Nobel

  • Maailm nagu vaalaluust ihutud korsett

    Triin Paja loominguga tutvusin 2018. aastal, kui juhtusin lugema Värskest Rõhust (nr 53) tema luuletusi. Olin lummatud. Nii voolav luulekeel, huvitav sõnakasutus ja lummavad kujundid! Ka Paja uus luulekogu „Ürglind“ ei valmistanud pettumust.

    Juba pealkirja peale on kihk haarata raamatu järele, et süüvida sesse kujundirohkesse (luule)maailma. Kaane­kujundus pole minu maitsele piisavalt ürgne, kuid pruuni ja kuldse kooslus mõjub koduselt: näib, et kuldne ürglind on tõusnud lendu mullast ega jää seetõttu kaugeks ja pelgalt müütiliseks. Ta on kodusem kui müüt. Tundubki, et luulekogus on püütud kauged teemad lähedale tuua – kaugus võib peituda ka teemade delikaatses valus.

    Luulekogu jaguneb kaheks osaks: „Üsk“ ja „Kaitse“. Kui esimeses osas keskendub autor loomisele, eluandmisele, siis teises osas kerkib tugevamalt esile hävingu või kaotusega leppimine. Seega on pealkirja ja luuletuste vahel intrigeeriv vastuolu: kus on kaitsja ja miks ei tegele ta oma ülesandega? Või kes peaks üldse kaitset pakkuma ja kellele? Ega loominegi edene valutult, selleski on tuska, kaotust, painet. Tunnete virvarr on siin kaldu rängemate tunnete poole.

    Paja on kirjutanud ürgse loomisjõuga, sidudes naiselikkuse sõnadesse. Naiselikkus ei tähenda siiski pelgalt valgusrikkust ja roosamannat, vaid kätkeb endas ka süngust: valu ja muret tulevaste põlvede pärast, sündinud ja sündimata laste pärast, maailma pärast. Karm teema on esitatud naise kogemusprisma kaudu, näiteks luuletuses „Rännud“: „kuid maailm surub me vastu / nagu vaalaluust ihutud korsett“ (lk 32). Üsk ei tähenda Paja luules pelgalt emaihu, kus kasvab laps, vaid on üldse millegi kasvupaik – selleks võib olla idee või tunne või lausa mure. Näiteks on ridades „olen hunt või tüdruk / või on tüdruk alati hunt / olles teadlik enda ilust?“ (lk 33) väljendatud kahtlused kuulumise kohta, või ka „kõneled: see ei ole mina vaid mu üsk mis põleb / miks ma ei peaks jooksma jooksma end hundiks jooksma?“ (lk 40). Ängi looduse käekäigu pärast väljendab muu hulgas metafoor „kuula kui tasa hõrenevad metsa luud / kuni mets kukub kokku / kopsuhaige neiuna“ (lk 62).

    „Ürglind“ on nukrameelne raamat emadest ja järeltulijatest, loomisest ja hävingust, aga ka sellega leppimisest. Emadus ei piirdu vaid inimkogemusega: „maa joob pilvede rinnapiima / vasikas mitte / seetõttu ta väheneb“ (lk 49), „soovin uskuda et armastan seda maad / kuigi ta ihust õitsenud mõõkvaal / vedas surnud poega nädalaid kaasas“ (lk 50) või „väidame et kogu kurbus kuulub meile / aga luik sureb / kaotades leinas lennates söögiisu“ (lk 55). Siin luulekogus on kogejaks kõik, kogu maailm, kogu emake Maa. Argiste tähelepanekute ja mälestuste kõrval luulemina elust on alati õhus küsimus, mis saab emast (mõtlen siinkohal ema kõige laiemas mõttes), mis saab ema teistest lastest, mis saab minategelasest. Mis saab minast?

    Selle kõige kõrval jäävad kõlama kujundid ja rohke sõnavara, oskus paigutada kokku sõnad uuel huvitaval moel. Nii mõnigi luuletus matab hinge, kuid eriti eredalt jäi kõlama luuletus „Mai“, mis esindab minu silmis hästi tervet luulekogu: „vanavanaema leinas / musta lehma Maid // [—] pimedus hõõrub mu vastu / on see Mai // kuula mind Mai / egiptlased uskusid / et taevas on üüratu lehm / kes poegib päikese nagu vasika // kuula mind luule on palvela / ja lapsepõlv mille vees / punguvad hundinuiad edasi // seal kahlad sinagi“ (lk 59).

    Esile kerkivad ka mõned märksõnad või motiivid, mida võib kohata teistest enam, näiteks on palju mainitud kitsi, hunte, kurgi, koljusid. Kits ja hunt on vastandid, saakloom ja kiskja. Nende kaudu avaldub ka eneseotsing, kumb olla, kas kits või hunt. Ja kas saabki korraga olla vaid üks? Ja kas saab üks ilma teiseta? Luuletuses „Blandina“ on hoopis kits see, kes haugub: „kuid ma ei värise vaid huilgan / hämaral põllul / kus vaid metskits haugub vastuseks“ (lk 12). Ja ka hunt pole alati hunt, temas on inimlikkust, ta on libahunt: „libahundid olid emad ja pruudid / minu piim kuulub nende poegadele / minu veri nende tütardele“ (lk 39). Loomadest vastandite kõrval leidub pooluspaare veelgi, näiteks luuletuse „Ulg“ teise osa lõpus: „lahku tasa enne kui kodulävel küsitakse / oled sa jumalanna või nõid või loom“ (lk 37).

    Luuletuse „Ulg“ teine osa on oluline ka seetõttu, et seal on loomine ja hävitamine põimunud: „täiskuu hoiatab kõrkjate vahelt / sünnita enda lapsed tasa / mata nad kängunud männi alla / mata nad pudeliga täis / sinu enda verd siis lahku“ (lk 37). Selleks et päästa ennast, peab hävitama selle, mis ohustab minapilti, ja see nõuab ohverdust: kas jätta endast midagi maha või võtta midagi omaks. Need, mis tuleb jätta, võivadki olla n-ö lapsed (näiteks unistused, ideed). See, mille omaks võtad, on kellegi teise nägemus minast, näiteks luuletuses „Nõgesepõld“: „kord seoti Hiinas tüdrukute jalad / tugevalt siidpaeltega / et saada ihaldatud sandistatud / lootosõiteks moonutatud köntjalad“ (lk 41). Miks niisugune traditsioon üldse oli? Sest nii tundus kellelegi õige. See oli kellegi arusaam, mis sai üldkehtivaks. Kui vaba on indiviid otsustamaks käituda teisiti?

    Nagu öeldud, langeb rõhk just naiskogemusele. Naine pole sama vaba nagu lind. Ta ehk oli kunagi lind: „kui naine oli veel lind laulis ta: / taas pannakse tiivulise kaela nöörid“ (lk 29), aga ka siis polnud ta vaba. Vabaduse maitsmiseks katsetab luuletuste minategelane erinevaid vorme, tema olemus avaldub variantidena. Kord on ta rohkem inimene, kord rohkem mõni loom või lind: „sookuresuline taevas ei huilga / see olen mina kes peab huilgama / maailm tahab ohverdust“ (lk 11) või eksleb hoopis kitsena (vt lk 13). Neis mitmetes nägudes kajastub ka läbipõimitus. Kõik on omavahel seotud: „linnas põlesid kõik ühes üsas“ (lk 20) ja see seotus tähendab, et ka pealtnäha vastandlikud poolused on siiski üks tervik: „mis tähendas et üsk oli samuti haud“ (lk 19).

    Erinevate pooluste põimitus väljendub ka kurgedes: nad kannavad endas nii sündi kui ka surma. On ju toonekurg see, kelle kohta öeldakse, et tema toob järglased kohale, samal ajal on ta ka Toonela lind. Ehk ongi toonekurg luulekogu pealkirja „Ürglind“ nimitegelane ning teose minategelanegi pürgib selle poole, et olla lind – selline lind, kes suudab kanda vastuolusid ja olla raskusest hoolimata vaba? Ta jõuab tasapisi leppimiseni: „see maa on mulle antud / minu ülesandeks on temast loobuda“ (lk 71). Seda võib mõista kõige otsesemas mõttes, s.t iga elusolend peab ükskord surema. Aga võib mõista ka nõnda: traditsioonid ja ootused on küll antud, kuid nendega ei pea nõustuma, nendega ei pea leppima. Vahepeal peab natuke hävitama ja ka selles on peidus loomine, selles on üsk ja kaitse, kui „täna mul mütoloogiat pole / vaid tõene on – midagi / mida puudutada mullaste küüntega“ (lk 34).

