seeneriik

  • Arhitektuurselt põnev, kuid muuseumina saamatu võidutöö

    Parimaks tunnistati võistlustöö märgusõnaga “Memory Field”, mille autorid on Pariisis ja Londonis elavad Itaalia päritolu arhitekt Dan Dorell, Liibanoni päritolu Lina Ghotmeh ja Jaapani päritolu Tsuyoshi Tane.

     

     

    Teise koha sai soome arhitektide Juho Grönholmi, Antti Nousjoki, Janne Teräsvirta ja Samuli Woolstoni (arhitektuuribüroo ALA Architects Ltd Helsingist) võistlustöö märgusõnaga “Gems”.

     

    Kolmanda preemia sai võistlustöö märgusõnaga “Estonia is on the verge of a new millennium”, mille autorid on Alfred Bramberger, Thomas Pucher, Heidrun Steinhauser, Martin Mathy ja Christa Pucher.

     

    Kuidas žüriiliikmena hindad Eesti Rahva Muuseumi hoone arhitektuurivõistlust? Kas oli palju huvitavaid projekte?

    Osavõtjate huvi oli suur, sest kokku oli tulnud 108 tööd. Võib oletada, et umbes kümme tööd oli Soomest ja teist sama palju Eestist. Mis iseenesest näitab, et Eesti arhitektide huvi nii olulise hoone projekteerimise vastu oli väike: isegi meie oma konkurssidel osaleb tavaliselt rohkem arhitekte (arhitektuuribüroosid). Kas preemiad polnud nii suured või on arhitektid (arhitektuuribürood) praegu lepingutega nii üle koormatud, et neil pole aega teha sellist tööd?

    Mis töödesse puutub, siis domineerivad nagu ikka rahvusvahelistel konkurssidel nooremad arhitektid (kollektiivid). Palju oli üliõpilaste või katsetuslikke töid, mis olid piiri peal, kas neid võib ikka kutseliste arhitektide töödeks pidada. Oli ka mõningaid vanema põlvkonna töid, mis olid professionaalselt lahendatud muuseumi seisukohalt ja mis sobisid ka keskkonda, kuid mille žürii ära põlgas, sest nende arhitektuurne idee oli nähtud ja kulunud, need polnud küllalt innovatiivsed.

    Ühte olulist tegurit kiputi unustama: mis saab Raadi varemetest (ainult viies töös kasutati Raadi aeda ja sissepääsu, kuid need ei olnud arhitektuurselt piisavalt põnevad).

     

    See on Eestis nüüd teine suur muuseum, mida loodetavasti ehitama hakatakse. Kumu konkurss oli küll juba kaksteist aastat tagasi, kuid uksed avatakse veebruaris. Milline peaks olema kaasaegne muuseumihoone, mida tuleks kindlasti silmas pidada?  Eesti Rahva Muuseum ehk etnoloogiamuuseum hõlmab ju kogu meie rahva ajalugu, olemust, on juba iseenesest väga keeruline ning mitmekülgne mehhanism.

    Väga selge kontseptsiooniga tööd, sellist, mille puhul žürii üksmeelselt oleks leidnud, et just niisugune peab muuseum tulema, ei olnud. Ajatu, moest sõltumatu projekti valimisel on oht, et siis võidakse otsustada eelmise trendi kasuks. Või valitakse eriliselt avangardne lahendus, mis tegelikult atraktiivsena toimib igal ajal. Arhitektuurse sõnumi seisukohalt oli ettepanekuid seinast seinani. Oli tuntud arhitektide jäljendusi, mine tea, võibolla ikkagi tipparhitekti konkursiprojekt; sellised kippusid koopiatena valikust välja jääma. Kuid midagi sellist, mis oleks selgelt lähtunud Eesti Rahva Muuseumi olemusest, esile ei tulnud. Domineeris moodsa arhitektuuri võtete arsenal.

    Ega Eesti Rahva Muuseum ei kogu ju ainult pastlaid ja vokke, ERMi olemus ning funktsioonid on tänapäeval sootuks avaramad.

    Kuid ega ka rahvakunsti kogusid ei tohi alahinnata. Žürii välisliige Winy Maas küsis minult, kas ERMi kogud on atraktiivsed, ilusad. Küsisin vastu, kas tema ema on ilus. Tegelikult ei saa rahvakunsti fondide kohta öelda, kas need on atraktiivsed, ilusad, huvitavad. Need on meie  rahva põhiväärtus ja on just sellised, nagu on. Ei saa küsida, kas õllekappade või tekstiilikogu on ilus või inetu. Need on rikkalikud ja olulised kogud, me tahame neid näidata.

     

    Ka selle muuseumi  üks põhifunktsioone kogumise kõrval on ju meie rahva, meie ajaloo tõlgendamine. See pole ju esimene kord Eesti Rahva Muuseumi hoone konkurssi korraldada.

    Eelmisel korral 1993. aastal oli Eesti-sisene konkurss.

     

    Ka koht oli teine: siis otsustati muuseum jätta Tartu kesklinna, Toomemäe jalamile, nüüd otsustati Raadi, ERMi algse asupaiga kasuks.

    Tollal oli Nõukogude sõjavägi küll juba Raadilt lahkunud, kuid kogu sealne ümbrus oli lagastatud, maha jäetud. Praeguse konkursi maht on 28 600 ruutmeetrit brutopinda. See objekt on liiga suur, et selle saaks Toomemäele mahutada. Tollane paik oli kompromiss: pisut kogupinda, pisut näituseruume, kogu kompleksile ei ole Tartu kesklinnas ruumi, iseäranis, kui tahta näidata eesti rahva elamisviise, -vorme, korraldada väliüritusi. Muidugi võiks hakata kolmandat paika otsima, aga siis tekib juba küsimus, miks mitte Tallinn, Paide, Viljandi… 

    See elu, mida Eesti Rahva Muuseum uues kompleksis peaks elama hakkama, on seni ju elamata. See on uus algus.

     

    Milline oli sinu lemmikprojekt?

    Mul favoriiti ei olnud. Ma ei tunne, et tööd, mis minu meelest olid tugevad, oleksid päris kõrvale jäänud. Kuid päris ideaalset lahendust ka ei olnud. Oli mitmeid häid muuseumilahendusi, mis aga ei olnud arhitektuurselt väga säravad, et neid saaks Euroopa arhitektuurikaardile kirjutada. Võidutöö kommentaaridest võib jääda mulje, nagu oleks see olnud ainuke kaasaegne lahendus kogu konkursil. Ühtki palkmaja ega rehetare ega ka historitsistlikku või postmodernistlikku häärberit tööde seas ei olnud, enamik töid oli ikka meie kaasaegne arhitektuur, mõni üksik oli etnograafiliste vihjetega, näiteks “Heinamaa”.

     

    Parimaks tunnistati võistlustöö märgusõnaga “Memory Field”, mille autorid on Pariisis ja Londonis elavad Itaalia päritolu arhitekt Dan Dorell, Liibanoni päritolu Lina Ghotmeh ja Jaapani päritolu Tsuyoshi Tane. Iseloomusta palun seda projekti ning ka selle ümber tekkinud skandaali.

    Žürii töö murdus ühel hetkel, kui ei mindud nii-öelda püramiidi puhastama, vaid osa žüriiliikmeid otsustas väga kiiresti just selle töö kasuks. Žürii polariseerus juba “poolfinaalis”. Ei mindud konsensuse peale.

    Mina nimetasin selle projekti enda jaoks Dudajevi memoriaaliks. Konkursi korralduskomitee vedas territooriumi liiga laiaks. Kui mind žüriisse kutsuti, siis ma osu sin ka sellele, sest välismaalastele ahvatlevana tunduv sõjaväelennuvälja territoorium ei kuulu ERMile. Veljo Kaasikule, kes tegeleb just linnaruumiga, laiendatud territooriumi mõte meeldis, ta ütleski muuseumiinimeste kohta veidi põlglikult, et nad tahavad jälle ühte Tartu maja ehitada. Territooriumi laiendamine lennuvälja rajatisteni oli kergemeelne otsus, millega esitati küll väljakutse laiahaardeliseks tegevuseks – mitmedki lahendused läksid selle peale, et lennuvälja maandumisrada ning angaarid kasutati sisuliste maastikumärkidena ära. Kuid territoorium kuulub riigile. Kas see saab ERMi omaks või mitte, see on keeruline küsimus, sest lennuvälja maa-ala kuulub teise haldusalasse. Mäletan Kumu konflikti, kus oli ka tegemist kahe haldusalaga, ning see, et kunstimuuseum ikkagi just sellisena sinna ehitati, oli ju noateral. ERM paikneb Tartu linnas, lennuväli aga Tartu vallas. See tähendab, et linna ja valla piir läheb “Memory Fields’i” projekti puhul maja keskelt. Mõlemad, nii linna- kui vallavolikogud, peavad nõus olema, et hoone just sellisena sinna tuleb. See pole riigi kaitseküsimus, kus riigivõim saab otsustada ka siis, kui vallavolikogu seda ei taha.

    Algul ma isegi ei vaadanud seda projekti väga tõsimeelselt, sest selle sidumine endise lennuväljaga, maandumisraja pikendusena, oli mulle vastuvõetamatu: maastikumärgina küll põnev, kuid ideoloogiliselt täiesti aktsepteerimatu. Eesti Rahva Muuseum kujundatuna Vene sõjaväelennuvälja mahajäetud rajaga ühtseks tervikuks ei
    ole õige teemaarendus. Eesti rahva suhe Vene armeega on väga komplitseeritud ja seda sellisena jäädvustada pole küll vastuvõetav.

     

    Žürii töösse kaasatud muuseumieksperdid, Eesti Arhitektuurimuuseumi direktor Karin Hallas-Murula ning tunnustatud muuseumiteoreetik Barry Lord leidsid, et ka muuseumina on see konkursi saamatumaid, samas aga kalleimaid lahendusi.

    Projekt on üles ehitatud 350 meetri pikkusele plaadile, mis algab lennuväljast ning tuleb üle kunstliku veekogu (mida tuleb alles rajada). Kogu hoone on ühekorruseline pikk klaasist pulk, kuhu sisenedes satume klaasist koridori, näitusehalli, mis omakorda on muuseumi sisekoridor, mis on aga näituste korraldamiseks sobimatu. Seda leidis ka muuseuminõunik Peeter Mauer. Teine tehniline puudus on näituseruumide valgustatus vastandina tööruumide pimedusele. Samal ajal on teada, et väärtesemeid eksponeeritakse pigem pimedas (ka tingimustes on öeldud, et püsiekspositsioonis on lubatud 50 lx, mis on peaaegu pime ruum). Klaastoru on muuseumi vajadustega juba ise vastuolus. Ja veel, kõik muuseumiruumid ei ole ühekõrgused: konverentsisaal on tõusva põrandaga ruum, näitusteruum on 5 meetrit kõrge, samas aga tööruumides aitab 3 meetrist. Selleks et seda saavutada, on katuse alla ehitatud teine tasapind, mis siis tükkidena reguleerib kõrgust. See on nagu maja maja sees. Fondiruumid on viidud maa alla süvendisse ning neil on kolmandik etteantud mahust. Väliselt nagu kõik toimiks, aga detailidesse süvenemisel on hästi palju vasturääkivusi.

     

    Kuidas selline klaastuub meie raskes kliimas vastu peab?

    Talvel on külm ja suvel kipub soojaks minema. Tehniliselt on see küll teostatav, aga milleks. See ei olnud ainuke eksperimentaalses võtmes tehtud töö, mis sobib suurepäraselt 3000 m² ja pool aastat tegutsevale EXPO näitusele, kuid mitte 28 000m²-ga 300 aastaks mõeldud muuseumihooneks. Muuseumi puhul tuleb ekspluatatsioonikuludesse tõsiselt suhtuda. Eksperimendina oli EXPO “kasvuhoone” väga tore ja vajalik, kuid mitte rahvusmuuseumina. Arhitektuursed siselahendused on toodud ohvriks maastikumärgile, mille ideoloogiline tähendus võib küll mõnede arvates olla plussiks, kuid paljudele on vastuvõetamatu.

