feminism

  • Valge pärl Tartu ülikooli aulas

    Tõeliselt head klaverid võib Eestis sõrmedel kokku lugeda ja seepärast tuleb iga väärt uustulnuka üle südamest rõõmustada ja loota,  et pikapeale paraneb ka Eesti pillipargi üldine nägu nii kontserdisaalides kui ka muusikakoolides. Tegelikult on heade pillide puudus tõsine probleem. Rääkimata sellest, et korralike plaadistuste jaoks on tarvis laitmatut (ja ka laitmatult hooldatud) pilli ning et kontserdielamust rikub klaveri ebaühtlane, tuhm või kalk kõla, ka harjutamisel on raske ideaali poole püüelda, kui peab ennekõike tegelema instrumendi puuduste korvamisega.  Minulgi oli võimalus klaverit proovida ning võin kinnitada, et tegemist on tõepoolest väga ilusa pilliga, millel on rõõm musitseerida ja kus kõlavigu ei saa parimagi tahtmise korral klaveri kraesse ajada.

    Kuna ka varem oli ülikooli aulas Steinway, mida loodetavasti kaugele ära ei viida, siis avaneb selles saalis edaspidi Eesti kohta haruldane võimalus esitada (ka lindistada) muusikat klaveriduole kahel sama tippmarki pillil.  Positiivselt üllatas ja rõõmustas, et uue ülikalli instrumendi hankimiseks laekus ligikaudu kolmandik summast annetustest. See tähendab, et kodanikualgatus kogub jõudu ning ka kultuuri hakatakse tasapisi sponsoreerima. Ehk on tulevikus loomulik toetada sportlaste kõrval ka muusikuid, kirjanikke ning kunstnikke …

    Kalle Randalu oli oma kavasse ilmselt teadlikult valinud klaveri kõlailu eksponeerivad teosed. Schuberti Sonaat-fantaasia G-duur on  kaunis just oma helisevas lihtsuses, teemade pretensioonituses ja läbipaistvuses. Selle muusika tasane hingestatus ei tule tuima või koliseva klaveri peal üldse välja, nii et siin kasvas uus Steinway muusikale lausa võrdväärseks partneriks. Ka kõrgeim tiiskant, kus tavaliselt kipub nappima ülemhelisid, ei jäänud sedapuhku kõlaliselt alla basside sumedale pehmusele.

    Mozarti Fantaasia d-moll esitas Randalu mõtlikus, nukrameelses toonis, läbivalt kaunikõlaliselt  ning justkui distantsilt – meenutades ammu olnut. Lepo Sumera Pala aastast 1981 nimetas Randalu ise „klaveri lakmuspaberiks”: siin kombatakse kõlavõimaluste piire vaevukuuldavast pianissimo’st võimsa fortissimo’ni. Randalu esitus oli selgepiiriline, ühes tõusvas ning laskuvas joones. Piano värve näitavad suurepäraselt ka Arvo Pärdi „Variatsioonid Ariinuška tervenemise puhul”.  Lõpulooks oli kavandatud Ferenc Liszti tsükkel „Veneetsia ja Napoli”. Pianist aga teadustas enne kontserdi viimast lugu, et otsustas peale tutvumist saali ning klaveriga selle teose välja vahetada teise Liszti pala vastu – „Jumala õnnistus tema üksinduses” tsüklist „Poeetilised ja religioossed harmooniad”. See helitöö sobis oma mediteeriva iseloomu ning leebe kõlapildi poolest ehk tõesti paremini klaveri laulvat pehmust demonstreerima ja ka kavva kui tervikusse, ent  mul oli siiski kahju, et väljakuulutatud tsükkel jäi kuulmata – oleks tahtnud uut Steinwayd ka virtuoosses tulevärgis ning täies pianistlikus forte’s kuulda.

    Aga pole mõtet kurvastada – kindlasti jõuab seda suurepärast pilli edaspidi igasugu värvides ja varjundites kogeda. Nagu Randalu ka viimase lisaloo, juba sümboolse tähenduse omandanud Heino Elleri „Kodumaise viisi” eel ütles, olgu see pala sissejuhatuseks paljudele kontsertidele ning lindistustele. Eesti on nüüd  ühe pärli võrra rikkam ning tasub loota, et häid kontserdikorraldamise võimalusi kauni saali ja klaveri näol ka kasutatakse.

  • Mida toob uus hooaeg? I

    Suveteater on vaevalt jõudnud lavalt lahkuda, kui on algamas juba uus teatrihooaeg 2007/2008. Festivalil “Draama” jõudis publiku ette ju tervelt kuus uuslavastust. Samas pole nii mõnegi teatri hooajaplaanid tänaseks veel päris selged. Unistuste teatriks nii teatritöötajaile kui ka publikule näib olevat Vanemuine, kes juba kevadel järgmise hooaja uuslavastuste nimekirja välja kuulutas ja piletidki müüki paiskas. Lugupidu väärt tava, mida Taaralinna teater harrastab juba mitmendat aastat. Eks ole see, just teatrisiseselt, igivana probleem: lavastajad ja näitlejad unistavad tööplaanist, mis juba kevadel paigas, see võimaldab oma tegemisi mitmete teatrite vahel jagavatel näitlejatel paremini planeerida. Kuigi mitte ainult, ka vaid oma teatrile truu näitleja vajab turvalist teadmist, mis ootab teda ees uuel hooajal.  

     

    Vanemuine panustab külalislavastajatele

    Teatri koduleheküljelt leiab, et palgalisi lavastajaid on kaks – Jaan Tooming ja Ain Mäeots, viimane toob aprilli algul suures saalis lavale Loone Otsa 2005. aasta näidendivõistlusel ergutusauhinna pälvinud lennuka fantaasia “Koidula veri”. Laval on Juhan Liiv, Lydia Koidula, tsaar Aleksander II, Johann Voldemar Jannsen, Eduard Vilde, Juhan Luiga, Johann Köler, Carl Robert Jakobson, Jakob Hurt, Aino Kallas, Hella Wuolijoki jpt. Muuseas, ainuke eesti näidend uuslavastuste nimekirjas.

    Ülejäänud lavastused saavad lavaküpseks külalislavastajate käe all. Siiski, Giuseppe Verdi “Rigoletto” lavastab ka oma teatri mees Taisto Noor. Kui kokku arvata 7 sõnalavastust, 3 tantsu- ja 3 muusikalavastust, siis väisab Vanemuist uuel hooajal 11 külalist, nii Eestist kui mujalt maailmast: Ingo Normet, Leino Rei, Aljona Anohhina, Mart Kampus, Roman Baskin, Ingomar Vihmar, Saša Pepeljajev, Vassili Medvedjev, Oleg Titov, Ervin Õunapuu, Carmelo Agnello.

    Nagu on intrigeeriv mitmekesine “lavastajameeskond”, nii pakub põnevust ka uuslavastuste nimekiri. Kergemakaaluline näidend peaaegu puudub, aga lõbustavaid menukeid jääb teatri repertuaari eelmistestki hooaegadest. Juba on kuulda olnud häid sõnu Reko Lundani, soome näitekirjanike uue põlvkonna esindaja peredraama “Suurema kurbuseta” kohta, mis Normeti käe all esmaspäeval lavale jõudis. Noorelt näitekirjanikult Viktoria Nikiforovalt jõuab Sadamateatris lavale tema debüütnäidend “Jooksvad kulud” – halastamatu sisselõige kaasaegse suurlinnaelaniku sisekosmosesse (lav A. Anohhina). Otsekui sümboolse järelehüüdena maailmakuulsale filmiklassikule jõuab detsembris Roman Baskini käe all lavale Ingmar Bergmani 1993. aastal kirjutatud näidend  “Lärmab ja veiderdab”, mis vaatleb lõiku Ingmar Bergmani onu Carli elukäigust, kes ilmub kõrvaltegelasena ka teistes kirjaniku autobiograafilistes teostes. Ja kindlasti tasub põnevusega ootama jääda meie lavadelgi populaarsust kogunud briti näitekirjaniku Mark Ravenhilli  näidendit “Võta mind!”. Nagu Ravenhillil ikka on tegu intrigeeriva projektiga: 1998. aastal kutsus ta kokku kolm kolleegi ning workshop’i korras valmis nelja dramaturgi ühistööna 12 stseenist koosnev näidend, mille tegevusajaks ja -kohaks suvine nädalalõpp ühes Inglismaa linnas. Ingomar Vihmaril on see kolmas kokkupuude Ravenhilli loominguga.

