teaduspoliitika

  • Jukebox – seitsmekümnendad – genesis

    Rohkemgi kui Genesist puudutab see pophittide jutt ansambli nüüd juba kunagisi lauljaid Peter Gabrieli ja Phil Collinsit. Eriti viimast, sest tema kuulsus kipub Genesise tuntust juba ammu ületama. Unustamatud on nad omas liinis muidugi kõik: Genesis oma 70ndate teatraliseeritud rock’i ambitsioonidega, Gabriel oma etnomuusika ehk WOMADi projektidega ning Collins oma kommertsiaalselt võimsa esiletõusuga 80ndatel, mida ta ka 90ndatel on suutnud parajas leilis hoida.

    Kuid ansambli enda ajalugu algas aastal 1967, kui viis Charterhouse’i kooli 17aastast õpilast saatsid oma koolibändi demolindistuse tuntud produtsendile Jonathan Kingile. Koolipoiste ansamblil polnud tegelikult veel nimegi: õpilane Peter Gabriel laulis ja mängis flööti, Mike Rutherford sõrmitses bassi, Anthony Phillips oli kitarrist, Tony Banks mängis klahve ning Chris Stewart trumme.

    Kuid too Kingi-nimeline produtsent nägi koolipoistes sädet, soovitas nende bändile isegi hea nime – Genesis, ning tegi omal riisikol nendega koguni plaadistuslepingu. Selle tulemusena ilmuski aastal 1969 debüütalbum „From Genesis to Revelation”, kuid produtsendile oleks see küll äärepealt pankroti kaasa toonud, sest plaadi müügiedu oli nullilähedane. Võib arvata, et King ei tahtnud pärast seda Genesisest enam midagi kuulda ega näha, kuid noormehed ei heitnud meelt ning otsustasid oma käe peal jätkata.

    Ebaõnnestunud debüütalbumile järgnenud plaat „Trespass” jäi 1970. aastal samuti tähelepanuta ning alles kolmas album „Nursery Cryme” andis kriitikute arvates mõningat lootust. Tõsi, Genesis oli selleks ajaks läbi teinud ka koosseisuvahetuse: kitarri mängis nüüd Steve Hackett ja trummide taga istus ei keegi muu kui Phil Collins. Uute liikmete ning värskete ideedega ilmus Genesisel kohe neljas plaat „Foxtrot” ning koos sellega tuli ka esimene läbimurre Briti edetabelitesse. Pole ka imestada, sest „Foxtrot’il” on seitsmeosaline süit „Supper’s Ready”, mis seadis Genesise kriitikute hinnanguil kohe ühele pulgale selliste ansamblitega nagu Emerson, Lake & Palmer ning Yes.

    Aastal 1973 täienes Genesise diskograafia koguni kahe eduka plaadi võrra: nii kontsertalbum „Genesis Live” kui „Selling England By the Pound” asusid mõlemad vallutama edetabeleid. „Live” jõudis Briti esikümnesse ning „Selling England” ka üle ookeani Ameerika tabelitesse. Genesisest oli üleöö saanud kultusbänd ning laulja Peter Gabrielist täiesti uut tüüpi rock-staar, kelle lavakostüümid, erilised maskid ja show tähendasid muusikateatri tungimist rock’i-lavale. Publik oli vaimustuses, kuid kriitikute sekka tekkis ka kahtlejaid, eriti „Selling England’i” puhul, mis oli selgelt ühiskonnakriitilise hoiakuga. Eriti ärritasid arvustajaid Genesise mõistukõnelised laulutekstid. Nii kirjutas üks kriitik ajakirjas Rolling Stone, et kuigi mõned „Selling England’i” tekstid on intrigeerivad ja huvitavad, siis teised olevat lihtsalt absurdne hämamine. Sõnad sõnadeks, kuid muusikaliselt oli „Selling England By the Pound” kahtlemata ansambli tolle aja tippsaavutus.

    Edust tiivustatuna laskis Genesis aastal 1974 käiku oma kõige teatraalsema projekti „Lamb Lies Down On Broadway”, mis lavastati sürrealistliku multimeedia-show’na ning ilmus ka samanimeline topeltalbum. Multimeedia võimalused polnud tollal küll need mis praegu, kuid mitmesuguste laserite, valgus- ja värvimängudega saadi muusikaline näitemäng, mille kohta kriitikud ütlesid, et Genesis on nüüd lõplikult ja kollektiivselt hulluks läinud. Kuid asjal oli ka oma varjukülg. Peter Gabriel, kes oli selle show peategelane, sai tuule tiibadesse, lahkus Genesisest ning alustas oma soolokarjääri. Uue laulja leidmine võttis bändil aega rohkem kui aasta: konkursi korras kuulati läbi üle neljasaja kandidaadi, enne kui Phil Collins lõpuks laulma soostus.

    Aastatel 1976 ja 1977 (Gabrieli asemel Collinsiga) ilmus kaks plaati: „A Trick Of The Tail” ning „Wind And Wuthering”, mis olid oma kontseptsioonilt ja kõlamaailmalt küllaltki lähedased. Neist viimane on tegelikult kogu Genesise teatraliseeritud progeperioodi vaimne kokkuvõte.

    Plaat „Wind And Wuthering” jäi aga kitarrist Steve Hackettile viimaseks Genesisega tehtud stuudioalbumiks. Pärast Hacketti lahkumist oleks võinud arvata, et ansambel vajub nüüd kokku (jäädi ju kolmekesi), kuid võta näpust! Kolm musketäri – Banks, Rutherford ja Collins – lasid triona välja hoopis Genesise plaadi „And Then There Were Three”. Tähelepanuväärne on aga see, et kui trummimehest Collinsist sai laulja, siis Mike Rutherford kvalifitseerus bassimehest ümber kitarristiks. Õieti mängis ta nüüd stuudios mõlemat instrumenti ning kontsertidel oli tal kaelas eriline kahe kaelaga pill, millest ühel olid bassi ning teisel kitarri keeled. Kõige huvitavam on aga see, et kolmekesi tehtud „And Then There Were Three” oli Genesise plaatidest esimene, mis jõudis alguses kuldplaadi ning seejärel juba plaatinaplaadi staatusesse.

