Warning: Trying to access array offset on false in /data01/virt42511/domeenid/www.arendus.1kdigital.com/kultuuriveeb/htdocs/wp-content/plugins/page-scroll-to-id/malihu-pagescroll2id.php on line 414
feminism – Sirp

feminism

  • Mida ütleb meile kõrgustesse vaatav eksistentsialism?

    Jah, Søren Kierkegaardi peetakse õhtumaise filosoofia loos tihti esimeseks eksistentsialistiks. Simon Blackburni „Oxfordi filosoofialeksikonis” seisab kirjas, et Kierkegaardi töid „peetakse  üldiselt eksistentsialismi alguseks”¹. Sellises määratluses peituvad omad hoovused, sest kuigi Kierkegaard kasutab palju eksistentsialistliku mõttelaadiga seostatavaid mõisteid nagu „äng” või „meeleheide”, liigub ta näiteks XX sajandi keskpaiga eksistentsialistidega võrreldes hoopis teises suunas. Seda suunda võiks kõige lühidamalt sõnastada vertikaalse eksistentsialismina. Kui näiteks Albert Camus ütleb, et absurd „sünnib inimlike ootuste ja maailma meeletu vaikimise vastandusest”², siis Kierkegaard näeb inimese põhilist ülesannet mõistmises, et maailm ei vaiki, kuid selle mõistmiseks on vaja inimesel meeletust. Ning see meeletus väljendub usus: „uskumine on just arukaotamine selleks, et võita Jumal” (S, lk 50).

    Kuidas siis aru kaotada? Juba oma teoses „Kartus ja värin” ütleb Kierkegaard, et „usk on kirg” (vt S. Kierkegaard. Kartus ja värin. Meeliülendavad kõned. Tlk A. Alas. Vagabund, 1998, lk 125). Sama mõtet kordab ta ka mujal, nimetades usku „õnnelikuks kireks”, mille eesmärk on „paradoks, mis ühendab vastaspooled, teeb ajaloolisest igavikulise ja igavikulisest ajaloolise” (Fp, lk 73). Teisal ütleb ta nii: „ … mida rohkem kirge ja fantaasiat ühel inimesel on, seda lähemal on ta teatud mõttes usuni  jõudmisele …” (S, lk 103). Mõiste „kirg” kasutamine pole siin juhuslik, sest Kierkegaard kirjeldab mitmel korral Jumala ja inimese suhet kui armumist: „Üks usklik on ometi armunud; jah, kõikidest armunutest kõige armunum … ” (S, lk 122) või teisal lausa: „Niisuguse armastuse puhul pole õnnetus see, et armastajad ei saa teineteist, vaid hoopis, et nad ei suuda teineteisest aru saada. [—] Kuid see ääretult sügavam kurbus kuulub tolle teistsuguse armusuhte osapooltest sellele, kes on kõrgemal” (Fp, lk 33).

    Tundub, et selliste armumetafooride kasutamisel on oma eesmärk – need peavad omalt poolt andma mõista uskliku ja Jumala vahelise suhte intiimsusest, viitama tõsiasjale, et see suhe pole jagatav väljapoole, isegi kui seda saab kirjeldada üldmõistetavas keeles. Selle asjaolu teeb Kierkegaard just „Kartuses ja värinas” erilise järskusega selgeks: „Usku ennast ei saa vahendada üldisesse; sel juhul ta kaob. [—] Ühistegevus on nendel aladel täiesti mõeldamatu” („Kartus ja värin”, lk 131). Tsiteeritud tekstikoht lülitub tollesse kuulsasse Aabrahami ja Iisaki loo käsitlusesse: „Tema suhe Iisakiga on eetilises mõttes niisugune, et isa peab poega armastama. See eetiline  suhe taandub relatiivseks vastandina absoluutsele suhtele Jumalaga” („Kartus ja värin”, lk 130). Eetilises käsitluses jääb Aabraham seega mõrtsukaks, tema valmisolek mõrvata oma poeg jääb üldise mõistetavuse piiridest välja. Kuid Kierkegaardi vaatevinklis saab Aabrahami lähtekoht uue mõtte: „Aabraham esindab usku ja see on leidnud loomuliku väljenduse temas, kelle elu ei ole mitte ainult paradoksaalseim kõigist mõeldavaist, vaid nii paradoksaalne, et ta polegi mõeldav. Aabraham tegutseb absurdi jõul; sest absurdne on just see, et tema kui  üksik on kõrgem kui üldine” („Kartus ja värin”, lk 113).

    Olgu vahele öeldud, et kirjeldatu haakub Kierkegaardi mõttemaailma kolmikjaotusega esteetiline-eetiline-religioosne, kus viimane tähendab kahe esimese ületamist, uskuja tõelist, absoluutset suhet Jumalasse. Kuigi siin ei jõua laskuda kõikidesse olulistesse nüanssidesse (Kierkegaard kasutab ka näiteks mõistet „eetilis-religioosne”), siis olgu öeldud, et eetilise ja religioosse inimese üks põhilisi vastandusi väljendub just skaalal üldine-üksik. Esimene kuulub eetilise inimese maailma, teine uskliku, religioosse inimese maailma. Kõneldes oma peateoseks  peetavas „Emmas-kummas” eetilise maailmavaate positsioonilt, kasutab Kierkegaard mõistet „jagatud teadlikkus”³, viidates nii kahe inimese vahelisele armastusele, mis jõuab oma täiuseni alles abielus (see on muidugi täiesti eraldi hargnev teema). Religioossele vaimule pole see muidugi mingi lahendus. Ning kuigi kõik kolm praeguse käsitluse all olevat teost on astunud võrreldes „Kartuse ja värina” Abrahami-ülistusega sammu tagasi, püüdes viia lugeja mõtteid pisut vähem kompromissitule, kuid siiski piisavalt ränka eneseületust nõudvale usklikkuse ideele, kirjeldades mitte niivõrd uskliku inimese  sisemaailma, kuivõrd teed usklikkuseni – eelkõige valede teeotsade, tupikute ja ohtlike kurvide kaudu –, siis maadleb autor nendeski tekstides vastuoluga, kus põrkuvad teadlikkus oma ideaali jagamatusest ning vajadus see kirja panna, seda selgitada, seda jagada. Ehk seetõttu hüüatabki filosoof korraga: „võin tõde rõhutades öelda: kellele ma üldse räägin?” (S, lk 95). Ometi ta räägib, ometi peab kusagil olema varjul usk usu kui inimese ja Jumala vahelise isikliku, jagamatu suhte, religioosse kire üldisemasse plaani või siis vähemalt usk sellesse, et mõistetakse usu kui Jumala ja uskuja vahelise „armusuhte” jagamatust.

    Siin tekib paar uut huvitavat vastuolu. Esiteks vajadus, et religioosne inimene poleks lihtsalt konstruktsioon, vaid tähistaks teatud läbielatust – ehk siis practice, what you preach. Teiseks aga vastuolu kristluse kui üldise ning usu kui üksiku vahel. Siin astub mängu Kierkegaardi kriitilisus kodanluse ja selle harjumuspärasuste suunas: „Õnnetus pole see, et kristlikkusest ei räägita [—]; vaid et sellest räägitakse niimoodi, et enamik inimesi lõpuks sealjuures üldse ei mõtle …” (S, lk 122). Kierkegaardi kui kahtlemata kristliku mõtleja kontekstis tuleks  siis arvestada „kristluse” ja „uskliku”, s.t religiooni ja usu mõningase erinevusega: „Ristirahva põhiõnnetus on õieti kristlus – see, et Jumal-inimese õpetust [—] on alatise ja alatise jutlustamisega labastatud, nii et kvalitatiivne erinevus Jumala ja inimese vahel on panteistlikult [—] tühistatud” (S, lk 138). Osalt saab siin näha seost Nietzsche põlgusega nende vastu, keda iseloomustab „rahulolu piskuga”, kuid Kierkegaardi tundub just häirivat Jumala „käsitamine”, tõestamine ja põhjendamine – mis just tähendab tema jaoks usust eemaldumist. Ta torkab, et „kui jumalat poleks olemas, oleks ju võimatu seda tõestada; aga kui  ta on olemas, on ju hullus püüda seda tõestada” (Fp, lk 48).

    Niisiis, ühelt poolt käivitub Kierkegaardi mõttemaailm küll kui eksistentsialistlik – nii et kui Camus kirjutab, et „ainus reaalsus kõigi olendite mõõtkavas on „rahutus””, mis hirmuna teadvustudes muutub „ängistuseks, selge pilguga inimese püsivaks atmosfääriks, milles eksistents ennast ära tunneb”4, siis seda võiks pidada Kierkegaardigi lähtekohaks: „pole ühtki inimest, kes poleks natukenegi meeleheitel, kelles ei pesitseks rahutus, konflikt, ebakõla, äng millegi tundmatu ees [—], äng olemasolemise võimalikkuse või iseenda ees” (S, lk 31). Jah, „Ängi mõistest”  leiab nimetatud ängi/meeleheite kohta ehk Kierkegaardi ühe kõige poeetilisema sõnastuse: „Äng on muinasjutulisuse poole püüdlemine, kui silmapiiril terendab „tohutu”, horisondil haljendab „mõistatuslik”” (Äm, lk 54-55) – tõsi, see määratlus tundub kirjeldavat alles ängi tajumise, ängis olemise teekonna algust. Kuid siin ka sarnasus kahe nimetatud eksistentsialisti vahel lõpeb: Kierkegaard kasutab „ängi” ja „meeleheite” määratlusi siiski selleks, et nende kaudu tunneks inimene ennast ära, tundes ära oma suhte, s.o väiksuse/ekslikkuse Jumala ees ja saaks sedakaudu – heideggerlikult väljendudes – Jumala „kuuldavõtuks”;  Camus’ jaoks „piirdub” asi äratundmisega inimese ja maailma samaaegse olemasolu tõsiasja kohta.