    Vanemuise uuslavastuses leidub ka külalisnäitlejaid: Jaan Rekkor, Hilje Murel, Draamateatrisse suundunud Kersti Heinloo, Indrek Taalma ja Jan Uuspõld (kuigi viimane on näitlejana kirjas nii Vanemuise kui ka Draamateatri koduleheküljel – seega nii oma mees kui külaline mõlemas teatris).

     

    Eesti Draamateatris nii Põhjamaade kui omadramaturgia

    Ka Draamateatris on esimene uuslavastus vaatajate ette toodud, teisipäeval esietendus festivalil “Draama” Lars Noréni “Vaikne muusika” (lav Priit Pedajas), mis oli pühendatud Mikk Mikiverile, kes saanuks samal päeval 70.  See lavastus  jäi Mikiveri viimaseks teatriideeks, mis paraku ei teostunud. Mängivad näitlejad, keda Mikiver isegi neis osades näha tahtnuks. Põhjamaade dramaturgiast tuleb veelgi lisa: oktoobris esietendub Roman Baskini käe all soome näitekirjaniku Sirkku Peltola “Soome hobune”, lustakas ja nukker pilt Soome maakohast ja selle elanike nõutusest kokkupuutumisel Euroopa Liidu elukorraldusega. Lavastuse tõmbenumbriks kindlasti grand old lady Ita Ever. Ingomar Vihmar lavastab väiksesse saali Henrik Ibseni “Metspardi”. Ja aprillis saab publik näha teistki Bergmani näidendit: väikses saalis esietendub tema “Sügissonaat”, pianistist ema rollis Ülle Kaljuste, tema tütart mängib Maria Avdjuško. Viljaka soome kirjaniku Antti Tuuri romaani “Jõgi voolab läbi linna” dramatiseerib ja lavastab suurde saali Ingomar Vihmar.

    Ka eesti näitekirjanike nimistu on muljetavaldav: Madis Kõiv, Jaan Undusk, Enn Vetemaa, Mihkel Ulman. Ja Arbujad. Priit Pedajas võtab seekord lavastada Kõivu “Lõputu kohvijoomise”, lisaks valmistab ette luule- ja laulukava Arbujatest. Margus Kasterpalu toob väikses saalis lavale Unduski  näidendi “Boulgakoff”, samuti premeeritud näitemäng (2005. aasta näidendivõistluse II preemia). Teater rõõmustab väikesi vaatajaid algupärase lastenäidendiga, Ulmani fantaasiaküllase ja mängulise muinasjutu “Võluõunad ehk naeru kätte võib surra” (lav Ain Prosa). Kindlasti saab põnev olema ka Vetemaa ja Karusoo koostöö, nimelt on neil valmimas näidend Gustav Naanist – nii värvikast isikust kui tema kaudu ka tollest keerulisest, vastuolulisest ajastust.

     

    Linnateater – kas pigem vähe, aga hästi?

    Linnateatri uudisrepertuaar piirdub nelja lavastusega. Esialgu? Sest kuuldavasti olevat kevadel plaanis veel Jaanus Rohumaa lavastus ja Elmo Nüganen toob (tõenäoliselt?) suvelavastusena Vargamäel välja Tammsaare “Tõe ja õiguse” kolmanda osa. 8. septembril esietendub Hobuveskis W. Shakespeare’i “Eksituste komöödia”, lavakunstikooli 23. lennu üliõpilaste diplomilavastus, lavastajaiks Stephen Harper Londonist ja Elmo Nüganen, kes tegelikult viib tudengite Londonis valminud koolitöö lõpule. Nüganenil saab märtsis lavaküpseks teinegi lavastus, J. B. Priestley “Aeg ja Conwayd”,  lugu perekonnast läbi kahe aastakümne, Esimese ja Teise maailmasõja vahel. Teise maailmasõja ajal toimub ka Dennis Potteri näidendi “Päike soojem, taevas sinisem, rohi rohelisem” tegevus (Mart Kolditsa lavastus Taevalaval). Linnateater ei pelga ka komöödiat, trupiga liitunud Priit Võigemast lavastab väikesse saali inglise komöödia, Ann Jellicoe “Nõksu”.

    Linnateatri uuslavastuste nimistu pole pikk, aga teatri repertuaaristrateegiat arvestades – hoida võimalikult kaua kavas ka vanu lavastusi – võib seda (mööndustega) mõista. Esimene ring teatrite uudislavastustele on peale tehtud. Järgmises Sirbis  jõuab järg teiste teatrite uudisloominguni.

     

  • Kolm banaani

    Kõige väiksema raamatu kaanel on tore kriksadull ja kiri ?Ajaraamat?. Tiitlilt saame teada, et ?Ajaraamat? pole mitte niisama ajaraamat, vaid Ilmamaa ajaraamat 2004. See teeb ettevaatlikuks. Võib juhtuda, et tuleb veel ajaraamatuid. Poleks tarvis. Raamatus on 21 mõnevõrra luuletisi meenutavat tekstikest, teks­tistiku koostajaks ja sõnastajaks on märgitud Hando Runnel. Ja veel on märgitud, et trükiarv on 350. Ja ajaraamatu tekstid on inimeste kohta, neid inimesi, autor kaasa arvatud, on 21. Kust võtta sellisele raamatule veel 329 lugejat, jääb arusaamatuks. Iga salmi ei tule tingimata trükki lasta, oldagu nii klassik kui tahes.

     

    Maario Essa ?Kellegi teise muru? võiks peaaegu liigitada raamatute sekka, mille parim osa on pealkiri, sest pealkiri on ju tõepoolest hea. Sees on paraku epigoonlikku soga tera liig palju saanud, etemad asjakesed võivad varju jääda. Mis võivad, jäävadki. Aga nad on vähemalt olemas. Leheküljed 26, 27 ja 33 on antud headele tekstidele lebada, ja mitte ainult. Kirjanduses, nagu tarkloomad väidavad, hinnaalandust ei tehta. Näiteks sellepärast, et kellelgi pole munasid, küll aga on tissid, või et keegi teine on ainult 16aastane. Siiski on kuueteistaastasel rohkem lootust ja aega hakata selliseid paremat sorti asjakesi juurde tegema kui näiteks kuuekümneaastasel. Paraku on trubetskoidne postpunk tuberkuloidselt lokkav ja mühab kui rohi, mis umb. Ja asisemad sõnastised lasevad ennast kaua otsida. Äh mis, ega mul miskit tolle vastu pole, et üks tragi tegelane poisist peast raamati teeb. Tehku lihtsalt järgmine parem ja moos saab maitsema pekisem. Või kribelgu proosat, teoses sisalduv katkend on ju väga hea. Luuletajaid ongi kuidagi palju saanud, häid jutukärutajaid aga napib sajaga.