    Oluline on veel asjaolu, et Gabrieli ja Hacketti lahkumisega muutusid jõuvahekorrad Genesises tunduvalt – ansambli pea-ideoloogina hakkas tasapisi domineerima nüüd Collins. Esialgu üsna märkamatult, siis aga ikka jõulisemalt. Muutus ka ansambli orientatsioon ning kui aastal 1980 ilmus plaat „Duke”, oli juba selge, et progemeistritest on saanud hitimeistrid.

    Kuid Genesise kommertsiaalne kallak ei saanud ainuvaldavaks siiski üleöö ega ühe-kahe plaadiga. Eks oli siingi otsimist ja leidmist, nuputamist ja publiku kompamist ning kui aastal 1983 ilmus Genesisel ilma nimeta plaat avalooga „Mama”, siis progefännid muidugi rõõmustasid, et kohe tulevad Genesise nii-öelda vanad head ajad tagasi. Läbinägelikumad aga oskasid seda albumit seostada hoopis Collinsi soolokarjääriga, mida ta oli jõudnud juba alustada, kuid – erinevalt Gabrielist ja Hackettist – Genesisele siiski selga keeramata.

    Phil Collinsi soolokarjäär sai vahepeal uut hoogu üha juurde, ta oli vaieldamatult edukas ning pole siis imestada, et Genesise lood hakkasid ikka rohkem sarnanema Phil Collinsi sooloprojektidega. Aastal 1986 ilmunud plaat „Invisible Touch” on igatahes sellesuunaliste mõjude nähtav puudutus.

    Sama suunda jätkas ka 1991. aasta plaat „We Can’t Dance”, kuid vähe sellest, et Genesise-mehed enam tantsida ei saanud, nad ei suutnud enam ka arvestatavaid uusi ideid genereerida. Kontserdikogumikke küll tehti, kuid stuudiosse polnud neil enam justkui asja. Lõpuks lahkus aastal 1996 ansamblist ka Phil Collins. Tema asemele kutsuti lauljaks Ray Wilson ning trummide taha koguni kaks meest, keda Genesise põhikoosseisu millegipärast ei arvatud. Ning aastal 1997 ilmus Genesise viimane stuudioplaat „Calling All Stations”, mida ei saatnud aga enam varasemate albumite edu.

     

     

  • Kriitiku mõõdust

    Selliseid tekste lugedes tekib küsimus, kas tõesti elame kunstikääbikute ajal või on suurt ja surematut rahvuslikku narratiivi ihkav kriitikupositsioon midagi, mis ei suuda tähendusrikkalt hõlvata kaasaja kultuuripildis toimuvat? Kas kriitikud, kes kurdavad suure kunsti puudumise üle, kuulutavad meile tõtt või, suutmata kujunenud kultuuritegelikkust haarata, üritavad õukonnakunsti (ka nõukaaegse tsensorite poolt valitsetud kunstiruumi) kriteeriume rakendada millegi suhtes, mille suhtes seda võib-olla rakendada ei saa? Kas on mõtet üldse kasutada suuruse-väiksuse, keskse ja marginaalse, kestva ja ajutise mõõdupuid olukorras, kus õukonnakunsti etableerunud hierarhiad on asendunud pluralistliku dünaamilise kultuuritasapinnaga? Kui kultuuritegelikkuses konkureerivad suurte vaalade asemel toidu pärast räimeparved, kas ei peaks siis toimuva hõlvamiseks keskenduma mõnele muule kategooriale suuruse kõrval? Harpuuniga räime ei püüa, selleks läheb vaja võrku.

    Püüdes mõtestada kriitikute võimalikke rolle nende funktsiooni järgi, saame kriitikupositsiooni kolmese jaotuse. Kõigepealt inkvisiitorid, kes näevad kõike võimupositsioonilt, seavad end Ilu õukonda ja võtavad õiguse nimetada taevariiki pääsejaid ja põrgutules põlejaid. Nad toetuvad enamasti mineviku autoriteetidele, kaitsevad kõike suurt ja igavikulist pühaduseteotuse eest ja kurdavad mandumise üle, kui midagi surematut meelevalda ei satu. Nad on suurte, pühade ja rahvust ühendavate suurvormide teenistuses (üheks puhtakujulisemaks näiteks on Rein Veidemann, kes on end kõnelnud rahvusliku kõrgkultuuri suurvormide tagaigatseja sümboliks). Inkvisiitori roll seisneb peamiselt vertikaalsete võimusuhete defineerimises: marginaalsuse ja kesksuse, kõrguse ja madaluse, ortodokssuse ja ketserluse määratlemises.

    Siis on sektandid. Sektantliku kriitiku funktsiooniks on eksegees ja identiteediloome, nemad näevad kultuurikeskkonda vaba konkurentsi tingiva tegevusväljana, tasapinnana, mitte trepina nagu inkvisiitorid. Nende jaoks ei ole kunstilised väärtused midagi antut, koht kultuurivälja keskmes tuleb loojatel välja võidelda, kriitiku roll seisneb identiteediloomes, toimijate ja tähendusväljade korrastamises (ümber)seletamise kaudu.  