    „Ürglind“ on põneva ja kõlava poeetilise keelega kogu. Selle teemadeks on loomine, emad ja tütred ning mure selle pärast, mis oli ja mis tuleb. See on osalt ajaloo ülesmärkimine, aga ka eneseotsing ja jõudmine leppimiseni. Leppimine ei pruugi tähendada nõustumist, vaid hoopis korrale vastuhakkamist. Peale lugude esitamise on luulekogu mõneti ka manifest, kindlasti poliitiline, aga eks iga lugeja jõua omadele järeldustele. Neis luuletustes on palju erinevaid tahke ja toone, seega avastamisrõõmu rohkesti. „Ürglind“ on tugev järg debüütkogule „Nõges“ ning nõudliku lugejana jään pikisilmi ootama ka kolmandat luule­kogu.

    „Rohkem palve kui jutustus“, intervjuu luuletaja Triin Pajaga

    Donika Kelly „Bestiaarium“

    Triin Paja luulesalv

  • Kuidas saab olla inimene ilma loomata?

    Donika Kelly debüütkogu „Besti­aarium“ on Värske Rõhu sarja esimene tõlketeos. Raamat rõõmustab kindlasti nii krüptilisema luule austajaid kui ka neid, kes otsivad luulest nõtket keelt ning kummalis-kummastavaid mütoloogilisi metamorfoose. Triin Paja tõlgitud tekstid pajatavad nii muundumise võlu, inimeseks olemise valu, isiklikku traumat kui ka liikideülest ja -vahelist armastust. Tihti leiame Kelly kogu autorimina ka suisa loomas ennast loomaks: „Teraapias sa räägid. Iga lause algab: / ma tunnen, isegi kui mõtled: miks sa mulle haiget teed? / Tahaksid olla pigem mõni lihtsam loom. // Püüad aimata karu tundeid. / Hülge. Saarma. Seltskonnas on alati kolm. / Kahtlustad et nad ei olegi lihtsad, aga usud, // et nad pole iialgi üksikud“ (lk 55); „Pidasin end lõviks ja maoks. Pidasin / end kehaks, millest piisab kahele, meile. / Ma ei olnud iial üksildane ja see lohutas mind“ (lk 16). Loom-ine ongi see, mis mind Kelly tekstides enim kõnetas.

    Naiste loodu(s), meeste miso­güünia ja issanda loomaaed

    Loodust kasutatakse siin kogus lennukalt, selle ümber tiirleb kogu Kelly luule ökosüsteem. Tekstide pealkirjadki on ses osas kõnekad: „Lehtlalind“, „Erakrästas“, „Vaal“, „Jaanalind“, „Punalind“. Kogu keskel on aga lausa peaaegu et programmiline lühikestest luuletustest koosnev, truude kaaslaste – koerte – ümber keerlev luule-südamik. Näib, et autorimina süda kuulub peaaegu kõigele, mis pole inimene. Või kui kuulubki inimesele, sedastatakse seda alati just mitte-inim­olendi perspektiivist lähtudes, selle metafoorikat kasutades, sest tõukudes: „Keegi ei lähene põllule nagu mina. Jõuline / galopp, musklis rind – kabjad ja lakk ja vehkiv / saba. Kallis: mõistan igat lille, / igat tiivulist, niiske valguse käes / läikivat keha. [—] Sinu jaoks tooksin kuuldavale / mõne vaevu aimatava heli, tiiva riive tiival, / sel hääle sündimise lävel. Sinu pärast, kallis, / kappan läbi maa. Kappan läbi maa“ (lk 47). Enam kui kaunis ja kaunlev mitme- ja omanäoline mütopoeetika huvitab ja intrigeerib mind aga Kelly looma-loodus just liikidevahelise armastuse-hoolitsemise moment, ood sellele, eriti koertele.

    Teadupoolest arvati XX sajandi esimesel poolel, et naine on eriti „kooskõlas“ loodusega ja vastab sellele üksüheselt. Pseudoteaduslikus devolutsiooniteoorias leiti lausa, et kuigi inimene on üldiselt arenev olend, on siiski mõned mehed, aga kõik naised (!) pidevalt madalamateks olenditeks devalveerumise ohus. Muu hulgas devolutsiooniteooria ainetel on kirjutatud näiteks Kurt Vonneguti satiiriline „Galápagos“. Üks teine Ameerika kirjanik ja kirjanduskriitik Bram Dijkstra uurib aga raamatus „Perverssuse iidolid“ („Idols of Perversity“) sajandivahetuse laiaulatuslikku misogüüniat, tuginedes nii kunstnike, kirjanike kui ka teadlaste töödele, sh Klimt, Darwin, Zola, Henry James, Renoir jpt. Dijkstra väidab, et kui meeste kujutamiseks kasutatigi näiteks pool­loomalisi olendeid, nagu näiteks saatürid ja kentaurid, keda sageli karikeeriti muide semiitlike või negriidsete tunnuste kaudu, ei olnud ometigi vaja leida sümboolset vormi, mis oleks kuidagi kujutanud naise nn loomalikku olemust – sest nemad olid juba iseenesestmõistetavalt degeneratsiooni esindajad. Kui aga naisi üldiselt seostati a priori loomade ja loodusliku maailmaga, siis näiteks lesbisid peetigi otseses mõttes loomadeks.1

    Veel über-misogüünset ja põnevat samast raamatust: tuginedes Darwini seisukohale, et loom võib naiste lõhnast seksuaalselt erutuda, on inglise arst ja eugeenik Havelock Ellis väitnud, et loom näitab nii mõnigi kord naisele cunnilingus’e kaudu tänutunnet. Mõnel juhul on looma ja naise vahel isegi vaat et seksuaalvahekord. Ellis seostas ka näiteks noorte tüdrukute lesbilist käitumist hilisema loomadele „orienteerituse“ (silmas peetakse loomade pidamist ja nende eest hoolitsemist) ühe eelsoodumusliku faktorina.2 Tegelikult paigutub sellesarnasesse mõtlemise spektrisse ju ka paavsti hiljutine nn demograafilise talve „fopaa“, arvamusavaldus, et lastetud inimesed ei tohiks olla loomaomanikud ja et loomaarmastus pärsib lastesaamist. Issanda loomaaed on tõesti kirju – aga siiski on huvitav, et näiteks loomade ja naiste vaheline side näib teatud (eriti konservatiivsete) meeste meelest olevat üks võimsamat liiki õõnestav jõud. Võtan selle peale oma kolm kassi kaissu ning lähen vallaliselt ja vallatult arvustusega edasi.

    Naine, koer(ad) ja liikidevaheline armastus

    Mütoloogilis-poeetiline register on Kelly kogus küll ülekaalus, on koguni selle maailma-loome kese ja tähistav telg, kuid ometi meenus neid tekste lugedes esmalt just Ameerika feminist Donna Haraway, eriti ta kaaslasliikidest rääkiv manifest.3 Haraway tekst räägib looduse ja kultuuri põimumisest ning koerte ja inimeste ühisest jagatud elust – autori arvates seob neid „tähendusrikas Teisesus“. Haraway tuletab meile kogu oma akadeemilis-bioloogilis-poeetilises keerukuses meelde: koerad on olulised, ka inimeseksolemise mõistmisel oleme sõltuvad meie neljajalgsetest sõpradest, ehkki kaugeltki mitte ainult neist.

    Donika Kelly on Iowa ülikooli abiprofessor ning õpetab seal loovkirjutamist. Tema sulest pärinevad luulekogud „Bestiary“ (2016) ja „The Renunciations“ (2021).

    Nagu mainitud, käsitletakse „Bestiaariumi“ ühtedes kõnekamates luuletustes autorimina ja koerte vahelist sidet, selle lõpmatut tähenduslikkust, intiimsust. Kelly võtab seda tõsiselt juba pelgalt sellest kirjutades, sellele oma luules ja tekstides ruumi luues: „koerad pikutavad su jalge ees või soojendavad su süle. / Teevad talutavaks selle, mida pead / taluma“ (lk 26); „See südamevalu on nagu klišee: aus / ja igav. Sinu väikesed koerad on ainsad, / kes jäävad“ (lk 28); „Diivan on ikka ja jälle / parim ravim üksinduse / vastu. Kitsas ja pruun. Sa tead, / et väikesed koerad äratavad su üles, / kui naaber tööle läheb, kraaksuvad / ja klähvivad“ (lk 32); „Kodu on seal, kus su koerad on. Kodu on / seal, kus jumalad on. Su jalgadel / on üsna külm. Ometi väriseb väiksem / sinu kõhu peal. Sina saad aina edasi temaks“ (lk 36).