     

    Kolmest pisikesest on Jaan Pehk kõige suurema teinud, ?Sisukord? nimeks. Ja toimivaid luulendikke on ses sisukorras tublisti. Õigupoolest on nõrku tekste lihtsalt väga vähe. Nii vähe, et kipub jääma ekslik mulje, nagu oleks Pehu Jaan suur luuletaja. Tegelikult ta väga suur ei ole ja rohkem ikka multimees kui luuletaja. Aga et ta ei tegele krampliku kirjanikuksolemisega, kukub kirjutatu välja paremini kui nii mõnelgi, kel ränk kirjanikutaak viglaga turja külge kinni virutet. Muidugi on siin hulk lihtsasti lõbusat luulerdust ja riimilõbu, aga ka terast ja tundlikku teksti, mis ei lase vaieldamatult virtuoosse sõnakasutusega Pehku pelgaks pullivelloks pidada. Raamatu avaluuletus on kohalikus kontekstis krestomaatiline ja väärib raiumist kuhugi mujalegi kui raamatusse, mina soovitaksin näiteks Pika Hermanni külge, sinna, kus nõuka ajal ristleja Pamjat Azova mälestustahvel roikus.

    Jah, sellest kobarast on Pehk maksakaim banaan, siin on süüa ja jääb ülegi. Rõõm oli koorida, nagu Keil ütleks. Maario Essa banaan on rohelisevõitu, peab päikse käes või banaaniküpsetusahjus pisut sundaega teenima. Runneli Ilmamaa-banaan on sedakorda nässu läinud, võib-olla polegi ta banaan, vaid mingi muu asi. Baanan näiteks. Üldiselt aga: tore, et eesti keeles ikka raamatuid ilmutatakse. Muidu oleks ainult sport ja hammaste kiristamine. Uh. Õudse koha peal tuleb jutt katki jät —

  • Elektrooniline ärkab ellu

    Huvitaval kombel on võimaluste avardudes kaduma läinud progressiusulisi ringkondi vallanud optimistlik illusioon; varem hinnati tugevasti üle tehnoloogia mõju muusikale ning kultuurile laiemalt.

    Arvuti ei ole enam ammu masin, mis juhib inimest nii, nagu kunagised tulevikuutoopiad seda dramaatiliselt kujutasid. Arvuti on eelkõige võimas töövahend ja muusiku instrument, millega on võimalik väljendada oma emotsioone mitte vähem tõetruult kui mõne klassikalise pilliga. Loomulikult on eelduseks selle instrumendi oskuslik käsitlemine. Asjaolu, et arvutit hakatakse aktsepteerima muusikainstrumentide hierarhias kui teiste pillidega võrdväärset live-instrumenti, millega on võimalik vahetult oma emotsioone väljendada, tekiks ikkagi tänu läbimurdele elava esituse kontekstis, mida paraku pole veel toimunud. Paar viimast aastat on olnud selles mõttes revolutsioonilised. Laptop, mis algselt oli lihtsalt eksperimentaalse scene?i mänguasi, on praegu muutunud tavaliseks instrumendiks kollektiivide seas, mis viljelevad kõige erinevamaid stiile jazz?ist rock?ini. Tegijad on mõistnud, kuivõrd palju mugavaid võimalusi pakub arvuti helipildi rikastamiseks.

    Minnes tagasi n.-ö. elektroonilise scene?i juurde, siis see pole veel kaugeltki välja kujunenud. Esiteks oleks vaja ehk määratleda kontserdisituatsioon kui selline. Lähtudes mõnest tüüpilisest klassikalise muusika või jazz?ikontserdist, jõuaksime üsna pea ummikuni. Seetõttu oleks mõistlik läheneda üldisemalt pinnalt, pidades kontserdiks situatsiooni, milles osaleb keegi, kes defineerib toimuvat kontserdina. Kõige olulisemaks parameetriks võiks seega pidada esineja dialoogi mis tahes moel keskkonna ja publikuga. Kõigile on lihtne ja arusaadav saksofonimängija või kitarristi käitumine laval, aga laptop?i ja sinna juurde kuuluvate kontrolleritega askeldava artisti etteaste tekitab küsimusi. Levinud on publiku iroonilised märkused a la ei tea, kas laval loetakse meile või mängitakse arvutimänge. Tähtsusetu ei ole siinkohal ka varasemast ajast käibele läinud arusaam arvutimuusikast kui millestki masinlikust, mis on pigem programmeeritud, kui live?is esitatud. Arusaam, et arvutimuusikat teeb masin; et masin juhib inimest, tekkis juba sel ajal, kui arvuteid veel muusika tegemiseks ei kasutatudki. Näiteks Kraftwerk ei töötanud alguses arvutitega, aga suhtumine oli selline. Selle hoiaku kinnistumine on ilmselt seotud ka arvutite kasutamisel sequencer?ina, st. arvuti kui juhtimiskeskus, mis midiprotokolli kaudu juhib mehaaniliselt teisi instrumente, süntesaatoreid/trummimasinaid. Siinkohal pole oluline mitte inimese mänguoskus, vaid programmeerija oskustest tulenevad programmide võimalused. Elektroonilise muusika ringkondades on seda masinlikkust erinevate võtetega ületada püütud. Ühe näitena saavutas mõningast populaarsust nn. fraktalmuusika, mis põhineb etteantud parameetritest lähtuvalt arvutiprogrammi poolt matemaatiliste abstraktse kõlapildiga helindite genereerimisel. Süvenenult kuulates on selline muusika ikkagi tajutav liialt skemaatilisena. Kaasajal, kus vahendid on muutunud tunduvalt paindlikumaks on endiselt probleemiks asjaolu, et publik ei saa aru, kuivõrd arvutimuusiku esinemine on kohapeal sündiv looming. Kuna elektroonilise muusika puhul on ülioluline kriteerium heli kõla kvaliteet ja omapära, siis eeldab hea tulemus niikuinii tugevat eeltööd. Kuna kõik helimanipulatsiooni võimalused on tohutult täiustunud, on võimalik kõiki eeltöödeldud materjale kasutada kontserdisituatsioonis tuhandel moel. Siinkohal pole tähtis mitte ainult heliparameetritega mängimine, vaid ka teoste struktuuri loomine reaalajas hetkesituatsioonist lähtuvalt. Et seda heal tasemel teha, nõuab see keskendumist palju suuremal hulgal tasanditel kui mõne konkreetse traditsioonilise pilli mängimine. Võibolla alles sel piinlikul hetkel, kui masin jookseb kokku ülepingest, mille allikas on meeletult kirglik improvisatsioon, saab publik aru, et tegemist oli sajaprotsendiliselt elusa esitusega.

    Probleemi lahendamiseks on otsitud mitmeid võimalusi. Näiteks demonstreeritakse esinemise käigus arvutiekraanil toimuvaid operatsioone videoekraanil, tavaliselt koostöös mõne videoartistiga. Data on tihti esitatud kunstilise videotausta formaadis. Kasutatakse ka mõne publikule paremini nähtava lisaseadmega improviseerimist jne. Mõnes mõttes on tekkinud DJ-kultuuri algusaegadel valitsenuga sarnane olukord, kus DJ-s nähti vaid plaate valivat ja play-nuppu vajutavat vahendajat, nn. elavat jukebox?i. Kindlasti paljud DJ-d ongi sellised, kuid säärase tegevuse kõrval eksisteerib ka DJ-kultuur, mida aktsepteeritakse tänu aja jooksul kujunenud arusaamale oskustest ja andest, mis on hädavajalikud tipptasemel set?i esitamiseks. Oluline on siinkohal tantsuklubiline keskkond, milles on võimalik teatud esinemislaadiga genereerida publiku ja artistide dialoogi. Samasugune nn. kommunikatsioonikeskkonna nõue kehtib kõikvõimalike teiste väljakujunenud muusikaþanrite puhul, klassikast rock?ini.

    Tundub, et elektroonilise muusika uuemate vormide jaoks on kommunikatsioonikeskkond, kriteeriumid kvaliteedi hindamiseks ning dialoogi tekkimise rutiin veel välja kujunemata. Senise suhteliselt anonüümse staatuse tõttu on tegemist millegi justkui igal pool ja samas ei kusagil olevaga. Kontserdid toimuvad aeg-ajalt ja väga erinevas kontekstis, tihti on tegemist lisakomponendiga mõnel muul üritusel, näiteks kaasaegse kunsti sündmustel.

