Tulevikusuundade ennustamine

  • Disainiööl püüti Tallinna kodustada

    Osalusest, oma panuse andmisest ja selle mõjudest ühiselt loodava asja edasisele saatusele on 1966. aastal kirjutanud Zenta Ērgle oma lasteraamatus „Meie õue lapsed”. Kui jätta kõrvale pioneerindus ja Lenini pidev kehatu kohalolek, räägitakse tegelikult sellest, kuidas toimib pisikene ühiskonnamudel ja mis juhtub, kui mõningaid selle liikmeid tõrjutakse, kas siis tõsistel või vähem tõsistel põhjustel. Ja kuidas lõpeb lõhkumine hoovil, kui kampa võetakse naaberhoovi „need teised” ja ka paha poiss Maigonis. Lõpuks ehitatakse ühiselt mänguväljak ja peetakse palliturniiri ning ka allkorruse kuri memm ei osutugi vääramatult õelaks ning kostitab pirukatega. Avalike ruumidega linnas on samamoodi. Kohalik elanik peab end tundma seal koduselt, ta peab saama sellega suhestuda ja looma endale ise oma koha: oma kogemuste, ühiste elamuste ja isiklike emotsioonide pinnal. Koht on sotsiaalne konstruktsioon1 ja kõik, mis selles on, tuleneb elanikest ja sissesõitnutest. Tegevus, hommikune päike, vahtraleht ja kohatud sõber annavad kohale oma tunde. Linn peab pakkuma paljudele oma kohta ja suurem osa neist kohtadest peavad olema ühised. Linnade tekke peamine põhjus oli kaitsevajadus, nüüd on aga linnas ohtlikum kui kusagil mujal. Linn on täis võõraid, kelle keskel peaks end julgelt tundma, ja seetõttu on veelgi tähtsam, et oleks kohtadevõrgustik, mis on inimeste oma ja mõjub turvaliselt. Kui omadel on julge, on ka võõrastel julge ja kurjade mõtetega võõras julgete omade vahel pahategusid korda saata ei saa.

    Igal meist on olnud loodetavasti lapsepõlv, kuhu kuulus muu hulgas sõbra hõige akna alt: „Tule õue!”. Õu on lõpuni hea, ta lõhnab kevadise kütise, puukuuride, pühapäevapiruka ja pesupulbri järele. See on oma koht, kus alati tohib olla ja kõiksugu asju teha. Öö seevastu on aeg, kus ei ole valgust. Nagu koht ei ole pelgalt mateeria kokkusaamine ja füüsikareeglitele alluv osa ruumist, ei ole öö meie meeltes lihtsalt aeg, See, mis päevast üle jääb on kokku pandud emotsioonidest – valdavaks kerge ärevus ja hirmgi. On kindlaks tehtud, et eriti Põhjamaadel ei tee inimesi ettevaatlikuks mitte valguse puudumine, vaid öö sotsiaalne olemus. Turvatunnet ei sisenda ei suurem hulk politseinikke tänavail, ei turvakaamerad ega ka mitte nuga põues. Linn on turvaline siis, kui seal on kohad, mida kasutada vabalt, ilma luba küsimata, vastavalt kirjutamata reeglitele, kui on olemas rajad, mis koosnevad tuttavatest, tähendusega lõikudest.

    Tallinnas peeti disainerite liidu eestvedamisel 26. – 28. septembrini festival „Arts and Lights” („Kunst ja valgus”), mis päädis disainiööga „Kummardus loovusele!”. Disainiööl panid maastikuarhitektid kokku kaks tegurit öö ja õue. Nii tekkis koht kohas ehk siis Raekoja platsi selline hoov, kus iga inimene võis käituda kui oma kohas: pikutamiseks muru, millel tekid, padjad, kaltsuvaibad ja lauamängud; pihlakad, kust marju võtta; tünn, kus sees hõõguvad söed, kõrval puupilpad ning söekott, et lisa panna. Lapsed pääsesid ilma ülemaailmselt tunnustatud ehk siis globaliseerunud  plastvidinateta: oli hoopis kollaseid lehti täis hüppamistünn. Õhtuseks ajaks toodi väikesed lambid, mida võis oma äranägemist mööda süüdata. Seda kõike nii, et ei otsustatud kõike lõpuni ära ega disainitud üle, vaid jäeti inimestele võimalus mõelda ja osaleda loomeprotsessis.

    Suursugune ja tavaliselt sammu kiirendama sundiv raeplats muutus ootamatult koduseks. Ei kõndinud minema ükski lauamäng, padi ega tekk, ei põlenud maha majad ega kaltsuvaibad. Algul käidi luba küsimas, et kas tohib. Ja astuti ka mururibadest üle, mitte peale. Õnneks võtavad lapsed maailma ilma asjatu tsiviliseerimisfiltrita. Kui on muru, tuleb seal peal joosta, kui on pandud mäng, võib sellega mängida ja kui kukub sillutisekividele vahtralehti – mis siis sellest? Need saab ju kokku pühkida. Kirjutamata reeglist kasutada kõike kenasti ei astunud keegi üle. Turvamehed platsil olidki lahked selgituste jagajad, mitte valvurid.