    Eksperdid ja žürii peaksid töötama koos parema tulemuse nimel, kuid praegu eksperte ignoreeriti. Kui oleks arvestatud ka nelja ekspertarvamust, siis oleksid hääled jagunenud esikohatöö suhtes 7 vastu ja 5 poolt. Ei saa aru, miks ekspertiis üldse telliti, kui museoloogiline aspekt – see, kuidas ruumide lahendamisega hakkama oli saadud – lõpuks täiesti ebaoluliseks tunnistati.

     

    Teise koha sai soome arhitektide Juho Grönholmi, Antti Nousjoki, Janne Teräsvirta ja Samuli Woolstoni (arhitektuuribüroo ALA Architects Ltd Helsingist) võistlustöö märgusõnaga “Gems”.

    Soomest oli päris palju töid, ühtlase tasemega, läbitöötatud hea soome arhitektuur. Muuseum paikneb selle projekti järgi Raadi järve otsas, kogud asuksid tagumises osas ja oleksid seotud Raadi kompleksiga. Administratiivkorpus on eraldi välja toodud, hoone on kaetud suurema plaadiga, on katuseterrass, mille all toimuks välitegevus (mis oli ka konkursinõue). Fondid jaotuvad kahe kõrvalosa peale, keskel on nii põhi- kui ajutine ekspositsioon. Muuseumilahenduselt läheneb see kõige enam ideaalile, ka arhitektuurse lahendusega ei olnud probleeme.

     

    Mis materjaliga soomlased mängivad?

    Valge betoon, mis oli kõige levinum materjal. Valge betooni puhul kasutatakse valget tsementi. Hea materjalileid oli eestikeelses töös “Loom”, mis interpreteeris huvitavalt Tartus traditsioonilist punast tellist.

     

    Kolmanda preemia sai võistlustöö märgusõnaga “Estonia is on the verge of a new millennium”, mille autorid on Alfred Bramberger, Thomas Pucher, Heidrun Steinhauser, Martin Mathy ja Christa Pucher.

    Päris suur hulk oli töid, mis pürgisid kõrgusesse, olid vertikaalse mahuga, nii-öelda tornmuuseumid. “Estonia is on the verge of a new millennium” on kaetud erinevate klaasidega, mille augumotiivideks olid Eesti järved. Torni pluss on, et hoone asub küll väljaspool linna, aga on märgina linnast näha.

    Üldse esines kolme tüpoloogiat: hoidlad, tööruumid ja näitusesaalid olid kõrvuti pandud (“Gems”); näituse- ja tööruumid olid ühel tasapinnal, fondiruumid olid viidud maa alla (“Memory Fields”) ja väiksema kasutusega fondiruumid olid tõstetud üles ja avalikud ruumid jäid alla (“Estonia is on the verge of a new millennium”). Nende põhjal oli tekitatud tehnoloogilisi skeeme.

     

    Kuidas on see suur vertikaalne märk maastikuga seotud? Eesti Rahva Muuseum on ju eesti rahva kui eelkõige maarahva sümbol. Kas tornmuuseum pole liialt tehnitsistlik?

    Vastuolu on taotluslik. Eks see projekt sai sellepärast ka kolmanda preemia, et maamärgina see ei toimi.

     

    Kas ka mõni Eesti projekt jõudis parimate hulka?

    Võistlustöö “Crochet” tegijad on arhitektuuribüroo Kosmos (Ott Kadarik, Villem Tomiste, Mihkel Tüür, Krista Saluveer ja Urmas Oja). See oli tehtud praeguse Raadi mõisa aia kohale, ka tornmuuseumi variant. Projekt koosneb kitsast plaadist, mille üks külg on laotud ümmargustest maakividest ja teine külg, fassaad meenutab pitsi (ERMis on suurepärane pitsikogu). Pits on samuti betoonist. Välisfassaadilahendustest domineerisid sellel konkursil valge betoon ja vask. “Crochet” sulgeb Raadi järve poolringikujuliseks ruumiks. Osa fondiruumist on praeguse punamonumendi kohal: see võimaldaks monumendi rahulikult mõnda teise kohta viia. Selles projektis on fondid jaotatud mitmele tasapinnale, osa tööruume on välisvalguseta.

     

    Milline on praegu reaalne väljapääs? Suur rahvusvaheline võistlus on läbi viidud, palju raha sellesse investeeritud, preemiad jagatud, aga õiget, reaalselt toimivat tulemust nagu pole…

    See on keeruline küsimus. Kui muuseum leiab, et ei suuda või ei taha esikoha tööd realiseerida, siis on kaks võimalust. Võitnud kollektiiviga sõlmitakse edasitöötamise leping ning nad viivad töö vastavusse ootustega, vähendavad priiskavaid kulutusi, toovad muuseumi tagasi Raadi territooriumile, ütlevad lahti lennuvälja märgist jne. Kuid siis pole enam tegemist selle projektiga. 

    Muidugi võib konkursi kuulutada läbikukkunuks ja öelda, et žürii ei saanud hakkama. Võistluse hindamise kriteeriumid olid vastavus võistlustingimustele (programm oli väga põhjalik, loetletud ruumide suurus ja seosed), sobivus antud keskkonda (milleks oli Raadi park), arhitektuurne lahendus, vastavus muuseumikompleksi vajadustele ja funktsionaalsus. Programmis oli ka öeldud, et oodatakse arvestamist nii ehitusprotsessi kui ekspluatatsiooni energiamahukuse vähendamisega.

    Kui tingimustes ei ole fikseeritud kriteeriumide arvestamise protsenti, siis käsitletakse kõiki kriteeriume võrdselt. Praegu tehti otsus peamiselt ühest – arhitektuursest seisukohast ja sedagi vaid urbanistlikust aspektist lähtudes. Kuna ühistele seisukohtadele ei jõutud, siis ei olnud võimalik vormistada üksmeelset lõpp-protokolli, selle tegemine suubus vaidlustesse ning venis. Tekkis ebamäärane salatsemine ja info kinnihoidmine. Žürii lõppotsus tehti ju juba detsembris. Euroopa arhitektuurinõukogu konkursside põhimõtete kohaselt on žürii lõpp-protokoll avalik dokument, koos kõigi selle lisadega. Selles peaks olema esile toodud žürii otsuse põhjendus valikukriteeriumide kaupa. Seda seal ei ole, mistõttu osutus vajalikuks eriarvamuse lisamine.

     

    Kas aga ei teki siis sama olukord mis Kumuga, kui leiti, et eesti kultuuris nii tähtsa hoone oleks pidanud projekteerima eesti arhitekt?

    Kui tahame huvitavat arhitektuurset lahendust saada, siis tuleb rahvusvaheline konkurss teha. Kui tahame staararhitekti saada, siis oleks tulnud tema poole pöörduda, temalt tellida. Eg
    a kõrge preemiafondiga konkursist ainuüksi ei piisa.

    Mulle imponeeris ka “Padrehurtado” projekt: selles oli väga hea side Raadi mõisaga. Ekspositsioonisaalid on eraldi osas, mis tuleb osalt kunstlikust veekogust sillana üle, fondihoidlad on viidud osaliselt mäe sisse. Muuseumiekspert Barry Lord pidas seda parimaks muuseumitehnoloogiliseks lahenduseks. Arhitektidele see ei meeldinud, sest tundus kuidagi vanamoodne.

    Konkursi kõige äärmuslikum töö oli “Lake Whisper”, mis pakub välja ehitada kogu muuseum Raadi järve põhja vee alla. Selles projektis kulmineerub tegijate soov silma paista millegi äärmuslikult erilisega, mis jõuab absurdi piirini. Selliseid projekte võib leida igal konkursil, kuid premeeritute sekka need tavaliselt ei mahu. ERMi konkursil aga osutus ka selline töö pärjatuks.

     

     

     

  • Rock?n?roll:Õiglased rokkarid

    The Clash. London Calling. 25th anniversary edition. 3 CD-d. Columbia, 2004.

    Sel nädalavahetusel mängib ?Rabarockil? The Exploited, üks 1980ndate punkikoone, kelle iseloom, ükskõiksus ja andetus on muidugi imekspandavad, kuid kahjuks oli neil ka üks halb mõju. Nimelt muutus Exploitedi välimus vahepeal punkide vormirõivaks, nii et suur jagu neist nägi välja nagu mingi põrunute armee. Ning punkmuusikagi hakkas astuma ühte jalga ? Clashi kitarrist Mick Jones on öelnud, et kujunes lausa midagi pungipolitsei sarnast. Sõbrad ja kriitikud hakkasid dikteerima, milline õige punk peab olema, kuigi protopunkidele tähendas see eelkõige vabadust olla isemoodi.

    Kui vaadata seitsmekümnendate lõppu, siis oli punk palju kirjum asi ning seetõttu ka suurema kõlapinnaga kui praegu. Punklainest kasvasid täiesti omanäolistena välja nt hilisemad pop-bändid Talking Heads ja Blondie, kes on teinud ehtsaid diskolugusid. Sest tegelikult kogunes vähemasti USAs punkliikumiseks üks kummaline ja kirju seltskond: kamp inimesi, kes hängis ja mängis endises homoklubis CBGB. Vangla- ja krimislängis tähendaski ?punk? homoseksuaali või allalastut. See on üks uue liikumise nime võimalikke etümoloogiaid: homoklubi kontingendi kohta kasutatav sõimusõna jäi lihtsalt napakatele noorrokkaritele külge. Brittide poolel ülemere võis veel muidugi tuttav olla vana tähendus ?mäda puit?. Sest eks ühiskonna mädapaisest tekkinud mässuna sääl end lipulaevad Sex Pistols ja the Clash välja pakkusidki.

    Igatahes mõtlesid tollased punkarid palju avaramalt: Clash on rokkmuusikasse väga palju uuendusi, kummalisi kokteile ja stiilikooslusi toonud. Ning Johnny Rotten lõi pärast Pistolsi lagunemist Public Image Limitedi (P.I.L.), depressiivse ja rusuva postpunksürrbändi, kes stilistiliselt samuti kaheksakümnendate jooksul väga kummalistel aladel ära käis. Vaid vana ustav Ramones jätkas vahvalt veeremist omaenda punklaadis ning nende kurioossemad katsed produtsent Phil Spectoriga ja veidramate lugudega on siiski vaid väike kõrvalepõige. Au nondele rock?n?roll?i-ratsanikele, kusjuures siinkohal tasub meenutada, et Ramones on ainuke tollastest esiansamblitest, mille liikmed tänaseks pea kõik surnud on.

    *

    Aga miks rääkida praegu Clashist ja ?London Calling?ust?, nende 1979. aastal ilmunud legendaarseimast albumist? Clash on kummalisel kombel praegu üks mõjukamaid roki näo kujundajaid: uuematest bändidest on the Libertinesi viimane suurepärane album kogunisti Mick Jonesi produtseeritud ja kuidagi tuttavliku saundiga. Ka Eestisse tulemata jätnud ja pea kõik tähtsamad Brit Awards?id korjanud Franz Ferdinand on ilmselgelt Clashi-mõjuline ning isegi Green Day uusim album ?An American Idiot?, millega nad roki-grammy?d ära tõid, sisaldab palju clashilikke võtteid, vasturütme ja katsetusi ekletilise rock?n?roll?iga. Eriti ehk uusim hittlugu ?Holiday?.