    Veel enamgi – Kierkegaardi võib nii mõnigi praegune lugeja pidada oma subjektiivses kristluses konservatiiviks, kuid tundub,
    et ta oli sügavalt konservatiivne juba omaenda ajastu kontekstis: „Üldse on uskumatu, missugune segadus on tulnud religioossusesse sestpeale, kui inimese ja Jumala suhtest on kõrvaldatud see „Sina pead”, mis on ainuke reegel. „Sina pead” peab olema igas religioossuse määratluses; selle asemel on Jumala-ettekujutust Jumalast uskumatul kombel pruugitud inimese tähtsuse koostisosana, et end Jumala ees tähtsaks teha” (S, lk 136-137). Siin tahaks Kierkegaard justkui viia mõtlemist ajas kaugele tagasi, pühkida olematuks vormelit „Cogito, ergo sum”, mille mõjul on ju palju kergem öelda „Mõtlen jumalast, järelikult on Jumal olemas”, mitte „Jumal on olemas, järelikult olen mina olemas ja mõtlen temast”. Kierkegaardi arvates väljendub uskliku ja Jumala põhiline suhe uskliku sügavas võlas Jumala ees. Või nagu kuulutatakse „Emma-kumma” finaalis: inimese ja Jumala vahelise suhte lõpmatus tähendabki „meeltülendavat” teadmist, et Jumala ees/vastas pole inimesel kunagi  õigus (5). Kierkegaardi häiribki valgustuslik mõtteviis, mis teeb ekslikuks pigem Jumala: „meie ajal on saanud spekulatsioonist säärane võim, mis on püüdnud peaaegu Jumalat ennast Jumalas kahtlema panna, nõnda et Jumal oleks nagu mingi monarh, kes istub ängistunult ja ootab, kas rüütelkond teeb tast absoluudi või ainult piiratud võimuga kuninga” (ÄM, lk 179).

    Kuigi Kierkegaardi kui ka Camus’ maailmavaates võib tajuda antiklerikalismi, annab nende suhe Jumalasse põhjust väita, et Kierkegaardi eksistentsialism on kahtlemata vertikaalne: tema absurd seisneb usus, asetades usu nii absurdi: „usu absurdsus neelab  väikluse. Kokkusobimatused, mis muidu mõjuksid häirivalt, et tee siin midagi” (Fp, lk 120). Nüüd võikski küsida: kuidas selline religioosne mõtleja, kes kuulutas õige religioossuse jagamatust, kes jutlustas tõelise tunnetuse suletusest kõrvalolijate pilkudele ja mõistmisele; kuidas võiks selline filosoof vastu kajada meie sekulariseerunud ajastul? Kas ta üldse võiks? Mulle tundub, et võib küll ja päris võimsalt – kuigi ehk Kierkegaardi mõttevaramu kontekstis võib see kaja kõlada üsna kõrvalise ja kõrvalejuhtivana. Täpsustuseks tuleks vaadelda mõningaid inimese enesetunnetuse  aspekte Kierkegaardi kirjeldustes. Iseloomustades religioosset inimest ja tema suhet Jumalaga, rõhutab Kierkegaard sellise inimese enesekesksust. Esimene asi, mida teeb „religioosne geenius”, „on see, et ta pöördub iseenda poole”, aga „kui ta pöördub iseenda poole, pöördub ta eo ipso Jumala poole” (Äm, lk 129). Või samasuunaline sõnastus teisal: „Sokraatilisest vaatepunktist on iga inimene iseenda jaoks keskne – kogu maailm kontsentreerub temale, sest ta eneseteadlikkus on samas jumala-teadlikkus” (Fp, lk 17). Muidugi, olgu vahele öeldud, et jumala-teadlikkus pole veel jumalikkus: „Jumal ja  inimene on kaks kvaliteeti, mille vahel on lõpmatu kvaliteedierinevus” (S, lk 148). Mainin seda siin eelkõige seetõttu, et enesekesksus ühendab kõiki Kierkegaardi inimene-olemise vorme. Kui vaadata usklikust inimesest madalamale, siis läbivana kõlab kaks määratlust: „deemonlik” ja „loomalik”. Laskumata nende huvitavate mõistete sügavamasse analüüsi, kuna see pole praegu eesmärk ega võimalik, peab esimese – deemonlikkuse – puhul märkima, et Kierkegaard seob seda mõistega „enesessesulgumus” (vt Äm, lk 155) ja see võib tähendada ükskõik millist sulgumist iseendasse, alates juba kehalisest (ehk esteetilisest)  tasandist: „keha on omakorda hinge ja Vaimu organ. Niipea kui see teenistuslik vahekord üles ütleb, niipea kui keha hakkab mässama [—], on libavabadus kohal, ja see ongi deemonlikkus” (Äm, lk 162-163).

    „Ängi mõistes” kirjeldatakse mu meelest enesessesulgumise mõiste abil eetilise inimese meeheidet (vt S, lk 78). Kuid libisen ka sellest üle ja peatun hetkeks „loomalikkusel”. See on huvitav ja pidevalt korduv väljend, kuigi tundub, et siiski mitte kõige kesksem Kierkegaardi mõttekoosluses. Ometi viitab just see mõiste Kierkegaardi jätkuvale aktuaalsusele  või siis hoopis sellele, et mõned asjad ei muutu kunagi ning jäävadki muutumatuks. Kierkegaard sedastab: „mida vähem Vaimu, seda vähem ka ängi” (Äm, lk 54). Vaim on Kierkegaardi käsitluses inimese keha ja hinge sünteesiv tasand („Surmatõves” kasutab Kierkegaard paralleelina rohkem kaheplaanilist mõistet „Ise”), mis just eraldabki inimest muust loomkonnast: „Et on olemas inimesi, keda ängistus ei vaeva, sellest võib aru saada, kui mõtleme, et Aadamgi ei oleks tundnud ängi, kui ta oleks olnud ainult loom” (Äm, lk 65) ja mõnevõrra hiljem: „Kui inimene oleks loom või siis ingel, ei tunneks ta ängi. Aga kuna  ta on süntees, tunneb ta ängi” (Äm, lk 184). Asi on muidugi eelöeldust keerulisem, ängi/meeleheite mitteteadvustamine ei vabasta veel selle olemas- või juures- või seesolust, teiselt poolt pole äng/meeleheide mitte (ainult) eesmärk, vaid vahend, millel omad tugevad ja nõrgad küljed.

    Kuid kirjeldan seda kõike vaid selleks, et küsida – kas ei kõla aktuaalselt järgmine: „Seepärast saadaksegi tänapäeval Vaimu kiusatustest nii vähe teada; aga seda enam informeeritakse nüüdisajal meeliköitvatest konfliktidest mehe ja mehe vahel, mõne mehe ja naise vahel, mida toob endaga kaasa tänapäeva peen soirée- ja seltsielu”  (Äm, lk 144)? Niisiis, kui deemonlikkus tähendab usklikkuse vastandit, on see ikkagi mingilgi moel suhtes Vaimuga – isegi kui deemonlikkus tähendab igavikulist vältivat ängi, ollakse siiski ängistunud „igaviku ees” (Äm, lk 183), pealegi tähendab äng Vaimu suhestumist iseendaga (Äm, lk 55). „Loomalikkus” väljendab Kierkegaardi jaoks sootuks Vaimu puudumist või siis pisut „positiivsemalt” selle lubamatut vähesust: „Enamasti on inimesed [—] Vaimud umbes ainult korra nädalas ühe tunni jooksul – ja mõistagi on see üsna loomalik viis olla  Vaim” (S, lk 124). Siingi lööb välja Kierkegaardi vimm antiklerikaalse üldisuse vastu, kuid selle taga asub midagi veelgi üldisemat: arusaam, et Vaim pole ajutine mõtteharjutus, vaid igavene inimese sisemist potentsiaali avav/esindav ülesanne (või moodsamas keeles: elukestev õpe – õpetajaks on antud juhul muidugi Jumal ise). Ning kui palju on neid, kes seda tänapäeval veel usuvad? Kuigi järgnev kõlab Kierkegaardi plaanis ehk ketserlikuna, võiks üldistada, et tema mõttevaramu eesmärk võiks praegu väljenduda eelkõige inimese kui vaimse olendi meeldetuletamises ja sellega seonduvalt inimese kui vaimse olendi iseloomu ühes võimalikus, väga mõjuvas kirjeldamises: „On väga vähe inimesi, kes elavad vähemalt kuidagimoodi Vaimuna määratletult [—] Seepärast ei suuda nad taluda, [—] et oma hinge eest hoolitsemine ja tahtmine olla Vaim on ilma silmis ajaraiskamine” (S, lk 71). No kas pole pädev praegugi?

    Võiks aga küsida vastupidiselt: kas tänapäeval on võimalik inimene, kes elab „vähemalt kuidagimoodi Vaimuna määratletult” – s.t võimalik nii, et me temast kuuleksime, et ta meis vastu kõlaks, et tema Vaimuna olemine midagi tähendaks ja  ka meid olemasolemise olemuseni juhataks või seda kas või vilksatamisi meenutaks, tuletaks meile tarbijalikult murelikus mugavuses meelde, et „Vaimuna mõistetult [—] on inimese seisukord alati kriitiline” (S, lk 34)? Muidugi – puhtalt Kierkegaardi uskliku inimese määratlusest lähtuvalt kajab selles küsimuses absurd –, selline Vaim oleks viimane asi, mis praeguses avalikus sfääris huvi pakuks. Kuid ometi tundub, et lugusid ligilähedasegi süvenemisega vaimsusest vajab ka meie süvenevalt materialistlik ja kehaline, kahtlemata esteetilisse takerdunud aeg.  Hakkasin sellele mõtlema, lugedes Lauri Sommeri mahukat järelsõna varalahkunud luuletaja Andres Allani „Öötrükkidele”. Selles just rõhutatakse Allani eraklikkusse ulatunud erandlikkust, tema teatud sorti sissepoolepööratust: „Tihti tõmbus Allan yksinda mõisa, et õppida ja rännata oma sisemuses. Tuli õhtuse rongi pe
    alt otse öösse, käis pika maa ära, pani ahju kytte, syytas kyynlad, kuulates ennast ja ymbrust. [—] Meelerännakud polnud lihtsad, õndsuse ja selguse kõrval esines ilmselt ka hirmu ja painajalikkust” (6). Niisiis polnud olemise tuumani tungiv äng ja meeleheide tundmatu ehk ühele  suhteliselt tundmatule kaheksakümnendate noorele eesti poeedile. Ning pisut hiljem tsiteerib Sommer Allanit ennast: „Mulle pole üldse tähtis, missugust Jumalat ma usun või mis usku ma olen. Kui ma võtaksin üle mingi inimeste poolt tehtud vormeli ja ka Jumala, ma petaksin iseennast. Aga kui ma tahan eneseks jääda, usun ma Oma Jumalat, enda sisemises tunnetuses, aga mitte kellegi poolt sissesöödetult ja see usk saab olla ainult siiras ja puhas, siis on minu Jumal Kõige Pühamas paigas – südame sisemuses, aga mitte roojastatud kõigile nämmutada” (7).