    Nii loomadega jagatava intiimsuse kui ka rohkearvuliste mütoloogiliste olendite, nii nendest pärinemise kui ka nendega kokku- ja neist väljakasvava keha-kehalisusega Kelly autorimina justkui lükkab tagasi pelga ja puhtinimliku normatiivse kehalise sotsialiseerituse. Seejuures kohtab autori enda „päris“ identiteeti – mustanahalise lesbi marginaliseeritud seksuaalsust ja sellest johtuvalt näiteks homofoobia kujutamist – kogus suhteliselt harva. Napilt korjab välja selliseidki ridu, mida saaks ootuspäraselt kategoriseerida ning raamida kas siis näiteks „otseselt“ feministliku ja/või poliitilise alla: „valgenahalised tüdrukud katavad viimaks ometi, / pärast lõputut suve täis pronksi ja sära ja lihaseid, // oma jalad kinni. Talv, kus viimaks ometi tunneme, / et meiegi oleme ilusad“ (lk 18). Ka järgnev tekst on näiteks kogu luule üldise mütopoeetilis-hermeetilise stiili ja tonaalsuse poolest kindlasti üks šokeerivamaid ja roppkaunimaid erandeid, mis vaid kinnitab eelnevalt mainitud reeglit: „Nüüdsest tahan näha üksnes poisse, trimmis / kõhtudega, keppimas. // Või taha saamas. // Nimeta seda trööstiks või tõeks, seda, kuidas nad ei vaata / kaamerasse nagu naised, / vaid üksteisele otsa. // Või jumalale. [—] Õpin armastama / meeste välimust. Õpin, // mida omaenda näoga peale hakata / ja onan mille peale aga tahan“ (lk 66).

    Oma naha sulgede ja sõbra karva taga peituv poliitilisus

    See peamiselt ümberkehastuv, metamorfoosne, voolav ja poorne, tähenduslikus plaanis justkui pidevalt peost pudenev keha, mida me kogus aina uue näo, käte või kord isegi merineitsi sabaga kohtame, ei funktsioneeri sedasi ka konkreetselt millegi ega kellegi ideoloogilise lakmuspaberina.

    Donika Kelly lüüriline „mina“ tegeleb küll ajaloo, identiteedi ja teatud kogukondade loomisega – koerte, lindude ja mütoloogiliste olenditega – viisil, mida võiks vabalt lugeda nn ootuspärase ja status quo’liku soo, seksuaalsete tavade ning kaanoni õõnestamisena. Kogus on tekste, nagu me eelnevalt nägime, mida võib lugeda sisult poliitiliseks. Kuid, julgen väita, Kelly tekstiloome ei võta siiski kordagi nõuks omaenda poliitilisust luuleridades otseselt välja käia ja argumenteerida. See on niisugune luule, kus nahapinnale toodud esmased bioloogilised markerid on tekstiloome tarvis otsustavalt tagasi lükatud ja ehitud siis end hoopis nii võõraste kui ka mütoloogilis(ema)te sulgedega, seda küll sõna parimas mõttes. Sellest need olendid ja see teisenemine. Enda lõputu looma-stumine ja loom-ine. Oma taltsutatu ja enda taltsutajate tõsiselt võtmine.

    1 Bram Dijkstra, Idols of Perversity. Fantasies of Feminine Evil in Fin-de-Siècle Culture. Oxford University Press, 1988, lk 296.

    2 Samas, lk 297.

    3 Donna Haraway, The Companion Species Manifesto. Dogs, People, and Significant Otherness. Prickly Paradigm Press, 2003.

    „Rohkem palve kui jutustus“, intervjuu luuletaja Triin Pajaga

    Triin Paja „Ürglind“

    Triin Paja luulesalv

  • Argidialektika VI. Tõsidus ja koomika

    Käisin PÖFFil vaatamas filipiini filmi „Viimane võimalus“ (režissöör Jun Robles Lana, 2021). Film käsitleb väga tõsist probleemi, Filipiinide presidendi Rodrigo Duterte algatatud sõda narkootikumide vastu, mille käigus on tapetud üle kümne tuhande inimese, sageli omakohtu korras ja ilma võimaluseta end kohtus kaitsta. Teema on tõsine, aga ometi on filmis väga palju koomikat. Pärast linastust oli küsimuste-vastuste aeg ja üks vaataja väljendas kahtlust, kas nii tõsist asja sobib selliselt kujutada.

    Mõistagi on oma koht tõsisel tõsidusel ja naljakal naljal, aga tõsidus, mis on naljaga pooleks või nali, mis on tõsidusega tembitud, on sügavamad. Tõsidus ja nali, mis välistavad teineteist ja on justkui omaette piiratud sfääris, jäävad tegelikkuse kujutamisel ühe­külgseks, puudulikuks. Tõsidus, mille üle ei saa nalja heita, on odav ja ülespuhutud. Nagu ka nali, kus pole tõsidust, jääb nõrgaks ja lahjaks.

    Sügavam ja võimsam on nali, mis on tõsiduse enda sisse võtnud, ning tõsidus, mis on nalja enda sisse võtnud. Nali, mis ei välista tõsidust, ning tõsidus, mis ei välista nalja. Tõsidus, mis peab kartma nalja sissemurdmist, jääb verevaeseks, puiseks, poolikuks. See ei hõlma kogu tegelikkust, vaid peab alatasa muretsema, et tõsidus oleks hoolega piiratud, kaitstud, eraldatud. Et sinna ei tungiks midagi naljakat ega koomilist. Kuid kas pole säärane ettevõtmine naeruväärne, naljakas, koomiline? Inimene, kes püüab asjatult ehitada müüre tegelikkuse sees, kaitsmaks mingit väljamõeldud pühatõsidust?

    Banksy. Sorry, the lifestyle you ordered is currently out of stock. London 2011.

    Ning nali, mis peab kartma tõsidust, on ängistav ja vähepakkuv. Selline nali pole kõikehõlmav, vaid murelik ja tõsine. Äkki meie hea naljategemine katkeb? Kas ei riiva vestluskaaslase nägu tõsidusevari? Selline nali on poolik, ta ratsutab tõsiselt kogutud jõuvarude turjal, kartes tõsise „tegelikkuse“ naasmist. Selline nali on tegelikult murelik ja tõsine. Selle üle tuleks nalja teha! Minna naljaga lõpuni!

    Niisiis, tõsidus, mida kaitstakse nalja eest, pole tegelikult tõsine, vaid naljakas. Ja nali, mida kaitstakse tõsiduse eest, pole tegelikult naljakas, vaid tõsine. Päriselt tõsine on tõsidus, mis võtab nalja enda sisse, on tõsine läbi nalja. Päriselt naljakas on nali, mis võtab tõsiduse enda sisse, naerab läbi kogu tõsiduse.

    Kas tähendab see siis seda, et tõsiduse ja nalja erinevus kaob üldse ära? Ei sugugi. Nende vaheline piir just nimelt ei kao ära. Ei ole nii, et kõik oleks ühtlaselt naljakas ja tõsine, tasapaks. Vastupidi, tõsidus ja nali jäävad alles ja piir nende vahel on hoopis sügavam. Saab eristada tõsidust-läbi-kogu-nalja ja nalja-läbi-kogu-tõsiduse. Kui enne see „kogu“ ilmnes kas tõsisena või naljakana, siis nüüd ilmutab nii tõsidus kui ka nali kogu „kogu“. Nali ja tõsidus kui elu kaks külge pole siis eraldi ja lahus, vaid teineteise kätketud, ilma et nende erinevus kaoks. Nende kahe aspekti vahel avanevad salakäigud, ootamatud otseühendused, ümberpöördumised. Tõsidus ise ongi naljakas ja nali ise ongi tõsine.

    Siis ollakse ikkagi kas tõsine või tehakse nalja, aga see uus tõsidus kätkeb nalja ning see nali kätkeb tõsidust. Nad ei välista teineteist, vaid põrkuvad teineteiselt. Uus nali ja uus tõsidus hakkavad teineteist võimendama, nüansseerima, peegeldama. Nad keerduvad aina peene­malt teineteise sisse, lõpmatus fraktaal­ses liikumises, kus iga tõsiduse sees on peenem nali ning selle nalja sees omakorda veelgi peenem tõsidus. Tõsidus ja nali saavad niimoodi lõpmatuks. Ent mitte niimoodi, et kumbki omaette tühjalt ja igavalt korduks, vaid nii, et kummastki otsatult koordub teine. Ja see ütleb elu kohta midagi sügavamat kui pelk nali või tõsidus.

  • Kuidas orkestreerida tühjust?

    Helilooja Jüri Reinvere viimaste aastate edu orkestrimuusika vallas pole muusika­elu hoolega jälgivale lugejale ilmselt teadmata, aga nii mõnedki tema tähtsad helitööd pole Eestis veel publikuni jõudnud. Alles hiljaaegu alanud kevade avanädal tõi Estonia kontserdisaali muusikasündmuse, mis kandis kõigiti paslikult pealkirja „Kevadsümfoonia“. Eesti Riikliku Sümfoonia­orkestri esituses ja dirigent Mihhail Gertsi juhtimisel kõlasid muusikalise romantismi suurvaimu Robert Schumanni esimese sümfoonia kõrval Jüri Reinvere kaks oodatud teost, üht neist mängiti lausa esimest korda kogu maailmas. Neil kahel värskemal teosel pisut peatungi.