    Siit hakkabki kooruma ettekujutus elektroonilise muusika keskkonnast. Kuna tegemist on raskesti hõlmatava ja senisest märgatavalt rohkem võimalusi pakkuva valdkonnaga, siis on ka tema keskkond vastavalt hajutatud ja piirideta. Kuna sellised tendentsid leiavad aset pea igas eluvallas, siis võib oodata, et ajapikku uueneb nii muusikute kui ka publiku teadvus. Seda nii keskkonna tajumise kui ka elektroonilisest muusikast kui nähtusest rääkimisel kasutatava sõnavara tasandil. Lähitulevikus võib see vabalt tähendada kaunitest meloodiatest kõnelemise asendumist aruteluga omapäraste algoritmide üle.

  • Riias auhinnati eesti animafilmi

    Teist aastat järjest peetud festival on võtnud tõeliselt rahvusvahelise mõõtme: foorumile saadeti üle kolmesaja filmi, millest valiti välja 108 linateost. Umbes sama palju filme on maailma ühe mainekama Annecy animafilmifestivali eeskavas. ?üriisse, mida tänavu juhatas Ameerika palju ja kõrgesti pärjatud re?issöör Bill Plympton, kuulus teist aastat järjest ka tema Eesti kolleeg Rein Raamat.

  • Mihkel Ilus Draakoni galeriis

    Esmaspäeval, 15.04.2013 kell 17.00 avab MIHKEL ILUS (1987) Draakoni galeriis isiknäituse „Robusto“.

    Mihkel Ilus lõpetas 2010. aastal Tartu Ülikooli maalikunsti osakonna ja hetkel õpib Eesti Kunstiakadeemia magistriõppes. 2012. aastal pälvis Ilus Eesti Kultuuriministeeriumi poolt välja antava Eduard Wiiralti stipendiumi. Stipendiumi komisjon tõstis esile Mihkel Ilusa jõulise ja isikupärase autoripositsiooni olemasolu, võimet töötada väga erinevates meediumi- ja ruumikontekstides ning julgust luua suuremastaabilisi ambitsioonikaid tervikuid. Möödunud aastal toimus Ilusal kaks isiknäitust: “Rokokoo” (festivali “Alternatiivne Ameerika kino” raames) ning “24 prelüüdi vaikusele” (koostöös Märt-Matis Lillega). 2010. aastal osales Ilus Kumu kunstimuuseumis ühisnäitusel “Muutuv maalikunst”. Ta on osalenud ka etenduskunstiprojektides, sh olnud etenduse ja näituse “Kapriisid” üks autoreid (koos Henri Hütiga). Mihkel Ilusa viimase aja loomingu fookuses on töö ruumiga ja keskendumine maalikunsti ning ruumi omavahelistele suhetele.

    Claro on värvigammalt kaks pügalat tumedam kui topelt-claro. Mahult on claro sihvakas ja väga hea tõmbega. Oma eriti maheda maitse tõttu sobib claro väga hästi just alustavale näitusekülastajale või kõigile, kes hindavad pigem jahedamat ja elukaugemat maalikogemust.

    Robusto sobib suurepäraselt moodsa elutempoga. Omadustelt tasakaalustatud ja arengult rikas.  Heas vahekorras on just vürts ja mõõdetus. Robusto on tõeline pärl nii vormiliste kui ka maaliliste elamuste seas.

    Obscuro on oma olemuselt sünge. Seda tüüpi kogemus on enamasti nauditav vaid edasijõudnutele või tõelisele kogujale. Omadustelt karm ja koreda tekstuuriga. Obscuro on eriline eelkõige oma tugeva õlisisalduse tõttu, mis toob esile vängeimad aga ka põnevaimad nüansid maitsest.

    „Robusto“ on pühendus sigarisõpradele.

    Mihkel Ilus

    Näitus jääb avatuks 27. aprillini 2013.

    Näitust toetavad Eesti Kultuurkapital ja Rinaldo.

    Näituseid Draakoni galeriis toetab Eesti Kultuuriministeerium.

  • Tellis on kandiline, on kandiline, on kandiline

    Oli ka kommunism, kuid kommunismi osas jäi kogemus poolikuks, sest N Liidu otsustav osa Saksamaa purustamisel lõi läänes eksliku illusiooni, et kommunism on üldiselt hea, ainult pisut üleannetu. Võidukarnevali pidav Lääs ei kuulnud Ida- ja  Kesk-Euroopa rahvaste oigamist. Kujunes välja veider olukord. Hitleri tähelennu ja selle tagajärgede pärast piinlikkust tundev Lääs ei mõistnud hukka mitte mõlemat tema ideoloogia alustala – natsionalismi ja sotsialismi –, vaid kõigest ühe neist. Risti poodud natsionalistliku sotsialismi asemel astus akadeemilisele ning poliitilisele pjedestaalile antinatsionalistlik sotsialism, rõhuga esimesel, mistõttu võib öelda ka lihtsalt antinatsionalism.

    Selle õpetuse esindajad põrmustasid mis tahes eriarvamuse üheainsa argumendiga: natsionalism on mõnekümne aasta jooksul sünnitanud  kaks maailmasõda. Punkt. Millist tõendust on veel vaja mõistmaks, et meie ajajärgu suurim oht ning vaenlane peitub just siin? Teoreetikud ei tegelnud mitte ainult inimese, ühiskonna ja kultuuri kirjeldamisega, vaid hakkasid jõuliselt jagama soovitusi või vähemalt vihjeid, mida tuleks muuta, et „natsismi kuriteod ei korduks”. Niisiis oli tegu filosoofiaga, mille toel üritati marksismi kombel maailma muuta ja mida seetõttu peaks nimetama pigem ideoloogiaks. Huvitav on see, et uus mainstream suutis pikka aega säilitada  tagakiusatud vähemuse kuvandi, osalt kestab see soodus olukord tänaseni. Nauditakse leheveerge, näitusesaalide ruutmeetreid, riiklikke autasusid ja dotatsioone – kõike seda õilsa mässaja märtripoosi saatel. Erinevalt XIX sajandist, kui „kurnajad” mässaja vangi panid, maksavad nad nüüd talle riiklikku toetust. Sellest järeldub tahes-tahtmata, et XX sajandi teisel poolel Lääne-Euroopas ja Ameerikas jõudu kogunud peavoolulises antinatsionalismis on midagi silmakirjalikku.

    Kuid peavoolu põhihädad peituvad siiski mujal. Asudes lammutama natsionaalsotsialismi ja kõike, mis võiks  selleni viia, jõudsid peavoolu ideoloogid kiirelt tõdemuseni, et „vanas ühiskonnas” on hulgaliselt stampe, krampe, müüte, eelarvamusi ja muud iganenud kraami, mis kängitsevad inimese vaimu ning genereerivad pidevalt uut ksenofoobiat, rassismi ja sallimatust. Näiteks kuulutas Jean-Paul Sartre vaimustusest joobunud auditooriumile, et senised kõlblusnormid on ajast ja arust ning uus põlvkond on vaba endale uued ning sobivamad kujundama. Avastati, et valged rõhuvad  neegreid, et mehed rõhuvad naisi, et kristlased rõhuvad mittekristlasi ja nõnda edasi, ning asuti kõike seesugust välja juurima. Paljud uurijad ja mõtlejad on juhtinud tähelepanu kiirusele, millega näiteks võitlus rahvusliku, rassilise või soolise diskrimineerimise vastu, mis on puhuti võtnud ja võtab väga tülgastavaid vorme, muutus võitluseks äsjastele rõhututele mitte võrdsus-, vaid eelisseisundi loomise eest.