    Ja siis on veel kolmas ning haruldasim liik kriitikuid, kelle toime võiks olla sama, mis oli Martin Lutheril ja reformatsioonil ristiusu muutmisel. Need on isikud, kes ei tegele võimusuhete määratlemise ega identiteediloomega, vaid kelle tekstid kannavad kriitiku kui lugeja-vaataja-kuulaja isiklikku suhet kogetuga. Nende eesmärk ei ole niivõrd autoripositsiooni avamine ja autori ning tema loomingu “paikapanemine” väljal või hierarhias, vaid teose tähenduspotentsiaali arvardamine teiste lugejate-vaatajate-kuulajate jaoks, üksikisikute kunstikogemisoskuste kasvatamine.

    Milline kriitikupositsioon kõnetab kaasaja pluralistlikku tasapinnalist kultuuritegelikkust kõige usutavamini? Kui pole enam õukonnakunsti, siis kui veenvalt kõlavad õukonnakriitikud?  Ma olen nõus Jan Kausiga, kes 3. II 2006 Sirbis kutsub üles tegelema kunsti (kirjanduse) kogeja ja tema suhestamisvõimaluste avardamisega tekstidesse. Selleks tundub see kolmas, võimumängudeväline kultuurikaemus olema kaasaja kriitikupositsiooni jaoks sobivaim, sest tema toiteväärtus vaatajale-kuulajale-lugejale (kelle nõrkemise pärast nutetakse) on suurim.

    Ajal, mil kunst ei mõjuta oluliselt ühiskonnas toimuvat (vähemalt mitte sellisel määral kui nt nõukogude ajal), ning eeldusel, et kunst on muutumas avaliku, ühiskondliku elamuse kandjast pigem kildkondliku või isikliku elamuse kandjaks, ei ole peamiselt kunsti hierarhilisele korrastamisele suunatud kriitika enam ei kunsti ega publiku teenistuses. Priimäel ja Veidemannil on õigus: vaalade ajastu on läbi. Järelikult tuleb hankida räimepüügivahendid. See, kas ja millisest toidust kuulaja-vaataja-lugeja kõhu täis saab, sõltub suuresti tema võrgupunumise osavusest. Kriitikud võiksid olla need, kellelt toimivaid püügivõtteid omandatakse.  

  • Sada aastat on alles algus!

     

    Foto:Alan Proosa

     

    Telgi keskel oli karvase kere ja pöetud peaga hiiglane, vaskrõngas ninas ja raske raudkett pahkluu ümber, valvamas suurt kirstu. Kui hiiglane kirstukaane üles tõstis, tuli sealt jäist õhku. Kirstu sees polnud muud kui tohutu läbipaistev kamp arvutute sisemiste nõeltega, milledes hämarikuvalgus värvilisteks tähtedeks purunes. Segadusse viiduna, teades, et lapsed viivitamatut seletust ootavad, julges José Arcadio Buendía pomiseda:

    “See on maailma suurim teemant.” “Ei,” parandas mustlane. “See on jää”.

    Gabriel García Márquez, “Sada aastat üksildust”

     

    Erinevalt Macondo asutajatest teadsid Vanemuise asutajad sada aastat tagasi väga hästi, mis on jää. Aga kes oleks osanud oodata, et ka Tartust kasvab kord klaasist linn! Linn, kus on palju imelisi aparaate ja lihtne ligipääs teadusandidele. Linn, kus kord on majas ja inimesed on õnnelikud… Või milles siis asi on?

     

     

  • J. Mildeberg, P. Mildebergi, V. Noor – ühisnäitus Võru Linnagaleriis

    Võru Linnagaleriis kuni 22.11.2012 :
    Jüri Mildeberg, Piret Mildeberg, Viive Noor – Ühisnäitus „Me kolmekesi tuleme“
     
    Kunstirühmitused ja –grupeeringud võivad moodustuda vägagi erinevatel alustel. Loomingulised põhimõtted ja arusaamad, üheaegsed õpingud, ühised eesmärgid. Seda ühist nimetajat, mis meid kolme kokku liidaks, ei oskagi hoobil välja tuua. Meie vanus kõigub 10-e aasta piires, meil on kõigil erinev haridustee, erinev ettevalmistus. Jüri on iseõppija (küll kasvanud kunstniku perekonnas), Piretil on graafiku-illustraatori koolitus, minul moekunstniku. Meie loomelaadid on nii erinevad, et suurimgi kunstivõhik ei suudaks neid omavahel segamini ajada. Isegi elus saame nii mõnestki asjast erinevalt aru. Ja ometi peab olema midagi, mis meid ühte liidab. Nii elus, kui loomingus. Pole see ju kaugeltki meie esimene ühine näitus.
     
    Meie Jüriga oleme suured nokitsejad, Piret ei talu nokitsemist silmaotsaski ja võtab ette suured pintslid ja pinnad. Aga kõik me armastame kirjandust, hindame sõna ilu ja vaimukat lausumist. Armastame kunsti ja loovust selle erinevates avaldusvormides, hindame huumorit ja värskeid mõtteid, nipiga ütlemisi ja tegemisi. Kõik me hindame vabadust ja sõltumatust, talume raskelt rutiini. Ja kõik me armastame üliväga loodust ja loomi. Piret ja Jüri maainimestena igapäevaselt selle kõige keskel viibides, mina linnainimesena kaugelt ihaledes…
     
    Nii nagu me erinevustest hoolimata omavahel sõbrad oleme, ripuvad sõbralikult kõrvuti seinal ka meie pildid. Nad toetavad üksteist ja toovad pigem esile naabrite paremad ja tugevamad küljed, kui et trügivad ise püünele. See on mingi sügavam lugupidamine, mingi eriline kokkukuuluvus, mis meid ühendab. Midagi kindlat ja vankumatut, mille peale võid alati toetuda. Teadmine, et sind alati mõistetakse. Meil on tore koos olla ja tundub, et tore on koos olla ka meie piltidel. Tore reisida ja aega veeta, näitusi korraldada ja neid avada. Me hoolime üksteisest, aga lubame olla erinevad, mõelda omi mõtteid ja anname üksteisele piisavalt hingamisruumi.