    Lisaks oleks Elvis Presley selle aasta hakul saanud seitsmekümneseks. Ja Elvise ning Clashi vahel on terav seos. See ei ole ainult see redneck- või koguni whitetrash-suhtumine, millega Elvis rock?n?roll?i lõi ja mis vaatab ilmselgelt vastu punkliikumise ülbetest pungiaetud silmadest ja mässulisest suhtumisest kodanlikku toppavasse ümbrusse. Pungiajaloos märgilise/murdelise tähtsusega plaadi ?London Calling? taga olid idealistlikud noored mehed, laulja Joe Strummer, Mick Jones, bassist Paul Simonon ja trummar Topper Headon. Tuntud rokikriitik, hullumeelne Lester Bangs on kirjutanud oma essees/osalusvaatlusloos ?Clash?, et punkareid iseloomustab üldiselt igavlemine ja ükskõiksus, et nad kuulutavad: meil on halb, paha ja meid ei huvita mittemiski. Clashiga on aga temagi meelest otse vastupidi: neid huvitab kõik, just valusad teemad, tänavavägivald, töötus, armastus, hakkamasaamine oma noorusega jne. Ta kirjutab, et lisaks oma uskumuste eest seismisele on nende viha ja võitlus on õiglased (righteous! see on anglogermaanide keeli üks kõva sõna!). Jah, Clashi iseloomustab hoolimine, poeetiline taju ja eluterve iroonia. Nagu selleski kuulsas loos: ?I?m all lost in the Supermarket / I can no longer shop happily, / I came in here for that special offer / Guaranteed Personality. // I wasn?t born so much as I fell out, / Nobody seemed to notice me/ we had a hedge back home in the suburbs / over which I never could see.? (?Lost in the Supermarket?). Siin on pilget nii iseenda (pungiksolemise), spliini kui tarbimisühiskonna pihta.

    Clashi nägemuses hakkas rock?n?roll?i aeg otsa saama, algselt plaaniti plaadi pealkirjaks panna ?The Last Testament?, viimne testament ? poiste endi mõttes viimane rock?n?roll?i-plaat. Sellest ka lõppeks ühe plaadi võimsama loo järgi nime saanud albumi kaanekujundus: foto Paul Simononist oma bassi purustamas pääle üht mitte eriti hästi õnnestunud kontserti, mil publiku passiivsus tas frustratsiooni tekitas. Kogu lahendus matkib Elvis Presley esimese LP kaanekujundust, ainult et siit vaatabki vastu see pettumus ? pettumus, milleni rock?n?roll jõudnud oli.

    *

    ?London Calling? on vahva ja eklektiline plaat, mis peidab endas rockabilly?it, ska-rock?i, ilusaid ballaade, veidike psühhedeelilisi saunde ja Phil Spectori wall of sound?i matkeid, nalja, armastuslaule, sotsiaalset mürgipritsimist, isegi hip-hop-meeleolu ja rütmikat (?The Guns of Brixton?, eriti ent tolle laivversioonid, kus Mick Jones salmiosa peaasjalikult räppis), beatleslikku meloodilist rokkimist. Võiks öelda, et see on Clashi ?White album?, kuid aastakese hiljem ilmunud tuubelplaat ?Sandinista? on veelgi eklektilisem ja eksperimentaalsem.

    Clash oli üks esimesi bände, kes inspireerus Jamaica muusikast, reggae ja rock?i segunemisel sündis ska. Mis Bob Marley ja the Wailersiga veel sarnanes, oli see, et Jamaical täitsid need laulud ajalehe funktsiooni, levitasid rahva seas sõnumeid sündmustest ja protestivaimu, uut ideoloogiat, siis Clash jätkas brittide maal sama liini: nende lood rääkisid ühiskonnas sündivast, nende endi igapäevast.

    *

    Muidugi ei oleks plaati sündinud kahe asjata: kõva eeltööta, millest mineval aastal 25. aastapäeva puhul ilmunud uus väljalase annab tunnistust lisaplaadiga: ?The Vanilla Sessions? on lausa biitlite hiljuti välja lastud ?Let It Be? Steve Martini produtsendikäeta, n-ö bändi oma, toore versiooni vääriline. See on tunnismärk lugude valmimisajast, metsik ja karge atmosfäär, keldriline heli ? need on ikkagi n-ö prooviruumisalvestised. See aga viitab, et Clash tegi kõvasti tööd enne pärisstuudiosse minekut ning ilmselgelt on selletaolistel salvestistel ka enam pungi mekki küljes.

    Teine oluline asi on produtsent ? Guy Stevens (veel töötanud nt koos Free?ga, avastanud The Who, olnud Mott the Hoople?i manager jne). Koos heliinsener Bill Price?iga. Uue versiooniga on kaasas ka DVD Don Lettsi dokfilmiga plaadi valmimisest ning haruldaste filmikaadritega stuudiost. Arvatavasti ei ole Guy Stevensiga võrdväärset hullumeelset produtsenti nähtud. Et The Clashile energiat juurde süstida, käitus ta stuudios nagu tavaline segane (mida ta ehk oligi): lõhkus toole, loopis ringi suurt redelit, kallas klaverisse veini, läks heliinsenerile kallale, kui too Stivensi arust heli valesti keeras. See mees suri varsti, 1980ndate hakul, umbes samal ajal kui eespool mainitud rokikriitik Lester Bangs. Clash ise lisas segadust alatihti stuudios jalgpalli tagudes. Kokku tuli üks kummaliselt üllas ja terav ja mitmekesine rock?n?roll?i-plaat.

    *

    Kui Clash kaheksakümnendate keskel juba ilma Mick Jonesita oma viimase plaadi välja andis, siis oli see püüd naasta oma juurte juurde. ?Cut the Crap?il? on palju laule, mida on hea õllejoomise ja jalkamängimise kõrvalt kaasa möirata, on ikka veel tähenduslikke tekste, aga palju vähem eksperimendihõngu ja iseolemist punk-scene?il. Eks Strummer sai sellest aru, et läks veidi viltu, hiljem tegi ta veel palju põnevaid projekte, muuseas produtseeris iiri folkpunkareid The Pogues ning mängis ühel nende tuuril isegi bändis kidrat. Enne surma, paar
    aastat tagasi, ilmus Joe Strummerilt ja the Mescaleroselt veel suurepärane album ?Streetcore?, mis oli pigem kantud vana Clashi eksperimenteerivast vaimust. Rääkimata lugematutest muudest ska- ja rokiprojektidest, mis ta ette võttis. See jälg on tegelikult nüüdseks juba biitlite või rollingute vääriline.

     

     

  • Näitused Võru Linnagaleriis

    ALBERT GULK – joonistused
    Albert Gulk on Võrumaalt pärit kunstnik, kes on lõpetanud Tartu Kunstikooli ja Tartu Ülikooli maaliosakonna. Gulk on Kursi Koolkonna ja Tartu Kunstnike Liidu liige. Gulki tööd on suureformaadilised ulmemaastiku joonistused. Tema teoste teemad on elust endast ja inimesed teostel tema enda ümbert. Kunstnikku inspireerib elektrooniline muusika, mis saadab teda loomingut luues. Albert Gulgi töid iseloomustab isikupärane joonistuslaad, kus ta juhindub monumentaalkunsti ja pannooliku esituslaadi reeglitest. Kunstiteadlane Eha Komissarov on öelnud, et Gulgi töötamislaadi kindlus ja veenvus tõstsid ta koheselt eesti joonistuse esiridadesse. Albert Gulgi algupärast taidurlikkust toonitab fakt, et kunstnik ei kasuta oma joonistustes modelli ega foto abi ja toetub üksnes oma visuaalse mälu kujunditele.

    EVI GAILIT, KARITAS UUS ja MARIS TUULING- maalinäitus „Kokkumäng“
    Kõik kolm kunstnikku on õppinud Tartu kunstiühingu stuudios ehk Konrad Mäe ateljees, vanameistrite Kaja Kärneri Ja Heldur Viirese käe all. Saanud sealt Pallase traditsioone järgiva maalikooli ja üksjagu sarnase suhtumise maalikunsti. Samas on igaüks läinud edasi oma rada mööda – leidnud oma teemad ja stiili. Piltide valiku võib jagada laias laastus kolme teemasse – maastikud, inimesed ja vaikelud. Selliselt näituse ka üles ehitasime.
    KALLI KALDE õlimaalide näitus „Peegeldused“
    Kalli Kalde on lõpetanud Tartu Kunstikooli ja Tallinna Ülikooli joonistamise, joonestamise ja tööõpetuse õpetajana. Hetkel töötab kunstnik Tartu Kunstikoolis joonistamise ja graafika õpetajana. Kalde on elanud viimased 19 aastat Põlvamaa metsade vahel, väikese järve kaldal. Järvel on kunstniku loomingus oluline osa, see inspireerib teda. Kalli Kalde ütleb ise nõnda: “Järv on esimene, mida hommikul ärgates näen. Igal hommikul ja õhtul vaatan järve, mis sillerdab mu akende all. Vahel unustan ennast veepeegelduste muutlikku maailma. Neis piltides on rohkem vett kui minu metsajärves. Maalides mõtlesin Pühajärvele ja Emajõele, Leegole ja Kallile. Kuigi veel pole värvi, lõhna ega vormi peegeldab ta kõike, reageerib kõigele. Vett vaadates võid näha taevast, puid, päikest ja tähti, samuti iseennast.Vee vaatamine on meditatsioon, võimalus kohtuda iseendaga, oma emotsioonide, mineviku ja olevikuga.”

    Näitused jäävad avatuks kuni 03. jaanuarini 2013.

    Galerii on avatud tööpäeviti kell 12:00 – 18:30 ning Võru Kandles toimuvate ürituste ajal.
    Näituse külastamine on tasuta.
    Võru Linnagalerii leiad internetist – www.vorulinnagalerii.ee ja Facebookist.

  • Politoloogia lakmuspaber

     

    Kui kõrvale jätta konverentsi Eesti kontekstis eksootilisevõitu teema, siis olid ettekanded professionaalselt heal tasemel ja pakkusid nii mõndagi teadmiseks ja järelemõtlemiseks. Silma torkas aga Eesti poliitikateadlaste täielik huvipuudus ürituse vastu. Väheste kuulajate hulgas ei märganud  mitte ühtegi avalikus elus tuntud politoloogi. Vaatamata sellele, et üritus toimus Tallinna ülikoolis, mille politoloogid esinevad meedias sageli teaduslike ekspertidena. Ka programmi paarikümne ettekande hulgas oli vaid kaks Eesti teadlastelt, konverentsi teemaga haakus neistki vaid üks. Kui lisada, et konverentsi organiseerijad ise lahkusid ürituselt kohe oma etteaste lõppedes ega ilmunud enam ja teaduslikku diskussiooni  pidasid ainult külalisesinejad, siis oli raske vältida mõtet, et konverents on korraldatud ainult n-ö linnukese pärast, või et rahvusvaheliseks tasemeks, millega Eesti teadusbürokraatia mõõdab teaduse kvaliteeti, peavad asjaosalised ise konverentse ja publikatsioone vaid siis, kui need toimuvad või ilmuvad väljaspool Eestit. Kui üritus või kirjutis toimub/ilmub kodus, on selle teaduslik tase bürokraatia meelest ilmselt  küsitav ning osalemisest ei peeta piisavaks argumendiks oma teadustaseme tõestamiseks. Nii võiks mõista politoloogide vähest huvi, õigemini täielikku huvipuudust konverentsi vastu. Korraldajatele oli aga üritus ilmselt vajalik eksponeerimaks end teadusjuhtidena. Piinlik oli situatsioon teise päeva hommikul, kui saalis olid vaid Ladina-Ameerikast, USAst, Inglismaalt, Prantsusmaalt jm kohale sõitnud külalised (sh kuulsatest teaduskeskustest  nagu Cambridge’i ülikool, UC Berkeley, prantsuse C.N.R.S. jt). Korraldajate puudusel jäi istung külaliste avada ning diskussioongi toimus vaid külaliste vahel.