    Orkestrifantaasia tähtede surelikkusest

    Avateosena kõlanud Jüri Reinvere „Vom Sterben der Sterne“ ehk „Tähtede surmast“ on ulatuslik helipannoo, mis viib suure orkestrikoosseisu pooletunnisele rännakule kosmiliste tühimike ideestikku. Tihedus ja tühjus on siin ka vormi kujundamise märksõnad. Nende nähtuste kõlalised kujutlused ja vastandused loovad väga mitmekesise muusikalise mängu ning kontrastsete osade moodustamise võimalusi. Ent kuidas küll orkestreerida taevalikku tühjust? Ei, partituuris ei ole lugematu arv generaalpause ega liikumatuks tardunud faktuur. Teost iseloomustab hoopis löökpillide kartmatu kasutus. Sageli kuuleme vaskpuhkpillide sumedaid kõlapilvi, mida värvivad kromatismidest tulvil harmoonia ning sordiinide erisugused omadused.

    Esimesed hetked toovad kuuldavale marsitakti imiteerivate löökpillide kõlakülluse, ent rütmijoonise leidlikud muutused ja rõhud eri taktiosadel takistavad korrapärast sammu. Justkui tumeda uduna lisanduvad kontrabassid, kelle hellas kaoses valitseb õigupoolest vaevu aimatav polüfooniline kord. Flöötide sabatähtjalt lennukas motiivistik juhatab sisse keelpillide kerkivad käigud, mis ehitavad Bruckneri sümfonismile omaseid aeglaselt kuhjuvaid pingeid kauguses laiuva suure kulminatsiooni poole. Haaras puhkpillide kaalukas ja kare koraal (largemente, radioso), millest hoovas tihedaid akordide kiiri, saatjaks löökpillide, harfi ja klaveri üksmeelsed aktsendid. Salapäraste sahinate ja klõbinatega kontrastne vaheosa viib läbi tohutute tühjuse avaruste peagi justkui uue häälestumise lävele, mida iseloomustavad lahtised kvindid. Kauniduse kulminatsioon saabub võluva meloodilise fragmendiga (calmo), mis joonitakse alla kolm korda ja aina kasvava härdusega. Nukrat lisa toovad kõrgel heljuvate keelpillide kaebed, mida saadab harf. Kosmilise rännaku lõpetab raugemine igavikulisse rahusse. Pooltund ilmatute helide embuses möödus üllatavalt kiiresti, mis osutab ka ühele helilooja tugevusele: Reinvere kasutab osavalt aega, seda looduse ning ka muusika hinnalist põhivara.

    Kompaktselt ilmatust valgusest

    Esiettekande sai Jüri Reinvere teos „Schoß des ungeheuren Lichts“ ehk „Ilmatu valguse süli“, mis on selgelt helilooja poeetilise orientatsiooniga, aga sõnadest lahti seotud orkestriteoste reas juba seitsmes. Luulelisele pealkirjale on inspiratsiooni andnud eriline paik – Lääne­meres asuva Usedomi saare linnake nimega Peenemünde, mille mitmekesist ajalugu määrib õõvastava plekina massihävitusrelvi katsetav sõjaväebaas. Teos ise pole siiski ei militarismi apoteoos ega ka üleskutse maailmarahule. Malbe ja kiirustamatult mõtiskleva alguse katkestab trompeti reibas signaal, mis juhatab sisse puhkpillide erksa episoodi. Järgneb keelpillide ärevalt kiirustav tõtlemine, mida tasakaalustab puhkpillide rusutud massiiv oma rühkiva sammuga. Taban end mõttelt, et eelnevalt kõlanud teosega võib märgata sarnaseid jooni nii orkestratsioonis kui ka harmoonilises kujutluses, aga vormiliselt on värske teos kompaktsem ja kogu stiihia näib olevat suunatud rütmierksa ja plahvatusliku hooga lõpu poole. Uudisteos pälvis publiku tulise toetuse. Dirigent Mihhail Gerts tasakaalustas partituuri rohkeid kõlakihte meeldiva veenvusega ja tõi nõnda esile ERSO innustunud interpreetide parimad omadused.

    Järelmõtteid inspiratsioonist

    Pärast kahe mastaapse orkestriteose kuulamist keris end miskipärast lahti mõttekäik sellest, kuivõrd riskantne võib olla avar inspiratsioon või intergalaktiline ainestik heliloojale. Napi kogemusega helilooja käes sünnib suurest mõttelennust juhuti hoopis grotesksena mõjuv partituur, mis viib oma ohtrate krüptiliste ülestähendustega interpreedid täielikku kimbatusse. Paremal juhul suunatakse esitaja tutvuma mõneleheküljelise legendiga, halvimal juhul eeldab tohutust inspiratsioonist sündinud taies muusikuilt ennekuulmatuid kunsttükke või peaaegu uue eriala omandamist.

    Selliste (ja üldse mitte liiga harvade) nähete taustal mõjub Reinvere viimaste aastate orkestrilooming targalt tasakaalukana. Tema inspiratsiooni vaieldamatult kõrge lend võidab midagi olulist ka sellest, et muusikuile on ülesanded klaarilt lahti kirjutatud. Partiid ei ole äärmuseni individualiseeritud ega kiha ainuomastest laiendatud võtetest, valdavalt koheldakse orkestrit ühe suure instrumendina, mitte kunstlikult kokku liidetud kammeransamblitena, kes veavad omavahel vägikaigast. On üpris põnev jälgida, millises suunas areneb Jüri Reinvere orkestriteoste kogum edasi. Juba praegugi tuumakas teosekomplekt väärib kindlasti süvakriitilist ja -analüütilist käsitlust, parimas kvaliteedis salvestistest rääkimata.

    Jüri Reinvere teostes koheldakse orkestrit valdavalt ühe suure instrumendina, mitte kunstlikult kokku liidetud kammeransamblitena, kes veavad omavahel vägikaigast. Fotol ERSO Mihhail Gertsi dirigeerimisel 25. märtsil.
  • Olnu, olev ja olema saav

    Lilly Waltheri näitus „Piiritu“ Tartu kunstimuuseumis kuni 29. V, kuraator Nele Ambos, kujundaja Kristiina Taluri ja graafiline kujundaja Norman Orro.

    Ludmilla Siimu näitus „Olemise helk“ Tartu kunstimuuseumis kuni 29. V, kuraator Kristlyn Liier, kujundaja Kristi Kongi ja graafiline kujundaja Madis Katz.

    Nele Tiidelepa näitus „Keda saab ainult igatseda“ Tartu kunstimuuseumis kuni 17. IV, kuraator Mae Variksoo ja graafiline disainer Kristjan Hinno.

    Kolme põlvkonna naiskunstnike kokkutoomine ühe katuse alla oleks võinud välja kukkuda ka puhta formaalsusena. Tiideleppa ja Waltherit lahutav poolteist sajandit tingib paratamatu erinevuse juba ajaliselt. Kuraatorid ja kujundajad on lähenenud kunstnikele täiesti erinevalt, ka elukäigu edasiandmisel. Iselaadne etteastumine ongi just see, mis laseb kolme naise loomingu tervikust paista läbi ühisosal ja universaalidel. Seda nii kunstnikuameti kui ka indiviidi tasandil.

    Kõigil kolmel on pakkuda meeldiv „kohtumine tundmatuga“ moment. Ludmilla Siimu puhul on see tingitud tema emigreerumisest Soome 1970ndate teisel poolel. Kunstniku varasem looming on settinud siinse kunstiloo maamärgiks, Soomes loodud pool on jäänud aga meie publikule suuresti tundmatuks. Lily Waltheri puhul võib seda kohtumist vaadata lausa näituse eesmärgina. Ta on tuntud Eesti esimese elukutselise maalirestauraatorina, teadlikumale publikule võib-olla ka lille- ja näopiltide autorina, väljapanekuga on esitatud portree loojast, kelle haardelaius paneks küllap Kiwagi punastama. Nele Tiidelepp, kes on loonud ruumi, mis on peamiselt täidetud asjadega, mida füüsiliselt kohal pole, mängib seda mängu kaasa.

    Unustatud lugu. Mastaabilt jääb Tiidelepp vanematele kolleegidele alla. Noor kunstnik on esindatud küll väärikalt installatiiv-performatiivse teosega, Siim ja Walther aga ülevaatenäituse formaadis. Nende näitused ei ole pelgalt ajalookirjutis, neis on suur annus kuraatorinägemust.

    Lily Waltheri puhul moodustab ajalookirjutus küll näituse keskse osa. Kuraator Nele Ambos on kolmanda korruse täitnud tähelepaneliku, tundliku, peene ja ka halastamatult tiheda ekspositsiooniga. Keskseks eesmärgiks on tõsta Walther välja kunstiajalookirjutuse pragude vahelt, näidata ka tema muljetavaldavalt renessanslikku ampluaad. Joonistaja, maalija, õpetaja, restauraator, tarbekunstnik, praeguses väljenduses ka graafiline disainer … Näituse alapealkiri „Piiritu“ on igati kohane. Multitalendi tegevusest on esindatud kõik peale tarbekunsti, mida kahjuks pole säilinud.