    Ines Erlemann – „JA JUMALANNA NAERATAS.“
    Näituse „Ja jumalanna naeratas.“ esimene töö oli pühendatud New Yorgi kaksiktornide 8.aastapäevale aastal 2009. Sellele järgnesid teosed Estonia hukk ja Venemaa hokimeeskond. Lõpuks sel aastal sai sellest terve näituse sari erinevatest katastroofidest nii inimeste eludest, nõrgast ja kurjast inimloomusest kui ka looduskatastroofidest.
    Aga miks just piraaja – nad pole ju maailma kurjemad loomad. Kuid siiski on nad piisavalt ebameeldivad tegelased oma väikeste näksivate hammastega. Piraajat on siin võetud kui üleloomulikku jõudu, mis paneb inimesi või siis loodust tegutsema sellisel moel, mida ei oska ja ei saa seletada.Ja ükskõik mis maailmas ja maakeraga ei juhtu, siis kuskil on arvatavasti siiski üks tugev jõud, mis valitseb mis justkui naeraks kõikide meie jõupingutuste üle.
    Miks jumalanna, sest oma mõtetes on suur üleloomulik jõud alati mehelik, et kas see on siis olemas või mitte ja millisel kujul, kas mehelik või naiselik või hoopis loomalik, seda peakski kokku sümboliseerima nii piraaja kui ka jumalanna olemus. Piraajade sees on katastroofide head pildid ehk algused, kui midagi pole veel juhtunud. Mõned piraajad on läinud asjade sisse, siis tekitavad ise katastroofe. Kogu näituse mõte on meelde tuletada, mis on uhtunud, mis võib veel juhtuda ja kuidas ise mõnda katastroofi ära hoida.

    Diana Allas – tuššijoonistused
    Täpitatud teosed on sümboolse väljendusviisiga, mis mõjutab meeli ja tundeid. Täpitustöödes väljendub sügav esteetika, isegi distsipliin, psühholoogia ja ajalugu.
     
    Tulemas: 26.11.2012-03.01.2013
    Maris Tuuling, Evi Gailit ja Karitas Uus – ühisnäitus
    Kalli Kalde akvarellid
    Albert Gulk – joonistused

  • EMTA X Sügisfestival

    Rahvusvahelist haaret toonitab juba Sügisfestivali avakontsert Kultuurikatlas (21. IX), kus on võimalik näha-kuulda duo con:Fusion (Saksamaa) multimeediaetendust. Järgmine festivalipäev on aga eriline, sest EMTA kammersaalis on võimalik osa saada eesti kõige-kõige värskemast nüüdismuusikast, kuna seal toimub akadeemia kompositsiooniüliõpilaste loomingu kontsert. Sügisfestival kulgeb ikka tõusvas joones: kindlasti pakub põnevust, kuidas EMTA nüüdismuusika ansambel tõlgendab Erkki-Sven Tüüri, Helena Tulve ja Arvo Pärdi loomingut (23. IX) ning Benjamin Broeningi ja Ansambel U: kontsert samal õhtul.

    Ent festivali viimane päev (24. IX) on eriti tihe, siis pulbitsevad sündmused sõna otseses mõttes hommikust hilisõhtuni. Ja nimelt – kell 11 algab EMTA ooperistuudios Sügisfestivali rahvusvaheline ümarlaud, mille peamisteks teemadeks on „Kunsti- ja muusikaülikoolide koostöö linnaga” ning „Innovatsioon. Ülikool toob uuendusliku elemendi linna kultuuriellu”. Ettekandeid on oodata teiste seas ka Mikko Fritzelt („Tallinn – Kultuuripealinn 2011”) ja Antwerpeni kuningliku konservatooriumi rektorilt Pascale de Grootelt. Sõnavõttudele järgneb avatud diskussioon, milles saavad osaleda nii kultuuriajakirjanikud kui publik saalis. Väike paus ja seejärel on kohe võimalik akadeemia orelisaalis kohtuda belgia helilooja Wim Henderickxiga.

    Õhtul aga, Sügisfestivali lõppkontserdil, esineb EMTA kammersaalis belgia kõige mainekam nüüdismuusika ansambel I Solisti del Venturo, kelle esituses saab kuulda Henderickxi ja Stravinski teoseid. Ent vähe sellest – belglaste esituses tuleb festivali lõppkontserdil maailmaesiettekandele ka Märt-Matis Lille „Kolm joogilaulu”.

    Tõsi, Sügisfestival kestab küll vaid neli päeva, kuid nood neli päeva on triiki täis muusikalisi ootamatusi. Ning elamusi.

     

     

  • Edasi, transiidikuningad!

     

     

  • Näitus Nostalgiat kollektsioneeridesY-galeriis

    Alates tänasest on Tartus Y-galeriis avatud näitus Nostalgiat kollektsioneerides.

    Osalevad kunstnikud: Vahram Muradyan, Tarvo Hanno Varres, Linda Maria Varoma

    Nostalgia on kultuuris sümptomaatiliseks nähtuseks selle mõiste tekkimisest saadik. Sõna ise on tuletatud kreeka keelsetest väljenditest nostos – koju pöörduma ja algia – igatsev, kuid on nähtusena siiski “avastatud” alles 17. sajadil, kui Śveitsi meditsiinitudeng  Johannes Hofer oma väitekirjas “Dissertatio medica de nostalgia” (1688) vastavaid sümptomeid kirjeldab. Kultuurile ülekantult ei ole nostalgia pelgalt indiviidi subjektiivne millegi-kellegi ilmajäämisest tingitud igatsustunne, vaid ka ajalooline kollektiivne nähtus.