    Kui ülalöeldut pidada mingiks kurvaks asjaolude kokkusattumiseks, siis ei pruugiks sellest ehk rääkida. Paraku ei saa seda võtta juhusena. Öeldu iseloomustab asjade üldisemat seisu Eesti poliitikateaduses, nii arusaamu poliitika teaduslikust käsitlusest,  huvi niisuguse käsitluse vastu, aga ka professionaalset kompetentsust ja selle taset rahvusvahelises võrdluses. Viimase on Eesti teaduskorraldus seadnud oma eesmärgiks. Sellega seoses meenub 10–15 aastat tagasi Berliinis peetud IPSA (Rahvusvaheline Poliitikateaduse Assotsiatsioon) kongress, kus ettekandega esines toona ilmselt meie rahvusvaheliselt tuntuim sotsiaalteadlane. Lääne ühiskonnateaduses on alati olnud  mingi koht ühiskonna marksistlikul käsitlusel, kuid teadusliku kommunismiõpetuse nii õigeuskset esitust, kui toona kuulsin, mäletan vaid nõukogudeaegsest ülikooliajast. Ei tea, kas need, kes vastutavad Eesti ühiskonnateaduse arengu eest, ise oskavad eristada teaduslikku kommunismiõpetust läänelikust poliitikateadusest või kas nad tõesti peavad seda sorti ühiskonnateadust vajalikuks Eesti avalik-õiguslikes ülikoolides  ka viisteist aastat pärast riigi taastamist? Rahvusvahelise tasandi formaalsed näitajad (rahvusvahelisele auditooriumile suunatud võõrkeelsed või eelretsenseeritavad väljaanded, tsiteerimisnäitajad jm) ei pruugi alati rääkida seda, mida neist loevad välja teadusametnikud. Erialaperioodika, mis hoiab silma peal teadustasemel, kus toimub teaduslik diskussioon ning ilmuvad kompetentsed ülevaated ja retsensioonid, teadusametnike silma alla ei jõua; rääkimata sellest, et Eesti politoloogia pälvib seda sorti tähelepanu harva või et selle retseptsiooni laiemast tutvustamisest ei pruugi asjaosalised ise olla huvitatud.

    Teaduslikust kommunismiõpetusest pärit metodoloogia kõrval on armetu seisu põhjuseks ka asjaolu, et domineerivad inimesed, kelle poliitikateaduslik kompetents on puudulik, kes ei paista vahet tegevat  poliitikateadusel ja poliitilisel analüüsil, poliitikal ning haldusel, teadusel ja praktilisel poliitikal. Raske öelda, mis toob traditsiooniliselt poliitikateadusesse kuuluvale mängumaale inimesed, kes on valinud oma erialaks õigusteaduse, sotsioloogia, filosoofia, ajakirjanduse, geograafia (ja omandanud nendel erialadel ka akadeemilise kraadi), selle asemel et teha teaduslikku karjääri valitud ja õpitud erialal. Ehkki nimetatud  erialad põkkuvad poliitikaga, on neil oma spetsiifika. Selle piiride ületamisel jõutakse tasandile, mida hierarhioloogias nimetatakse Peteri platooks ehk ebakompetentsuse tasandiks. Niisuguseid inimesi omaenda uurimisprobleemidest kaugemal seisev poliitikateadus ilmselt eriti ei huvitada. Paraku juhivad ning annavad Eesti poliitikateaduses tooni just seesugused spetsialistid. Nende käe all on välja kasvanud uus põlvkond  politolooge, kes jätkavad nõukogude aja ühiskonnateaduse traditsiooni.

    Kuidas võikski see olla teisiti, kui professoritasandi politoloogid peavad teaduslikeks kontseptsioonideks tavalisi propagandaklišeesid ning poliitilist engineering’ut poliitikateaduseks. Isegi auväärses Tartu ülikoolis paistab selles valdkonnas professori valimisel kaaluvat formaalne akadeemiline kraad üles õpitud eriala ja professoriks võib  saada inimene, kelle avalikus tööde nimistus ei leia ühtegi kirjutist, mis puudutaks poliitikateaduse keskset probleemi, s.o poliitilist võimu. Seda sorti politoloogia tekitab sageli vaid piinlikkust, sellest on asjatu otsida iseseisvat mõtet või seisukohta. Küll aga leiab sealt rahvusvaheliselt levinud ja laenatud mõtteid ning seisukohti. Need paistavad olevat teadusametnikele piisav tõend meie poliitikateaduse rahvusvahelise taseme kohta. Selle üheks põhjuseks kasina professionaalsuse kõrval on bürokraatia teaduse juhtimise tasandil. Tegelikult elavad need kaks, vähene professionaalsus ja bürokraatia, sümbioosis, toetades vastastikku teineteist. Bürokraatia pingutus kompenseerida oma asjatundmatus formaalsete näitajate ja kvaasiteaduslike protseduuridega sobib hästi neile, kes ei näe teaduses midagi nendest näitajatest enamat. Mida niisugused  protseduurid poliitikateadusliku ekspertiisina endast võivad kujutada, seda olen võinud kogeda. Ka taevani kisendav rumalus, kui see on vaid vormistatud ekspertarvamusena, on teadusbürokraadile nagu jumalasõna, milles õige ristiinimene ei kahtle. Kui see nii ei oleks, siis oleks raske mõista, kuidas tänane olukord on tekkinud.

    Lõpetuseks peab siiski ütlema, et üldiselt trööstitus ja hallis pildis, mida endast  praegu kujutab Eesti poliitikateadus, on ka heledamaid toone. Nende eest hoolitsevad nooremad, enamasti välismaal õppinud inimesed, kelle mõttemaailma pole vorminud teadusliku kommunismi mallid. Esialgu on nad aga oma teadlastee algul, kus horisonti piirab veel omaenda uurimistemaatika. Kindlasti ei kujunda nad veel üldist pilti ning ka nende arengukeskkonda ei saa hinnata soodsaks.  

  • Lauritsa kõike ja kõiki ühendav kodu

    Tõepoolest, veidi lihtsakoeline, kui mõelda, et Lauritsa väljapanekud on kandnud uhkeid pealkirju nagu “Mullatoidu restoran”, “Veeuputus”, “Voolav labürint”… “Minu kodu” kõlab pigem nagu põhikooli lõpukirjandi teema. See polegi ehk väga ekslikult arvatud, sest tänapäeva kirjand koostatakse suures osas meetodil copy-paste.  “Minu kodu” on  ka eelmistel näitustel eksponeeritud fotode taaseksponeerimine: kolm fotot, nüüd küll palju suuremas formaadis, olid väljas ka Võru Linnagaleriis 2006. aasta märtsis näitusel “Juuskva labürint” ehk eesti keeli “Voolav labürint”. Kuid ma nimetaksin praegust näitust siiski väikseks fotoesseeks kodust, mis loob mitmeid assotsiatsioone. Ühel fotol on ämblikuvõrkude rägastik, kastepiisad ja hommikuvalgus – ämbliku kodu, teisel fotol jällegi Kütioru maastikukunsti raja Argo Männiku objekt “Kookon” – seegi on justkui kellegi kodu, kes elab seal mõnusalt. Samas tekitab kookon minus mõtte haavatavusest. Kookon on midagi kaitsvat ja ühtlasi väga õrna. Ühel fotol on aimatav naha ja vereta inimene tagantvaates, näha on seljaaju: seda on pildistatud väga lähedalt, sõna otseses mõttes naha alt.

    Need kujundid võib laiendada kogu näitusele: Laurits, kelle loomingus  on enamasti tegu globaalsemas mõttes  ökoloogilise kriisi temaatikaga, on seekord avanud intiimsema  ja isiklikuma keskkonna. Kunstniku sõnul ei teki kodu katastri sissekandest ega hoonest, kus ööbimas käiakse. Kodu on suhe ümbritsevaga. Niisiis ei ole tegemist vaid Kütioru ümbruse fotodega. Oluline ei ole ära tunda paiku, kus foto on tehtud, olulisem on märgata, milline on kunstniku kodutunnetus ning kuidas see haakub vaataja koduarusaamaga: kas sellesse kuulub mõni mööblitükk, magnetofon, kohvimasin või siis mets, loomajäljed ja kamakas mulda. Muidugi ei pea näitust vaadates üldsegi mõtlema nii palju  näituse pealkirjale, võib ka lihtsalt nautida sugestiivseid maailmu, mis haaravad endasse ja panevad tundma, et foto kaudu võib siseneda ükskõik millisesse tavapäratusse ruumi, olgu selleks siis muinasjutt või film, kas või Jan Kouneni oma.

     

    Needsamad sääsed

    Seitsmel suureformaadilisel fotol on kujutatud kunstniku lähema ja kaugema koduümbruse maagilise koega loodusmaastikud.  Just nimelt kujutatud, sest tegemist ei ole puhtalt loodusfotodega. Pigem on maastik olnud taas inspireeriv alge, millega kunstnik on edasi töötanud/mänginud, moonutanud fototõde.

    Retrettis olid fotod eksponeeritud maa-aluses spetsiaalse tagantvalgusega koobasgaleriis. Võru Linnagaleriis midagi niisugust pakkuda ei ole, aga see annabki võimaluse käsitleda neid fotosid erinevate keskkondade kaudu. Minu arvates seisneb nende fotode maagilisus eelkõige tardumuses, “Mullatoidu restorani” puhul oli sama tunne. Loodus on fotodel justkui külmutatud, kuigi on tunne, et iga hetk võib kõik muutuda, ellu ärgata. Tabatud on seisund, mis kutsub ja meelitab. Iga jäädvustatud rohukõrre ja sõnajalalehe taga võib peituda miski või keegi, kes ootab, et sealt välja karata (nagu mõnes David Lynchi filmis). Justkui varitseksid igas pildis Kütioru sääsed, kes on Hasso Krulli 1998. aastal algatatud  projekti “Kütioru sääsed ja teod” kangelased. Oru sääsed on maailma sääsepopulatsioonide orgaaniline osa ning vere kaudu osalevad paljud inimesed üle kogu maailma selles ürgses installatsioonis. Kõik kohad on võrdsed, Kütiorg ulatub kõikjale ja kõik ulatub Kütiorgu, kui lühidalt filosoofiat, mis klapib ideega, et Lauritsa näitused Võrru jõuavad, kokku võtta: osa võivad saada kõik, nii ameeriklased, soomlased kui ka võrukad. Oska vaid vastu võtta, tajuda oma tähtsust ja võrdsust.

     

     

  • Muusikamaailm

    Muusikateatris on keskseks Prokofjevi ?Armastuse kolme apelsini vastu? uuslavastus Madalmaade Ooperis Stéphane Denève?i juhatusel kümne etendusega, Hamburgi Riigiooper Bergi ?Luluga? (lav Peter Konwitschny, dir Ingo Metzmacher) ja Kaija Saariaho ?L?amour de loin?. Orkestreist on kuulsaimad oma Kuninglik Concertgebouw? orkester ja London Sinfonietta, kavas ka Bachi kantaadid Peter Sellarsi lavastatuna ning Richard Rijnvosi portreekontsert.

     

    Viini pidunädalad homseni

    Viini Kontserdimaja Ühingu korraldatud Wiener Festwochen (32. korda, 7. V ? 19. VI) on seekord teemal ?Wien-Berlin? kokku 63 kontserdiga. Theater an der Wienis Händeli ?Hercules? (lav Luc Bondy, Les Arts Florissantsi koor ja orkester, dir William Christie), kus nimiosas William Shimell, ka Brüsselist toodud Philippe Boesmansi uusooperi ?Julie? (Strindbergi ainel) on lavastanud festivalijuht Luc Bondy (juhatab La Monnaie peadirigent Kazushi Ono) rootslanna Malena Ernmaniga nimiosas.

    Nikolaus Harnoncourt dirigeeris Concentus Musicuse ja Arnold Schönbergi Koori ees Mozarti ?Lucio Silla? Claus Guthi uuslavastust, peaosaliseks Kurt Streit, Bachi kantaadid P. Sellarsi lavastuses siingi (sol Lorraine Hunt Lieberson ja Bostoni Orchestra of Emmanuel Music). Claudio Abbado asutatud Viini rahvusvahelise kompositsioonipreemia (alla 40aastastele heliloojaile) vääris Osakas 1977. a sündinud Dai Fujikura, tema ?Fifth Station?i? esitas Klangforum Wien Peter Eötvösi käe all.

