sisaldavaid regaale. Purpurne samet segunenud kullast narmastega, mis taotluslikult näivad tilkuvat verest.

    Süngelt mõjuv must töö “Puhkus Aegnal” on meenutus lapsepõlves Aegna saarel veedetud suvest. Pool saart oli nõukogude armee käes ja kõikjale oli riputatud keelavaid silte, vabal saare osal leidus palju mahajäetud merekindlustusi, kus poisid hulkumas ja uurimas käisid. Materjalina on kasutatud ehtsat sõjaväepresenti. “Meeste saun II”, pesuehtne (assamblaažina kasutatud pikki meeste aluspükse) meenutus Tartu maantee sauna meeste osakonnast, kui pilet maksis 15 kopikat ja kus põrandale puhtusepidamiseks laotati ajaleht, tõi näituse ülespanemise käigus heldimuspisara silma mitmele meeskolleegile.

    Jaan Elken on käinud Raua tänava koolis koos paljude tolleaegsete tegelaste lastega. Siberis sündimisest rääkimine oli alati kaasa toonud häbenema panevad naerupahvakad ning keldrikorruse korterist kaasaimbuv hallituselõhn nii mõnegi ninakrimpsutuse. Samas aga koostati koos pinginaabri Olav Osoliniga ansamblite edetabeleid ja kuulati Radio Luxembourg’i (“Dead Flowers/Radio Luxembourg”).

    Kahte peaseinal punast maali võib pidada näituse kokkuvõtteks. “Linda/Remix 2004” on läbi aastate tulev kummardus armastatud abikaasale. “Velvet Underground II” kokku kägardatud, trambitud, rebitud ja ülemaalitud punalipp kirjadega “Born in the USSR 1954” on kui ikka veel veritsev haav inimese hinges. Alumist kirja lugedes suutsin teha tähelepanuväärse vea, lugedes velveti – vendetaks.

    Minu meelest võibki näitust võtta kunstniku isikliku oma alateadvuslike hirmude vendetana. Sümpaatne on aga see, et veritasu kõrval leidub ka midagi head. See on äge, valuline kaasaelamine oma vanemate saatusele – klaarib ta ju ka nende arveid – ning tajutavalt soe suhtumine teistesse lähedastesse.

    Võlvitud tagakambris näitab Jaan Elken oma hüperrealismi aegade best of valikut. “Koidula ja Leineri tänava nurgal”, tema debüütteos 1978. aastast, ja “Kalinini rajoonis” on mõjuvad kinnitused, et abstraktsioon oli ta maalides olemas isegi sellel hüperrealistlikul ajastul. Ja muidugi ei saa näitamata jätta “Kajakat”, millel Helsingisse suundub venekeelse kirjaga “Georg Ots”.

     

     

Sirp