    Kuid tarbekunsti puudumine ei tekita tunnet, nagu oleks toodud nähtavale ainult mingi osa. Pigem vastupidi. Teosed on põimitud läbi Waltheri isikuarhiivi ja kümnete pisikeste saatetekstidega. Selgelt paistab välja kuraatori tung panna välja võimalikult palju asju, info-, teose- ja tekstirohked saalid nõuavad aega ja tähelepanu. Valgusküllane, materjalitundlik kujundus hoiab aga tervikut muutumast õpikuks või väsitavaks kogemuseks, tihedus mõjub pehmelt ja soojalt, kutsudes avastama.

    Nele Tiidelepa installatsioon koosneb kahest kaarja vormiga seinast, neile kirjutatud fragmentaarsetest sõnakatketest, mõnest kangaga kaetud kõvast poroloonitükist ja nende vahele jäävast tühjast ruumist.

    Tervikust koorub sisu välja vaikselt ja tasahilju, mõjutades vaatajat lähemalt detaile uurima. Sellises vaatamisrežiimis pikki õpinguid, reise, nimesid, teemasid, mälestusi, arhiivimaterjale, isegi Waltheri restaureeritud teoseid ja loomulikult rohkeid lillepilte pidi liikudes koorub välja kunstniku portree. Seal peitub näituse kõige armastusväärsem, üle elu ja aja ulatuv dimensioon. Vist ainult restauraator Nele Ambos on suuteline restauraator Lily Waltheri näitust tegema nii, et ka külastaja vaatab seda lõpuks restauraatori tundliku pilguga. Kollegiaalne armastus ei tunne piire, nagu tema romantiline kaksikvendki.

    Poolik lugu. Riigipiirid oskavad armastusele edukalt kaikaid kodarasse loopida. Ludmilla Siimu emigreerumine Soome tõi endaga katkestuse ja muutuse, millega näitusel ka alustatakse. Ulatudes läbi esimese kahe korruse, on kuraator Kristlyn Liier teinud väljapaneku ajalises struktuuris lihtsa ja elegantse, kuid geniaalselt töötava käigu. Näitus algab esimesel korrusel Soome perioodiga ja lõpeb teisel Eesti omaga. Mõlema puhul on alguspunktiks seitsmekümnendate aastate lõpupool. Lahkumise hetk.

    Selline jaotus annab Siimu loomingu kogemisele kavala pöörde. Vaataja ei saa jalutada otsejoones siinse kunsti klassika juurde. Esmalt peab ta tutvuma sellega, kuidas Siimu kunst Soomes edasi arenes. Detailidesse laskumata – sellest räägib täpsemalt nii kunstnik ise näituse tagumise saali videos kui ka Teemu Mäki näituse kataloogis –, kunstnik hakkas tegelema abstraktsionismiga. Suuremahulised abstraktsioonid on omakorda suurepärane viis tundlikustada vaataja pilku. Asendada keskendumisfookus maalilisuse poolt saavutatavale, mitte niivõrd kujutatavale.

    Mis on tarvilik, arvestades, kui tihti on Ludmilla Siimu modelliks olnud keegi, kellest on saanud ajapikku legendaarne tegelane. Kõndinud läbi esimese korruse saalid, vaadanud ära äärmiselt võluva ja armsa videointervjuu kunstnikuga, lööb teise korruse väljapanek nagu pehme nuiaga pähe. Asudes uuesti pihta 1970ndate lõpust, kuid suundudes minevikku, on silm juba natuke treenitud. Maale vaadates ei voola soontes ainult kibemagus nostalgia (ei pea olema Nõukogude aja laps, et maal „Siim, Tolts ja Keskküla paadis“ selle kaasa tooks), vaid loodetavasti ka selle mõistmine, mida Siim oma maalidel toona teha soovis.

    Ehk isegi kui vaataja ei tea, mis on hüperrealism või mida Siim soovis saavutada nn stereomaali tehnikaga, teadvustab ta metafüüsilist ruumi, mida kunstnik oma maalidel konstrueeris. Siim tegeleb suuresti ruumiloomega – enam kui kohati ka siinse tehnodeelia vaimus – ka alumise korruse teostel. Poolitatud loost saavad lõpuks kaks lugu: lugu Ludmilla Siimu arengust maalikunstnikuna ja lugu Ludmilla Siimust räägituna tema maalikunsti arengu kaudu.

    Nähtamatu lugu. Näitusekolmik illustreerib ootamatult evolutsioonilist printsiipi, et heaolu arenedes kipuvad sündima suuremad lapsed. Formaadilt kipub Siim Waltherist kõvasti üle olema, samas vaimus jätkab ka Tiidelepp, kelle installatsioon-performance „Keda saab ainult igatseda“ võtab enda alla terve projektiruumi.

    Tiidelepp on kolmest kunstnikust kõige krüptilisem. Tema installatsioon koosneb kahest kaarja vormiga seinast, neile kirjutatud fragmentaarsetest sõnakatketest, mõnest kangaga kaetud kõvast poroloonitükist ning nende vahele jäävast tühjast ruumist, mida täidavad kunstniku välisalvestiste helid. Näitusesaalis toimus ka kaks performance’it, mida kumbagi ma ei näinud. Õnneks töötas see naljakal viisil tervikule kaasa. Tiidelepp on heas mõttes suutnud kasutusele võtta tühjuse esteetika ehk performance’i puudumine tekitas tundmuse, mida saab võrrelda performance’i endaga.

    Igati paslik, arvestades, et installatsiooniga tegeletakse vaheala ja seal viibimisega. Millegi akuutse puudumisega. Tiidelepp astub seal küll auku, kuhu kipuvad küll rohkem kukkuma poeedid kui kunstnikud. Nimelt on väljapanek liiga krüptiline ja looritatud. Vaataja asub vaikses saalis, arhitektoonide ja kergelt melanhoolsete tekstide vahel ja kuulab kõlaritest heli, kus räägitakse reisist, vist Saksamaale. Mul oli päris põnev, sest tean, kes räägivad. Tunnen ära Johannese, Nele, veel mõne tuttava hääle. Hakkan peas kokku panema pilti selle kohta, millest see teos räägib, põrgatan seda teadmistega Nele elust – me tunneme teineteist väheke –, määran umbes ära salvestamise aja … Ma saan vist pihta, mis on selle ruumi taga ning seega pääseb enam esile ka selle mõju, kuid … kas lugeja teab, kes on näiteks Johannes?

    Isikliku tagasipeegeldamine üldiseks on kiiduväärt pürgimus. Pole aga kindel, kui ma ei tunneks kunstnikku, kas teos siis toimiks. Tervikule lisab suure ja väärt tüki see, kuidas teksti ja lavalise atmosfääri koosmõjul on suudetud kunagi toimunud performance’ist luua õhus rippuv mitteeksisteeriv entiteet. Tähelepanelikult kuulates ja keskendudes laetakse see entiteet ka tuttavate häältega tähendust täis. Mulle on Tiidelepp suutnud oma igatsust näidata. Pole aga kindel, kuidas on lood teiste külastajatega.

    Meenutades Waltheri kaasaegse, avangardist Natalja Gontšarova maksiimi, on amet see, millena inimene pärast lahkumist maailma alles jääb. Kunstniku puhul on selles isegi midagi igavikuliselt lohutavat. Olles vaadanud Tiidelepa installatsiooni kakskümmend minutit, naasen Siimu teise korruse väljapaneku juurde. Nagu kuulsin Tiidelepa juures praeguste noorte kunstnike jutuvada, tajun Siimu juures tema kaasaegsete olemist ja pilguheite. Mõlemad on parajalt kunstikogemuseks keeratud, kuid siiski elavalt olemas.

    Lily Waltheri ekspositsiooni puhul imestan, kui palju kannatlikkust pidi Kristiina Talur üles näitama, et näituseks tarvilikke eri mõõdus paspartuusid välja lõigata. Või kui mitu korda valis Kristi Kongi põrandavärvi Siimu näitusel? Näitustelt paistab välja ports pisikesi, kuid tähelepanu ja hoolega tehtud otsuseid, kus ühe aja kunstnikud aimavad teise aja omade maitset ja eelistusi. Seda märgates on sündinud midagi ilusat. Ajaülesed probleemid ja hädad kunstiliste otsuste lahendamisel on midagi, kus kunstnikud saavad üksteist ära tunda. Kujutamise pingutuses ja vastutuses on kunstnikud leidnud üksteist, mis siis, et on töötanud eri ajal.

    Oma saatetekstis on Nele Tiidelepp öelnud, et kunstnikuks olemisel on talle viimasel ajal inspiratsiooni andnud Eva Hesse päevikud: „[—] olles ise mingil otsingul, on lahe näha, et seda on kogenud ka keegi teine enne sind“. Ma ei teagi, kas suudan midagi paremat enam lisada.

  • Meelerahuga ajarändur

    Ludmilla Siimu retrospektiiv „Olemise helk“ Tartu kunstimuuseumis kuni 29. V. Kuraator Kristlyn Liier, kujundaja Kristi Kongi ja graafiline kujundaja Madis Katz.