    Erinevus Kierkegaardist väljendub  selles, et Allan elas kindlasti tunnetuses, mis viib tagasi määratluseni “Cogito, ergo sum”. Kierkegaard arvatavasti väidaks, et mingit „Oma Jumalat” pole olemaski, vaid on üks Omaksvõetav Jumal. Kuid ometi tunneks ta eeldatavasti sümpaatiat selle erakliku noormehe vastu, sest too on aru saanud, et Jumala omaksvõtt saab toimuda ainult endamisi, üksinduses – kindlasti paistnuks poeet talle Vaimuna, sest „üleüldse on vajadus üksi olla märk sellest, et inimeses on olemas Vaim; ja see on ka sellesama Vaimu mõõdupuu” (S, lk 79). Ülejäänuile on muidugi vaja lugusid tegelikkuse kohta erilise painava selguseni jõudnud eraklikest mõtlejatest, kes seisavad hetkekski selgelt ja paindumatult vastamisi oma – Kierkegaardi meelest muidugi meie kõigi – Jumalaga, s.t millegi suuremaga kui inimene ise. Isegi kui praeguseks on juba selge, et sellised inimesed kuuluvadki ühiskonna äärealadele. Isegi kui on täiesti üheselt selge, et tänapäeval lõpetanuks Aabraham oma päevad range järelevalvega hullumajas.

    1 S. Blackburn, Oxfordi filosoofialeksikon. Tlk M. Väljataga ja B. Mölder. Vagabund, 2002, lk 104.

    2 A. Camus, Sisyphose müüt. Tlk O. Ojamaa,  H. Rajandi ja K. Soomere. Eesti Raamat, 1989, lk 21.

    3 S. Kierkegaard, Eiher/Or. A Fragment of Life. Penguin Books, 1992, lk 443.

    4 A. Camus, Sisyphose müüt, lk 19.

    5 S. Kierkegaard, Either/Or, lk 603: “So wanting to be in the wrong expresses an infinite relationship, wanting to be in the right, or finding it painful to be in the wrong, expresses a finite relationship! So the edifying, then, is to be always in the wrong, for only the infinite edifies, the finite does not!”.

    6 A. Allan, Öötrükid. Menu Kirjastus, 2009, lk 182-183. 

    7 Samas, lk 187.

  • Kalle Randalu (50) + 200 = W. A. Mozart

    Kristjan ja Kalle Randalu.

    fotod frank hügle, peeter langovits

     

    Pealkirjas toodud tehte võib sooritada ka vastupidi, kuid mõte jääb samaks. Eesti pianismi läbimurdemees professor Kalle Randalu tähistab oma ümmargust sünnipäeva Mozarti loominguga. Oli ju Kalle Randalu see pianist, kes esimesena 1980. aastatel hakkas kollektsioneerima rahvusvahelisi laureaaditiitleid. Selleks ajaks olid möödas need ajad, kui edu saavutamiseks piisas ühest võidust ja neid ühtesidki meil varem polnud. Tasub ikka meenutada, et 1981. aastal tuli laureaat Schumanni konkursilt, siis kohe Tšaikovski konkursilt (1982) ja seejärel võit Münchenist ARD konkursilt (1985).

    See oli eesti interpretatsioonikunsti läbimurre maailma ja seda tingimustes, kus pääs nimetatud võistlustele abreviatuuri USSR esindajana oli eriti keeruline, isegi keerulisem kui konkurss ise. Palju aega varem, kui sellest said teada Randalu õpetajad, kaaslased, rääkimata kuulajatest, tundis ta ära, et Wolfgang Amadeus Mozart on tema helilooja. Seda võimatum oleks ette kujutada, et Kalle Randalu tähistaks oma juubelit teisiti kui kombinatsiooniga Mozart & Randalu, seekord siis sünnipäeva eelõhtul koos ERSO, poeg Kristjani ja saksa dirigendi Johannes Goritzkiga.

    Huvitav kava, kus peale Mozarti Kontserdi G-duur KV 453 ja kahe klaveri kontserdi Es-duur KV 365 esimese teosena hea sõbra Lepo Sumera Sümfoonia nr 1 ja veel Kristjan Randalu (1978) teos klaverile ja kammerorkestrile “Nach dem Anfang vom Ende” (2003). Küllap on seegi sümboolne, et Sumera Esimene sümfoonia on sündinud autori klaveriloost “Pala aastast 1981”. Sumera I sümfoonia on võrdlemisi väljakujunenud esitustraditsioonidega eesti sümfonismi klassika ning alati on huvitav nautida värsket tõlgendust.

    Johannes Goritzki on Düsseldorfi muusikakõrgkooli tšelloprofessor ja dirigent, kes asutanud oma orkestri Deutsche Kammerakademie Neuss am Rhein ning salvestanud rohkem kui 35 CDd. Othmar Schoecki Tšellokontserdi plaadistus tõi talle GP des Discoboles de l´Éurope. Suurte kogemustega muusik-dirigent midagi eriti uut Sumera teose interpretatsioonis ei nuputanud, kuid ega traditsioonidel baseeruv esitus head teost ei riku küll. Mõnevõrra vajaka jäi ehk Sumera dramaturgia mõistmisest, seda loen autori tugevaimaks küljeks, kuid lihtne see ju polegi.

    Klaverikontserdi KV 453 esitust kuulates tundus, et siin oli dirigendi kontakt orkestriga parem ja loomingulisem. Kalle Randalu on üks vähestest interpreetidest, keda kuulates suudan unustada asjaolu, et minult on tellitud arvustus. Mis tähendab, et naudin esitust, tunnistades eelarvamust, et see on väga hea. Mozart Randalu kaudu on ikkagi nii loomulik protsess, et siin ei tehta muusikat, vaid elatakse selles. Kõige muu hea ning parema kõrval olid eriti nauditavad Andante dialoogid puupuhkpillidega. Milline peaks olema Mozarti kontserdi keelpillide koosseisu suurus, on ilmselt kokkuleppe küsimus ja sõltub akustikast, orkestri mobiilsusest ja pianisti soovidest oma taotluste teostamisel. Mind ei häirinud asjaolu, et I viiuleid oli 6 pulti ja II viis pulti – mind häiris tõsiasi, et Sumera sümfoonias oli I viiuleid ainult ühe mängija võrra enam.

    Teine kontserdipool algas Kristjan Randaluga nii autori kui interpreedi isikus. Tema neljaosaline teos on sedavõrd improvisatsiooniline, et klaveri soolopartiid kirjas ei olegi – partituuri pidepunktidele toetudes improviseerib pianist soolopartii. Aegu tagasi tegi samu trikke Niccolo Paganini, kuid temal olid selleks teised põhjused, nimelt ta ei soovinudki, et keegi veel tema teoseid esitaks. Helilooja Kristjan Randalu puhul vist sellised põhjendused ei kõlba, asi on seletatav tema kui jazzmuusiku olemusega, aga mine sa tea. Pean tunnistama, et see teos just minu muusika ei ole, ent kui tuua paralleele kirjandusest, siis võiks öelda, et “päris lahe lugemine”. Midagi enamatki peab seal olema, sest saali keskrõdu tõstis ju korralikult tunnustava kiidukisa. Teose esimese osa pealkiri “Der Weg weg” andis põhjust mõtiskleda autori huumori päritolu üle, sest meie Hiiumaa kodanikud ei ütle kunagi lihtsalt “lähme ära”, vaid hoopis “hakkame nüüd minema minema”.

    Finaaliks pakutud “püha vaimu” kontsert kahele klaverile isa ja poja esituses oli absoluutselt juubeldav ning tuli Rondo kadentsist korrata, sest ega muidu poleks “minema minema” keegi hakanudki.

  • Kolm graatsiat in modo mixolydio

    Sarjas “Akadeemiline kammermuusika”: MERLE HILLEP (sopran), LEENA LAAS (viiul) ja NATA-LY SAKKOS Kadrioru lossis 28. X.

     

    Tulles välja kammermuusika kavaga eesti muusikast, on Merle Hillep (sopran), Leena Laas (viiul) ja Nata-Ly Sakkos (klaver) imetlusväärselt enesekindlad interpreedid. Või alustan hoopis nii, et ühel oktoobrikuu õhtul tulid Kadrioru lossi saali kolm veetlevat daami, et täita järjekordne “Akadeemilise kammermuusika” eesti muusikaga. Tegid seda sunduseta, omal vabal tahtel, ilma hõiskavate-eputavate pealkirjadeta ja väga maitseka valikuga Eduard Oja ja Ester Mäe vokaalmuusikast ning Heino Elleri ja Ester Mäe viiulimuusikast. Midagi üsna sarnast võib välja lugeda Merle Hillepi ja Leena Laasi annotatsioonidest. Lõpetanud pea üheaegselt EMTA, on nad end järjekindlalt täiendanud ning realiseerinud omandatut nii kodu- kui välismaal.

    Merle Hillep on jõudu proovinud ka konkurssidel ja 2002. aasta Tšaikovski konkursil on teda pärjatud Irina Arhipova eripreemiaga. Leena Laasil konkursisaavutusi kirjas küll pole, see-eest osalemine Kremerata Baltica töös ei ole kindlasti väiksem loorber kui konkursivõit. Merle Hillepil on ette näidata mitmeid osatäitmisi nii Soome kui Eesti lavadel ja Leena Laasil koguni CD “Poéme d’amour”. Nata-Ly Sakkos tutvustavaid tekstiridu ei vaja, kuna teda ja ta meisterlikku pianismi tuntakse nii Eestis kui välismaal hästi ning vastavalt on teda ka hinnatud riigi muusikaalase aastapreemia ning Valgetähe medaliga.