    See on tähendusrikas asjaolu, mis heidab valgust inimhinge  sügavikele, kuid ehk veelgi tähendusrikkam on kiirus, millega konkreetsete stampide ja krampide äravõitmise juurest jõuti abstraktsele tasandile, kuulutades iganenuks ka tõe kui sellise. Just nimelt „kui sellise”, sest võib-olla esimest korda inimkonna ajaloos ei seisnud vastamisi mitte kaks arusaama, mis on tõde, vaid väide, et (absoluutne) tõde on olemas, ja väide, et (absoluutset) tõde ei ole. „Tõediskursus on võimudiskursuse osa!” – nii kõlas ja kõlab peavoolu lõppargument, mis peab välistama iga katse väita, et tõde siiski on olemas – või vähemalt, et meil pole siiani tõestust  tema olematuse kohta. See lõppargument tugineb veendumusele, et tõde on suhteline ja selle kehtestab see, kelle käes on võim. Teiste sõnadega, tõde on valitsejate väljamõeldis, millega õigustatakse ja põlistatakse oma võimu. Tõe suhteliseks kuulutamisega avanesid antinatsionalistlikule peavoolule kõik uksed: mis tahes väärtushinnangu või traditsiooni sai üle parda heita kui rõhujate tööriista või endiste aegade igandi. Kuna nüüd ei käinud sõda enam pelgalt natsionalismiga, vaid veel tuhande asjaga, mis – nagu selgus – hoidsid ja taastootsid  rahvustunnet, siis võib antinatsionalismina alguse saanud peavoolu mingist ajast peale nimetada ka antitraditsionalismiks. Rünnak tõe, s.t tõe olemasolusse uskumise vastu tõi kaasa veel ühe rinde avanemise.

    Nimelt on „tõde” lahutamatu mõistest „vale”, nende sugulasmõistepaar on „õige” ja „väär”, siit vaid millimeetri kaugusel on „hea” ja „halb”. Pole raske näidata, et „õige/hea” on  tõepoolest aegade ja olude produkt ning et ajastuti võib „õige/hea” vägagi erineda, nii et ühe ajastu „õige” osutub teisel ajastul „vääraks”. Pole ka raske näidata, et „õiget” põhjendab „tõde”. See tähendab, et ühiskonna arusaam sellest, mida sobib teha ja mida mitte, põhineb sellesama ühiskonna arusaamal, mis või kus on tõde. Siit tehti valejäreldus, et moraalinormid on täiesti ja otsast lõpuni muudetavad ning vaieldavad. Peavoolu ideoloogid jätsid kogemata või meelega märkamata, et teatav osa kõlblusnorme on esinenud kõigi teadaolevate  inimühiskondade eetilises süsteemis, mistõttu võiks kahtlustada mingi „üldinimliku” osise olemasolu. Kui mõni parempoolne/konservatiivne mõtleja seda meenutada üritas, naerdi ta välja kui ajast ning arust moraaliapostel. Kuid see ei olnud kõik. Rinne, mida mainisin, oli dualismivastane rinne. Iganenuks, valeks ja halvaks kuulutati dualism, s.t vastandamine ise: tõde vs. vale, õige vs. väär, ülev vs. madal jne. Just dualismis nägid paljud mõtlejad (sealhulgas Eestis) kõige kurja juurt, kogu õhtumaise kultuuri alghäda, mis viis kõige muu halva kõrval lõpuks ka natsismini.  Esmapilgul tundub jäiga dualismi eitamine igati sümpaatne. Ainult väga lihtsakoeline inimene jagab kõik nähtused jumalikeks ja saatanlikeks, kõik poliitikud ingliteks ja kuraditeks, kõik loomaliigid kasulikeks ja kahjulikeks jne, mistõttu väited nagu „maailm ei ole must-valge” või „nähkem ka nüansse ja pooltoone” leidsid ning pididki leidma laialdast toetust. Nende toetamist nõuab juba terve mõistus ja mingi ideoloogia ei puutu siin asjasse. Kuid koostoimes tõe eitamisega oli antidualism sellegipoolest jõudnud piirini, kust algab absurd. Nii näiteks arendas Michel Foucault pikalt teooriat, et igasugune  kõne kätkeb endas kõneleja soovi kuulaja üle domineerida – kuid mingil põhjusel ei tulnud seda teooriat rakendada tema enda tekstide suhtes.

    Samaväärse loogilise absurdiga sai hakkama Roland Barthes, kuulutades, et mis tahes tekst ei anna iial edasi täpselt seda, mida mõtleb autor, vaid selle tähendus sõltub hoopis lugejast. Pealtnäha on Foucault’ ja Barthesi väited vastuolus või vähemalt tublisti erinevad, sisuldasa ühendab neid aga karjuv loogikavabadus – väitis ju Barthes, et sõnum ei jõua lugejani. Kuidas me siis teame, mida ta on väitnud? On üpriski hämmastav, millise visadusega peavoolu ideoloogid  selliseid vastuolusid ignoreerivad. Vaevalt möödub päeva, ilma et mõni pseudofilosoof kuulutaks: „Absoluutset tõde ei ole!”. Väite kinnituseks tuuakse tavaliselt pommuudis, et Einsteini füüsika olla Newtoni füüsika „pea peale keeranud”. Jättes kõrvale tõsiasja, et Einstein ei keeranud midagi pea peale, vaid täpsustas, jääb üles küsimus, kuidas saab mõne tõe kummutamine või täpsustamine olla aluseks väitele, et tõde ei ole. Seniste tõdede ekslikuks osutumine ei anna õigustust isegi väiteks, et me ei suuda tõde mitte kunagi leida, rääkimata selle olemasolu eitamisest. Parimal juhul võime väita, et siiamaani  pole tõde veel leitud, aga kas ta üldse olemas on või kas me ta kunagi leiame, selle kohta võib öelda vaid „ei tea”. Muudeks otsustusteks meil lihtsalt puudub õigus. Kuid väite „tõde ei ole olemas” absurdsuse tuum ei seisne mitte nendes (iseenesest ränkades) loogikavigades, mis kaasnevad katsetega väidet põhjendada, vaid tõsiasjas, et öeldes „(absoluutset
    ) tõde ei ole olemas” kuulutab ütleja ise just nimelt absoluutset tõde. Kui tõde tõesti ei oleks, vastaks lause tõele ja järelikult oleks tegu absoluutse tõega. Paradoks. Lause „tõde ei ole” on sama võimatu kui lause „ma olen vait”. 

    Me võime paradokside rägastikus vaimse rahulduse saada, kuid võime seda ka vältida, kui tunnistame tõika, et ilma tõe olemasolu eeldamata ei ole võimalik mõtestatud lauseid moodustada. Või teistpidi: igas mõtestatud lauses sisaldub tõe olemasolu eeldus. Ning see kehtib ka kõige kirglikumate tõeeitajate ja nende teoste kohta. Kogu inim- ja mitte ainult inimeksistents põhineb eeldusel, et asjad on mingil konkreetsel moel, sõltumata sellest, kes nende üle mõtleb, neid vaatleb või kirjeldab. Ehk lihtsamalt öeldes: telliskivi on kandiline, on kandiline, on kandiline, ja selles küsimuses mingit teist tõde olla  ei saa. Tõe olemasolu eeldusel püsib kogu inimlik suhtlemine, kuid kuna inimene on inimene vaid suhtlemise tõttu (suhtlemise korraldamiseks on ta loonud ühiskonna), siis võib öelda, et sellel eeldusel püsib ka inimene kui selline. Hävitades usku või eeldust meist sõltumatu tõe olemasolusse, hävitatakse inimest. Sama kehtib ka dualismivastaste rünnakute kohta. Võib-olla on dualismi algallikaks gravitatsioonijõud, mis on sünnitanud mõisted „all” ja „ülal”, võib-olla aeg, mis loob vastandid „minevik” ja „tulevik”, võib-olla inimeste jagunemine meesteks ja naisteks – ükskõik, kuid igal juhul struktureerib dualism iga seni  teadaolevat mõttemaailma. Ideoloogid, kes sajatavad dualismi kui kõigi hädade allikat, lähtuvad ise kõige primitiivsemast dualismist (hea antidualism vs. paha dualism) ja kirglikud tolerantsikuulutajad on selle juures piinlikkust tekitavalt sallimatud. Nendime, et mõttevool, mis algas antinatsionalismina ja mis jätkus antitraditsionalismina, on jõudnud välja antisotsiaalsuse ja antihumanismini. Üks „võitlus” tõi paratamatult kaasa teise, teine kolmanda jne. Miks, võinuks peavoolu edendajad endalt küsida. Miks meie võitlus ei lõpe? Miks iga vaenlase selja tagant ilmub kohe uus?