    Ludmilla Siimu (1938) retrospektiiv on näitus, mida olen ammu oodanud. Materjal on sedavõrd võimas, et tõenäoliselt kerkib igal vähegi Eesti sõjajärgset kunstiajalugu tundval inimesel küsimus: miks ei ole näituse produtsent Kumu, vaid kitsukeste saalidega Tartu kunstimuuseum?

    Tähelend ja katkestuskultuur. Kui võtta näituse osas filosoofiline hoiak „iga asi omal ajal“, siis nüüd, kui Venemaa brutaalse sõjategevuse tõttu on sunnitud kodumaalt põgenema miljonid ukrainlased, on ehk paremini mõistetav ka Ludmilla Siimu lugu.

    Esimese maailmasõja künnisel koos perekonnaga Eestist Venemaa avarustesse uudismaale välja rännanud Urbide peretütar Salme abiellus 1935. aastal Kasahstani pealinnas Alma-Atas sinna Ukrainast küüditatud Pjotr Kurbatoviga. 1945. aastal koliti koos 1938. aastal sündinud Ludmillaga ema sünnimaale. Ludmilla õpingutele Tartu kunstikoolis (selle lõpetas ta 1958. aastal) järgnes kunstiakadeemias (tollal Eesti Riiklik Kunstiinstituut) maalieriala, mille lõpetamise järel tõusis Siim tosinkonna aastaga Eesti maalikunsti tippu. 1977. aastal sõlmitud fiktiivabielu toel Soome emigreerumisel jäi pärast maalijakarjääri Eestisse kinni ka kogu ta siinne maalilooming. Tänu sellele on Tartu näituse tuumik ülimalt representatiivne, tähelepanust on jäänud kõrvale üksnes omaaegsed Moskva ostud.

    Päevapealt käivitunud tühistamiskultuur oli Nõukogude ühiskonnas peensusteni välja lihvitud, kunstiteadlaste ja kunstipubliku mälu kergesti programmeeritav. Nii kadus Ludmilla Siim Eesti tollasest näitusepildist ja kustutati kunsti­ajaloost. Õnneks on viimastel aastakümnetel kunstniku Eesti sidemeid aidanud taastada kunstikoguja Mart Lepp, kelle positiivse surve tõttu ka ekspositsioon Tartu kunsti­muuseumi kavasse võeti. Ludmilla Siim ise suhtub oma intervjuus toimunusse taoistliku, lausa filosoofilise rahuga – „sõpru peab olema“.

    Ludmilla Siimu maalides võib alati midagi uut avastada, näiteks nagu 1976. aastal maalitud „Linnapiiri“ keskplaanis asuval agoraal väikeste figuuride nõtked ja sundimatud grupid.

    Juba eluloolist materjali oleks piisavalt muljetavaldava filmi või romaani tarbeks. Tallinnas kunstnikuks sirgununa olin üldjoontes Siimu looga kursis: sain kunstifondile kuulunud Tartu mnt 77 pool-keldriateljee 1979. või 1980. aastal Urmas Pedanikult, kes omakorda oli saanud selle Ludmilla Siimult. Võimalik, et ruumi genius loci mõjutas positiivselt ka mind, sest oma hüperrealistliku perioodi maalid „Õhtu Tartu maanteel“, „Kajakas“ jt maalisin just seal.

    Näitusega kaasnevas albumis on Jaak Kangilaski avanud kunstniku elukäigu emotsionaalse kaasaelamisega: fotovalik on kõnekas, kaadrist välja jäänud erootika tajutav. Näituse kuraatori Kristlyn Liieri eessõna ja kunstnikuga tehtud videointervjuu kinnitavad faktid veel kord üle. Siimu elulugu ja ajaränduri meelerahu, kui ta sellest kõigest kaamerasse räägib, kinnitab erakordset töövõimet ja mitte-eestlaslikult tõmmu kaunitari stoilisust. Avatud mõtlemisest räägib ka tema tööde stilistiline hübriidsus, aga need on eranditult Siimu tööd – metatasandil on autorsus identne.

    Klassikalise maaliharidusega eksperimentaator. Soome vasakpoolse mõtleja Teemu Mäki kirjutatud tekst kataloogis on üllatavalt hea, tema lahti kirjutatud maalide jada kattub suures osas mu enda näituseelamusega. Võrdlus David Hockneyga on mul kogu aeg meelel ja keelel, ainult ühe erisusega: vähe sellest, et Ludmilla Siim on Hockney kaasaegne, Siimu tehniline pagas on Hockneyst mäekõrguselt üle. Sellise järelduse saab välja ütelda vaid see, kes on mõlema kunstniku originaale näinud piisavalt palju.

    Stereomaali mõistet tutvustavad mõttekäigud kataloogi saatetekstis viitavad õhus olevate ideede universaalsele iseloomule, printsiibi avamine on aga jäänud poolikuks. Siin oleks olnud põhjust tutvustada mõnda Hockneyga samas suunas liikuvat teoreetilist mõttekäiku ja artiklit, kuidas saavutada tegelikkuse representeerimisel mitmikperspektiivi rakendamisega hõlmavam ruumimõju. Ühe fookuspunktiga fotokaamerast lähtuva kujutise aluseks võtmine on hüperrealismi kui meetodi eripära ja nõrkus. Siim ise viitab stereomaali rakendamisele, kui räägib maalist „Trepikoda“. See on adekvaatne viide, sest just sellel tööl võib märgata optilise illusiooni teenistuses vastandvärviliste komade ja võrekatketega markeeritud värvikübemeid. Kunstnik on loonud vibreerivast atmosfäärilisusest 3D-illusiooni, aga kui silmitseda maali eri kaugusest, kogeb meeldivaid üllatusi, mille võiks vabalt liigitada mõne pattern painting’u või muu samalaadse formalistliku voolu alla.

    Ludmilla Siimu tugevus põhineb klassikalise maalihariduse põhjal. Niikuinii peab nüüdisaegne maalikunstnik sellele ehitama omamütoloogilise, ülejäänutest eristuva pealisehitise sisu, s.t ainese mõttes, peale selle aga ka tehnoloogilise pealisehituse, värvi aplikeerimise meetodid. Seda ei ole siiani suudetud Eesti trükikodades piisava kvaliteediga jäädvustada. Näiteks maalides „Metall“ (1977) või „Vaikelu“ (1976) on suurtele abstraktsetele mahtudele lisaks võetud kasutusele valdavalt horisontaalsed/vertikaalsed, otse tuubist ja joonlauaga joonitud värvitriibud, kuid ühelgi reprol ei näe jälgegi tööde tegelikust kalligraafilisest tulevärgist. Meeldiv oli 1976. aastal maalitud „Linnapiiri“ keskplaanis asuval agoraal avastada väikeste figuuride nõtked ja sundimatud grupid. Näiliselt ärapühkiva maalimaneeriga Siim on siin teravaservalisusest lahti ütlemas. Kuigi maalimateeria on tal hästi käes, on ta jätkuvalt eksperimenteerinud tööst töösse.

    Omaette peatükk on Ludmilla Siimu portreed. Maalinud on ta meie kultuuriloo tippe. Mati Undi portree (1975) on hidalgolik-aristokraatlik: ekspressiivne tumeaine ja psühholoogiline sügavus, absoluutselt uued võtted ja värvid. Koloriidilt sarnane, mereäärse trina-träna ja võrgupoidega õhtune paarisportree Ando Keskküla ja kunstniku autoportreeliste profiilidega on veripunaselt dramaatiline. Sümboolika on liialt tähenduslik, et juhuslik olla, nagu ka portselannuku haprusega Juhan Viiding kui tuletooja või paipoisilik Andres Tolts täpilises vaikelulises omailmas.

    Näitusele on mahtunud ka Keskküla ja Toltsiga kolme peale maalitud teos (1971). Assamblaažilaadne maal on olnud väljas nii Toltsi kui ka Keskküla Kumu retrospektiividel, aga ka mujal. Kunagi pole siiski kontekst tööd nii jõuliselt toetanud, kui nüüd.

    Kui rääkida Ludmilla Siimu 1960ndate lõpu aegsetest õpilastest Tallinna 46. keskkoolis, kujunesid just Tolt­sist ja Keskkülast talle täisväärtuslikud sparringupartnerid 1970ndate Eesti maaliväljal. Keskküla umbisikulised, värvi spaatliga lõuendile kandmise võtted sarnanevad Siimu omadega: nii sai maalidele justkui isetekkelist, tehnoloogilist ja protsessuaalsemat hõngu anda.

    Soomes jääb tuntus tulemata. Võta sa nüüd kinni, millist tüüpi erialane ettevalmistus on kunstnikuks kujunemisel optimaalne või mis tulemuseni viib, sest see sõltub suuresti kultuurikontekstist ja võib maati erineda. Ida-Saksamaal ehk Saksa Demokraatlikus Vabariigis kunstikõrgkoolides klassikalise maalikunstipõhja saanud ja 1960ndate alguses Berliini kaudu läände hüpanud noorte maalikunstnike Gerhard Rich­teri ja Georg Baselitzi edulugu ning SDV figuraalse koolitusega ja juba 1990ndatel superstaariks tõusnud Neo Rauchi juhtum räägiksid justkui konservatiivse põhja vajalikkusest.