    Eesti muusika esitamine eesti interpreetide poolt pole Eestis just väga moodne tegevus. Armastame küll rääkida, et kes siis veel, kui mitte meie ise peaks seda tegema, ent meelde tuleb see repertuaar enamasti siis, kui vaja leida midagi välismaal esitamiseks-tutvustamiseks. Kodus (mõne harva erandiga arvestamata) kuulame eesti muusikat kas kampaania korras või siis maailmanimede esituses. Usutavasti saavad kõik lugejad aru, et ma ei räägi koorimuusikast ja Arvo Pärdist.

    Seda enam on hinnatav kolme võluva daami sukeldumine Heino Elleri, Eduard Oja ja Ester Mäe loomingusse. Nende autorite kammermuusikast esitas Leena Laas Elleri palad “Põhja viis” (1912), “Õhtulaul”, “Hällilaul”, “Canzonetta” ja “Männid” ning Ester Mäe “Kadents ja teema” ning “Kuus eesti rahvaviisi”. Merle Hillep alustas Eduard Ojaga – “Põhjamaa lapsed” ja “Me olime nagu lapsed”, järgnes Ester Mägi – “Kui võiksin magada”, “Mälestus”, “Põllul laulmine” ja “Maarjasõnajalg” (1988). Hästi muusika karaktereid ja kujundeid arvestavalt konstrueeritud instrumentaalne ja vokaalne muusika aastatest 1912 – 1988 mõjus mõjusa vormitervikuna, kus absoluutselt erilise koha võitis austatud maestra Ester Mäe looming. Ma ei oska ega püüagi arvamust avaldada, milline on tema vokaalteose “Põllul laulmine” vorm, kuid mina nimetaksin seda küll sonaadiks sopranile ja klaverile. “Sonaat” poleks siin pelgalt vormi nimetus, vaid kasutan seda sõna kõrgeima sisulise ja vormilise hinnangu märkimiseks.

    Kui ma ikka ja jälle kuulen lausutavat, et eesti rahvamuusika kõrgtemperamendi mõõtühikuks on üks “targa rehealune”, siis need ütlejad ei ole kuulnud Ester Mäe teost “Kuus eesti rahvaviisi” viiulile ja klaverile (1975), millega nimetatud kontsert ka bravuurselt lõpetati.

    Muide, lisaks muusikasse vormitud Marie Underi, Helvi Jürissoni ja Karl Ristikivi luulele esitas Merle Hillep veel Anna Haava luulet, mida aeg-ajalt ikka tehakse. Kuid andestust, lugupeetud daamid – nii hästi läbi komponeeritud muusikaprogrammis mõjusid need mõned tekstid pigem võõrkehana.

    Kui meil oleks üks selline muusika aastapreemia nagu näiteks “Parim klassikalise eesti muusika kontsert 2006”, siis ma ei kõhkleks nimetamast nominendiks Merle Hillepi, Leena Laasi ja Nata-Ly Sakkose kava Elleri, Oja ja Mäe kammerloominguga. Aga niisugust preemiat pole ju!

     

     

  • Krahli lummav dekadents

     

    “Võluflöödi” Pamina (Tiina Tauraite). Alan Proosa

     

    W. A. Mozart, “Võluflööt”. Kontseptsioon ja lavastus  Peeter Jalakas, tekst  Sigismund von Krahl, video- ja helikujundus

    Ville Hyvönen, muusika esitus ja arranžeering  Eva Alkula, Sirje Mõttus, akvarellid  Ervin Õunapuu, kostüümid  Reet Aus ,

    tantsud  Saša Pepeljajev, tehnilised lahendused  Enar Tarmo, valgus  Lauri Sepp, lava  Janno  “John” Jaanus, butafoor  Taavo “Jimmy” Tiko, rekvisiidid Anne-Mai Heimola, repetiitor  Annika Vamper, lauluõpetajad  Triin Ella ja Lea Peterson, konsultant  Tõnu Kaljuste, operaator  Mart Taniel, graafiline kujundus  Arbo Tammiksaar, grimm  Kersti Niglas, Anu Konze, Helen Ehandi, õmbleja Kersti Karro. Osades Tiina Tauraite, Riina Maidre (Draamateater), Maarja Jakobson, Taavi Eelmaa,  Erki Laur ja Juhan Ulfsak.

    Esietendus Von Krahli teatris 8. III.

     

    Von Krahli juures on mind aastaid võlunud see, kuidas mitte ainult lavastuste üldine sõnum, vaid iga pisimgi detail näib kogu trupi poolt läbi tunnetatud ja mõtestatud olevat. Tegu ei ole etendusasutuse, vaid teravdatud ühiskonna ja inimesetajuga kunstnike rühmaga, kes iga lavastusega oma elutunnetust manifesteerib. Küsimus ei ole ainult lavastuste pikas ja hoolikas ettevalmistuses, millega kaasnevad teoreetilised (Krahli akadeemia ja ööülikool) ning tegijate kunstikogemust avardavad tsüklid (asjaomaste filmide vaatamine jms). Lavastuste ülima orgaanilisuse tagab see, et alusmaterjalide ja lavastuselementide osas ei toetuta kultuuripärandi valmis varasalvedele-tekstidele, dramaturgiale, mõtte- ja kujutamismudelitele jne, vaid aluseks võetu viimistletakse ja kujundatakse kuni sinnamaani, et kogumulje kõlab pigem trupi liikmete ainukordse ja erinäolise avalduse kui mingi repertuaari etendamise või mängimisena.

    Loomulikult ei ole selliseltki õnnestumine alati ja kõiges garanteeritud. “Võluflöödigi” puhul on läinud palju auru alustekstiga maadlemise ja intertekstidega suhestumise peale, millele on ohvriks toodud loo dramaturgiline pingestatus ning osalt ehk ka sõnumi kandvus ja kõnekus. Ometi on lavastus juba stilistiliste võimaluste demonstratsioonina ülipõnev ning vormilt ka väga väljapeetud, harmooniline ja ilus. Tegemist on muusika- ja tantsuteatriga inimesele, kelle nägemismeelt on kujundanud tele- ja arvutiekraanid ning maailmataju popkultuur. Von Krahl tõestab, et ooper võib olla huvitav ka pikaajalise Estonia kogemuseta vaatajale ning oma kõne- ja laulumaneeride poolest mitte ajast ja arust, vaid parimate popkultuuriliste mallide kohaselt huvitav, innovatiivne ja stiilne.

     

    Postmoderni kukeaabits?

     

    “Võluflöödi” tüüpi lavastuste puhul armastatakse kirjutada: jah teame  – stiilide segunemine, tsitaadilisus, erinevate tekstide ja kultuurikihistustega mängimine, kunstivaldkondade piiride kadumine jne – postmoderni kukeaabits. Peeter Jalaka lavastus on suurepärane näide, et vabadus stiilikasutuses ei ole paari kogemusega hõlmatav ja igavaks muutuv tehniline taidurlus, vaid siiski lõpmatu väljakutse ja üsna ammendamatu mängumaa esteetiliselt leidlike ja avastamishimuliste inimeste jaoks. Harmoonia ja ilu ning suurejoonelisus käsikäes New Age’ini ulatuva tehislikkuse ja kunstlikkusega ning heroilisus ja paatoslikkus koos nilbete detailidega sulandusid “Võluflöödis” rafineeritud tervikuks. Krahli näitlejate loomuomane ning teise plaanina alati kohal olev punkstiil eemaldas lavastuse arvukate kunstlike elementide ümbert võõristava kesta ja ülespuhutuse, muutes asja postindustriaalselt uulitsalt pärinevale pilgule maapealseks ja sisseelatavaks. Vormiliselt oli “alkeemiline printsiip” – nii on tegijad “Võluflöödi” ülesehitust nimetanud – igati õnnestunud. 

    Struktuuri poolest järgib Krahli “Võluflööt” ehk liigagi algupärandit, kuid sisuliselt on Peeter Jalaka vaade Mozarti rollile kultuuriloos muidugi ekstsentriline. Peter Schafferi näidendit või Milos Formani filmi “Amadeus” mäletavale vaatajale ei ole aga Jalaka valitud suund küllap väga pöörane midagi. Geeniusena par excellence ning kanoniseeritud inimliku suuruse apoloogina võib Mozartit ju näha ka kui individualismi, romantiliste liialduste ja humanismi taha peituva eneseimetluse hällilauljat ja märki tänase inimese ja inimkonna kriitilise isekuseni ulatuval teeotsal. Lisanduvad tülid Salzburgi piiskopiga ja  Beaumarchais’ skandaalse valgustuspoliitilise “Figaro pulma” viisistamine, mis teevad Mozartist mõneti lausa uusaegse inimese ja mõistuse eest seisnud revolutsionääri. Helikeele osas, eriti kui kõrvutada varasemate ajastute muusikaga, võib Mozarti kaasusesse lisada ka efektidest innustuva instrumentaalse mõistuse kultuse ja tehnilise pimestamise janu. Mäletame, mida ütleb Jeffrey Jonesi mängitud Joseph II Formani filmis Mozarti kohta – “liiga palju noote”.  Andres Laasik on juba tabavalt osutanud (EPL 14. III), et suurvormi esitamine rahvamuusika “äärealadele” tõrjutud pillidega (kannel, akordion) mõjub toreda tähendusliku kontrastina.

     

    Kunstiliste vahenditega

    emotsiooni üle ei trumpa

     

    Krahli lavastuses mõjub Mozartist lähtumine uusaja ja inimliku isekuse ning valgustuse ja progressi probleemidega tegelemisel siiski vähem ehmatava ja raputava kui uinutavana, rääkimata mingist alkeemilisest mitteuusaegsele täiusetasandile tõusmisest. Kuigi lavastuste ülejäänud elementidega püüti vaatajat rahulolust igati võõrutada ja mugavusest välja rebida, jäi publik esmalt küllap soomlanna Eva Alkula kandle- ja Sirje Mõttuse akordionihelide võrku, millele sekundeerib draamanäitleja kohta üliimponeerivalt öökuninganna Riina Maidre laul. Pigem stiilselt lummav kui õõvastav oli ka teiste näitlejate mäng. Taavi Eelmaa jätkas kinovaatajale tuttavas kõrgvormis. Erki Laur oli ühtaegu rafineeritud ja groteskne ning Juhan Ulfsaki soolot peab iga teatrisõber nägema. Vähem oli väljapaistmisvõimalust antud kahjuks Tiina Tauraitele ja Maarja Jakobsonile. Seda, et “Võluflöödi” dekonstruktsioonile annaks mingit ökokriisi või maailmahävingu suhtes hoiatavat,  kõnekat või koguni teistsugust elutunnetust inspireerivat sõnumit ülesse ehitada, Jalaka lavastus aga veenvalt ei ilmestanud.