    Kuidas nostalgiat kollektsioneerida? Üheks enim levinud ja kättesaadavamaks representatsioonivahendiks on kaasajal fotograafia. See on nii tavaline, kui midagi huvipakkuvat kogedes nn uue meedia põlvkond taskust telefoni võtab ja kogetavat kohe mingil viisil salvestama hakkab. Paljuski loomulikult ja suurema poleemikata on kulgenud inimeste üleminek vahetust elu kogemisest masinate abil vahendatud kogemisele. Samas üheks fotograafia olulisimaks funktsiooniks kultuuris ongi pildiline mäletamine – ajalooliste hetkede jäädvustamine, mis võivad olla olulised nii indiviidi kui rahvusriigi tasandil.

    Näitusel “Nostalgiat kollektsioneerides” esindavad isikliku aja- ja ruumitunnetusest lähtuvat nostalgilisust Tarvo Hanno Varres (s 1970) fotoseeriaga “Nurgad” ja Vahram Muradyan (s 1983) fotoseeriaga “Ootamised”.

    Seeria “Nurgad” (kollektsioneeritud aastast 2009) koosneb Tallinna kesklinna sõlmpunktide fragmentidest. “Nurgad” on subjektiivne visuaalne uuring linnakeskonna näivast anonüümsusest ja mitmekihilisusest, kuid üsna abstraktsel tasandil. Majanurgad on kunstniku jaoks piirkonnad, kust peegeldub haavatavus ja ükskõiksus, just nagu inimeste nägudeltki. Majanurgad on isikustatud, märkame neil inimlikke arme. Inimesi endid pole küll pildil, kuid nad on seal olnud: enamasti kiirelt möödudes, teinekord endast jälgi jättes.

    Seeria “Ootamised” (“Waitings”, aastast 2007) koosneb põhiliselt Yerevanis, Tartus ja Sankt-Peterburis dokumenteeritud ootamistest, kui kunstnik samal ajal igavusest põrandat vahtis. Aastatega see kollektsioon kasvas ning muutus omamoodi visuaalseks päevikuks, milles avalduvad isikliku elu episoodid. Neile tagasi vaadates võivad meenuda jäädvustatud hetke pisimadki detailid ja tundevarjundid.

    Linda Maria Varoma (s 1985) esindab fotoseeriaga “Laulev naaber” (“The Singing Neighbour”, 2009-2011) kollektiivse nostalgia näidet. Aastatel 2009-2011 pildistas ta üles Eesti linnade lauluväljakuid ja külades asuvaid laululavasid. Ajalooliste sümbolitena võib neid arhitektuurilisi objekte määratleda Eesti rahvuslikku identiteeti taasloovateks nostalgia objektideks, kus dominantseks narratiiviks on mälestused laulvast revolutsioonist.

    Näitus jääb avatuks kuni 02. detsembrini 2012.

    Täname: Eesti Kultuurkapital, TÜ Multimeediakeskus, Ando Orav, Rebeka Põldsam.

    Y-galerii (Küütri 2, Tartu) on avatud K-R kella 12-19 ja L-P kella 12-17.

    Tere tulemast!

  • Teekond Hispaaniasse

    Reisikirjade valdkonnas on minu silmis siiamaani jäänud ületamatuks Eesti Vabariigi algusaastail ilmunud Friedebert Tuglase reisikiri „Teekond Hispaaniasse” – pilk sellele eksootilise looduse, õudusi täis ajaloo, uhke arhitektuuri ja tulise temperamendiga maale läbi eestlaslikult hillitsetud tundemaailma, ehkki võluvas sõnastuses ning kujutlusi kaasakiskuvalt.

    Eelmise nädala laupäeval oli asjahuvilistel võimalus Tallinna raekoja saalis osa saada samuti ühest teekonnast Hispaaniasse – sedapuhku muusika vahendusel, täpsemalt Eestist rändama läinud Taimo Toomasti (bariton) ja Hispaanias sündinud Jesús Maria Gomézi (klaver) interpreteeringus.

    Selle muusikaõhtu kava koosnes põhiliselt zarzuela’dest. Plácido Domingo ja Montserrat Caballet on selle žanri küll populaarseks laulnud väljaspool oma kodumaad, kuid ega me žanri päritolust suurt midagi ei tea. Kavalehelt sai lugeda järgmisi fakte: nimelt lasi XVII sajandi Hispaania kuningas Felipe IV ehitada endale jahilossi El Prado metsadesse Madridi lähedale, paika nimega La Zarzuela. See nimi tuleneb sõnast la zarza, ’põldmurakas’. Selles palees hakati jahihooaja lõppedes musitseerima ja nii kujunes laulukestest 1840. aastatel välja satiiriline muusikažanr, kus põimunud rahvamuusika, tants ning improvisatsioon. On olemas nn baroki ja romantilised zarzuela’d, viimaseid on loodud põhiliselt ajavahemikus 1840–1950.

    Kõnealusel kontserdil kuulsimegi viimase perioodi loomingut F. Obradorsi, F. M. Alvarezi (1833–1898), F. M. Torroba (1891–1982), J. R. Ovalle (1863–1928), E. Killenyi (1884–1968), J. Guerreno (1895–1951), Manuel de Falla (1876–1946), R. S. Otero (1880–1932) ja J. V. Carboneli (1890–1931) sulest ning kava lõpus hispaania sugemetega laulu viini operetist, N. Dostali (1895–1981) „Clivia’t”. Õhtu lõpetati toreadoor Escamillo aariaga Georges Bizet’ (1838–1875) ooperist „Carmen”. Pianistilt kuulsime Enrique Granadose (1867–1916) „Valsos poeticos’t” ja Miguel Asins Arbo (1916–1996) kolmeosalist klaveriteost „Flamenco”. Seega oli kava üles ehitatud äärmise stiilipuhtusega.