     

    Firenze maifestival

    ?on vanimaid Euroopas: tänavu on Maggio Musicale Fiorentino 68. kord. Pidustuste (kuni 30. VI) tipphetked toovad Orchestra Sinfonica Verdi (dir Riccardo Chailly) Milanost, Claudio Abbado uus Orchestra Mozart (ainus kontsert oli pühapäeval) ning pianist Aldo Ciccolini, lisaks Zubin Mehta kunstilise juhina avaõhtutel ja Semjon Bõt?kov lõpetamas (Brahmsi ?Saatuselaulud? ja Mahleri V sümfoonia), mõlemad festivali oma orkestri ja koori ees.

    Bõt?kov juhatab ka Mussorgski ?Boris Godunovi? Eimuntas Nekro?iuse uuslavastust (esietendus eile), nimiosas Ferruccio Furlanetto. Väga oodatud on Prokofjevi ?Romeo ja Julia? trupilt MaggioDanza, peaosades tantsimas Antonio Guadagno ja Letizia Giuliani.

     

    Veel üks ooper Mozartist

    ?veitsi/USA helilooja ja saksofonist Daniel Schnyder (1961) sai Gstaadi Alpifestivalilt (Menuhini festival) tellimuse uuele Mozarti-ainelisele ooperile, mille maailmaesiettekanne sünnib seal 6. VIII. Eelmisel aastal oli Schnyder ka festivali helilooja; sealne edu tõi ooperitellimuse. Kammerplaanis lavatüki pealkirjaks saab ?Casanova: L?amour, amore, Liebe, love?, detsembris tuleb see lavale ka New Yorgis. Nimiosa laulab bariton Wolfgang Holzmair.

    Varem on heliloojal valminud täispikk ooper ?Torm? (Shakespeare?i järgi) ning kammerooper ?Die Windsbraut? (Alma Mahleri ja Oskar Kokoschka suhtest). Schnyderi Kontsert kammerorkestrile ja Alpisarvekontsert olid ettekandel ka äsjasel Mozarti festivalil Augsburgis, ise esines ta tenorsaksofonistina Schwetzingeni festivalil ja astub pärast Gstaadi üles ka Schleswig-Holsteini festivalil. Täna ja homme on aga Stuttgartis ja Rotweilis Crossover Academy, kus Daniel Schnyderi osalemisel esitatakse kogu ta puu- ja vaskpillidele kirjutatud looming.

     

    Dirigentide tegemisi

    Hollandi Filharmoonia orkester pikendas Yakov Kreizbergi lepinguaega aastani 2011. Lisaks on Kreizberg veel Berliini Koomilise Ooperi Generalmusikdirektor ning Viini Sümfoonikute peakülalisdirigent.

    Prantslaste tuntumaid Michel Plasson loobub oma kauaaegsest Toulouse?i Kapitooliumi orkestrist, tema järglaseks saab juba septembrist Tugan Sokhiev Peterburi Maria teatrist, keda tunnustati kõrgelt ?Armastus kolme apelsini vastu? juhatamisel Aix-en-Provence?i festivalil.

    Austraaliast pärit Simone Youngist (1961) saab uuest hooajast Hamburgi Riigiooperi ja ka nende filharmooniaorkestri peadirigent. Ta on esimene naine, kes Saksamaal juhatanud kogu ?Nibelungi sõrmust? ja esimene naisdirigent Viini Filharmoonikute ees.

    Lõpuks sai uue peadirigendi endale ka Vene Rahvusorkester ? 32aastase Vladimir Jurovski, kes jätkab ka Glyndebourne?i Festival Opera eesotsas ning London Philharmonic Orchestra alalise külalisdirigendina.

    Londoni BBC SO peadirigendiks saab ameeriklase Leonard Slatkini järel t?ehh Jiři Belohlavek. Ametlikult võtab ta ameti üle 2006. aasta promenaadikontsertide avaõhtul. Kolmeks aastaks tuleb peakülalisdirigendiks David Robertson, kes vahetab välja tänavu seal lõpetava Jukka-Pekka Saraste.

    Rootsi Raadio SO saab endale taas noore peadirigendi, 30aastase Daniel Hardingi, kes enne Paavo Järvit oli Deutsche Kammerphilharmonie ja praegu Mahler Chamber Orchestra ees.

    Ameeriklane James Conlon saab Plácido Domingo kutsel Los Angelese Ooperi muusikadirektoriks 2006. a. 1995 ? 2004 oli ta Pariisi Rahvusooperi peadirigent, tänavu alustab aga ka Chicago SO suveresidentsiks oleva Ravinia festivali eesotsas.

    Aastal 2006 lõpetab LAs 2001. a alustanud Kent Nagano, võttes üle muusikadirektori ameti Baieri Riigiooperis ning Montreali SO ees. Seniks on ta ka ära tulnud Berliini Deutsche Sinfonie-Orchesteri peadirigendi ametist.

    Kuningliku ?oti Rahvusorkestri uus peadirigent on Aleksandr Lazarevi järel sügisest ja kolmeks aastaks 32aastane prantslane Stéphane Denève.

     

    Preemiaid ja tunnustusi

    Schleswig-Holsteini festivali Leonard Bernsteini preemia pälvis briti pianist Jonathan Biss (24) kui ?väljapaistev muusikaline talent?.

    Deutsche Solisten-Preisi (NORD/LB Artist Award) Braunschweigist laureaat on rootsi trompetivirtuoos Håkan Hardenberger (43).

    Peadirigent Simon Rattle sai oma Berliini Filharmoonikute haridusprojekti noortele ?Le Sacre du printemps? eest Mannheimi linna poolt iga nelja aasta järel antava F. Schilleri eripreemia. Rattle?ile omistati sama tegevuse eest ka Comenius-Preis (25 000 eurot), mida annab välja laste ja noorte toetusühing Comenius-Stiftung.

    Glenn Gouldi preemia (50 000 eurot) Kanadast sai dirigent ja helilooja André Previn, kes ühtlasi saab nimetada ka eristipendiumi (10 000 eurot) laureaadi noorte võimekate muusikute hulgast.

     

     

  • Laurentsiuse maalinäitus “F(R)AME 2” Eesti Draamateatris

    6. detśembril avati Eesti Draamateatri 2. korruse jalutussaalis kunstnik Laurentsiuse maalinäitus “F(R)AME 2”, mis oli hiljuti väljas ka Haus Galeriis.

    Laurentsius: “Maaliseeria “F(R)AME 2″ koosneb kuuest väikesest maalist, mis kujutavad üht ja sama roosi. Erinevus tuleb esile külluslikes raamides, mis on maali suhtes absurdselt domineerivad.”

    Näitus jääb avatuks kuni 6. jaanuarini 2013.

    Laurentsius ehk Lauri Sillak (1969) omandas kunstihariduse Eesti Kunstiakadeemias maali erialal, näitustel esineb alates 1993. aastast. Ta on tegutsenud õppejõuna EKA maaliosakonnas alates 2000. aastast; pälvinud mitmeid auhindu, sh Konrad Mäe medali. Tema teoseid leidub mitmete muuseumide kollektsioonides.

  • Teoreetiku kohustusest raskepärase terviku ees

     

    Teid tuntakse kõige paremini kahe uurimuse järgi („Postmodernistlik kirjandus”, 1987 ja „Konstrueerides postmodernismi”, 1992), mis käsitlevad postmodernistliku kirjanduse poeetilist vormi. Nende käsitluste ühine allhoovus paistab olevat modernistliku ja postmodernistliku kirjanduse suhestamine või vastandamine kummalegi vastava formaalse dominandi kaudu. Modernistlik kirjandus püstitab epistemoloogilisi küsimusi  maailma kohta käivate teadmiste võimalikkuse tingimuste kohta, eeldades seejuures lähtealusena üsna kindlakujulist „mina” ja „maailma”; postmodernistlik kirjandus aga püstitab küsimusi selle maailma enese vaieldava ontoloogilise staatuse ning seda maailma vaatleva „mina” fragmentaarse loomuse kohta. Kas praegu, peaaegu kaks aastakümmet hiljem, jääte ikka selle eristuse juurde või on vahepealne kirjandusliku ja  kultuurilise postmodernismi kogemus andnud põhjust seda mingil moel muuta või täiendada? Kas mõistel „postmodernism” on veel piisavalt produktiivset jõudu, et kirjeldada praeguse aja hiliskapitalistliku ühiskonna kirjanduslikke ja kultuurilisi arengusuundi? Või on see mõiste iganenud?

    Esiteks võin öelda, et olen nendes raamatutes pakutud eristusega rahul. Selle eristuse põhiväärtuseks oli asjaolu, et see võimaldas luua  edasisi huvitavaid ja kasulikke eristusi. Arvan, et see on ka praegu nii, ning mind ei häiri vastuargument, et mõningaid ontoloogilise kirjanduse nähte võib leida ka postmodernismi -eelsest ajast, või et epistemoloogiline kirjandus on jäänud püsima ka postmodernistlikul ajal. Kumbki seda laadi vastulause ei kõiguta tegelikult mudelit ennast. Need kõigutaksid üksnes niisugust mudelit, mis põhineks ajaliste perioodide väga teraval ja hermeetilisel  piiritlemisel, ning see ei vasta minu arusaamisele perioodilisest liigitamisest. Alates ajast, mil ma ontoloogilise ja epistemoloogilise poeetika eristuse proosakirjanduse näitel välja töötasin, olen kaalunud ka selle laiendamist muudele meediumidele, kas või lihtsalt teistele sõnalistele žanridele, aga ma pole sugugi kindel, et selle rakendusjõud ulatub proosakirjanduse piirest väga palju kaugemale, liiatigi siis veel universaalse mudeli tasandile. 

    Mõned mu hilisemad tööd on keskendatud luulele. Kirjutasin pikkadest postmodernistlikest poeemidest raamatu, kus olin sunnitud järeldama, et see eristus ei pea siin kaugeltki nii hästi vett. Ühe modernismi ja postmodernismi eristava mõõtme asemel tuleb luule puhul rääkida mitmest; siin on tegu märksa segasema, korrapäratuma eristusega. Veel enam, mida kaugemale liigume proosakirjandusest, seda hägusem on see eristus: selle põhjal  oleks raske rääkida mõistlikku juttu näiteks visuaalsest meediast või teistest kunstiliikidest, arhitektuurist, muusikast, tantsust jne. Nii et ehkki see eristus paistab proosakirjanduse tasandil ikka veel kehtivat, on selle laiendamine teistesse valdkondadesse problemaatiline. Pole tarvidust, et see kehtiks kõikide meediumide, žanride või igasuguse kultuuripraktika puhul. Teistes valdkondades võetakse kasutusele teistsugused kriteeriumid, ning piirjoon  pole ilmselt nii terav.

    Mis puutub „postmodernismi” mõiste produktiivsusesse, siis ma pole kindel, kas saan anda hea vastuse. Seda saab kindlasti kasutada teatava nüüdisaegse loomingu kirjeldamisel, kuid siin on tegu alles käimas, areneva olukorraga ning veel mõnda aega pole selge, kas me liigume postmodernismist kusagile edasi või mitte. Ent isegi kui postmodernism mõistena on nüüdisaegse maailma  kirjeldamiseks iganenud, ei ohusta see selle ajaloolist väärtust. Ühe ajajärgu tähisena on temast ikkagi kasu. Küsimus on pigem selles, kas see ajajärk hakkab läbi saama või mitte, kuid ma ei usu, et meil oleks juba võimalik sellele üheselt vastata. Kui nii läheb, taandub postmodernism ajalukku, ning me mõtleme selle peale samamoodi, nagu praegu mõtleme modernismi peale. Ja eristus jääb ikkagi kehtima, kuid üksnes ajajärgulise eristusena kahekümnendal  ning mitte tingimata kahekümne esimesel sajandil.