    Küllap ongi lootusetu püüda kunstiliste vahenditega üle trumbata emotsiooni, mille tekitasid nukrate silmadega naftamustad linnud läänerannikul. Globaal- ja ökoprobleemidest ning kriisidest kõnelemine on täna ka kahjuks väga devalveerunud. Rachel Carsoni isiklikust vähikogemusest võimendatud “Hääletu kevad” ja Rooma Klubi “Kasvu piirid” erutasid veel valitsusi ja andsid võnke ka suurele poliitikale. Tänapäeva inimese kogemust, et heitgaaside, tarbetu tehiskeskkonna ja surrogaatide maailmas heaolu ja eluiga pigem kasvavad jne, on raske kõigutada. Vaevalt et Jalakas lootis, et ta lavastuse paar mürarohket publikupimestust ja anekdoot maakera palavikust konkureerib kõigi nende surnud lindude, Katariinade ja Ritade, Auschwitzi ja langevate tornidega ning vaatajat šokivõtmes raputab.

    Kardetavasti mõnekordne fabritseeritud erepimestav valgus silmi ei ava, kui ei avanud sadu tuhandeid tapnud tsunami jt looduskatastroofide subliimsus, mis on võrreldamatult õõvastavam kogemus kui kõik see kokku, millele traditsiooniline esteetika mõtles subliimse mõistet luues ning Kant oma dünaamilise üleva ja loodusrahvad fetišite jms puhul. Kuigi vasakpoolsed üritavad võimendada seoseid süsiniku, kliima soojenemise ning orkaanide ja tsunamite vahel, pidades neid fenomene võrdseks tuumaohuga (Bill McKibben, “The Coming Meltdown” New York Review of Books 12. I), leidub samal ajal küllalt ka tõsiseltvõetavaid uurijaid,
    kelle arvates on  inimtegevuse osa soojenemises tühine või pole kliimamuutustes üldse midagi murettekitavat (Andrei Hvostov, “Ilmast, murelikult”, EE 12. VIII 2003). “Kliima soojenemine on tühiasi” kuulutasid hiljaaegu meiegi ajalehtede päised, viidates Anto Raukase “olümpiavõidule” Science’isse pääsemise näol, jättes mulje, et “teaduslikud olümpiavõitjad” moodsa inimtegevuse tagajärgi märkimisväärseks ohuks ei pea. Targu oli jäetud lisamata, et Science on vahendanud ohtrasti ka risti vastupidise sõnumiga uuringuid. Tagantjärgi on selgunud, et Raukase sõnumit oli üldse moonutatud. Kunstiliste vahenditega ei ole aga antud vaidlusse küll mõtet midagi lisada või ühe poole seisukohti võimendada.

     

    Välja mängiti apokalüptiline

    ekspressioon, ilus surm

     

    Krahlilik pure art, mis tahes siduvast väärtusilmast lahutatud kunst, on ju tegelikult ise osa samast loogikast kui loodust hävitav instrumentaalne mõistus. Kiirus (tempo), intensiivsus, mõjuvus (efektiivsus), originaalsus, vabadus, individualism, areng, esileküündivus jne on märksõnad, mis iseloomustavad suuresti nii Jalaka “Võluflöödis” käsitletud probleemide eeldatavaid põhjusi kui ka lavastuse kunstikeelt ennast. Üritades stiliseerida ohu- või šokikogemust, muutub pure art’i keel kergesti ise samasuguseks naftat kulutavaks gadget’iks, millest “Võluflöödi” lava oli üle ujutatud. Tegijate kuulutatud “alkeemiline printsiip”, mis positiivses mõttes ei tähenda ju mitte kõrvaltvaatajatele imestusväärseks ja suletuks jäävat veidrate elementide sulatust ega ka newage’ilik-tehislikku ökomõtlemist, vaid eeskätt pigem vaimse täiustumise ideaalist kui tehnilisest efektiivsusest lähtuvat tegutsemist, ei sobitu sisuliselt paraku eriti pure art’i esteetikaga.

    Lootsin, et dramaturgiline pinge ja mõõde, mis lavastuse sisuliselt kõnekaks muudab käivitub dialoogist, kus Taavi Eelmaa kapten ütleb Erki Lauri kehastatud seersandile, et, noh, solva, pane mulle veel maailmalõpu viimasel minutil ära, kehtesta ennast, lase individualismivolüümil ja power’il lõpuni kõlada, et ei oleks resigneerumist luigelauluski, kuid need alatoonid jäid kahjuks tagaplaanile. Välja mängiti estetiseeritud dekadents, fin de siècle’i laadis apokalüptiline ekspressioon, ilus surm. Tõeliselt ilus surm, mille mugavast nautimisest ei suutnud lahti raputada ka ebamugavust tekitanud eredad valgussähvatused. Võimalik, et inimkonna kui nautlevate surmaminejate estetiseering oligi Jalaka lavastuse olulisim sisuline telg.  Sõnum, mis on naiivsusega mitte äparduda tahtva kunsti käepärane võimalus.

    Ajal, kus õhtumaa elutavades näib olevat siiski rohkem kui küllalt küsitavat ja kahtlast ning on piisavalt põhjust karta, et ka iseenda oksa saagimisega on kaugemale mindud kui kunagi varem, oleks oodanud, et ebamugavustunnet põhjustatakse vaatajale enamgi, kui “Võluflöödist” kummitama jäi. Inimisekust tasub torkida isegi siis, kui nafta hommepäev ei lõpe ja inimtegevus kõikides loodusprotsessides süüdi ei ole. Halb teater see vormiliselt ülihuvitav ning inimese illusoorse mugavuse üle dekadentlikult ironiseeriv “Võluflööt” aga kahtlemata ei olnud.  

  • Nukud, põuepommarid, surmamõrsjad ja hullud sõnad

    Esimesed Betti Alverile pühendatud “Tähetunni” luulepäevad olid aastal 1993. Kolmeteistkümne festivali jooksul on olnud teemasid Betti Alveri loomingust kuni maailma luuleparemikuni, Arbujatest eesti uusima luuleni.

    Tänavuste, XIII Betti Alverile pühendatud luulepäevade teema oli “Ballaad”. Žürii esimeheks antoloogia “Eesti ballaad” koostaja kirjandusloolane Arne Merilai.

    Ballaadieksperti läks žüriil hädasti tarvis, sest lavastused varieerusid täispika ballaadi ettelugemisest ülikontseptuaalsete ning peaaegu tekstivabade lahendusteni. Arne Merilai julgustas kõiki tõlgendusi avatud südamega vaatama ning sõnas mõnegi küsimusi tekitanud lavastuse puhul, et materjal pole küll esialgselt olnud ballaad, kuid laval ballaad siiski sündis – mõnikord koguni täiesti uus ballaad. Nõnda otsitigi lavalt ennekõike dramaatilist lugu, peeti tähtsaks, et jutustatav jõuaks vaatajani ning et see oleks oluline ennekõike noortele tegijatele endile, mitte nende juhendajale.  

    Aasta-aastalt on kooliteatrite festivalide žürii töö läinud keerulisemaks. Ühelt poolt on kasvanud truppide professionaalne tase ning tegijate nõudlikkus enda vastu. Selgelt on välja joonistumas vähemasti kaks suundumust. Konservatiivsem laad seab esiplaanile luule esitamise, kauni sõna ning selge mõtte tõlgendamise.

    Teine, teatraalsem ning kontseptuaalsem suund kasutab luulet pigem ajendina uue kunstiterviku loomiseks ning kompab aasta-aastalt üha enam neid piire, kui kaugele luulest saab eemalduda, et tulem mahuks siiski veel luulefestivali pealkirja alla.

    Omaette küsimus on,  mida tuleb kooliteatrite lavastuste hindamisel olulisemaks pidada, kas vaba, taltsutamatut, rõõmsat ning ausat amatörismi või kõrget kunstilist saavutust, professionaalset esitust?  Vastus jäi leidmata sellelgi festivalil, ehkki seekord eelistas žürii selgelt vaba mängu kõrgprofessionaalsele lõppvormistusele.

    Nii jõudis laureaatide hulka võibolla mõnevõrra üllatavalt uustulnukate, Põltsamaa ühisgümnaasiumi trupi (juhendaja Külli Solvak) lavastus “Käsu Hansu kaebelaul”, mis võlus žüriid omamoodi naivismi ja vahetu ning ausa, pretensioonideta mänguga. Ka loo valik, selle arhailise teksti uuesti aussetõstmine oli tunnustamist väärt, ehkki vana keele häälduses võinuks põltsamaalastele üht-teist ette heita.

    Esimest korda oli Jõgeval teinegi tänavune laureaat, KutiMuti Stuudio (juh Tiiu Mägi). Nende täpseks lavastatud ugrimugri ürgulg “Maa ja mere piiril” võlus musikaalsuse, läbitunnetatud ja hea luuleesituse ning selgelt välja joonistatud loo tõttu. Mängurõõmu ja vabadust võinuks nii tugeva tulemuse puhul ehk rohkem olla, hetkiti rikkus vaimustust heast etendusest liiga tugevalt tuntav juhendaja juhtpositsioon.

    Perfektset lõpptulemust näitas ka traditsioonidega Viimsi keskkooli kooliteater juhendaja Toomas Lõhmuste lavastuses “Naissaare sünd”. See, et Viimsi poolsaare rahvas oli valinud mängimiseks oma valla loo, Naissaare sündimise legendi, kruvis ootused kõrgeks. Ja pettuda ei tulnud – Toomas Lõhmuste on kooliteatriliikumises vist ainuke “lavaka” haridusega lavastaja ja seda on tema töödes alati ka tunda.

    “Naissaare sünd” on põnev, kujundirohke, visuaalne ja plastiline lavastus, mis sobiks hästi mis tahes kutselisele lavale. Meisterlikult vormistatud tervik rutjus aga noorte näitlejate töö küll perfektseks, kuid siiski formaalseks lavalolekuks.