    Põhjust pole tegelikult raske mõista.  Inimese olemus ei kujuta endast kaootilist „stampide ja krampide” kuhja, vaid see on uskumatult komplitseeritud süsteem, kus kõigel on oma funktsioon ja mõte – sageli isegi sellel, mis tundub esmapilgul pimesoole või konnasilmana. Inimene on soliidse vanusega liik ja seetõttu ennast nii kergesti hävitada ei lase, isegi mitte kõige sõnaosavamatel tõeeitajatel. Pigem näib, et inimloomus naerab vaikselt nende üle – lastes neil kõva häälega väita, et midagi väita pole võimalik. Tõe olemasolu eeldus on igas nende lauses kohal nagu vihaleht saunalise seljal ja iga üritus sellest vabaneda meenutab omaenda  saba taga ajavat koera. See oleks naljakas, kui seda ei harrastaks aukartust äratav hulk inimesi, keda mingil põhjusel peetakse targaks. Tõe eitamise loogiline võimatus ei ole neile probleem. Sangarliku visadusega eitatakse ka tõika, et William Hamiltoni uurimustest peale on tõestatud seos indiviidide geneetilise läheduse ja nende vastastikuse eneseohverduse määra vahel.

    See tõik põrmustab peavoolu dogma, et kõlbelistel otsustustel puudub mõistuspärane alus, ja annab kõlblusele täiesti teadusliku ja mõõdetava vundamendi. Siiani on peavool isegi Francis  Fukuyama populaarsuse kiuste suutnud teha näo, nagu ei puutuks need tõigad XX sajandi teisel poolel sõnastatud pühadesse, khm, tõdedesse. Kuid tegelikult puutuvad. Arvatavasti pakuvad lähimad aastakümned haaravat vaatemängu, mille sisuks on küsimus, kas lääne akadeemiline mõttelugu pöördub tagasi maa peale või jääbki hulpima sisutusse sõnapudrusse. Maa peal öeldakse: tellis on kandiline, on kandiline, on kandiline, ja kui ta oleks ümmargune, siis ta poleks tellis. Labane ja primitiivne mõtteviis muidugi.

  • Ühel õhtul kaks korda: draamaetendus versus ooper

     

    Mõjuvad momendid

    Kõigepealt draamaetenduse rusuv ning ängistav, arusaamatu halvaendelisuse atmosfäär. Kõik näitlejad olid tugevad, enim pani end jälgima Leila Säälik. Lugu räägib ajast, kui mehi kahekümne viieks aastaks sõjaväkke võeti. Kuidas kena Riina mõisa oma mehe Kuigu-Siimu eest paluma läheb, et parunihärra vabastava kirja kirjutaks, aga paraku tuleb välja, et parun  saadab just nimme talle meeldima hakanud nooriku mehe nekrutiks. Meheema näib seda aimavat, hinges aimab kirja tegelikku sisu ka noorik ise. See lõik on ju piiblis kuningas Saalomoni ning Patseba loona kirjas, mida raevunud Siim naisel ka lugeda käsib. Nii leiab Siim endal õiguse olevat noorikult elu võtta ja end kahekümne viie aasta sõdurielu asemel hoopis sunnitööle lasta saata. Sama loo lavastamine sama lavakujundusega  vajas teistsugust ülesehitust.

    Draamaosale oli lavastaja Garmen Tabor andnud avarama tegevuse ning loonud eredamad kujundid. Leidlik oli etendusi ühendav mõisahärra liin (originaalis see puudub): seda enam, et orkestrit ei olnud ja kuidagi tuli ju põhjendada, miks laval klaveri taga istub üks meestegelane. Eriti armas oli draama-Riinale klaveril laulukese õpetamine. Ooperi algus oli küll minu kui muusikainimese kurvastuseks oluliselt  lõdvem. Oli tunne, et kui professionaalsed näitlejad on läinud ja asemele tulnud klaveri saatel soome keeles lauljad, kelle karakterid oli hoopis nõrgemalt välja arendatud, on küll kehvasti. Draamanäitlejate puhul kutsus meheema pealtnäha süütu küsimus miniale, ega too suure tee peal käinud, esile tõeliselt plahvatusliku reaktsiooni mõlema poolt. Laulduna läksid samad sõnad nagu tühja: ei mingit emotsiooni. Kahtlemata oli Tarmo Eespere klaveripartii oskuslik ja tubli, aga ega ikka orkestrit ei asenda. Ja ooperi puhul oli see algul lausa häiriv. Nimelt olen ooperi täisversiooni soomlaste ettekandes sarjas „Diplomaatilised noodid” ka orkestriga näinud-kuulnud. Helilooja on ise ette määranud, et kahe naistegelase hääletämber oluliselt ei erine: vaid ema laulab alt ja miniat metsosopran. Seda enam peaks neid teiste vahenditega eraldama. Juuli Lille ema oleks võinud pearäti  või grimmiga vanemaks teha, sest praegu jäi tunne, et kaks ühevanust samas häälekategoorias naist vestlevad omavahel väheütlevalt. Kui Piret Rauga Riina oli torssis ja pahur maanaine, siis Helen Lokuta oli samas rollis leebe ja õrnake. Aga väheke veretuks jäi ta siiski.

    Ooperi päästis René Soomi roll ja natuur. Tema intensiivne osatäitmine lükkas hoopis teised tuurid peale. Ja äkki polnud enam aega Tarmo Eesperele klaveri taga kaasa tunda.  Tauno Pylkkäneni võimas ja kõnekas muusika oli see, mis mõjuma hakkas. Polnud vahet, kes seda esitas või millel seda esitati. Huvitav on Pylkkäneni võte kõige karmim mitte laulmise, vaid rääkimisega lasta välja öelda. Nii oli ooperis „Mare ja ta poeg”, nii lausus ka siin ema dueti vahele saatanlikult mõjuva häälega: „Sa teadsid, mis kirjas tegelikult seisab”. Ka Helen Lokuta sisemine võitlus, mis avaldus vastuse eel hingeldamises, oli mõjuv. Kui  seda toetas Soomi dominantne roll, hakkasid ka nüansid tööle. Uskumatu küll, aga lõpuks oli ikkagi ooper see, mis võitis. Kuigi soome keeles lauldud (iga sõna ei mõista ega eralda) ja klaveriga saadetud, oli ooperiettekandest saadud elamus kokkuvõttes üle draamaetendusel saadust. Kuidagi mahukam, krambivabam, voolavam, suurem. Eks muusika oli see, mis tõmbas alateadvuse kihid kaasa.