    2001. aasta 11. septembri sündmuste järel oli mõnelgi pool juttu sellest, et läänelik ühiskond on ärganud fukuyamaliku „ajaloo lõpu” liberaaldemokraatlikust unenäost, et ajalugu „käivitas” siis end uuesti, inimestel tekkis vahetum, ühtsem side enese ja (sotsiaal-kultuurilise) tegelikkusega, ning postmodernismi  epistemoloogilisest kriisist saadi mingil määral üle. Kas olete sellega nõus? Kas kunagise levinud arusaama, et postmodernism on midagi pöördumatut ja lõplikku, võib kirjutada tolle fukuyamaliku unenäo arvele? Või on hiliskapitalistlik ühiskond sügavamas epistemoloogilises kriisis kui kunagi varem?

    Küsimus kujutab 11. septembri sündmusi kui äratust 1989. aastast 2001. aastani kestnud  ajajärgu liberaaldemokraatlikust unenäost, kus ajalugu pidi üleüldise liberaaldemokraatia kehtestamisega lõppema. Minu nägemus sellest ajajärgust on mõnevõrra teistsugune. Mul on tunne, et Berliini müüri langemise ja 11. septembri vahelist perioodi iseloomustas niivõrd suur määramatus ja avatus, et seda ajajärku võiks käsitleda postmodernismi haripunktina. See polnud mitte niivõrd liberaaldemokraatliku unenäo ajajärk, kuivõrd hetk, mil  külma sõja aegsed poolused kaotasid äkitselt tähtsuse, ning ühtäkki oli võimalik mitte ainult poliitilise või majandusliku, vaid ka kultuurilise elu täielik ümberorienteerumine. Kahe pooluse – Ida ja Lääne – asemel seisti äkitselt silmitsi multipolaarsusega. Tundus, nagu langenuks kultuuriline postmodernism, mis oli juba mitu aastakümmet olemas olnud, lõpuks kokku maailmaajalooliste tendentsidega. Mingis mõttes oli see maailm, mille jaoks  postmodernism oli loodud. Ma tunnistan, et on utoopiline niimoodi üheksakümnendatest mõelda, kuid ma arvan, et viibiti utoopiliste võimaluste läheduses. Üheksakümnendate algus oli ka aeg, mil Internet oli veel oma „kommunitaarses” faasis – see polnud veel täielikult kommertsialiseerunud. Oli ka hiphop-kultuuri ja teadvuse ilmumise aeg. Kõikides kultuurivaldkondades võis täheldada võimaluste järsku paljunemist, mis peegeldas vähemalt  geopoliitilist mitmekesistumist. Fukuyama nägemus oli otsekui katse seda paljusust kontrolli alla võtta ja alla suruda, kuid see pole ainus viis, kuidas juhtunut käsitleda.

    Kui heita üheksakümnendatele see progressiivsem ja võib-olla ka utoopilisem pilk, ei tähista 11. septembri sündmused mitte niivõrd ärkamist liberaaldemokraatlikust unenäost, vaid maailma taaspolariseerumist – otsekui oleks see multipluraalsuse ajajärk tekitanud  niisugust ärevust, et need, kes hirmust ja paranoiast kasu lõikavad, polariseerisid esimesel võimalusel maailma uuesti ja sulgesid ukse üheksakümnendatel nähtaval olnud võimaluste ees. Teiste vastmainitud tendentside üle – Interneti avatuse ja hiphop-kultuuri jõulise esilekerkimise üle – saavutati samuti kontroll: need kommertsialiseeriti, muudeti kasumimootoriteks ning imeti utoopilisest potentsiaalist tühjaks. Kõik paljukultuurilisuse  erinevad vormid paistavad selle uue paranoilise režiimi all olevat langusteel. Mõelda paljukultuurilisusest tundub praegusel ajal olevat märksa riskantsem kui enne 11. septembrit. Niisugune on võimalik kõrvalpilk üheksakümnendatel juhtunule, ning minu meelest selgitab see asja paremini ja rahuldavamalt.

    Kas praegusel ajal on võimalik rääkida postmodernismi klassikast või kõrgpostmodernismist? Olete ise sageli analüüsinud  teoseid (näiteks Thomas Pynchoni „Gravity’s Rainbow”), mis paistavad olevat „kanoniseeritumad” kui teised. Kas võib olla juhtunud, et mõned teosed on tõusnud kõrgemale omaenese eeldatavast staatusest järjekordse ühikuna tarbimisele orienteeritud sotsiaalkultuurilises ringluses ning kivistunud postmodernseks kõrgkunstiks? Teisisõnu, kas võiks öelda, et postmodernism koos oma tuntud apokalüptiliste  pretensioonidega ajaloolisuse lahtumisele on ise
    lihtsalt üks järjekordne ajalooline kirjanduslik praktika?

    Kindlasti võime rääkida postmodernismi klassikast. Kanoniseerimine jätkub ning Pynchoni „Gravity’s Rainbow” on kindlasti üks kanoonilisi postmodernistlikke tekste. Ka paljude teiste autorite loomingu kohta võib öelda, et see on üsna turvaliselt kanoniseeritud, näiteks Italo Calvino ja võib-olla Angela  Carteri ning Salman Rushdie teosed. Ma olen kindel, et enamik sel alal töötavaid õpetlasi võiksid kiiresti koostada kanooniliste autorite nimekirja, ning kui me oma nimekirju võrdleksime, leiaksime sealt nii mõnegi ühise nime. Mis puutub väitesse, et kanoniseerimise jätkumine osutab postmodernismile kui lihtsalt ühele järjekordsele ajaloolisele ajastule või kirjanduslikule praktikale, siis mulle ei tee see mingilgi moel muret – ma pean seda enesestmõistetavaks. Oleks väga ebatõenäoline, kui postmodernism jääks kirjandusajaloolistest protsessidest puutumatuks, ning ma ei usu, et see on juhtunud. Nii et olenemata sellest, mida postmodernistid ise on mõnikord oma erilaadse staatuse kohta väitnud, kehtib kõik, mida me võime kirjandusajalooliselt protsessilt ja kirjanduslikult institutsionaliseerimiselt oodata, ka postmodernismi kohta.

    Sellegipoolest leidub postmodernistlikus  kirjanduses üks arendus, millel võivad olla pikaajalisemad tagajärjed sellele, kuidas kirjandusajalugu toimib ja kuidas me kirjandusajaloost mõtleme, ning selleks on kirjanduse idee ja kategooria enese hajumine või kulumine. Siin võib jällegi kergesti liiale minna. Ikka ja jälle on olnud kuulda, et romaan on surnud, kuid iga kord pärast niisugust väidet on ta tagasi tulnud. Seepärast ei taha ma väita, et postmodernismi tulemuseks on kirjanduse idee lõplik  kadumine. Kuid on kindel, et digitaalmeedia on kirjanduslikku välja vähemalt servadest kulutanud, ning et konkureerivad meediumid on kirjandusele kõvasti survet avaldanud. Võib ette kujutada pikaajalist protsessi, mille käigus kirjandus lahustub järg-järgult üldisesse meediasfääri, ning seda võidakse hakata käsitlema kui postmodernse ajajärgu lõplikku tagajärge. Kuid seda pole veel juhtunud ning isegi, kui nii läheb, võtab see aega ja me ei saa selles olla  kindlad, enne kui see on juba aset leidnud. Nii et praegu asetub postmodernism kirjandusajaloos omale kohale koos kõigega, mis see endaga kaasa toob, kaasa arvatud postmodernismi klassika kanoniseerimine.

    Ühes oma essees annab Fredric Jameson mõista, et praeguses hiliskapitalistlikus kultuuris on kõrgtehnoloogilised arendused lõimitud sedavõrd sujuvalt ja põhjalikult igapäevaellu, et nende peaaegu  intiimne lähedus ja otsekui ebaloomulik arengukiirus pole enam ammu mainimisväärsed kui midagi uudset. Sellel tõdemusel põhineb tema argument realismi ja teadusliku fantastika piiri hägustumisest – osutus võimalusele, et teaduslik fantastika on ohtlikult lähedal muutumisele „praeguse aja realismiks”, ning seeläbi, tänu nendele teaduslikele ja sotsiaalkultuurilistele arendustele võib jõuda kultuurilisele  äratundmisele, et need kaks žanri, olenemata oma näilistest erinevustest, on alati juba kasutanud sama poeetilist arsenali. Kas nõustute selle arutluskäiguga? Kas muutused sotsiaal-kultuurilises tegelikkuses mõjutavad meie arusaamu kanoniseeritud kirjanduslikest vormidest? Kuidas kirjeldate nende muutuste taustal näiteks vana hea mimeetilise realismi praegust olukorda? 

    See on väga atraktiivne analüüs, mille toetuseks on piisavalt tõendusmaterjali. Iseäranis rabab mind asjaolu, et Jameson toob oma väite juures üheks näiteks kaheksakümnendate küberpunkkirjanikud, eelkõige William Gibsoni. Sellest ajast saadik, kui Jameson teadusliku fantastika kohta need väited esitas, on Gibson hakanud kirjutama läbinisti nüüdisaegseid romaane, mille tegevus toimub olevikus ning mis ei kätke endas mingeid tulevikulisi alternatiive.  Sellegipoolest mõjuvad need romaanid täiesti teaduslik-fantastilistena, eelkõige „Pattern Recognition” (2003), tema romaan 11. septembri järgsest maailmast, ning selle järg, „Spook Country” (2007). Selles võib näha kinnitust, et Jamesonil oli õigus, ning et Gibson on jõudnud järeldusele, et ainus viis praegusel ajal teaduslikku fantastikat kirjutada on kirjutada olevikulisi romaane. Kui teaduslik fantastika tõepoolest realismi välja tõrjub, nagu  küsimus paistab vihjavat, siis seda halvem realismile ning seda parem teaduslikule fantastikale. Teaduslik fantastika on end õigustanud, sest annab meile vahendid nüüdisaegse kogemuse peale mõtlemiseks – samamoodi, nagu kunagi tegi seda realism, kuid enam mitte. Vana hea mimeetiline realism on praeguse aja maailma suhtes tegelikult tagurlikuks saanud. Realism pole piisavalt hästi varustatud, et nii kiirete muutustega toime tulla, ning jääb  tegelikkusest paratamatult maha; ei pöörata tähelepanu õigetele asjadele või ei otsita õigetest kohtadest.

    Kuid ka teadusliku fantastika jaoks peitub praeguse aja realismiks saamises üks oht: see võib kaotada suure osa oma utopistlikust potentsiaalist, mida paljud meist, Jameson kaasa arvatud, peavad teadusliku fantastika juures iseäranis väärtuslikuks. Teaduslik fantastika on alati olnud moodus, kuidas mõelda tegelikkuse  alternatiividele, projitseerida neid tulevikku  või mõnesse kaugesse või paralleelsesse ruumi. Kui teaduslikust fantastikast saabki lõpuks üksnes realism, hakkavad need utoopilised võimalused kahanema. Sellegipoolest mängib teaduslik fantastika määravat rolli maailmast võõritamisel; see seab meid meie olukorraga silmitsi võõritusefekti ja võõrapärasuse käänulisel rajal. Isegi need William Gibsoni romaanid,  millest ma varem rääkisin, täidavad seda teadusliku fantastika rolli: need näitavad meile seda, mida me tegelikult juba teame, kuid toovad selle meie jaoks uuesti nähtavale. Teaduslik fantastika on jätkuvalt kognitiivse võõrituse kirjandus, isegi kui see pole enam tulevikukirjandus.

    Teie viimane raamat „Kohustus raskepärase terviku ees” analüüsib üheksat pikka postmodernistlikku poeemi. Mida kujutab  endast see kohustus? Ja mis on see raskepärane tervik?