    Täiesti “oma looga” oli festivalile tulnud ka lõpuks peaauhinna koju viinud Saaremaa ühisgümnaasiumi Kreisis (juh Sirje Kreisman). Pealkirja all “Hullud sõnad” mängiti August Sanga ballaadi “Laul O. W. Masingust, mehest, kes andis Eesti keelele õ tähe”, mida oli vürtsitatud Doris Kareva luuletusega “Concerto strumenti e voce”. Lihtne, humoorikas ja õhkkergusel ette kantud lavastus ö-täheliste saarlaste seiklustest Otto Wilhelm Masingu välja mõeldud õ-tähe maailmas liigutas ja naerutas vaatajaid.

    Teise Saaremaa ühisgümnaasiumi trupi Krevera juhendaja Rita Ilves pälvis parima lavastaja tiitli lavastuse eest “30 kevadist minutit”, sest tema oli osanud kõige siiramalt näitlejates surra. Alveri päevade tänavuse žürii arvates oli just see juhendaja jätnud rohkesti mänguruumi ning rolliloomise võimalusi noortele näitlejatele endile.

    Lustakas ja leidlik oli ka ühe laureaadi, Rakvere reaalgümnaasiumi laulu- ja mänguseltsi Karla (juh Tiina Kippel) tõlgendus “K.I.N.N.A.S” Friedrich Schilleri ballaadi “Kinnas” ainetel.

    Huvitava tekstivalikuga jäi silma teinegi Rakvere trupp, Rakvere gümnaasiumi Teatriansambel (juh Aili Teedla) “Ballaadiga kõhnast mehest”. Bob Dylani teksti oli tõlkinud ja esitas parima meesnäitleja tiitli pälvinud Vallo Kirs. Samavõrra muljetavaldav (ja parima naisnäitleja tiitli viinud) oli Paula Solvaku kehastatud Nukk Kullo teatrikooli (juh Marit Kannelmäe) visuaalselt mõjusas lavastuses “Nuku lugu”.

    Rapla kooliteater Ega Vist (juh Valter Uusberg) on juba aastaid visanud suuremaid ja vähemaid rahne seisvasse vette, kombates piire, kui kaugele tohib minna – luulest, koolilaps olemisest, tavamõtlemisest… Seekord tasalülitasid nad lavastuses “Kaleidoskoop” müramaailma (teema, millega trupp varemgi tegelenud), püüdes lahti mõtestada keelatud ahvatluste magusvalusat kutset.  

    Festivali pererahvas, kuulus Jõgeva kooliteater Liblikapüüdja (juh Lianne Saage-Vahur) kõndis samuti piiril. Lavastus “Õnne piir” oli teadlikult ja väljakutsuvalt staatiline, samas täpne ning kaasahaarav, toetudes vaid kahe näitleja (üks neist festivali noorim osavõtja, tulevikulootuse auhinna pälvinud V klassi noormees Simmo Säärits) suurepärasele luuleesitusele. Lavastus tuletas ühtlasi meelde, et just luule pühitsemiseks Alveri päevad kunagi sündisid. Tore oleks, kui see kontseptualismituultes ja sotsiaalsusepüüetes ikka meeles püsiks.

    Sotsiaalne närv, mida mõne aasta tagused žüriid luuleetendustest asjata otsisid, on iga aastaga tundlikum. Tänavu oli lavastusi, kus maailma ja indiviidi suhetes selgusele püüti jõuda, päris palju, kusjuures näpuganäitamist selles suunas õnneks vähe. Aga lavalt käisid teemadena läbi nii “põuepommarid” kui ka euroliit, narkomaania ja homoseksuaalse probleemid.  

    Kummalisel kombel kõlas tänavu lavalt mitmel korral saksa keel – Viljandi ühendatud gümnaasiumide trupi (juh Marika Mäger, Andres Linnupuu, Reet Lubi) lavastus “Mein Herz” eksponeeris läbi ühe peategelase paeluvalt saksa ekspressionismi. Paraku lõhkus ülejäänud lavastus puhta dekadentsi neitsilikku muljet ning tervikuna kalduti meeleoludelt peavoolu.

    Ehk siis – liiga palju morbiidsust oli kõigis neis surmatantsudes vaevlevates surmamõrsjates, surnud lastes, nülitutes ja öös ekslejates. Kujunditest oli selgelt populaarseim rist (kord ka satanistlikult tagurpidisena) ning ühel korral toodi lavale koguni piibel.

    Selle kõige allaneelamiseks festivali küllusekontekstis (mängituna erineval kannatamisastmel ja vahel koguni hoopis ilma huumorisooneta), ei aidanud lõpuks enam ka kinnitus, et surm ongi noorte teema. Tühja ta on. Surm on meie kõigi teema, küsimus on ikkagi selles, kuidas panna see, mis tegijat huvitab (kui huvitab) liigutama ka vaataja südant ning meeli.

     

  • Elutants Lembit Saartsi moodi

    ?Ma pean saama pilti teha,? ütleb Lembit Saarts ajakirja kunst.ee ?Ego? intervjuus. Üks Dostojevski tegelane kuulutab sama kangekaelselt: ?Ma pean saama teed juua.? Kas ei kõla need üheväärselt eksistentsiaalselt? Ometi on ühe ring äärmuslikult ahenenud, teise maailm aga läbivalt helge ? ja selles helguses mitmekesine ja avar(dav). Kergendav. Tõtt-öelda pole sõna-sõnalt meeles, miks Dostojevski tegelane pidi teed juua saama. Võimalik, et see oli tema ainus järelejäänud eneseidentiteedi väljund? Saarts tuli eluga tagasi Stalini vangilaagrist, ja Tartu kunstieluski on ta ellu jäänud. Ikka maalides ? värvigamma mitte ainult ?si-bemoll-ma?oor helistikus? ja tegevustik, hinge liikumine, peamiselt ?fuuga rütmis?.

    Värvimaastikes vahelduvad päeva- ja aastaajad, kohad ja ilmaolud, tegelased ja tunded. Kuidas särab oran?i-roosa täiskõlas varahommik Karlova pargis (1961). Kui meeleline on rohelises kleidis naiseportree ?Nartsissiga? (1957). Kui spontaanne ja kirglik on ?Hüvastijätt? (1958). Kui jõuline ja külluslik on ?Naine kannuga? (1958). Kuidas autoportreeline ?Tambet isaga? (1976) on üheaegselt presentatsioon ja kindel vaade Vaatajale vastu. Kuidas suureformaadiline ?Sügispilt? (1978) näitab vastupidiselt, selgvaadet, gruppi soliidses eas inimesi seismas, eel kerkiv pilvemüriaad tulevikuhorisondil. Kuidas ?Jäljed rannal? (1973) sillerdab liivalainetuses ja ?Bukett? (1982) on sama lopsakas kui naine roheliste kaardinate all (?Roheline kaardin?, 1967). Kuidas ?Hilistes külalistes? (1967) seisab kuuvalgusest ülekülvatud paar aiaväravas, käest kinni, naine sinises kleidis, mehel mõle­ma üleriided käsivarrel. Kuidas ühtede maastike küpse, ruske ja leekiva meeleolu vahetab välja teiste talvine vaoshoitus.

    ?Õige kunstnik ei taotlegi. Midagi pole eriti nii väga püüda. Ma olen täiesti eitaval seisukohal, et midagi püüda, kõik peab ise tulema, võimalikult ise tekkima. Iseenesest. Mingisugust otsimist ei ole, aga kõik on üks leidmine, juhus, ja kui on selline juhus olemas, et sa kogemata ? juhtub mingisuguse vahva leidus, siis on selline meeldiv tunne ja see ongi, mis rõõmu teeb, ja mis teeb veel isu teha,? nüansseerib kunstnik oma suhet ?pildi tegemisega?.

    Viimaste aastate tööd, ?Istun üksinda?, ?Udune muna?, ?Minek?, ?Sinisesse tuppa?, ?Mälulünk?, ?Sinine liikumine?, ?Kevadväsimus?, ?Millennium? jt on otsekui jäised. Mingis teises aegruumis? Eriti väsinud tänase eesti moe-elu-rütmidest? Vastandumine kriiskavale reklaamivärvindusele? Nivelleerumiste peegeldus? Kunstniku suveräänsus igatahes.

     

    Meri kui sümbol

    Võtmetöödeks Saartsi loomingu olemuse juurde selles ekspositsioonis, mis suures enamuses on pärit kunstniku ateljeevaramust (!), peaksin kolme rannamaastikku. Kui võrrelda Karin Lutsu retrospektiiviga muuseumi ülakorrustelt, siis Lutsul kohtab merd paljudes eri varjundeis, palju ka olustikuliste ja töistegi aktsentidega, Saartsi merevaated on aga otseselt sümbolmaastikud. Maalipaar ?Ikla päeval? ja ?Ikla öösel? (1958) ?mäletab? kaunist kuuma suve Läänemere ääres (kui abikaasa Silvia oli saanud suunamise peaagronoomiks Kilingi-Nõmmele). Päevase stseeni keskmes, rõõmsalt elevil mere foonil, kuivatab aadamaülikonnas Eva end päikesekollase rannarätikuga, kõrval riidelasu rannaliival. Maal on liigendatud erksatest kontrastidest. Öises vaates on maa, vesi ja õhk ühteviisi sinisest hämarusest ja kuuvalgusest üle ujutatud, inimkuju võtavad nii pilvekontuurid taevas kui puuvõrad rannal, fantaasia on ärkvel, kosmiline nägemus kättesaadav, saladuslik ümbrus tõotav.

    ?Rannamale? (1978) pealkiri on sedavõrd täpne, et võiks loobuda maali atmosfääri lähemast iseloomustamisest. Unistusliku mere poole sammuva naise kleidi koobaltsinine värv on samavõrd kujundlik kui esiplaanil istuva mehe seis malelaual. Rohelise päikese (või ühtlasi kuu?) peegelduses merel aimdub Edvard Munchi tuntud kuutriip ?Üksildastest? ja ?Elu tantsust?.

    ?Mu maastikud on peas, ma teen peast, saan kõige paremini teha ? mälu järgi. /…/ Mul on unenäomaastikud vahest, enamik võib-olla on välja mõeldud ? lihtsalt hakkan maalima, teen ühe maastiku, ükskõik millise, kusagil nähtud, mõne, mis on meeles, mälu järgi. Oluline on, et tast pilt pildina välja tuleb. Ta võib iga maastik olla. Võib-olla on Kuu-maastik. Ja Marsi-maastik. Noh, maakera peal ka kindlasti,? fabuleerib Saarts talle omaselt.