    Ma ei maininud asjatult jutu algul Tuglase eestlaslikku hillitsetust. Ka laulja Taimo Toomastis oli tunda teatavat seesmist tuld alla suruvat vaoshoitust, seda eriti esimeste palade puhul. Kuna ta oma pöördumises publiku poole mainis, et Eesti kliima on teda väheke kimbutanud, siis sundis võib-olla see asjaolu teda ennast ka rohkem kontrolli all hoidma. Kuid mida edasi, seda vabamaks läks solisti olek, seda lummavamalt pääses mõjule tema erakordselt kauni tämbriga bariton ning seda just kesk- ja alumises registris. Meeldis musikaalne fraas, hästi tunnetas laulja ruumi akustilisi omadusi, suhe öeldavaga oli mehine ning väline olek äärmiselt plastiline, esitaja oli vaba igasugustest trafaretsetest „lauljapoosidest”. Ja ei saa salata: looduse suur kingitus – sarm – on selle artisti puhul kahtlemata suur publiku mõjutaja! Hästi istusid tema sihvakale figuurile Hispaania rahvariiete päritoluga valge kullaga ja teises pooles säraval rohelisel roosimustriga vestid ning torrero punane vöö – see kõik lisas stiili ja atraktiivsust.

    Enamik kuuldud zarzuela’sid on harmooniliselt küllaltki lihtsakoelised ja baseeruvad oma muusikalise materjali poolest kaunitel rahvaviisidel ning eeldavad täielikuks osasaamiseks ilmselt konteksti paremat tundmist. Sellest hoolimata oli see igati põnev tutvus meil seni täiesti viljelemata žanriga. Taimo Toomasti hääle võimalused avanesid vahest kõige enam F. M. Torroba zarzuela’s ja Manuel de Falla „Polo’s”.

    Siinjuures väike vahemärkus – seni pole veel õnnestunud kuulda de Falla tsüklit „Siete canciones populares españolas” meeslauljalt – ju siit ka mõned tessituurilised, dünaamilised ja hispaanialike melismide esitamistraditsioonide karid, mis tekkisid „Jota” ja „Nana” esitamisel. Omaette pärl oli heamaitselise žanritunnetusega lauldud N. Dostali „Clivia”. Pingetest täielikult vabanenud Escamillo aaria tekitas väga suuri ootusi – ehk hakkab seda lauljat jälle ka meie rahvusooper Estonia laval kuulma! Koostöö pianistiga andis iga looga tunda, et teineteisemõistmine muusikas on vastastikune.

    Callosa de Seguras (Alicante) sündinud ja nüüd ka sealse konservatooriumi professori ning klaveriosakonna juhatajana tegutsev Jesús Maria Goméz on tundlik muusik ja hea laulja kaaslane. Tema akustikataju andis kõikjal rohelise tee solistile ning soolopalades arvestas ta dünaamilist skaalat igati ära kasutades siiski kuulaja kõrvu. Granadose varase loomeperioodi „Valsos poeticos” oli meeldiv segu flamenco ja Viini valsi impressioonidest ning M. A. Arbo „Flamenco” juba möödunud sajandi teise poole folkloorse materjali kasutuse muljetavaldav näide.

    Lisapalana kõlas Mitch Leigh’ „Mees la Manchast” don Quijote lõpulaul ja seekord eesti keeles. Siinjuures tahangi ära märkida Taimo Toomasti ühte väga olulist väärtust – mitmete keelte laulvuse, s.t keelemuusika valdamist. Elamine ja töötamine nii Saksamaal kui ka Hispaanias on talle andnud suure eelise ning ta on osanud selle end teenima panna. Peab juhtima tähelepanu veel kahele hästi olulisele momendile: ilmselge külmetuse, mille varjamisega sai laulja väga meisterlikult hakkama, võis laulja ületada kahtlemata ainult tänu vokaaltehnilistele oskustele ning järjekordselt leidis kinnitust üks tõsiasi: prantsuse keel asetab hääle sellises situatsioonis eriti õigesse paika – Escamillo aaria kõlas vabalt ja säravalt.

     

     

  • Uus laine vabadusekuues

    Traditsiooniliselt on kunsti eesmärk olnud üksiku kaudu üldistuseni jõudmine, kuid praegu ei paista see enam aktuaalne olevat. Noor kunstnik erutub pisiasjadest ja üldjuhul jääb arusaamatuks, kas ta on näiteks kirjavahemärkide ülessuurendamise, foto järgi maali ja maali järgi uue maali tegemise või maketimaailma ülespildistamise kaudu soovinud jõuda ka mingite filosoofiliste üldistusteni, mis võiksid muuta tema enda ja vaataja elu, või mitte. Ilmselt mitte, milleks, kui kuraatorid otsivad uuest kunstist “uusi maailmakirjeldamise viise”. Kirjeldus kui žanr teenib pragmaatilisi eesmärke, seda kohtame muuseumide kartoteekides, politseiraportites, kindlustusdokumentides. Miks peaksin minema kunstinäitusele kirjeldusi lugema, jääb arusaamatuks. Kirjeldust võib muidugi kontseptualiseerida, kirjeldus on mõneti iseenesest kontseptuaalne, kui asetame selle nendesamade pragmaatiliste elusfääride konteksti, kuid see kontseptsioon ei ole oluline, see ei võimalda vaadata asju avastusliku nurga alt. Ligi pool sajandit võitlust madala toomise nimel kunsti kõrgetesse sfääridesse on vilja kandnud: kunsti ei anna enam argielust eristada ning see on muutunud seetõttu mõttetuks, kaotanud oma funktsiooni.