    Ma olen selle pealkirja üle väga uhke, ausalt öeldes varastasin selle arhitektilt ja arhitektuuriteoreetikult Robert Venturilt. See on loosung tema raamatust „Komplekssus ja vastuolu arhitektuuris” (1966), kus võib tagasivaates näha esimest seisukohavõttu kõnelustes postmodernistliku arhitektuuri üle, enne kui postmodernismi mõiste ise saadaval oli.  Haarasin sellest kinni osalt seepärast, et rõhutada Venturi raamatu murrangulisust. Sellegipoolest on see pikkade postmodernistlike poeemide kohta kirjutatud raamatule problemaatiline pealkiri, sest selle võtmesõnadel on modernistlik kõla. „Kohustusel” on modernistliku esteetika üllameelne alatoon, „raskepärasusel” on kindlasti modernistlik väärtus ning „tervik” osutab organitsistlikele oletustele vormi kohta, mis on kindlasti rohkem modernistlikud  kui postmodernistlikud. Usun sellegipoolest, et on võimalik need terminid ümber pöörata ning suunata postmodernismi poole, eelkõige postmodernistliku luule poole, mis on selle raamatu teemaks. Nagu varem ütlesin, osutus luule puhul võimatuks rakendada modernistliku ja postmodernistliku proosa epistemoloogilise ja ontoloogilise dominandi eristust. Modernistliku ja postmodernistliku luule eristamiseks pidin koostama segasema  ja keerulisema kriteeriumide hulga ning joonistama välja mitmed erisusmõõtmed – otsekui masina puhul, millel on rohkem liikuvaid osi.

    Mulle tundub, et raskepärasuse ja terviklikkuse või raskepärase terviklikkuse ideed olid nendes postmodernistlikes poeemides samavõrra asjakohased kui neile eelnenud modernistlikes poeemides. Nii et väljendit „kohustus raskepärase terviku ees” võib mõista kui märki,  et teadvustan teoreetilisi raskusi, mis ilmnevad postmodernse luule käsitlemisel, aga ka kui osutust nende poeemide loomusele: ühest küljest püüdlevad need teatava üh
    tsuse poole, kuid teisest küljest paistavad sellele vastu panevat. Mulle tundub, et kohustus puudutab vähemalt Venturi meelest arhitekti – raskepäraste tervikute valmistajat. Tema arvates ei tohiks arhitekt taandada ja lihtsustada ega toota modernistlikult puhast vormi,  vaid peaks teadvustama oma projektide ja tegevuskavade segasust ning potentsiaalset rahuldust, mille võib pakkuda pigem raskepärane kui lihtne ja kergesti hoomatav tervik. Ma kandsin selle kohustuse loojalt üle kirjeldajale, kriitikule ja teoreetikule, kes jagab vastutust mitte lihtsustada ja taandada, vaid teadvustab nende objektide raskepärasust ja allumatust, millega ta silmitsi seisab.

    Olete osa oma elust olnud Tel Avivis, õpetanud Tel Avivi ülikoolis poeetikat. Mida see periood teile tähendab? Kas tõepoolest eksisteerib Tel Avivi poeetika ja semiootika koolkond või oli see katusmääratlus mõnede teadlaste töödele?

    Selline koolkond tõepoolest eksisteerib ning esimene põlvkond teadlasi, kes sellega seondusid, jagasid tõepoolest üht suunitlust ja üht keelt, mis tuleneb peamiselt vene formalismist ja (eriti poola filosoofi Roman  Ingardeni töödel põhinevast) kirjandusfenomenoloogiast. Nende kahe suuna sünteesi tulemusena sai Tel Avivi lähenemisest iselaadne neoformalism koos oma lugejapoolse komponendiga, mis algses formalistlikus mudelis polnud nii nähtaval kohal. Selle sünteesi algupära ulatub Benjamin Harshavini, kes oli selle grupi asutaja ning kelle ümber teised koondusid. Kõik teiseid Tel Avivi rühma liikmed, sealhulgas Itamar Even-Zohar, Menachem Perry,  Meir Sternberg, Gideon Toury, Ziva Ben-Porat, kasutasid mitmesugusel moel kombineerides ja ka muid intellektuaalseid allikaid kaasates Harshavi sünteesi erinevaid osi ning arendasid neid edasi. Tel Avivi koolkond oli paari aastakümne vältel väga produktiivne ning see on intellektuaalse koolkonna kohta pikk aeg. Lõpuks viisid erimeelsused liikmete vahel – nii isiklikud ebakõlad kui ka intellektuaalsed erimeelsused – selleni, et koolkond toimis üha  vähem koolkonnana. Mina sattusin sinna lõpupoole, nii et lõikasin kasu sellest, et ühinesin vestlustega in medias res.

    Võib-olla lausuksite paar sõna Rhodese stipendiumi kohta, mis teid Oxfordi tõi? See on mainekas stipendium: Bill Clinton oli samuti Rhodese stipendiaat…

    Oxford polnud mu otsene eesmärk ning ma kahtlen, kas ma oleksin sinna jõudnud, kui mulle poleks soovitatud Rhodese stipendiumile  kandideerida. Rhodese stipendium on mingis mõttes imperiaalse ajastu jäänuk. Cecil Rhodes oli üks suuri Aafrika ekspluateerijaid, Rodeesia on tema järgi oma nime saanud. Ta oli üks Briti Impeeriumi ülesehitajaid Aafrikas, vedas Lõuna-Aafrikast välja suure hulga teemante ja kulda ning suunas osa sellest inetult hangitud rahast stipendiumisse. Tema nägemuse kohaselt pidi stipendium koondama noori mehi (just üksnes ja ainult mehi) üle kogu „anglosaksi” ja „Teutooni” maailma ning tooma nad Oxfordi, et õpetada neid impeeriumi tulevasteks valitsejateks ning saata nad New South Walesi või kuhu iganes mujale kubernerideks – „maailma asju ajama”, nagu Rhodes ise ütles. Ajapikku hakati seda võimatult anakronistlikku imperiaalset projekti järk-järgult muutma ja uutma, naised võivad stipendiumile juba mitu aastakümmet kandideerida ning, kui vaadata Ühendriikidest valitud  Rhodese stipendiaate, siis peegeldavad nad laialdaselt kogu Ameerika immigrantide kogukonda, nii et Cecil Rhodes pöörab kahtlemata hauas ringi. Niisiis otsustasin ka ma stipendiumile kandideerida.

    Rhodese stipendium oli suur privileeg: see viis mu esmakordselt välismaale, teistsugusesse süsteemi, tagas mulle kolmeks aastaks elatise ning võimaldas mul puhkuse ajal reisida. See kogemus muutis mu elu kõige rohkem,  sest viis mu Oxfordi, kus kohtusin Benjamin Harshaviga, kes palkas mu assistendiks Tel Avivi, kui mul muud tööd polnud. Õppisin seal Stephen Ullmanni juures, kes oli üks suurtest vana kooli stilistikutest, kuid see oli tema elu lõpus ja kui ta südamehaigusse suri, anti minu juhendamine üle ühele tema endisele õpilasele Jonathan Cullerile (ta oli minust mõni aasta vanem Rhodese stipendiaat). Ta võttis minu saatuse hoolde jäänud väitekirja projekti ning  juhendas mind kuni lõpuni. See kogemus kujundas mind väga suurel määral. Ma pean ennast samavõrra nii Jonathan Culleri kui ka Tel Avivi koolkonna ustavaks jüngriks.

    Olete koos Jim Phelani, David Hermani ja Frederick Aldamaga Ohio ülikoolis „Narratiivi”nimelise projekti kaasasutaja. Mis on selle projekti eesmärk ning kuidas see toimib?

    Selle eesmärk on institutsionaliseerida  narratiiviõpet Ohio osariigi ülikoolis ning luua loodetavasti ka mudel samalaadseks institutsionaliseerimiseks mujal. Algtõuge tuli eelkõige Jim Phelanilt, kes on mitu aastat tööd teinud, et narratiivi uuringutele distsiplinaarset kodu luua. Just tema tõttu oleme me kõik Ohio ülikooli koondunud. Kui avanes võimalus projektile toetust taotleda, konkureerisime ja võitsime. Meil on mõju kogu ülikoolis, ning me tagame ülikoolile tähelepanu üle kogu riigi ja võib-olla kogu maailmas. Loodame, et edaspidi projekt kujuneb rahvusvahelisemaks, et loome silla teiste instituutide ja algatustega, näiteks Rahvusvahelise Narratiivi Uuringute Seltsiga ja rahvusvaheliste teadusrühmadega, näiteks Põhjamaade narratiivivõrgustiku, Hamburgi rühmaga jne. Selle projekti eesmärgiks on anda Ohio ülikoolis ja Ühendriikides narratiiviuuringutele institutsionaalne põhi.

  • Lõunanaabrite külakunst

    Kui tavaliselt leiab naivistidest kodukaunistajate tegevuse juures rohkelt rahvapäraseid motiive, midagi kohaspetsiifilist, siis Kārlis Lūsis on pigem modernist – triibu-, diagonaali- ja täpiinimene. Arhitektuurselt modernistlik on ka kaldkatusega aiamajake, mille ta ehitas oma väärtust mõistes arvukatele skulptuuridele eksponeerimiskohaks; muide, kuulsuse kasvades vahetas ta viltpliiatsid paremate värvide vastu, hakkas esimesi kujusid hoogsalt üle parandama. Triibulise maja ees on  märkimisväärne leiutis –, laud-karussell, mille taha kogunevad külasse alles jäänud mehed maailma parandama ja viina võtma. Külanali seisneb selles, et olengu käigus lükkab Kārlis  hobuseraudadega kaetud laua keerlema ja purju jäänud kaaslased ei suuda enam oma pitsi asukohta määrata. Vaatamisväärsus on veel kollane, roheline, punaste triipudega traktor, multifunktsionaalne rohelise õlivärviga siit-sealt parandatud Moskvitš, kus Kārlis käib muusikat kuulamas, ühtlasi on see puupakkudele tõstetud auto koerale eluasemeks.

    Kui endise traktoristi loodud kujudest olid ümberkaudsed aastaid teadlikud, siis naise illustratsioonid rändasid vaikselt sahtlisse ja oleksid nagu paljude autodidaktide katsetused sinna jäänudki, kui poleks mõnd suurest kunstimaailmast tüdinenud professionaalset kullaotsijat, kelle sellise kunstiga tegelemine õnnelikuks teeb ja kellele see eneseteostust võimaldab. Vastupidiselt professionaali intentsioonile on Lūsiste looming sündinud ausalt, spontaanse eneseväljendusena.

    Väljastpoolt vaadatuna eksponeerib see eksponeerimiskavatsuseta loodu end vaimustavalt, eristub silmanähtavalt külamiljööst, kuid on tegelikkuses elamisviis, mis omane vaid väga üksikutele.  Isetekkelise nähtuse kirjeldamisel (ka Vilzeni külakunsti puhul) takerdutakse jätkuvalt nimetamise sasipuntrasse: külahullude kunst (arvatavasti ei peeta Kārlis Lūsist ümbruses normaalseks kodanikuks) sisaldab negatiivset hinnangut, eestikeelne sõnaühend “ise-loodud-maailma-kunst” (ILM-kunst?) näikse sobilik, kuid plagieeriks soomlaste loodud ITE-kunsti (itse tehty elämä), “naivism” on rahvusvaheliselt kõige arusaadavam, kuid võimaldab tegijaid naiivseteks pidada, “kaasaegse rahvakunsti” nimetus vajab pikemat seletust muutunud rahvakultuuri mõiste ja sisu teemal. Sama keeruline on öelda, kas tegijad esindavad rahva tegelikku kultuuri või hoopis antikultuuri (nt nõukogude aja kontekstis) või mõlemat korraga või on mingi pärimuse kandjad ning mil määral saab nähtust pidada ülemineku- ja jätkukultuuriks. Asjaolu, et sageli hävib looja kadumise või väsimisega kogu kunst, lubab nähtust vaadelda ka katkeva kultuuriilminguna.