    Ka Munch on öelnud (maastiku maalimise kohta): ?Ma ei maali seda, mida ma näen, vaid seda, mida ma nägin?. Võib ju öelda, et see on vana(nenud) formalistlik(?)-modernistlik kreedo. Aga võib-olla kestab modernism edasi ? kui mõista modernismi eksistentsialismina, mis alates ühest (!) suurest kodanlikust (?) revolutsioonist on inimest andnud järk-järgult aina enam vaba tunnetuse meelevalda. Mida õieti tähendab ?ma NÄGIN?, ?ON MEELES?? Kas pole tegemist jäädvustustega n-ö alateadvusse? Vähemalt püsiva(ma)lt mälusahtleisse? Ja mis on see, mis jääb püsiva(ma)lt mälusahtleisse? Ju midagi tähtsamat, olulisemat. Eksistentsiaalselt väärtuslikumat? Miks eitab Lembit Saarts ?koledat? kunstis? Miks jaatab ?ilusat?? Sest ta eitab ?koledat? ka elus ja inimeses. Ta jaatab inimeses ja elus ?ilusat?.

    ?Ärge andke oma lambist õli, andke valgust!? ? ei väsi kunstnik rõhutamast.

    * Omaaegne intervjuu kunst.ee-le (nr 2, 2002) toimus ?vabal-intensiivseil hetkeil sündinud visandite? sirvimise saatel, millest mõned näited said ka ajakirjas avaldatud. Kuid Saartsi visandite mapp sisaldab palju üllatusi. Neid oleks võinud rohkemal hulgal eksponeerida, eriti kuna näituse pealkirjas seisab viide ?joonistused?.

  • Eesti Ajaloomuuseumi õpitubade sarja “ASJA ARMASTAJAD” esimene õpituba 2. märtsil kell 13 Suurgildi hoones

    Kultuuripärandi aasta 2013 raames alustab Eesti Ajaloomuuseum õpitubadega „Asja armastajad!“. Kutsume kõiki asja armastajaid osalema!

    Esimene õpituba teemal „Ajalooline foto ja perekonnaalbumite hoidmine“ toimub laupäeval, 2. märtsil algusega kell 13.00 Suurgildi hoones (Pikk 17, Tallinn).  Õpituba viivad läbi   René Viljat ja Merilis Roosalu.

    Õpituba käsitleb ajaloolist fotot kui kogumisobjekti ja teabeallika temaatikat ning pakub näpunäiteid fotode ja albumite edukaks koduseks säilitamiseks.

    Fotograaf, fotokollektsionäär ja ajalooliste fotode pildiraamatute koostaja René Viljat räägib oma kollektsiooni sünnist, sisust ja rakendusviisidest. Tema huvi ajalooliste fotode vastu on leidnud suurepärase väljundi menukate ja kaunite fotoraamatute näol.

    Õpitoa teises pooles annab Eesti Ajaloomuuseumi fotokogu konservaator-koguhoidja Merilis Roosalu praktilisi juhiseid koduste pildikogude ja perekonnaalbumite säilitamiseks. Soovitame osalejatel kaasa võtta mõni vana foto või album, sest anname nõu, kuidas kaasa toodud fotoalbumeid ja fotosid säilitada.

    Tutvumiseks on väljas René Viljati fotoraamatute paremik.

    Palume osalejatel eelregistreerida SIIN!

    Osalustasu 3 eurot.

    Järgmine õpituba teemal „Arhiivkogu ja kodusesse arhiivi kuuluva pabermaterjali säilitamine“ leiab aset 16. märtsil kell 13. Õpituba viivad läbi Eesti Ajaloomuuseumi arhiivkogu hoidja Milan Pening ja konservaator Tiina Vint.

  • Kahe kultuuri refuugium

    Tol Põhjasõja ajal elas haritlaskond muust rahvast üsna eraldi, kuid haritlaskonna enda sees ei olnud suurt lahknevust praeguses mõttes humanitaaria, kunsti ja loodusteadustega seotute vahel. Humanitaarintelligentsi ja teadlaskonna eraldumine algas XVIII-XIX sajandi tööstusliku revolutsiooniga Inglismaal ja teostus  äärmuslikult teadusrevolutsiooniga kahe möödunud sajandi ilmasõja vahel. 1959. aasta 7. mail pidas inglise füüsik ja kirjanik Charles Pearcy Snow Cambridge’i ülikoolis avaliku loengu, mis vallutas maailma. Kõne pealkiri oli „Kaks kultuuri” ja ta arutles selle üle, et hingeline maailm polariseerub. Ühel pool asub kunstiintelligents, teisel pool loodusteadlased, kelle markantsemaks näiteks on füüsikud. Esimesed kuulutavad,  et teadlased ei kujuta ette reaalset elu ja elavad vaid iseenese loodud maailmas. Teised jälle kinnitavad, et kunstnikel ei ole ettenägemisvõimet. Kuidas siis muidu kirjeldada olukorda, küsis Snow, et teadus kunsti kuigivõrd ei mõjuta. Teadus areneb, ütles ta, kunst aga tammub ikka oma rada. Nõnda on Snow nägemuses kunstiintelligendid kui tööstusrevolutsiooni-aegsed ludiidid, kes masinaid purustasid. Snow  kirjeldas, kuidas tõstatas lõunalauas küsimuse – milline on termodünaamika teine seadus? – ja kuidas humanitaarid selle peale naerma puhkesid. Milline absurdsus! Snow väitis, et entroopia kasvu seaduse mittetundmine on samaväärne sellega, et teadlased ei tea midagi Shakespeare’ist. Snow kõne avaldati seejärel pealkirja all „Kaks kultuuri ja teaduslik revolutsioon”. „Kaks kultuuri” muutus kähku sama üldkasutatavaks fraasiks nagu „võimukoridorid”, nende mõlema autoriks oli Snow.

    Fraasid rebisid end kontekstist lahti ja hakkasid elama oma elu. Pool sajandit on nüüd Snow loengust möödas, aga selle üle arutletakse ikka veel. Nii teadusajakiri Nature kui ka populaarteaduslik New Scientist pakkusid sel puhul autoritele oma pinda, et arutleda, kui palju Snow tõstatatud vastuolust on nüüdseks  püsima jäänud. Diskussioonis osalenud inglise filosoofid peavad Snow jaotust primitiivseks ja kindlasti suurel määral aegunuks. Snow nägi probleemi selles, et peaaegu igaüks, kes võimu juures, on kirjandusliku kultuuri produkt. Londoni ülikooli filosoofiaprofessor A. C. Grayling näeb selles häda tänaseni – otsustajad ei jaga teadust. Kuid see on ühiskonna teadusliku kirjaoskuse probleem  laiemalt, ütleb ta. Oxfordis elav kirjanik Georgina Ferry aga arvab, et praegu ei kulge lõhe mitte teadlaste ja intelligentsi, vaid optimistide ja pessimistide vahel. Esimesed arvavad, et teadus suudab inimkonna hädad ületada, teised aga, et ega ei suuda ikka küll. Nature arvab oma toimetajarubriigis, et Snow esseest on siiani jäänud aktuaalseks see osa, mis puudutab vaesust ja hoolimatust. 

    Kahe kultuuri vahe olevat kadunud, näitena tuuakse Michael Frayn, Tom Stoppard, John Updike, kelle kirjanduslikud ideed on teadusest läbi pikitud. Kuid Snow arvustas ka lääne koolisüsteemi, mis oli tol ajal juba väga spetsialiseerunud, ja ülistas pikalt ning laialt N Liidu haridust, mis olevat taganud väga mitmekesise harituse. Selle kohta ei ütle kõrgelt haritud inglased midagi, justkui seda Snow  loengu osa poleks olnudki. Snow essee avaldati venekeelses tõlkes 1973. aastal, sai siis kättesaadavaks siinmailgi. Umbes samal ajal toimus N Liidu ajakirjanduses laiaulatuslik diskussioon teemal „Füüsikud ja lüürikud”. Muidugi ei puudutanud see poliitikat. Kuid Snow mõtted jõudsid ometi ka raudse eesriide taha, ja vaid kümmekond aastat hiljem.

    1970. aastatel tekkis Eestis üks spontaanne suundumus kunstnike ja teadlaste vahelise lõhe vähendamise poole. Rida tollaseid noorteadlasi ja noori arhitekte ning kunstnikke korraldas hulga seminare ja kohtumisi teemadel, mis osapooli lähendasid, tagajärjeks kunstinäitus „Harku 1975”, kus kunstnikud esitasid oma nägemuse, mis seisnes suuresti ühiskonna arvustamises. See skandaalseks kujunenud näitus päädis seminariga, kus esinesin minagi.  Ehk on siis mul õigus avaldada arvamust, et Eestis toimib kahe kultuuri paradigma siiamaani, nõndapalju taga on meie ühiskonna areng inglise omast. Haridus spetsialiseerub kapates, ja võimukoridorid ei lase läbi teadust. Või õigemini lasevad küll, ent ainult ühes suunas, ülalt alla. Ühe vahega siiski – Eesti võimumehi ei saa küll süüdistada kirjanduslikus taustas.

    Kas pole ka aeg-ajalt lahvatavad teravad  erimeelsused ühe või teise kunstniku tegutsemise üle tegelikult kahe kultuuri olemasolu tõestuseks? Ühe osapoole arvates kinnitavad kunstiinimesed, et kunstnikele on lubatud kõik või enamgi veel: kui kunstnik lööb supermarketis mõne ostja maha ja kuulutab selle kunstiteoseks, siis tahtis ta ju ometi juhtida tähelepanu asjade kultusele, või kui teine kunstnik võtab kätte plakati „Eesti Venemaa osaks”  ja läheb Narva sillale, siis ei ole ju tegu poliitika, vaid ikkagi kõrge kunstiga, mis vaid juhib tähelepanu erimeelsustele kahe riigi vahel. Teisele osapoolele jälle tundub, et kui säherdune tegevus hukka mõistetakse, siis ei tee mõistjad õiget, nüüdisaegset ja vajalikku kunsti mõistmagi. Eesti on muutunud „kahe kultuuri” refuugiumiks, pagulaks. Siin elavad need edasi kui endeemilised liigid  isoleeritud saartel. Jah, tõepoolest – ohtlik on nii kunst ilma teaduseta kui ka teadus ilma kunstita. Eks seda ole ka tunnetatud. Nii koondab näiteks USA Edge Foundation teadlasi ja teisi mõtlejaid, kes oma töös püüavad sügavamalt mõtestada elu ja inimest selles. Nad tunnetavad, et Ameerika intellektuaalne elu on viimastel aastatel muutunud ja traditsiooniline intellektuaal marginaliseerunud. 