    Kahjuks ei olnud 1970ndatel lääne (kunsti)maailmaga nõrgalt integreeritud Soome mingi tunnustuse jagaja, veel vähem trendide algataja või maitsekohtunik (jää hakkas Soomeski liikuma alles 1980ndate lõpus). Teemu Mäki ütleb oma saatesõnas otsekoheselt välja, et mingit arvestatavat tuntust Ludmilla Siim, nüüd juba Milla Siim-Kaasinen, Soomes ei saavutanud. Nüüdseks teame piisavalt suhtekorralduslikest mehhanismidest, kuidas kunstniku tuntus arenenud kapitalismi tingimustes tekitatakse – niisama ei sünni midagi. Suuresti abstraktse kunsti käes siplevasse Helsingi 1970ndate maalikeskkonda sattunud Siim on mitmes intervjuu stoilise rahuga välja öelnud, et kuidagiviisi tuli tal kohaneda.

    Siimu know-how tuli tasapisi käibesse siis, kui kunstituuled muutusid, ning täienduskoolituskursustel ja kõikvõimalikes kunstikoolides läks hinda realism, selle valdamine ja selle süsteemne õpetamine. 1980ndate lõpust sai ta töötada juba suhteliselt korralikes oludes: tõenäoliselt ei olnud ateljeeks poolkelder, nagu Tartu maanteel.

    Tasalülitavas ja unifitseerivas maailmas pole kunstnikel ebarealistlikke ootusi ei siin- aga sealpool Soome lahte, elukohamuutus karjääri põhjapanevalt enam muuta ei saa. Õnne peab olema ja zeitgeist kattuma viljeldava laadiga. Siimu üpris haruldased, suure detailitäpsusega maalitud sümbolistlikud ja metafüüsikaga tembitud panoraamsed kompositsioonid on oma hedonismis võrreldavad David Hockney California unelmatega. Siimu töödes on keskmes mõnikord antiikvaremed Salvador Dalí moodi (põhjust on rääkida sürrealismi puudutusest), mõnikord aga rohkem või vähem ujedate noorte inimeste rühmad (mehed tihtipeale laiaõlgsed, palja ülakeha ja pikkade juustega, kontrastiks platvormkingade, suurte silmade ja blondide kiharatega tütarlapsed). Siimu partneriks polnud aga kahjuks New Yorgi moodsa kunsti muuseumi pea­kuraator Henry Geldzahler, kuigi isegi too ei suutnud Hockney karjäärile mässavatel ja vasakpoolitsevatel 1960ndatel ja 1970ndatel piisavalt hoogu anda.

    Kujunduse võimalikud variandid. Olin mõõdukalt kriitiline 2019. aastal Tallinna keskraamatukogus korraldatud Siimu näituse kujunduse suhtes, kus eklektiline ruum tappis ekspositsiooni. Minu meelest on Siim liiga hea kunstnik, et näidata tema töid igas koridorijupis, mis ennast galeriiks kutsub. Kristi Kongi on Tartu näituse kujundusega üldjoontes hakkama saanud, kuigi värviline põrandakate annab muidugi reflekse teatud maalipindadele, nii et optiliselt seovad need põrandarefleksid keeruliste ja ülimalt rafineeritud värvikooslustega tihedalt üksteise kõrvale lükitud suurte maalide ekspositsiooni õrnalt koloreeritud tervikuks. Esimese korruse Raekoja platsi poolne apteegiruum seisab samuti koos, aga nähtav ruumiteos on pooleldi juba Kongi oma. Otseselt need küllastunud pigmentidega ülemaalitud seinad töid ei tapa, sest Kongi taju värvide simultaani osas on selleks liiga hea. Olgu öeldud, et sellesse ruumi on koondatud ülimalt väikesele pinnale abstraktne, küllastunud värvidega kord eleegiline, kord dramaatiline looming, hõõguvad punased ja sakraalselt sügavsinised ringid, ja see maailm ei värise, vaid püsib. Intensiivsuses on kohatist sarnasust Jackson Pollocki indiaani kultuurist mõjutatud varaste töödega, mis tehtud enne, kui ta tilgutamise avastas. Ja paaris hämarama jaotusega Siimu töös tajub ehk ka paulkleelikke käike.

    Samavõrd olnuks huvitav näha Siimu töid ka polikliinikuvalguses, s.t täisvalgete põrandate/lagede/seintega ruumis, lisaks vaid ühe või paari ruumiosa teiseks toonimine. Selline lahendus võinuks eksponeeritavat kunsti vähem häirida, aga sellisel juhul oleks ehk pidanud vähemalt kolmandikust töödest loobuma. Värvilised pinnad on ent võimaldanud maja pilgeni täis pakkida. Kuna näituse avavad allkorrusel eksponeeritud Soome perioodi maalid, ei ole tööd esitatud sugugi kronoloogilises reas. Stiililooliselt võinukski abstraktne plokk vabalt eelneda 1970ndateks kujunenud Siimu laadile. Ehk tuleb kunagi ka aeg, kui Mati Undi portree saab enda kõrvale näiteks 2011. aasta „Ruumi otsingu“ või 1993. aastal maalitud „Tasakaalu“?

    Kui ükskõik millisel põhjusel saab aasta jooksul käia vaid ühel maalikunstinäitusel, siis soovitan kindlalt „Olemise helki“ – hea kunst jääb kestma, viiskümmend aastat pole kunsti jaoks mingi aeg.

  • Joone neli ilmumist

    Maria-Kristiina Ulase isiknäitus „Joon voolab hingelt“ Arsi projektiruumis kuni 3. IV.

    Maria-Kristiina Ulase näitus Arsi projektiruumis on teatraalne. Vaataja satub otse installatsiooni, laest rippuvate vineerist välja lõigatud veidrate olevuste keskele, keda määratleda polegi võimalik. Seinu katvate mastaapsete pannoode pintslijoonte rägastikest hoiavad külastajat justkui igas ruumipunktis fookuses veidrad, viirastuslikud silmapaarid. Mõnel neist on koera pilk. Tagaseina paberlõigete musta poogna helendavatest avadest paotuvad pilud kellegi inimnäolise kurdudesse. Seinale naelutatud ebardlik punane hiigelpeaga elukas pelutab. Visuaalse tulevärgi foonil mõjub rahustavalt ruumis voogav meditatiivne muusika (Robert Nikolajev), mis on loodud saateks kardinatagusele video-performance’ile.

    Graafiku haridusega Maria-Kristiina Ulas tõusis pöördelistel 1990. aastatel oma hiiglaslike pintslijoonistustega siinse kunstimaailma tippu. Tema toakõrgused guaššmaalid, mille kummastavatesse fantaasiamaastikesse oli läbisegi põimitud kalligraafilisi ornamendiuperpalle ja antropomorfseid detaile, jäid meelde värvide ja kujundite seninägematu intensiivsusega. Vihjed loodusmaastikele on kunstniku loomingust juba mõnda aega kadunud. Jäänud on sisekosmos ja seda vahendav inimese kuju, keha, mis Ulase teostes on oma eheduses ikka alasti. Figuuri või mõne uude keskkonda seatud kehaosa kaudu on vaatluse all inimsuse eri tahud, vaimse ja füüsilise metamorfoosid.

    Joone esimene ilmumine: must joon valgel taustal

    Ulase puhul on ikka imetletud tema joonistuslikku meisterlikkust, käsitletud seda manuaalse oskusena, mis kipub tänapäeval kaduma minema. Miks on küll joonistusoskust nimetatud manuaalseks? Käsi saab ju impulsi peast, on vaid meedium. Asi võiks olla lihtsam, kui Ulas jäljendaks seda, mida silm näeb. Aga ta ei tee seda, vähemalt mitte üksüheselt. Joon on vahend, mitte eesmärk omaette. Juba autori pandud näituse pealkiri „Joon voolab hingelt“ seob selle hingelis-vaimse dimensiooniga: „Joon loob ja liigub, sisemine ja välimine puutuvad kokku“, kirjutab Ulas näituse saatetekstis.