    Tulekohast sai õuesüda, mis ühendas kõiki, ka võõraid. Algne kava kutsuda tule juurde paar näitlejat, „peita” nad inimeste vahele ja lasta salaja jutuajamisi suunata, et hakataks lugusid jutustama, jäi ajapuudusel täitumata. Kuid lood mitte: ka ilma näitlejateta tekitas eriline atmosfäär mõnusa olemise ja vestluse. Koht toimis ja hakkas end ka ise reguleerima ning edasi arendama: inimesed võtsid ette ka sellist, mida õueehitajad ei olnud ette näinud, näiteks nagu murul telkimist, võidujooksu mururadadel ja raja kasutamist palliplatsi piirina. Osalus lisas lakkamatult uusi kvaliteete ja koht vormus pidevas muutumises.

    Ööõu oli õues kolm päeva. Siis tuli ta algosadeks lahti võtta ja maailma peale laiali jagada, sest iga pidu saab ükskord otsa. Aga Raekoja platsi mälukihtidesse jääb see õu alles ja inimesed, kes sellest osa said, meenutavad seda kohta nüüd „mäletad, see, kus oli see aed tookord”. Ja seal kuskil toimetab see mees, kes kõigile soovilõngu tõi pihlaka külge sidumiseks, ja ka see mees, kes kõrkjatesse hüppas, ning too naine ka, kes pahaselt küsis, et kas siis kahe mururiba pärast on vaja sellist sündmust korraldada. Ning kuskil on ka see, kes öise tule ääres teistele käe pealt tulevikku ennustas, ja too, kes kõigile suitsukala pakkus. Võrku tekkisid uued sõlmed, mis ühiskonda koos hoiavad. Ühiskond tähendabki ühist ruumi, nii konkreetset, mentaalset kui sotsiaalset. Ruumist saab koht elamise kaudu: sellel kasutamine ja mälestuskihtide lisamine kasvatab ka niite inimeste vahel. Muide, see toimib meile ehk mitte nii meeldivas vormis samamoodi. Ka pronkssõduri koha juures protestijaid ühendavad samasugused jämedad niidid ja ilmselt kosuvad need katkirebimispüüete tõttu veel tugevamaks. See koht seal Tõnismäel jääb alati selleks, „kust Aljoša minema viidi”, ja alati on keegi, kes seda kihti kohamälus teistest oluisemaks peab. Ja ükskõik, kui palju ja kui kirjusid Euroopa Liidu värvides lilli sinna ei istutataks, ei õnnestu seda ajakihti välja sikutada ja monument surnuaias on alati „teisel kohal”. Kohad ja nende mälu tähendavad inimestele neile olulisi asju ja sündmused on seetõttu erineva kaaluga.

    „Kohad tähendavad inimesi, kuid inimesed tähendavad ka kohti. Kohad moodustavad tähenduste kogumi, mida inimesed saavad kasutada neist lugude jutustamisel ja sel viisil iseend defineerida. Koht ja identiteet on tihedalt teineteisega seotud.”2 Seda tasub linna valitsedes, kavandades ja ette kujutades aeg-ajalt meenutada.

    1 Doreen Massey sõnastus.

    2 Toim Hugh Mackay, „Consumption and everyday life” (1997).

     

  • Sirp kaob

    Kus? Toimetuse uus aadress on Tallinnas Voorimehe 9, kultuuriajakirjade sõbrale tuttav koht, sest samas majakompleksis tehakse juba ammu näiteks Vikerkaart ja TeMuKit.

    Miks, sellele on mitu seletust. Neile, kes Sirpi ei loe, kuid seda andunumalt kritiseerivad, kõlbab seletuseks ehk toimetuse soov olla võimule lähemal, otse Toompea külje all. Mine tea, äkki saab siis järgmiseks juba ka mäe otsa. Neile, kes on valvsad maksumaksja raha otstarbeka kasutamise küsimustes, võin kinnitada, et kolimise eesmärgiks on vähendada märgatavalt toimetuse püsikulusid. Ja neile, kes teavad kõike juhtimisest, olgu seletuseks, et mis tõstab motivatsiooni, pole patt.

     

     

    Sirbi toimetuse uus aadress on

     

    Sirp

    SA Kultuurileht

    Voorimehe 9

    10146

    Tallinn

     

     

    Seoses kolimisega vahetuvad ka toimetuse telefoninumbrid. Uued numbrid kehtivad esmaspäevast.

     

     

    682 9070/71    üldtelefon, telefaks,

      reklaam – Sirje Kaus

    682 9072    kirjandus – Jan Kaus

    682 9073    kunst, arhitektuur – Reet Varblane;

      muusika – Igor Garšnek

    682 9074    ühiskond – Valle-Sten Maiste

    682 9075    keeletoimetus – Aili Künstler, Tiina Kivikas

    682 9076    peatoimetaja – Kaarel Tarand

    682 9077    kujundus – Piia Ruber

    682 9078    film, foto – Tarmo Teder

    682 9079    teater – Margot Visnap

     

  • Lummav õhtu looga piiblist

    Istudes Estonia kontserdisaalis ning kuulates Estonia teatri orkestri (dirigent Arvo Volmer) ning koori (koormeister Elmo Tiisväli) esituses suurepärase arendusega hillitsetud ja sametisest, stiililt romantilisest pianissimo’st kuni saali täitva forte’ni kasvavat, lausa Händeli oratooriumide mõõtmetesse ulatuvat heebrealaste avastseeni, kuhu lisandus erakordselt särava kõlajõuga Simson (Roman Muravitski) oma võitlusele kutsuvate fraasidega, tajus vist ooperist lugupidavate saalisviibijate enamus, et siin ja praegu sünnib üks neist teatriimedest, mida võib veel kaua meenutada kui midagi kordumatut. Tehes kõrvalepõike ooperi saamisloosse, on intrigeeriv tabada end mitmelt ajatult tõdemuselt, aluseks poliitiline situatsioon, prohveti kuulsus omal maal ja suurkujude protežee.