    Kunstnik peaks õppeprotsessi osana tõepoolest dekonstrueerima kõik teda huvitavad elunähtused ja käeharjutuseks neid ühekaupa analüüsima. Kuid iga nutikas ideepoeg või naljakas leidkujund ei ole veel küps kunstiteos, mille peaks vaatajate ette tooma. Vaataja tahab endiselt tunnetada, et kunstnik on teose loomiseks rohkem energiat kulutanud kui tema kunstihoone trepist ülesronimiseks.

    Loomulikult ei ole selline kunstikäsitlus Hanno Soansi ja Anders Härmi välja mõeldud. Heaoluühiskond on tootnud arvutul hulgal tegelasi, keda ehk ei peaks kunstnikeks nimetama, kuid kes on käinud kunsti- või mõnes muus humanitaarkoolis, nikerdanud elatise teenimise kõrvalt valmis mõne vahva projekti. See on kuraatorite poolt üles korjatud ja selle peale on aru saadud, et selletaolise erilist mõtte- ega lihaserammu nõudva tegevusega on kergesti võimalik reisida, stippe saada, CV-d täita ja justkui tunda end Euroopa intelligentsi osana. Need tegelased kuulavad konverentsidel üksteise sõnavõtte ja trükivad brošüüre, mida keegi ei loe. Seda võib ju ka nimetada rahvusvaheliseks konverteeritavuseks, aga see pole mingi kvaliteedinäitaja: ka McDonald’s, organiseeritud kuritegevus ja Lähis-Ida sõjad on rahvusvaheliselt konverteeritavad nähtused.

    Toomas Thetloffi “Tõde ja õigus I–V” ei ole ilmselt rahvusvaheliselt konverteeritav, aga see on hea, sest loodud tugev kujund näitab suurepäraselt eestlaste rahvuslikku kehandit tugevalt vorminud teksti kollektiivset alateadvust vormivat rolli. See on tekst, mida teame lugematagi ja võime lugeda ka siis, kui tähed on vales järjekorras.

    Üsna mõtlemapanev on tõdemus, et “nooremad kunstnikud on keha kui eelmise põlvkonna väljendusvahendi ise teadlikult kõrvale jätnud. Pole kunsti, mis surgiks inimteadvuse labürintides ja pakuks ennast välja lõpututele psühhoanalüütilistele tõlgendustele”. Inimese füüsilise ja psüühilise olemuse taandamine ajalehepealkirjadele ei mõju praeguses ajas enam meediakriitikana, vaid meedia võiduna kunsti üle. Kõnekaim meediatõlgendus sel näitusel on Taavi Piibemanni kaadrid pimedast mehest ja tühjast billboard’ist, kus infomürast on saanud tühjus nii, nagu kõikide värvide segamisel saame valge. Kas see on seda sorti tühjus, mis on rullnoka peas, või see, mis on nirvaanasse jõudnu meeltes, sõltub juba omapoolsest vaimsest pingutusest.

    Keha ja psüühika on meid ära tüüdanud ja viskame selle kõrvale, aga see ei lahenda meie igavesi kehalisi ja psüühilisi probleeme, vaid paneb need lihtsalt kalevi alla. Tulemuseks ongi antidepressante neelavad noorukid, kes isegi pole kuulnud, et “lõputud psühhoanalüütilised tõlgendused” võiksid nende probleemid lahendada palju efektiivsemalt.

    Samas ei ole see kehavabadus “uue laine” näitusel absoluutne. Minu kaks lemmikteost sulatavad kokku nii kehalise kui vaimse, nii isikliku kui ühiskondliku. Üks neist on Minna Hindi video “3 pilti elust ja ajast”. Heaoluühiskond on jätnud meile mulje vabaduse võimalikkusest, kuid tegelikkus lajatab kuvaldaga: sa kas orjad end siiski poolsurnuks või vegeteerid töötuna, leidmata elu mõtet ja sisustades aega ebaõnnestunud enesetapukatsetega.

    Maria Arusoo, kes on kuu aja jooksul pildistanud end igal hommikul kell 6, on need armsalt unised portreed kirjanud väljavõtetega kunstidiskursusest ja saavutanud sellega efekti, kus tsunftisisesed tõmblused mõjuvad tegeliku, elusa maailma kõrval tõeliselt absurdsena.

    Kuraatorite poolt on vastutustundetu innustada noori tegelema kunstiga, mis välistab “ajatusele, universaalsele, lüürilisele ja igavikulisele pretendeerivad autoripositsioonid”. Samamoodi üritab McDonald’s rahvale selgeks teha, et nende toodang on tervislik ja tegevus keskkonnamõjudeta: lollid pubekad lähevadki õnge, kuigi kõik vähegi terve mõistusega inimesed saavad aru, et tegu on täieliku jampsiga. Kunstnik on siiski elusolend, kellel on mingigi enese alalhoiu instinkt ja kui ta vähegi oma peaga mõtleb ega orienteeru vaid kuraatorite taktikepile, siis ta ei taha vabatahtlikult teha asju, mis on ebakommunikatiivsed ja mille väärtus on vaid praeguses hetkes – see oleks energia raiskamine.