  • Sa oled mind ju sünnitand ja üles kasvatand…

    Tulid Eestisse tagasi: Sergei Furmanjuk, Pavel Vorožtsov,

    Tatjana Jegoruškina, Dmitri Kosjakov, Natalja Popenko

    ja Dmitri Ptšela.  2x ALEKSEI BELOV

     

    “Täna me ei mängi”, Moskva Kunstiteatri Kooli lõpetajate diplomietendus. Lavastajad Merle Karusoo ja Toomas Lõhmuste. Esietendus 30. V Vene Draamateatris. Mängivad Nikolai Bentsler, Pavel Vorožtsov, Tatjana Jegoruškina, Dmitri Kosjakov, Aleksandr Kutšmezov, Natalja Popenko, Dmitri Ptšela, Sergei Furmanjuk.

     

    Äsja jõudis Vene Draamateater tegelikult ju ikka veel renoveeritavas majas esietenduseni. Teatri vastvalminud black-box’is jõudis publiku ette Moskva Kunstiteatri kooli lõpetajate diplomietendus “Täna me ei mängi”, mille loojateks on Merle Karusoo ja Toomas Lõhmuste. Seekord mängiti pooleteisttunnist etendust neli päeva järjest, ent loodetavasti mängitakse lugu veel ja teisteski linnades peale Eesti pealinna. Sest lavalugu on seda väärt, et mängida nii eesti- kui venekeelsele vaatajale. Tundub, et eriti oluline oleks seda lavalugu mängida venekeelsetes koolides.

    Juba ilmunud retseptsioonis lavastusele “Täna me ei mängi” on Karusoo seekordset dokumentaalteatrit, tegelikult siis elulooteatri värskeimat tööd võrreldud tema omaaegsete pihtimuslavastustega, toonase lavakunstikateedri X lennu lavastustega “Meie elulood” ja “Kui ruumid on täis”. (Muuseas, Karusoo ise ei taha, et talle usaldatut “pihtimuseks” nimetatakse, öeldes: meie ise nimetame neid tunnistusteks, tunnistuse andmiseks. Pihtimus on liiga isiklik.)

    Mõneti on paralleel omaaegsete eluloolavastustega loomulik ja kerge tekkima, sest eks olnud toonastegi lavastuste puhul tegu teatrikooli tudengitega. 80ndate teatrikülastajad, eriti noored vaatajad, kelle hulgas lavastused olid ülipopulaarsed, mäletavad veel tänagi kindlasti kuulsusrikast X lendu, Anu Lampi, Laine Mäe, Andrus Vaarikut, Jaan Rekkorit, Sulev Teppartit, Jaak Johansoni jt oma elulugusid esitamas. Nüüd, üle 20 aastat hiljem, on publiku ees oma elulugudega neli aastat Moskva Kunstiteatri stuudiokoolis õppinud teatritudengid, muuseas eestimaalased, Eestis sündinud vene noored, kes Tallinna ja Moskva linnavalitsuse rahaga Venemaa teatrimetropoli õppima saadeti eesmärgiga neist 12 noorest (praeguse seisuga jääb üks neiu Moskvasse) meie kodusele Vene Draamateatrile uusi näitlejaid koolitada. Lavaloos “Täna me ei mängi” astub üles kaheksa noort näitlejat, ja tõesti, seekord nad ei mängi (viide pealkirjast), vaid räägivad – OMA elulugu. Aga mitte ainult…

     

    Karusoo – esimene elulugude koguja

     

    Karusoo seekordne projekt asetub hoopis laiemasse konteksti kui omaaegsed X lennu lavastused. Tegelikult on kõik Karusoo dokumentaallavastused olnud nn elulugude projektid. Meenutagem vaid mõningaid: “Aruanne” (1987), “Haigete laste vanemad” (1988), “Kured läinud, kurjad ilmad” (1988), “Sügis 1944. Laatsaretlaev Moero hukkumise lugu” (1997), “Küüdipoisid” (1998), “Save Our Souls” (2000), “HIV” (2002), “Misjonärid” (2005). Õigus on Rutt Hinrikusel, kirjandusmuuseumi teaduril ja elulugude uurijal, kes on väitnud: “Ta on meie esimene elulugude koguja, kes alustas enne muinsuskaitse seltsi ja ühendust Eesti Elulood. /—/ Merle Karusoo on kinnitanud, et igaühel meist on õigus oma eluloole. Elulugu annab ühe võimaluse endale otsa vaadata. Aga ka võimaluse ennast varjata, enda kohta valeinfot jagada. Sest mida ei mäletata, seda pole olnud. Mälutõkked ja varjatud elulood ongi olnud läbi aastate Merle Karusoo jaoks olulisemaid teemasid” (EPL 12. XII 2005). Seega, justkui märkamatult, süvenenult oma joont ajades on Karusoo oma teatritööde kaudu väga paljudele eestimaalastele nende elulood tagasi andnud. Veel märkamatumalt on Karusoo tegutsenud integratsiooniprojektiga “Kes ma olen?”, mille eesmärk pole mitte niivõrd teatriväljund (kuigi iga projekt lõpeb lavastuse vormis esitlusega, mida mängitakse paar-kolm korda). Pigem on niisuguste projektide eesmärk Eestis elavatele muulastele nende elulugu ehk juured lähemale tuua, et ühelt kuuendikult planeedil väikesesse Eestisse elama sattunud või siin juba sündinud eestimaalased eneselt küsiksid (või küsida oskaksid): kes ma olen?

    Karusoo on selliseid integratsiooniprojekte juhendanud 1999. aastast, pannud oma elulugu rääkima vene noori Sillamäelt, Kohtla Järvelt, Jõhvist, Narvast, Maardust, Tallinnast, muuseas ka Soomest (2004. aasta kevadsuvel osalesid niisuguses projektis 17 noort venelast Narvast ja Soomest). Üks viimaseid oli selles sarjas koostöö Eestis elavate mustlastega. Ja kindlasti üks põnevamaid (ja usutavasti keerulisim) töid valmis Karusool 2004. aasta mais Viini teatrifestivali “Wiener Festwochen” jaoks. Teatriprojekt “Viinist Moskvani – Lastekodu nr. 6” valmis intervjuude põhjal austerlastega, 1934. aasta veebruaris, pärast Austria kodusõda Nõukogude Liitu saadetud vanemateta jäänud lastega, kes saadeti Moskvasse küll vaid suvepuhkusele, ent jäid sinna aastateks ja paisati stalinistlike repressioonide käigus Venemaa avarustesse laiali. “Igaühel on õigus oma eluloole,” tundub olevat Karusoo tegemiste moto. Pole vist võimalik kokku lugeda, kui paljudele inimestele (kui kaasa arvata ka tema eluloolavastuste vaatajad) on Karusoo nende eluloo tagasi andnud, või vähemalt enesesse vaatama pannud.

     

    Omadele võõras, võõrastele oma

     

    Seega, mõneti on Eestisse naasnud Moskva teatritudengite lugu ühtaegu nii elulooprojekt, kuid kannab ka tugevat integratsioonialget (“Kes ma olen?”), eelkõige loomulikult laval oma lugusid rääkivatele näitlejaile. Vaevalt et need kaksteist noort, kes neli aastat tagasi Tallinnast Moskvasse õppima lennutati, teadsid tookord, kes nad on. See peegeldub juba noorte lugudeski, millest selgub, et identiteedikriisi – omadele võõras, võõrastele oma, seda nii Tallinnas kui Moskvas – põdesid läbi pea kõik verivärsked näitlejatudengid. Mõneti on Karusoo neli aastat suurlinna elu maitsnud noortele ette valmistanud nn pehme maandumise ehk tegelikult tolle lavastusega nii noortele kui ka Vene Draamateatrile vägagi toetava abikäe pakkunud. Tulla tagasi Venemaa kultuurimetropolist väikesesse Tallinna, olgem ausad, Vene Draamateatri näol seni ka suhteliselt suletud teatrigetosse, on hoopis valutum, kui oled enese (ja ka publiku) jaoks lahti mõtestanud oma senise elu, rõõmsad ja valusad kogemused, suhtumise Eestisse kui oma sünnimaasse jne. Üks asi on lihtsalt särava Moskva nimbusega “kolkasse” kohale lennata, teine asi on tulla ja oma tulevastele kolleegidele ning publikule terekäsi anda – avatult, ausalt, siiralt. Nii nagu teevad need kaheksa noort oma lugusid rääkides. Pärast lavastuse “Täna me ei mängi” äravaatamist pole too teatrikursus mitte ainult uued, säravad, andekad, tundmatud näitlejanäod, vaid justkui juba omad inimesed, ühed meie endi seast.