    Camille Saint-Saëns (1835 – 1921) oli imelaps, kes sai tuntuks Madeleine’i kirikus organistina ning leidis kiiresti tunnustust ka heliloojana. Kuid talle kõige populaarsema positsiooni muusikalukku toonud ooperi “Simson ja Delila” saatus oli sellest hoolimata pikkade keerdkäikudega. See vana piiblilugu oli huvi pakkunud juba 1600ndatel Hans Sachsile, 1700ndatel Jean-Philippe Rameau’le (libreto kirjutas Voltaire!) ja Georg Friedrich Händelile, kuid kuna eelmised Saint-Saënsi ooperid ei olnud õnnestunud, leidsid asjade üle otsustajad, et see lugu on teatrilavale liialt religioosne ja sobimatu. Pikkade heitluste tulemus oligi see, et ooper tuli tänu Ferenc Liszti asjaajamisele esiettekandele hoopis naaberriigis – Weimari õukonnateatris 1877. aasta 2. detsembril ja sai vääriliste ovatsioonide osaliseks, ning alles 13 aastat hiljem lavastati see Rouenis ja Pariisis.

    Siinjuures on hämmastav teada, et samal ajal oli Ferenc Liszt suureks toeks ooperimaailma suurele reformijale Richard Wagnerile, kes tegi meeleheitlikke samme uue teatri loomiseks Bayreuthisse. Kuna Saint-Saëns kavandas esialgu tõesti oratooriumi ja alles hiljem otsustas ooperi kasuks, siis ongi lõpptulemus stiililiselt küllaltki eklektiline: I ja III vaatus on nii kooride kui ansamblitega kõrvutatavad parimate oratoriaalsete teostega muusikaloost. Terve II vaatus Delila aariate, Delila ja Simsoni dueti ning suure Delila ja Dagoni ülempreestri stseeniga kuulub kindlasti heade lauljate unistuste maailma ning ooperiliteratuuri kullafondi.

    Muusikakriitikud on läbi aegade andnud üsna seinast seina hinnanguid selle helilooja loomingule. On olnud arvamisi, et sisult rohkem kui tagasihoidlik muusika on kirja pandud väga professionaalselt ja leitud, et ta on olnud lausa novaator, kui partisan prantsuse ooperis, kes sisse toonud naaberriigis tegutseva “suure saatana” Wagneri olulise idee – juhtmotiivi. Ja tõepoolest on need III vaatuse leheküljed ooperis, kus juba pimeda Simsoni kannatuste teemad põimuvad Delila ahvatlus- ja armutõotuste teemadega, ühed lummavamad. Eriline koht on Delila aariatel metsosopranite repertuaaris, seda kindlasti alates tema kaasaegsest Pauline Viardot’st, kes oli pärit kuulsast Garciade lauljate dünastiast ja lummas kogu Euroopa ooperipublikut ning oli inspiratsiooniallikaks oma aja heliloojatele.

    Antud ettekande tegi kindlasti äärmiselt mõjusaks väga hea dünaamiline tasakaal, mille lõi dirigent Arvo Volmer. Viimastel aegadel on kohutavalt häirinud igat laadi ekstreemsituatsioonid nende spordihallide ja tehis-tehniliste situatsioonide tõttu, mis ei võimalda nautida inimhääle harmooniatesse sulandumist, harmooniate terviklikkust ning olla kuulajal tervikus sees – näha tegijate emotsiooni valguses, tajuda pisimatki häälemängu varjundite skaalal.

    Väga põhjalik ja tulemuslik on olnud koori ettevalmistus, igas nüansis oli paindlik orkester. Oli osatud vältida solistide katmist, väga reljeefselt joonistusid Saint-Saënsi kui orelimängust võlutu orkestratsiooni omapärad ning suured ning julged tempod, mida muidugi võimaldas suurepärane solistide koosseis, mis tõesti oli perfektne kolmest peategelasest kuni pisirollideni. Võib-olla üks väike tähelepanek, kui tahta midagi kriitilist sõnada: maailmalavadel juba tugevasti kanda kinnitanud Marianna Tarassova on arvatavasti juba üliõpilasaegadel laulnud Delila aariaid ning see on jätnud teatud pitseri nende esitusse. Kui kogu ülejäänud partii, eriti duetid Simsoni ning Dagoni ülempreestriga kõlasid lummava eredusega ja samas erakordse musikaalsusega orkestrifaktuuri sulandumisel, siis kahes viimases aarias oli tunda teatud “ülekaetud” tooniga maneeri. Aga muidugi on see vaid finess, mida ei taju asjasse pühendamatud.