    Kas see lähenemine on “mitmekülgsem, orgaanilisem, tehniliselt küpsem ja intelligentsem” kui eelmistel põlvkondadel? Värviline maailm on taandatud must-valgeks, sotsiaalsete probleemide käsitlus ei arvesta laiemat konteksti: siin on tegemist inimesega, kellel on eemaldatud keha ja psüühika, on järel vaid virtuaalne input meedia imemiseks. Tehnika on tõepoolest arenenud, arvutid ning kaamerad on odavamad ja paremad kui kümme aastat tagasi, samas võiks ju kaasaegses kujutavas kunstis kasutada märksa laiemat eneseväljenduse ampluaad kui paberileht või projektsioon seinal. Hea maalija ei viitsi enam pilte valmis teha, vaid toob näitusele kavandid. Suuremas jaos 39 taiesest puudub püüe tervikliku maailmakäsitluse poole, mis ei näita erilist intelligentsust.

    Iga kunstnik ja iga kuraator saab maailma muuta. Kui tahame muuta maailma igavaks ja pinnapealseks, siis nii juhtubki.

     

     

  • Tappa võib, pilgata mitte

    Siiski pean ma ülimaks liialduseks väidet, justkui piisaks kunsti, antud juhul Jyllands-Posteni pilapiltide jõust selleks, et vallanduks sõda kultuuride või tsivilisatsioonide vahel. Taani lehe peatoimetaja ajalooline roll ei saa kunagi suuremaks vahva sõduri Švejki omast. Kui aeg on sõjaks küps, ei leia ainult väga rumal ettekäänet ega salapolitsei peasüüdlast. Kui kärbseid ei saa keisrihärra pildi reostamise eest süüdi mõista, pistetakse trellide taha see, kes kärbeste looduslikku teguviisi märgata julgeb. Ainus häda on see, et nii toimiv ühiskond ei anna endale aru sellest, et kõikejälgiva salapolitsei ülalpidamine on riigile veel kulukam kui sõjapidamine ja igal juhul kallim kui kas või kogu raha eest kaunite kunstide viljelemise soosimine.

    Poliitiline kunst kipub olema reaktsioon millelegi, mis ühiskonnas juba olemas on. Sirp ei kõhkleks karikeerimast mõnd Araabia poolsaarel tegutsenud ajaloolist isikut, kui see oleks Eestis toimuva kritiseerimiseks oluline. Antud juhul ei ole, sest kui Eestis mõni pomm plahvatab, pole selle taga maale hiilinud islamiäärmuslased, vaid kohalikud meistrimehed või “allilm”, kus ajakirjanduse andmete järgi valitseb usuline paljusus ehk leidub nii kristlasi kui paganaid, ateiste ja muslimeid ja kus inimesi ei ühenda usk, vaid ühine kuritegu. Soov lihtsalt ühele Taani ajalehele oma solidaarsust kinnitada pole piisav põhjus teise kultuuri prohveti pilkamiseks, kuid Euroopas ja muhameedlikus maailmas toimuv on karikatuurižanri vajalikkuse indikaator, seega hea argument Sirbis üle hulga aja jälle karikatuuride avaldamise alustamiseks. Kui tapahimulisi tappa pole ette nähtud, siis vähemasti tapahimuliste pilkamine peaks olema lubatud ka juhul, kui pilkehimu võib teatud tingimustel tappev olla. Või kuidas? Poole peab ju valima ja ehk aitab kunst siiski mõne tegeliku tapmise hoopis ära hoida, mitte ei õhuta tapakirge.

    Marju Lauristin ütles kolmapäevases Eesti Päevalehes, et seisame maailmasõja lävel. Eesti ajaloost teame, et maailmasõjas erapooletuks jäämine on viinud väga kehvade tagajärgedeni. Kas selles osas on olud muutunud? Vaevalt küll. Tähendab, kui juba sõda, siis tuleb pool valida ja siin on rohkem kui üks võimalus.

    Võib liituda oletatava võitjaga. Kui tsivilisatsioonide kokkupõrge peaks laial rindel algama praegu, siis selgitatakse tugevam välja õhus. Õhusõjas ei ole lendavatest vaipadest lääneriikide kaugpommitajatele ja strateegilistele rakettidele vastast. Seega, Taani võit. Võib liituda aatekaaslastega. Kui asi väga mustvalgelt esitada, siis kumma loosungi alla koguneda, kas selle, kus kirjas “Sallin ka sallimatust iga hinna eest” või selle, millel kinnitatakse, et “Kaitsen sõnavabadust iga hinna eest”?

    Eelöeldu kehtib tingimusel, et valik on alles ees, mitte juba taga. Eesti kaitseväelaste reaalset tegutsemist väljaspool Eesti piire arvestades on pigem õigus neil, kes ütlevad, et maailmasõda käib juba ammu. Ja et Eesti on poole valinud ning osaleb selles sõjas. Paljudele Eestis ja terves Euroopas see valik ei meeldi. Parema meelega oleks õrnatundeline Euroopa jätnud jänkid Lähis-Itta ja Kesk-Aasiasse üksi toorutsema ning kõrvalt moraali lugenud. See ei osutunud võimalikuks. Kuid kas näiteks Eesti riigikogul on praegu valida kiire taandumistee tagasi valikukohani? Ei ole, pool on valitud ja pikaks ajaks.

    Seda poliitilist valikut peab ka edaspidi kritiseerima ja, kui vaja, ka pilkama. Nendel, kes ütlesid, et kaitseväelaste operatsioonid Iraagis ja Afganistanis pole õigustatud, on alust hukka mõista ka taanlaste karikatuurid. Nende suust, kes kinnitasid, et välismissioone koostöös liitlastega põhjendab “ühiste väärtuste jagamine”, kõlab pilapiltide hukkamõistmine praegu kahepalgeliselt. Ja üldse pole hirm (mida hirmunud ise vastutustundeks nimetavad) hea teejuht ei sõja ega rahu ajal.

Sirp