    Praegusel, pronkssõduri-rumaluse tõttu kasvanud nn rahvuspingete ajal on eriti huvitav kiigata Eestis 80ndate algul sündinud noorte vene rahvusest inimeste mõttemaailma. Ses mõttes on Postimehes kirjutanud Jaak Allikul õigus, et seda lavastust peaksid vaatama-kuulama kõik need (poliitikutest ajakirjanikeni), kelle kätes on üllas, aastaid kestnud-veninud lõimimisprotsess. See pooleteisttunnine lavalugu annab vahest isegi rohkem mõtlemisainet ja informatsiooni kui arvukad muulasi puudutavad sotsioloogilised või turu-uuringud. Või vähemalt täiendab seda – inimlikul tasandil. Need noored on normaalsed, Eesti riigile lojaalsed kodanikud (kuigi mitte kõigil pole taskus EV passi), kes armastavad Eestist ja kellel ajalookeerdkäikude tõttu (mille üle nad ise pole otsustada saanud) on täielik õigus küsida: kes me siis oleme, siia Eestisse sündinuna? Muulased, eestimaalased, eurooplased, kodanikud või halli passi omanik
    ena inimolevused, kelle määratluseks “eikeegi”? Noorte identiteedivaevad peegeldavad ilmselt paljude siinsete muulaste küsimusi-hirme-kahtlusi.

    Mõeldes päevile, mil Eesti hakkas endale nõutama iseseisvust (eestlastele eelkõige põnev ootusärevus) ja selle siis ka saavutas, mõjusid mõtlemapanevalt vene noorte (toona veel laste) hirmusegused mälestused: mis juhtuma hakkab? mis meist nüüd saab? tänavale ei julge ilmselt minna jne… Paradoksaalsel moel koorub lavastusest välja siinsete venelaste dilemma: neil on õnn ja (ikka veel) hirm elada Eestis. Kumb kaalub kumma üles? Loodetavasti valiku esimene pool. Ehkki, ülimalt paradoksaalne koht lavastuses oli hetk, kus kaheksa vene noort, üles rivistatuna musta teatrisaali musta lakke vaadates laulsid eesti keeles katkendi eesti hümnist: Sa oled mind ju sünnitand/ ja üles kasvatand /sind tänan mina alati / ja jään sull’ truuiks surmani,/ mul kõige armsam oled sa,/ mu kallis isamaa! Ehk siis, kui oled mu sünnitand ja üles kasvatand, siis kuidas edasi… peaks küsima praegune 20ndates eluaastates vene noor.

    Kuigi lavastuse pealkiri oli “Täna me ei mängi”, tõestasid need kaheksa noort, et Moskva koolitus on läinud asja ette: meie ees olid andekad loojad, noored näitlejad, kelle puhul võib ainult parimaid lootusi hellitada. Mõnele eesti teatrikooli lennule mõeldes hakkas kriipima isegi väike kadedus. Loodetavasti tähendab see ainult head, et siinsed vene näitlejad pakuvad tulevikus konkurentsi ka eesti näitlejaile.

     

     

     

     

     

     

  • Nobeli preemia

    Nobeli kirjanduspreemia läks sel aastal inglise dramaturgile Harold Pinterile. Äsja 75. sünnipäeva tähistanud Pinterit nimetab auhinnakomisjon kirjanikuks, kes paljastab oma näitemängudes kuristiku inimeste igapäevase jutuvada all ja tungib rõhumise suletud ruumi.

    Pinter ise on kirjeldanud oma keelesuhet järgnevalt: “Keel, mida me kuuleme, väljendab alati ka seda, mida me ei kuule. Iga kõnelus sisaldab kõrvalepõikamise manöövrit, segu vägivallast, salakavalusest, piinamisest ja pilkamisest, millega varjatakse tõsiasju, et lahutada teist osadeks. Kui lõpuks tekib kõnelusse vaikus, jääb alles kumav kaja, millega paljastab kõneluspartnerid täielikult. Keelt võiks seega interpreteerida ka nii, et see on pidev strateegia alastuse varjamiseks.” Nii on üheks Pinteri näitemänge läbivaks jooneks pidev kommunikatsioonihäire ja raskused üksteisemõistmisel, sellel on ka oluline roll näidendite atmosfääri loomisel. Sellega liituvad ka tegelaste identiteediprobleemid, pidevaks mureks on määratlusaluste puudumine. Nobeli komitee on nimetanud neid tegelasi inimesteks, kes poevad enda redutseeritud ja kontrollitud eksistentsi taha, et kaitsta end ja iseenese elu välise sissetungi eest.

    Tegevus leiab tavaliselt aset hermeetilises ja kitsas ruumis. Auhinnakomisjon on nimetanud Pinteri draamat tagasiminekuks näitekunsti olemuslike juurte juurde, kus tegevus toimub suletud ruumis, dialoog pole ette ennustatav, tegelased on jäetud saatuse hoolde. Autori keel on stilistiliselt keerukas, igapäevane kõnekeel on tihti segatud väga poeetilise väljendusega. Pealtnäha vähese tegevuse ja segase dialoogi pinnal kujuneb aga keskseks probleemiks tegelaste omavaheline võimuvõitlus. Kõik see on kirjandus- ja teatriuurijate käsitlustes soosinud tema loomingut seostama muu hulgas ka absurdi mõistega. Tihtipeale on toodud Pinteri eeskujudena välja Becketti ja Ionesco loomingut, kuigi tema looming ise tõukub veidi teistsugustelt alustelt.

    Pinter kirjutas oma esimese näitemängu “Tuba” aastal 1957, sellele järgnesid kohe samal aastal ka “Sünnipäevapidu” (eesti keeles Joel Sanga tõlkes LRis 1970, nr 2) ja “Tumm teener”. Eestis ongi lavastatud rohkem dramaturgi noorpõlveloomingut, siia kuuluvad erinevate lavastajate lavale tooduna juba eelnimetatud “Sünnipäevapidu”, “Tumm teener”, “Majahoidja” (1959), “Kojutulek” (1964), hilisemast loomingust on lavastatud ka näidend “Petmine” (1978). Kui Pinteri noorpõlvelooming on kantud rohkem eksistentsiaalsetest ja psühholoogilistest probleemidest, siis edaspidi on ta läinud järjest poliitilisemaks. Siinjuures tuleks mainida näidendeid “Eikellegimaa” (1974) ja “Uus maailmakord” (1991). Ka väljaspool näitekirjandust on Pinter olnud poliitiliselt väga aktiivne, mistõttu on süüdistatud ka Nobeli auhinnakomiteed sekkumises poliitikasse just Ameerika-vastasena. Sellesarnaseid reaktsioone tekitas juba rahupreemia määramine Rahvusvahelisele Aatomienergiaagentuurile ja selle juhile, nüüd külvas veelgi rohkem kahtlustusi Pinteri auhindamine, sest ta on ägedalt kritiseerinud Ameerika ja Suurbritannia tegevust Iraagis ja varem ka Ameerika muid sõjalisi aktsioone. Ka on ta sõna võtnud nii mõnegi inimõiguste rikkumise asjus üle maailma. Kui uskuda kirjaniku poole aasta taguseid sõnu, siis on ta näidendite kirjutamisest nüüdseks loobunud ja kirjutab veel vaid luulet, kuid on lubanud olla jätkuvalt poliitiliselt aktiivne.

     

Sirp