    Roman Muravitski tuletas oma särava hääle intensiivsusega meelde noort Plácido Domingot kõrgregistris ja ega just sageli ei kuule, et üks nii vabalt kõrgusi valdav tenor sulatab end nii diskreetselt partneriga ansamblisse. Jõuliselt pani end maksma Laimonas Pautieniuse Dagoni ülempreester. Kui Pärnus suvel kuuldud Rubinsteini “Deemonis” lummas tema baritoni suur kurbus ja hingevaev oma üksindusvalus, siis siin näitas laulja oma hääle metalli ja tarka häälekäsitlust – oskust oma üldsegi mitte eriti suure häälega täita saal. Kaldun arvama, et seda ooperit just eespool jutuks olnud stiililise eripära tõttu võetakse mängukavasse harva ja siiski tahaks loota, et Estonia järgmistesse hooaegadesse leiab see kolossaalne töö, mis kooril ja solistidel nii muusika kui prantsuskeelse teksti omandamisel nähtud, tee lavalaudadele.

    On näiteks meeletult kahju, et just neil päevil oma suurt juubelit tähistaval Urve Tautsil jäigi see roll unistuseks. (Moskvast tuli esituskeeld ooperi temaatikat silmas pidades – sic! – kõik kordub siin ilmas.) Peale külalisesinejate on ju meilgi juba vähemalt üks Delila osatäitja olemas, mõne aasta järel vahest koguni paar annet lisandumas.

  • Muusikaõhtu „Mälestades Solomiat“

    8. detsembril kell 14 toimub Narva linnuses muusikaõhtu „Mälestades Solomiat“, mis on pühendatud maailmakuulsa XIX-XX saj. ukraina laulja Solomia Krušelnõtska 140. sünniaastapäevale.

    Õhtust võtavad osa Mati Palm, Ljudmõlla Kõrts, Olesya Litnevski, Tatjana Gudõm, Katrin Patt ja ukraina ansambel „Kalõna“. Ürituse korraldavad Eesti Ukrainlaste Kongress ja Narva Ukraina Kaaslaskond Eesti vabariigi Kultuuriministeeriumi toetusel.

    Sissepääs vaba.

    INFO: Liidia Kulikova, klienditeeninduse kuraator , tel. 3599230, lidia.kulikova@narvamuuseum.ee

    http://www.narvamuuseum.ee/?next=pressiteated&id=1223&menu=menu_kula

  • Kaliningradi biennaal

     Eesti väljapanek, Eha Komissarovi kuraatoriprojekt (kujundaja Marko Nautras, korraldaja Tallinna Graafikatriennaal) sai ühe biennaali auhindadest, ekspositsioonipreemia. Suurema osa väljapanekust moodustavad nooremate kunstnike tööd, mis suhestuvad sotsiaalsemate teemadega, kusjuures domineerib industriaalne hõng. Janika Okk kollektsioneerib ning taastoodab galeriiruumis Tallinna tänavate anonüümseid stencil-tehnikas grafiteid; ta on täiendanud kasutatud papitükkidest ekspositsiooni venekeelse küsimusega, pihustatuna otse galeriiseinale: „Kuidas sa end täna tunned?”. Viimane lisab kogu Oki koostööprojektile anonüümsete eesti ja vene rahvusest tänavakunstnikega sotsiaaltöö värvingu.

    Kaarel Kütase lito pealkiri „Ma armastan tööstusrajoone” ütleb enda eest kõik. Sama noor autor tegi ka performance’i festivali avamisel, juues laua taga koos kohaliku venelasega pudeli Eesti ning teise Kaliningradi viina, eksponeerides samal laual oma pronkssõduri-ainelist graafilist lehte. Minimalistlik performance toimis eelkõige kontrastina pikale ning ametlikke kõnesid täis avatseremooniale.

    Lauri Koppel on valmistanud oma linoollõigetest hiigelsuuri mustvalgeid koopiaid, nagu Eestis juba on teinud Peeter Allik ning Toomas Kuusing, kuid ei eksponeeri neid sellisena, vaid fotodokumentatsioonidena linnaruumis.

    Gerda Märtensi tagasihoidlikke pliiatsijoonistusi loomapuuridest Tallinna loomaaias saadab autori vokaal: tema laulusõnad annavad  entsüklopeedilist teavet loomade anatoomia, elukommete ja leviku kohta. Kas märk loomaõiguslusest kui levinud ideoloogiast kõige noorema põlvkonna kunstnike hulgas?  Raul Meel on välja pannud Gulagi 255 vangilaagri nimekirja kirillitsas trükituna tähestikulises järjekorras musta ja punasega kolmeteistkümnele lehele. Ülejäänud Eesti ekspositsiooni moodustavad Lembe Rubeni, HULA, Villem Jahu, Tiiu Pirsko / Mati Veermetsa ning Sandra Jõgeva tööd.