    Freudist, Marxist ja modernismist enam ei piisa. See traditsioon on suuresti teadust eiranud, rajanud oma mõttetegevuse kommentaaride kommenteerimisele ning eitanud teadust, olles suuresti mitteempiiriline. Kasutatakse omaenda keelt ning ignoreeritakse koguni selliseid mõtlejaid nagu Niels Bohr, Albert Einstein ja Norbert Wiener. Oma kahe kultuuri essee uues, 1963. aasta väljaandes visandas Snow  väljapääsuks kahe kultuuri kammitsaist „kolmanda kultuuri”, mis avaks tee eri valdkondade mõtlejate omavahelisele suhtlemisele. Ta lootis, et kirjamehed hakkavad kõnelema teadlaste keeles. See lootus on küll raske täituma, kuna loodusteadlased isegi ei mõista teiste erialade keelt. Astronoomid ja geneetikud on ikka pärit eri maailmast. Kuid midagi on siiski ka ühist, ja see on teaduse meetod, mis sisaldab paraja  annuse skeptitsismi ja kriitikameelt. Eestis on küll teaduslik mõtlemine igapäevasest intellektuaalsest elust, saati veel otsuste vastuvõtmisest üsna kaugel. Jääb üle vaid loota, et kolmas kultuur imbub aegamisi ka siiapoole. „Intellektuaalid ei ole vaid inimesed, kes midagi teavad, vaid inimesed, kes kujundavad oma põlvkonna mõtteid,” kinnitas 1991. aastal USA mõtleja John Brockman.  

  • Pianismimatš Tallinna muusikakeskkoolis

     

    24. ja 25. novembril toimus järjekordne “kolme kooli konkurss” pianistidele. Ürituse toimumiskoht ja korraldus vaheldub igal aastal kolme kooli, Tallinna muusikakeskkooli, Tallinna Otsa kooli ja Tartu Elleri kooli vahel. Tänavu asus võitlusareen Tallinna muusikakeskkoolis, osavõtjaid oli kokku 41. Žüriis olid Lauri Väinmaa (esimees), Martti Raide (TMKK), Andres Paas (Otsa kool) ja Ruth Ernstson (Elleri kool). Mõned küsimused žürii esimehele Lauri Väinmaale.

     

    Konkursi traditsioon on pikk. Millised muutused on selle aja jooksul toimunud? Ega ole karta ürituse aegumist?

    Minu meelest mitte. Noortel ongi vaja stiimuleid ja konkurss on seda alati. Võimalus end kord aastas kokku võtta, siinsamas käe-jala juures, on väga tervitatav. Välisvõistlustel osalemine on palju keerulisem, juba rahaliselt.

    Kas õpilaste muusikaline ja tehniline tase on tasakaalus?

    Ei ole tasakaalus, paljudki head taotlused jäävad tehniliste probleemide taha. Oli eredaid mängijaid, keda ei olnud võimalik esile tõsta just selle tõttu. Samuti on vahel repertuaari valimisel tehtud vigu: on antud liiga raskeid teoseid mängida inimestele, kes ei ole veel selles vanuses ja küpsuses, et nii suurte ülesannetega hakkama saada. Ses mõttes võib eelistada kergemat kava, mis on viimistletud ja mille “i”-le on pandud täpp peale. Tehniline tase on tegelikult täpselt sama oluline kui muusikaline, need peaks olema täielikus tasakaalus.

    Konkursi tulemusi vaadates torkab auhinnasaajate hulgas silma TMKK õpilaste ülekaal.

    See on muutuv – kõik sõltub sellest, kas satub rohkem andekaid olema ühes või teises koolis. TMKK on läbi aastate muidugi üldiselt väga tugevalt esinenud meile teada põhjustel: õppimine käib esimesest klassist peale ja kõik on ühes kohas. Otsa kool ja Elleri kool on selles mõttes palju raskemas olukorras. Elleri koolil on laste osa küll olemas, aga Otsa koolis alustatakse I kursuse inimestega, kes käivad üldhariduskoolis ja tihtipeale veel eliitkoolis, kus nõutakse tohutult. Need õpilased on väga suure topeltkoormuse all. Ses mõttes ei ole stardiplatvorm võrdne.

    Kuidas sobis konkursipaigaks muusikakeskkooli aula Kivimäel?

    Üldse ei sobinud, mul oli kohe südamest kahju. Esiteks see klaver on nii kohutavalt halb ja teiseks ei kõlba saali akustika kuhugi. Kolmas küsimus on see, et TMKK on nii kaugel – laupäeva hommikul, kui alustasime, oli peale žürii saalis kolm inimest.

    Pilli olukorrale mõeldes peab ütlema, et siin peaks küll kool otsima investeeringuvõimalust, et muretseda koolile vähemalt üks heal tasemel klaver. Klasside klaverid on ju ka väga-väga ära mängitud ja see pidurdab tegelikult mängijate arengut. Mängijal ei tekigi ettekujutust, mida võib ühest klaverist kätte saada, mida sealt üldse tahta. Kui vähemalt vahel oleks võimalus mängida väga heal klaveril, siis võib edasi harjutada jälle halbadel klaveritel. Sellel on omad plussid ka, et pead ka halvast pillist oskama kõik välja võtta. Aga kui mängid ainult halbadel, siis pole aimugi, mis seal tegelikult võimalik on.

    Selles mõttes on eriti Elleri kool palju paremas olukorras ning au ja kiitus, et nad on suutnud sellised klaverid saada.

    Mis võiks motiveerida noori niisugusest katsumusest osa võtma, on ju ettevalmistus tõsine ning mitte kõik ei talu võistlemist muusika alal hästi?

    Eks ikka see noorte loomupärane soov end teistega võrrelda. Kuigi muusikas ei ole need kriteeriumid nii täpselt paigas nagu näiteks spordis, annab konkursil osalemine küpsust, lavakogemust. Meie elukutse on seotud oma närvisüsteemiga toimetulekuga ja see kogemus tuleb ainult selliste keeruliste esinemistega. On kahtlemata vajalik, et seda jätkataks.

    * * *

    Kõnealuse konkursi parimad olid: IX klass / I kursus ning I koht Maria Vilberg (õpetaja Mati Mikalai, TMKK); X klass / II kursus ning I koht Jelena Matvejevskaja (Maigi Pakri, TMKK) ja Johan Randvere (Ivari Ilja, Marja Jürisson, TMKK); XII klass / IV kursus ning I koht Inessa Volkova (Mati Mikalai, TMKK).

     

     

  • Teod: Roman Baskin,lavastaja

    Punkt üks, ma tahtsin lavastada ühte korralikku draamat, teatriteksti, mida võib peaaegu klassikaliseks nimetada. Ameerika seda laadi näitekirjanikest pakub mulle vahest kõige rohkem huvi Eugene O’Neill, aga Edward Albee on samuti väga põnev autor.

    Kui proovid olid juba pihta hakanud, jalutasin kord Vanemuise suure maja fuajees ja vaatasin huviga seinal rippuvaid näitlejate fotosid. Vanemuise sõnateatri näitlejate foto alla on kõigile ametiks kirjutatud draamanäitleja. See peaks tähendama seda, et nad panevad draamat, valdavad dramatismi. Minu arust on eesti teatris praegu tõsine puudus just dramatismist. Komöödiaid on küllaga, dramatismist on aga terav puudus. Peamiselt just see oligi väljakutseks, kui Vanemuise pakkumise vastu võtsin.

     

    Albee’ “Kõik aias” on kirjutatud 1967. aastal, ent püsib teatrite repertuaaris tänini. Kas pole see näidend oma aktuaalsust kaotamas? Miks teie meelest tasub seda näidendit siiski siin, Eestis taas lavastada?

    Klassika – “Kõik aias” kuulub minu arvates juba näitekirjanduse klassika hulka – ei saa kunagi olla ajast maas, kaotada oma aktuaalsust. Klassika on ajast üle.

    Vahel tundub, et kõik hullused on maailmas juba olnud. Vaid mõni üksik idealist, nagu näiteks Hannes Kaljujärve mängitav peategelane, kes osutub seega üsna vanamoodsaks, arvab, et veel ei ole. Samas pakub aeg järjest hullemaid üllatusi, kas või seda, et koduperenaised ennast müüvad ja on kõige defitsiitsem müügiartikkel. Seega, kõik üllatused pole meid veel üllatada jõudnud. Selles mõttes võib öelda, et oleme ajast maas.

    Oluline ja tänapäevane on selles näidendis võltsprestiiži ja eneseupitamise teema. Üsna algul ütleb ju peategelane: hoidke ennast tõusmas respektaabluse redelil. Hüpatakse ja punnitatakse, et saavutada mingit petlikku prestiiži. Tuleb ju ka tänases päevas väga tuttav ette.

     

    See on teie esimene kokkupuude Vanemuise teatri trupiga. Kuidas olete omavahel kohanenud ja kuidas on sujunud koostöö? Kas rollijaotuse tegite ise või anti lavastajale osatäitjate nimekiri ette?

    See kohtumine on teinud küll vaid heameelt. Osatäitjate valikuga oli nii ja naa. Mõned näitlejad, keda oleksin tahtnud oma lavastusse, olid teiste töödega juba hõivatud. Aga nii on see teatris peaaegu alati.

     

    Millised tööd järgmisena tegemist ootavad?

    Kui nüüd oktoobrikuus õnnestub filmi tarvis ikka raha saada, teen mõnda aega filmi. Aluseks on Toomas Kalli “Meeste tants”. Mis teatritööd puudutab, siis nii Vanemuises kui ka Draamateatris on mõned asjad soolas. Seda võin öelda, et paar järgmist lavastust peaksid rahuldama minus tärganud soovi lavastada draamat. Olen seega ringiga seal tagasi, millest praegust juttu alustasin.

     

Sirp