    Ükskõik kuidas me nähtust ka nimetame – külahullude kunstiks, harrastuskunstiks, autsaiderluseks, naivismiks –, puudub konsensus, mis nähtus see tegelikult on, mis väärtusi endas kannab, kus jooksevad nähtuse vormilised ja sisulised piirid. Üldise levinuma tõlgenduse järgi on tegemist „kolmanda kunstiga”, mis paikneb kusagil professionaalse ja rahvakultuuri laial ristteel, olles igal erijuhul ühest või teisest enam mõjutatud. Kārlis Lūsis väidab, et tal pole eeskujusid (tegelikult ei tea ta suurest kunstist midagi), skulptuuridest on ta näinud vaid ühe teise iseõppinud Läti meistri Miķelis Pankoksi töid, abstraktsionistliku kunstivoolu olemasolust pole tal vähimatki aimu, kuid ometi sarnanevad tema skulptuurid traditsiooniliste leedu ja poola pühakukujudega (kuigi nad seda pole) ning kodukujunduses ilmneb kõrgkultuuri. Läti “kolmanda kunsti” uurija Aivars Leitise sõnul on neil umbes paarkümmend oma elukeskkonna ümber kujundanud loojat. Žanis Bulavs on koduseintele maalinud suuri art déco’likke klassikalisi naisekujusid, teistel maalidel  motiive läti folkloorist. Eduards Dambergs on ehitanud ilma naelteta arhitektuuriobjekte ning betoonist suuri skulptuure muinasjuttude ja legendide ainetel. Staņislavs Kozlovskis on lõiganud prussidest umbes 200kiloseid puuskulptuure ning, vaatamata sellele, et need on tehtud tuntud eeskujude järgi, pole neist ühegi allikat võimalik ära tunda. Tõlgenduse järgi flirdivad tegijad nii elitaarse kui rahvakunstiga.

    Eelkõige peaks kirjeldatud nähtuste puhul huvitama see, kuidas tegijad end ise määratlevad, kuidas tehtut tõlgendavad ja hindavad, kuid sama oluline on jälgida vaatajate suhtumist. Olen üllatusega kogenud, et just professionaalide (kunstnikud, kunstiajaloolased) hulgas eksisteerib vastandlikku suhtumist: ühelt poolt siirast äratundmist, et tegemist on tõelise kunstiga, ja teiselt poolt, et seesugune kunst on midagi alaväärset ning selle eksponeerimine ilmselge diletantismi õhutamine. Küll teisest valdkonnast, väidab maailma juhtivaid rahvaluuleteadlasi Alan Dundes analoogset: “Rahvameditsiini vastandatakse jätkuvalt teaduslikule meditsiinile ilmse eeldusega, et ideaalses maailmas peaks esimene täielikult asenduma viimasega.” Mõttemalle on keeruline kõigutada, eriti kui tegemist on diskursiivselt määratletud fenomeniga, mingi segase vahealaga.

     

  • Meistriklass kontserdikuulajaile

    Muusikafestival ?Tubin ja tema aeg? oli Rahvusvahelise Eduard Tubina Ühingu, Eesti Kontserdi ja Eesti kultuuriministeeriumi suur ühistöö, mille käigus kõrgusid muude Tubina 100. sünniaastapäeva tähistavate ettevõtmiste üle 10 sümfooniakontserti 8 orkestriga 10 dirigendi juhatusel.

    Tubina festivali nimetati kõikides meediakanalites sümfooniliseks paraadiks ja seda see oligi, kuid lisaks kõigele, mis hetkel nii tähtis ja uhke, mida saab suure joonega reklaamida ja meenutada, oli siin palju püsiväärtuslikku, mille mõju ulatub üle riikide ja aegade.

    Intervjuud andes naeris Neeme Järvi oma kõige nakatavamat naeru: ?Aga kui Tubinal oleks olnud 20 sümfooniat, mis te siis oleksite teinud, ah?!?

    See oli kompliment ja viide erakordsusele, et üks väike riik nii luksusliku festivali on korraldanud ja et see läks nii suurte muusikaliste kordaminekute tähe all ning et need paljud külalisorkestrid viivad nüüd omakorda Tubina muusika kaasa laia maailma.

     

    Kõrghetki meenutades

     

    Esmalt kontsertide rida: ERSO, dirigent Paavo Järvi, kavas Tubina ja Sibeliuse Viies sümfoonia, lisaks Sumera ja Tüüri orkestripalad; Peterburi Maria teatri orkester, Valeri Gergiev, Tubina ja ?ostakovit?i Kaheksas sümfoonia; Vanemuise teatri orkester, Lauri Sirp, Tubina Esimene, Debussy kantaat ?Väljavalitu?; ERSO, Neeme Järvi, Tubina Kuues, Eugen Kapi ?Kalevipoja? süit, Stenhammari 1. klaverikontsert (solist Per Tengstrand); Tampere Filharmoonia Orkester, Eri Klas, Tubina Üheksas; Pärdi kaks orkestripala, Sibeliuse ?Metshaldjas? (deklamatsioon Lasse Pöystilt); Helsingi Filharmoonia Orkester, Leif Segerstam, Tubina Teine ja Sibeliuse Seitsmes; Stockholmi Kuningliku Filharmoonia Orkester, Jukka-Pekka Saraste, Tubina Kümnes ja Sibeliuse Teine; Viini Tonkünstler Sümfooniaorkester, Kristjan Järvi, Tubina Neljas, Richard Straussi ?Interluudiumid? ja Mahleri ?Rückerti laulud? (Annely Peebo); Läti Rahvuslik Sümfooniaorkester, Olari Elts, Tubina Seitsmes, Sibeliuse ?Toonela luik?, Richard Straussi ?Neli viimast laulu? (Sonora Vaice); ERSO, Nikolai Aleksejev, Tubina Kolmas sümfoonia, Viiulikontsert nr 1 (Xiang Gao) ja Toccata.

    Ajal, mil iseendasse vaatamine tundub vähestele jõukohase julgustükina, ajastul, mil kõikjal arvestatakse vaid, ?müüb? ja mis ?läheb peale?, oli irriteeriv ja suurepärane mängida ühe kuu jooksul (18. mai ? 17. juuni) maha eespool loetletud tõsine muusikaprogramm. Ilma mööndusteta, ilma otsitud pilkupüüdvate temaatiliste pealkirjadeta, see-eest suure lugupidamisega meie muusikapubliku vastu.

     

    Dirigentide rida

     

    Dirigentide rida vaadeldes tuli meelde meistrikursuste traditsioon: niivõrd erinevad suurmeistrid lasid siin nautida oma (käte)tööd, suhtlemist orkestri ja publikuga ning suhtumist teostesse. Tahaksin võrrelda võrreldamatut, et lihtsalt mõningaid nauditavaid erisusi esile tõsta.

    Suurepärase, sugereeriva artistlikkusega tõusevad esile Eri Klas ja Kristjan Järvi, sama iseloomujoont, seda võluvat kunstnikusarmi, vürtsitatuna pisukese edevusekraadiga oleme ka Olari Eltsi natuuris täheldanud, kuid seekordne raske kava näitas selgemini tema teist poolust.

    Sügavaimas tõsidusetransis oli ?ostakovit?i ja Tubina Kaheksanda sümfoonia, psühholoogiliselt festivali raskeimate teoste esitajana Valeri Gergiev. Sellisena tohutult veenev. Kui rääkida õnnetundest läbi valu, siis just selle tasandi saavutas oma kontserdiga Gergiev.

    Akadeemilise kõrgklassi meistritena näitasid sellel festivalil end Neeme Järvi, Leif Segerstam, Nikolai Aleksejev ja Paavo Järvi. Paavo sammub kindlalt täiuse teel, mille on saavutanud isa Neeme, valitsedes oma dirigeerimisstiili suhestatuna konkreetse situatsiooniga: proovi või kontserdi (pro: orkestri!) meeleolu, teose võimaluste, publiku ootustega. Igast etteastest saab ettearvamatu looming, mis tekib nüüd ja praegu!

    Kui Paavo ja Neeme Järvi ning Aleksejev on meile kui kuulajaile ?koolisõit?, millelt oleme saanud oma harituse, siis maestro Leif Segestam pakkus nauditavat avastamisrõõmu. Noored võiksid palju tarkust ammutada nii tema manuaaltehnikast, aga iseäranis (ka publiku poolt vaadatuna!) sellest partituuri kui ?paljude muutujatega võrrandi? ilmekalt imelihtsaks juhatamise kunstist. Dirigent on nagu teejuht muusika juurde ? tema ?est hoiab kuulaja tähelepanu eksimatult pidevas liikumises, ?joonistades? teose üldstruktuuri ja juhtides selle taustal suure enesestmõistetavusega tähelepanu kõigele olulisele, mis väärib selles helikangas tähelepanu. Ta pole mitte ainult orkestri dirigent, vaid dirigeerib ka kuulamist. Seda võimet on ka suurtest meistritest väga vähestel.

    Raskeima ülesande sai meie noor dirigent Lauri Sirp, kelle ?instrument? ehk Vanemuise teatri orkester ei ole päriselt konkurentsivõimeline ?kuninglike? ja ?filharmoonilistega?. Küll aga oli pakutav kava pilkupüüdev ja esitajate vokaalne pool (tütarlastekoor Ellerhein) nauditav.

    Absoluutse täiuse saavutas Jukka-Pekka Saraste oma Stockholmi Kuningliku Filharmoonia Orkestriga. (Mulle meeldis ka see, et nii orkestrandid kui dirigent olid frakis, mida mitte igal kontserdil ei täheldanud!) Sõnad jäävad mannetuks kirjeldamaks, kui sügav ja emotsionaalne oli (nn tuimade-külmade) põhjamaalaste muusika (Lidholm-Tubin-Sibelius) (külmade) rootsi muusikute ja soomlasest dirigendi esituses! See oli festivali emotsionaalseim ja innukaim orkester! Aga Saraste juhatusel see ei saakski teisiti olla. Ta on üks sajandi dirigente.

    Paljumängitud Sibeliuse Teine sümfoonia kõlas avastuslikult lihtsa, mõistetava, kauni, tundelise ja suurejoonelisena. Terviklikuna, nagu vaid harva suudetakse Sibeliuse sümfooniaid ?koos hoida? (Saraste juhatas seda peast). Tubina Kümnes sümfoonia rullus tema käes lahti nii kaunina, igavikuliselt valulisena, et kogu Tubina aktsioon sai korraga mõistetavaks ja tema tulihingeliste austajate kirg arusaadavaks. Sellel hetkel oli festival võitnud. Tubin oli jõudnud koju, kuulaja hinge.

    Ühtekuuluvustunne, mis (tõenäoliselt) teose esitajaid alati mängu hetkel seob, laienes saali. Selle kontserdini jõudnud pidev festivali külastaja (saripiletitega kõrvuti istujatest olid saanud sinasõbrad) oli juba n-ö esmase ?Tubina koolituse? läbinud. Festivali üha tõusujoones kulgevad ja igal korral erinevaid elamusi pakkuvad kontserdid olid loonud parajalt eksalteeritud ja piduliku õhkkonna, kuigi teritanud ka kriitikameelt. Ootused pidid igal korral millegagi tasutud saama ? ja õnneks nii ka sündis. Omaette peatükki vajaksid kõrget klassi külalisorkestrid, keda selle festivalikuu jooksul oli võimalik kuulata.

    On muidugi teadmata, millised järeldused sünnivad Eesti Kontserdi ja kultuuriministeeriumi kokkuvõtetest, aga kuulaja hinnang festivalikontsertide kogu reale on ülimalt rahulolev ja kiitev.

    Oh ? et see erakordsus ei tähendaks ainukordsust!

     

     

Sirp