    Festivali individuaalsed võitjad esindavad traditsioonilisemaid graafikatehnikaid ning väljendusvahendeid. Grand prix’ võitja, lätlase Paulis Liepa kolmel kollograafiatehnikas lehel on portreteeritud popkunstijärgselt juba klassikalist kunstiainest – kiirtoitu. Esimese preemia laureaat sakslane Olrik Kohlhoff on esindatud figuratiivse puulõikega. Teise preemia laureaat Dominica Sadowska Poolast puule trükitud serigraafiaga, mille mustal taustal on vaid mõne nurga alt vaadates aimatavad inimnäod. Kolmanda preemia pälvis Raffael Rheinsberg Saksamaalt frotaažitehnikas pannooga. „Et teha head kunsti, tuleb nautida jalutamist,” kõlab 1943. aastal sündinud kunstniku põhimõte. 120 A4-formaadis lehte, kuhu on frotaažis jäädvustatud kõikvõimalikud objektid, sildid ja reljeefsed kirjad kunstniku jalutuskäikudelt Kaliningradis/Königsbergis. Võib-olla oleks hea teada, et Rheinsberg on tuntud eelkõige kohaspetsiifiliste leidmaterjalist töömahukate installatsioonidega ning antud juhul on frotaažist abi nende esemete „elusuuruses” jäädvustamisel. Ja kui palju seoseid tekib kohe selle paiga dramaatilise ning vastuolulise ajaloo, Vana-Kreeka filosoofide  või Königsbergi kõigi aegade kuulsaima elaniku Immanuel Kanti sama kuulsate jalutuskäikudega sellessamas linnas.

    Žürii  eripreemia sotsiaalsete teemade käsitlemise  eest läks soomlase Markus Lampi­neni puulõigetele. Samuti oli biennaalil väljas eelmise korra grand prix’ laureaadi, poola graafiku Małgorzata Malwina Niespodziewana personaalnäitus, ülimalt naiselik inimkeha uurimine nii idee kui tehnilise teostuse mõttes.

    Ka selle aasta Poola ekspositsioon (kuraator Marta Raczek) oli biennaali üks värskemaid. Lisaks eespool kirjeldatud, biennaali teise preemia võitnud Dominica Sadowska töödele koosneski see vaid kokku nelja kunstniku loomingust. Üks neid teoseid, mis kogu Kaliningradi ürituselt kahtlemata meelde jääb, on  Małgorzata Szandała (samuti noor naine) „Pragu horisondis. Pildi morfoloogia”, mis koosneb  kahest kunstiteost kui sellist analüüsivast skeemist kui ühest skeemist otsekui välja kukkunud mustadest väikestest kuubikutest (kunstiteosest iseeneses?).

     

     

  • Õnne ja tarkust aidamehele!

    Aidamees ja rott

    ei tunne nälga.

     

    Halb naine kannab rohkem põllega aidast välja kui mees kurguga kõrtsist.

     

    See ei ole oma, mis aidas;

    see on oma, mis kõhus.

     

    Vokikruv ja naisenaba, vöörüsvits ja aidataba – nee peat kõvah olõma.

     

     Koit ei ole aitas

    ega eha lautas.

     

    Üsägä kannat aita, peoga vällä –  iks puudus.

     

    Õpetussõnu

    eesti vanasõnade andmebaasist

    www.folklore.ee.

     

  • Kammermuusika, mis ei mahu kambrisse

     

    “Akadeemilise kammermuusika” kontserdisarja järjekordne õhtu Kadriorus oli erakordset väljakutset sisaldav ettevõtmine. Kavas Maurice Raveli kaks kammermuusika tippteost: Sonaat viiulile ja tšellole (1922) ning Trio klaverile, viiulile ja tšellole (1914). Eriline väljakutse on niisugune kava keelpillimängijatele, sest tõenäoliselt teist varianti, kus ühe tunni sisse mahuks nii tohutul hulgal noodiühikuid, ei ole võimalik leida.

    Kui 1922. aasta aprillis toimus Sonaadi esiettekanne Raveli lemmikviiuldaja Héléne Jourdan-Morhange ja tšellist Maurice Maréchali esituses, siis nimetasid kriitikud seda “massimõrvaks”, pidades silmas valede nootide arvu. Sama kehtib ka Trio kohta, mille esmaesitajad Alfredo Casella (klaver), Gabriel Willaume (viiul) ja Louis Feuillard on just selle seosega ajalukku kinnistunud.

    Muide, triode puhul on alalõpmata probleemiks, millises järjekorras neid instrumente ja esitajaid serveerida. Loogiline on ju, et partituuri loetakse ülevalt alla ja siis peaks vaieldamatult selle ansambli koosseis nägema välja, nagu kavaski ära toodud: viiul, tšello, klaver. See on juhul, kui autoril ei ole rõhud teisiti, ning Raveli käsikirjas on just klaver, viiul ja tšello. Tõsi, Raveli spetsialistid väidavad üsna üksmeelselt, et autor tegi seda inertsist, järgides Mozarti, Mendelssohni ja Brahmsi traditsiooni. Kas sellisel pisiasjal on üldse mingit tähtsust? Arvan, et on, sest triomuusika absoluutsed tippteosed kuuluvad XX sajandi autoritele Ravelile ja Šostakovitšile ning üks olulisemaid põhjusi on asjaolu, et need autorid kuulsid partituuris kolme võrdväärset instrumenti ning loobusid klaverikontsertidest keelpillide saatel.

    30. oktoobril toimunud kammerkontserdi interpreedid Olga Voronova (viiul), Leho Karin (tšello) ja Mati Mikalai (klaver) võtsid enda kanda massiivse ülesande need kaks neljaosalist à pooletunnist teost järjestikku ette kanda. Aeg on pea saja aasta võrra edasi läinud ning ammu juba ei räägi arvustajad “massimõrvast” ei ühe ega teise teose puhul, pigem loetakse nende teoste repertuaari võtmist eneseväärikuse näitajaks. Nimetatud kolm artisti on kõrge individuaalse meisterlikkusega, laia professionaalse profiiliga ja pretensioonika solistiambitsiooniga muusikud, mis, muide, soosib sellise repertuaariga väljatulekut.

    Triomäng kui niisugune ja Raveli looming eriti ei ole koht, kus ego tuleks kohandada ansamblile, vaid kasuks tuleb just nimelt isiksus ja individuaalne meisterlikkus ja selle postulaadi põhjal ei ole esitajatele küll mingeid pretensioone võimalik formuleerida. Teine küsimus on hoopis kõlalist mahtuvust puudutav ning huvitav-huvitav: kaks keelpilli Sonaadi esitamisel oma kõlalise kapatsiteedi ja esitajate energeetikaga mahtusid vähem saali kui Trio, kus ju ometi lisaks klaver. Seetõttu kannatas mõnevõrra – toonitan just mõnevõrra – Sonaadi värvigamma, aga selles Trios on ikkagi hädavajalik grand piano kõigi oma kõlaliste ressurssidega. Eelnevast saab teha ainult ühe järelduse: sellise võimekusega artistide esitatud Raveli kava ei mahu Kadrioru lossikambrisse, vaid nõuab suurt lava suures saalis, suure kontsertklaveriga.

    Teine küsimus käsitleb selgepiirilist raiskamist. On absoluutselt selge, et sellise väärtusega kava omandamine ning selle realiseerimine ühel (!) kontserdil on raiskamine vaadatuna ükskõik, kas siis esitajate või kuulajate mättalt. Juba on käes aeg ka kontserdikorraldajatel ja etendusasutustel (nii era- kui avalik-õiguslikel) ümber vaadata oma väärtushinnangud suhetes eesti interpreetide ja eesti publikuga. Kui me arvame, et üheks korraldajate tegevuse eesmärgiks on meie kultuuriruumi sisustamine vastavate eesti väärtustega, siis ei maksa küpsetada civet de liévre sans liévre ehk jänesepraadi ilma jäneseta.

  • Kirjanduspäev “EKS 100/20”

    Reedel, 7. detsembril algusega kl 17.00 toimub Tartu Kirjanduse Majas (Vanemuise 19) kirjanduspäeva “Eesti Kirjanduse Selts 105/20”, millega tähistatakse 105 aasta möödumist Eesti Kirjanduse Seltsi asutamisest ning 20 aasta möödumist taastamisest. Viis aastat tagasi, kui tähistati seltsi 100. aastapäeva, kõneldi küllaltki rohkelt EKSi asutamisajast ning tegevusest esimestel aastakümnetel, seekord keskenduvad kirjanduspäeva sündmused pigem seltsi taastamisele 20 aastat tagasi ning sellele järgnenud ajale ehk siis fookuses on viimase paarikümne aasta jooksul toimunu.

    Kirjanduspäeval on kavas:

    Kõnekoosolek “Taastatud EKS”
    Eesti Kirjanduse Seltsi taastamisest ning sellele järgnenust kõnelevad Peeter Olesk, Katrin Raid ja Krista Ojasaar.

    Esitlus: “Kirjanike hääled”
    Esitleme EKSi ja Eesti Kirjandusmuuseumi koostöös välja antava plaadisarja “Kirjanike hääled” esimesi plaate. Tegu on autorikogumikega, mille tekstid on valinud ja sisse lugenud kirjanikud ise. Sarja esimesteks plaatideks on Indrek Hirve “Ahelriim” ning Jaan Isotamme “Puhka rahus, Johnny B!”.

    Tekstikava “Eesti Kirjanduse Selts 1992-2012. Tegevusaruanne vahepaladega köögipoolelt”.

    Järelpidu vinoteegis Reserva (Vanemuise 19 keldrikorrusel, algus orienteeruvalt kell 20.30): DJ-d Janika Kronberg, Kaspar Jassa ning Märten Rattasepp

    Üritust toetavad Eesti Kultuurkapital ja Tartu Kultuurkapital!

    Sissepääs on tasuta.

  • Eesti muusika päevad

    Muusika on kingitus. Eesti riik sai 90 aastat vanaks ja on tegemas ohtralt kingitusi lähematele naabritele ja sõpradele kaugemalgi. Eesti muusika päevadel kingivad eesti heliloojad ja interpreedid oma muusika ja mängu eesti kuulajatele. Tore – on inimesi, kelle põhitöö seisnebki teistele mängimises ja nende mängu kaasatõmbamises.

    Kingitusi tehakse kõige sagedamini ikka lastele. Väikese inimese töö on teadagi mäng, aga mängul on mitmeid eesmärke ja võimalusi. Ampluaa on lai. võib mängida lolli ning teisalt jällegi oma mänguga kedagi võluda. Või mängida elu ja surma peale. Puhta lustiva mängu kõrval loodab suur inimene metoodilise mängu toel lastele elu kohta eelteadmisi jagada ja teda tulevikuks endale sobivas suunas mõjutada – näiteks talle juba õrnas eas uut eesti muusikat mängides.

    Vahel üritatakse mänguks nimetamise läbi meeldivamaks muuta ka mõnda suhteliselt keerulist ja tüütut tegevust – asendage näiteks „pilliharjutamine” sõnaga „pillimäng”!

    Nendel päevadel mängitakse. Põhiliselt eesti muusikat. Märksõnadeks ongi „mäng” ja „mängijad”. Oleme festivalimöllu tõmmanud palju noori inimesi, kelle mälestused lapseea mängudest ei ole veel päriselt tuhmunud. Noortele pühendatud „Mammutikese kontserdil” teeb debüüdi Tallinna muusikakeskkooli uue muusika ansambel, alustades oma kava sümboolselt Schönbergiga. Tavatult suur on noorte heliloojate „väljapanek”, lausa kahe kontserdiga on programmis esindatud Georg Otsa nimeline muusikakool.

    Mängivad ka „suured”: Kaumann kaubamajas, Reinvere kirikus, Kangro kinos, Grünberg kultuuritehases, Kozlova kontserdisaalis jne (vt täpsemad mänguajad helilooja.ee). Mõned heliloojad on oma igapäevased mänguasjad hüljanud ja laenanud teiste omi – nagu seda teeb Alo Põldmäe, kes on lustida võtnud fotoaparaadiga.

    Mängitakse põhiliselt ikka pillidel: sümfooniliselt ja kammerlikult, suurtes saalides ja väikestes tubades, väga vaikselt ja tohutu kõlajõuga – õrnast sopranist löökpillide taustal mahuka meeskoorikõlani lõppmänguväljakul Estonia kontserdisaalis.

    Nagu fortissimo’sse lõppevast teosest jääb saali uitama pikem järelkõla, nii lõpeb ka festivalimäng järelmänguga Metodisti kirikus. Sellel kontserdil kõlav muusika on ühtlasi Eesti Vabariigi muusikaline kingitus, mis enne Tallinna kontserti jõuab kolme kontserdi näol kohale soome sõpradele. Ja ikkagi – kingitus on mäng.

     

  • Tali melanhoolne passioon

    Andres Tali. XXX. Digitaaltrükk. 2005. repro

    Andres Tali näitus “11 stills / 11 still’i” Vaalas kuni 21. I.

    Näitusel ei ole midagi juhuslikku. Andres Tali kujundas selle just Vaalas eksponeerimiseks. Näituse toimumisaeg oli kinni pandud, lavastused ja pildistamiskohad läbi mõeldud. Valguseks sai valitud novembri pimedus, mida värskendab esimene lumi. Fotod on konverteeritud videofailist fotofailiks ning töödeldud arvutiga, kuni on saavutatud kujundi rasterkude, mis on autorile hästi teada raamatukujundustöö kogemusest. Kõik filmidefektilaadsed laigud on samuti joonistatud videotöötlusprogrammiga. Mustas pintsaklipsus, valges särgis, jope ja habemega Andres Tali, iseenda modell, poseerib põlvili lumes, ehitustöölise põlvekaitsed ülikonnapükstel. Kaugjuhtimispuldi nuppusid näppides võtab ta end digikaameraga üles. See on natuurfilosoofide enesetunnetus käepäraste tehnika- ja kunstivahenditega, mis oli kohane antiigist kuni renessansini.

    Natuurfilosoofilise vaimukultuuri esinduskuju oli alkeemik, kelle lahutamine füüsikuks ja lüürikuks saaks toimuda ainult verise noalõike abil nagu Siiami kaksikute operatsioonil. Kahe vastandliku poole lahutamatu koostoimimine jääb aga kaugele harmooniast. Vaimne pingutus, mis üritab rahuldada korraga niihästi ratsionaalset kui ka emotsionaalset mõtlemisalget, viib lõppkokkuvõttes melanhooliasse. Ühendada ühes valemis või kujundis niihästi looduse makrokosmose kui ka psüühika mikrokosmose algolemus on sama tulutu töö kui kivi mäkkeveeretamise ülesanne, mis mõisteti Sisyphosele, inimkonna juhtivale melanhoolikule.

    Melanhoolsed on alkeemikud Geoffrey Chauceri kirjeldustes. “Melancholia” on pealkirjaks Albrecht Düreri ja Lucas Cranach seeniori piltidel, mis kujutavad alkeemiat. Cranachi tillukesed inglid, lapsi sööva ajajumala Kronose ehk alkeemia vaimu Saturni lapsed, jäävadki oma kuulikesi veeretama, pääsemata välja aja igavikulabürindist ehk isa soolestikust. Düreri tilluke ingel vaatab pealt suure ingli eksperimente lootusetute ainetega nagu filosoofiline kivi ning tulutuid teoreetilisi otsinguid nagu ringi kvadratuur ehk ruuduga pindvõrdse ringi joonistamine sirkli abil. 

    Ka Andres Tali on tuntud töödega, kus ta veeretab kuule või laseb neid õhku, puhub laiali puistekoonuseid või kõigutab pendleid. Iga töö kui eksperimendi protokoll on varustatud loetamatute üleskirjutustega, mille kiirkiri reedab katsekorraldaja kirge kosmose mõistupildi kokkuseadmisel vaksapikkuste vaatlussammude haaval. Andres Tali puhul on tegemist looja sisekosmosega, sest tema taotlus on kujutada selliste protsesside kaudu psüühilisi protsesse.

    Graafik, kes äsja 50. sünnipäeva tähistas, on rokiajastu laps. Mõistmine, millest räägib kunst, tabas teda 15aastase koolipoisina Rolling Stonesi laulu “Sister Morphine” kuuldes. “Armas nõbu Kokaiin, aseta oma jahe-jahe käsi mu laubale / oh tule ometi, õde Morfiin, ja tee mu voodi ülesse.” Laulusõnad käivad liiklusavariiga haiglasse sattunud mehe kohta, kes valuvaigistist surmale leevendust otsib. See sõnum ei ole Andres Tali loomealgoritm, vaid silmade avamise kujund. Ta ise narkootilisi aineid ei tarvita. Seepärast ei saa tema loomingut analüüsida farmakoloogiste mõistete, vaid hingeliste kategooriate alusel, mille näiteks võib tuua Hasso Krulli arvustuse Vikerkaares (1991, nr 8).

    Pärast keskkooli lõpetamist oli Andres Tali valiku eest, kas minna õppima astronoomiat, filosoofiat või filmianimatsiooni. Kuna Moskvas võeti multifilmiüliõpilasi vastu üle aasta ning juhtus tühiaasta olema, siis läks ta hoopis kunstiinstituuti graafikat õppima. Loogiline, et ta hakkas kujutama eksistentsialistlikku hingevaagimist astronoomilise vaatlustäpsusega võttekaadrite haaval. Nagu ta ise ütleb, kulgevad psüühilised protsessid, laborikatsed ja narratiivid ühteviisi punktist A punkti B. Teekond loomeprotsessi algusest lõppu viib läbi kunstniku pimeda poole, hämara hingeala, kus ei näita suunda ei esteetika, eetika ega loodusteaduse majakad. Teadvuse valgustamata koridorides võib küll ekselda lootuses, et uks õitsvale lilleaasale viib, aga selle ukse taga võib olla midagi hoopis muud.

    Marko Mäetamm, Andres Tali töökaaslane kunstiakadeemias, kaardistab samuti teadvuse varjulisi orgusid ülevaatlikes abstraktsetes hea ja kurja tabelites. Kui Mäetamme hingesoppide kujundimaailm on romantiliselt sünge gootilavastus, mida autor algusest lõpuni deus ex machina pardalt juhib, siis Tali käivitab deistliku loojana gootidokumentalistliku protsessi ja vaatab kõrvalt, kuhu see välja viib. Vahepealne sekkumine piirdub enesetunnetuslike protokollvaatlustega, märkides üles psüühilisi etappe kui palatihaige palavikugraafikut. Hingelt rokkaritel ja vaimult eksistentsialistidel Talil ja Mäetammel on peategelaseks musta ülikonnaga, valge särgiga, tumedate juuste ja habemega mees. Pintsaklipsu-Jeesus, kes hinge tumedama ja alatasa laskuma kippuva vaekausi kaalu väsimatult vähemaks võimleb. Taas ja taas veab ta risti Kolgatale, sest alati sigineb inimese hinge uus pimedus, mis nõuab lunastamist.

    Meenub kunagi kooliekskursioonil nähtud Ermitaaži fassaadi melanhoolne maaler, kes ümber hiigelsuure hoone tiirutades ei saanud tellinguid maha võtta, sest seinavärv ta ees jõudis enne lahti kooruda. Ta on nagu Sisyphos kiviga. Nagu muutumatu raadiusega rõngasse keeranud madu, alkeemikute iidne sümbol, kes kasvab oma saba kugistamise kiirusega.

    “11 still’i” Vaalas on käima lükatud samasuguse eksperimentaatori kirglikkusega nagu Andres Tali varasemas protsessigraafikas. Ta ise tunnistab uut väljapanekut kui võimalikku jätku 2004. aasta näitusele “Iha ja igatsuse instrumendid”.

    Põlvili rände passioon algab Vääna mõisast, kus ta lapsena suve veetis, põikab läbi kultuuriministeeriumi juurest, teeb vahepeatuse Vaala endise ukse ees; seal korraldas ta pool oma isikunäitustest. Lõpuks jõuab ta väljale metsa servas Pääsküla kandis. Seal jäädvustab ta kaadrikaupa võttekohal seismise, põlvililaskumise ja eelmistest kaadritest tuttava põlvitamispoosi. Kõige viimasest kaadrist on objekt kadunud, nagu Andres Tali protsessidele iseloomulik. Ta ei demonstreeri enam oma hingeliikumisi katsemudelitel, vaid esineb iseenda mudelina. Ta paigutab end oma protsessikompositsiooni nagu eksperimentaator, kes iseenda peal vaktsiini katsetab. “Või muutub nähtamatuks nagu Herbert G. Wellsi jutustuses, ” ütleb ta muiates. Seda on kergendus kuulda, sest muidu oli karta, et viimases kaadris sihtis modell, kaugjuhtimispult käes, end püssiga.

     

Sirp