    Näitusesaali kahel vastastikusel seinal laiuvad paberipaanidel ehedad pintslijoonistused – vaid puhasvalge paber ning eri laiusega mustad jooned. Meenub kadunud Leonhard Lapin, kes õpetas terve semestri üliõpilastele ühe joone tõmbamist. Kuidas saavutada joone vahetus, täita see energiaga. Ulasel on jooni rohkem, kuid mitte ülearu. Kõik on väga täpselt paigas, midagi ei saaks ära võtta ega juurde panna, võib öelda, et siin väljendub Ulase absoluutne kuulmine joonemeistrina. Pinnad puuduvad, on vaid joonekogumid, viirutused, kimbud. Teose rütmid on täpselt tempereeritud, kompositsiooni osade ülemineku­kohtade lahendus näib ainumõeldav. Tulemus on puhas, esteetiline, kaunis. Aga mis on selle mõte, tähendus? Joonepööristest moodustuvad inimnäod. Midagi hämarat, psühhedeelset, pelutavat on neis pilkudes, aga on ka kütkestavat kelmikust. Süvenenud vaatlemisel saavad märgatavaks aina uued kummastavad detailid, viirutuse pinnal eristuvad ühtäkki veel kümned silmad, kõrvad, otsekui taju vingerpussid või unenäo­labürintide ilmutused. Teos hakkab üha enam voogama, joonte nägemuslikkus lummab. Pilguheit autori sisemaailma avardab maailma varjatud tahkusid, inimhinge selle keerukuses, lõpuni mõistetamatuses, saladuslikkuses.

    Joone teine reinkarnatsioon: paberlõige

    Maria-Kristiina Ulas on joonistus­vahendina kasutanud ka lõiketera. Ta on paberlõiget viljelenud 1990. aastate keskpaigast peale, olnud juhendajaks kümnetele paberlõike töötubadele. See vana idamaist päritolu tehnika mängib tumedusest vabastatava valguse, tühjuse, avadega. Paberlõige on protsessuaalne kunst, üks kujund tingib järgmise. Lõiketera tekitab joone, loob samm-sammult kujutise. Ulase paberlõigete ülespoole turritavad servad hõlmavad isepäiselt ruumi. Tasapinnalisest hakkab saama ruumiline. Loomislustis autori virtuoossuses ka selle joonest lähtuva tehnika valdajana ei ole vähimatki kahtlust.

    Joone kolmas ilmumine: vineerist inimvigurid

    Maria-Kristiina Ulase näitus Arsi projektiruumis on teatraalne. Vaataja satub otse installatsiooni, laest rippuvate vineerist välja lõigatud veidrate olevuste keskele.

    Huvitav on vaadata Maria-Kristiina Ulast krokiitunnis joonistamas. Rahulikult, näiliselt kiretult, joonistusplokk põlvedel, tekib paberilehele värviliste markeritega kujutis. Eesistuva modelliga on tulemusel vaid kaudne seos. See annab joonistamiseks võimaluse, lubab nähtavaga taas mängida, trikitada – modell on vajalik, kuid ei kirjuta oma olemise ega poosiga mitte midagi otseselt ette, kuid võib hiljem anda inspireeriva niidiotsa. Joonistusploki visanditest edasi arendatud kujutised on teinekord pärast teisenemisi saanud vineerlõigete lähtematerjaliks. Kunstniku loodud kujutise alusel sünnib arvutis vektorjoonis. Arvutis suurendatud kujutised kas freesitakse või lõigatakse välja tikksaega ning ka siin kasutab Ulas, nagu ka arvutitöö juures, meistrite abi. Kui käepuudutus masina vaheleastumisel otsekui katkes, taastab autor selle mõnikord suurt kujundit kirevalt mõlemalt poolt üle maalides. Grotesksed mees- ja naisfiguurid, mõnel käed tiibadena laiali, on kui aheldatud Prometheused, kes on igavesti vangistatud kunstniku antud poosi. Vaimukas hübriid „Roheliste sõrmedega naine“ on kui juurdumisele püüdlev peajalgne, kelle nägu joonistub lõike avadest. On ka ühevärvilisi töid, mis mängivad lakoonilise silueti, kujutise piirjoone ja selle avadega nagu paberlõiked. Selline on vineerist tikksaelõige „Punane Putin“ (teostanud Mart Laul), hiiglasliku vesipeaga monstrum, kelle atrofeerunud jäsemed ning sabaks keerdunud suguelundid visualiseerivad kurjuse inetu palge. Ulas on kavandanud selle soerdi hampelmannina: „Ma tahan, et punane Putin hüppaks ja kargaks just nii, nagu teda nöörist sikutada, mitte ei määraks asjade käiku.“ Kui see vaid aitaks lõpetada sõda! Naeruvääristamine saab olla kunstniku relvaks.

    Joone neljas ilmumine on nähtamatu

    Kuigi liikumine on varjatuna peidus ka hampelmanni kujus, näeb kardina­taguses videoruumis selle katkematut esitust. Mõne aasta taguselt kevadnäituselt tuttav „Kiikloom maagiline mees“ (teostanud Tanel Erik Tikk ja Visser Raud), täiskasvanute lelu, on saanud performance’i atribuudiks, mida etendab autori poeg Ernst-Martin Sõukand (video autor Johan Huimerind). Kiikumise tavapärane tähendusväli on pigem rahustav – edasi-tagasi, edasi-tagasi – kindlates ruumilistes piirides korduv tegevus. Performance’i esimestest hetkedest on selge, et see kiikumine ei ole tasakaalu otsing. Sugestiivse muusika saatel üha intensiivistuv kiikumise rütm kulmineerub plahvatuslikuks väljaelamiseks, mis on keha ja vaimu vabastamise protsess ühtaegu. Ulase välja mõeldud tegelase nähtamatud trajektoorid, liikumine läbi õhu võiks olla joone ilmumise neljas, kineetiline ilming.

    Ulas ja teised

    Kunstikogemusega vaatlejal on ikka soov tõmmata paralleele, otsida seoseid, märgata eeskujusid ning lahterdada teoseid kunstiajaloo kastidesse. Kui rääkida joonemeisterlikkusest eesti kunstis, nimetan Eduard Wiiraltit, aga ka Peeter Allikut, kui pidada silmas spontaanset improvisatsioonilisust, sähvatab Ado Vabbe, kui otsida kõrvutust maalitud kujundile, mis pürib ruumiinstallatsiooniks, tuleb silma ette Jüri Kask, kui rääkida vineerist saetud kujunditest, siis meenub kontseptuaalne Enno Hallek. Mööda ei saaks vaadata ka Maria-Kristiina Ulase isa, Peeter Ulase sürrealistlikest joonistustest. Samalaadset inimesekujutuse groteski on ka tütre töödes, nii vangistatud deemoneid kui vabanevaid vaime. Maailm ei ole lihtne ja üheplaaniline, ta võib olla nihkes ja mänguline, näib ütlevat Maria-Kristiina Ulase kunst, kui vaid osata tabada hetki.

  • JAAN ELKEN, kunstnik 

    Jaan Elken

    Kohanemine on liigi püsimajäämise põhiline eeldus. Inimene on kõike elusat ohustav röövliik ja ekspluateerija, valetame iseendale ja teistele. 

    Kultuuril on ühiskonna tööjaotuses oma roll – ja seda mitte ainult autoritaarsetes režiimides. Kunst annab ajastule näo: Londoni ududest hakati rääkima pärast William Turneri maaliseeriat. Täites tühikud banaalse ja ideaalse vahel, loob kunst nii-öelda tähestiku, millest pannakse kokku tsivilisatsiooni visuaalne lugu. Praegu on pildilise osakaal kommunikatsioonis järsult tõusuteel. 

    Ene-Liis Semperi ja Tiit Ojasoo lavastatud hübriidis „72 päeva“ virgus vabade noorte kehade sülem viktoriaanlikku, krinoliinseelikutega kängitsetud staatikasse. See oli nagu kohanemise kui paratamatuse võrdkuju: tööstusrevolutsioon kasvas ületootmiseks, kõik järgnev transformeerus märkamatult apokalüptiliseks maailmalõpu diskoks. Lavastus tervikuna oli kui vaimustav pildialbum visuaalse kunsti hüpnootilisest võimust meelte üle, fooniks pulseeriv reivimuusika, kus noorte naiste modellikehadest tõusis kaltsudes tuhnimise järel viviennewestwoodlik, skulpturaalne materjal. Vaatajale näidati kümneid ja sadu flashback’e maailma uuemast kunstiloost: Auguste Rodini „Pronksiajast“ maagilise realismi kaudu Michaël Borremansi, Mauricio Cattelani väikese Hitleri ja John Currini hard-core pseudosalongikunstini. Kommertskultuur on ikka adapteerinud ideid kõrgkultuurist, 1960ndatest on liiklus avalikult kahesuunaline. 

    Kaitseülikonnad ja termokiled, laste elutuid kehi kandvad põgenikud on pärit kuulsatelt pressifotodelt, mis 1960ndatest on toonud sõjad elutuppa. Semperi võime kolmest kangatükist haute couture teha on nihkes meelelahutuse eeldus: üleilmselt äratuntavad tühjad poeriiulid, naised kui kaup. Ukraina sõda on teksti trükkiminekuks kestnud 36 päeva, täpselt pool 72 päevast. 

     

  • Eesti Maalikunstnike Liidu juubelinäitus „Armastuse lugu / Love Story“ Uue Kunsti Muuseumis

    Peeter Must. Hüppel

    Eesti Maalikunstnike Liidu juubelinäitus Pärnu UKMis 2.04-29.05.2022

    ARMASTUSE LUGU / LOVE STORY

    avamine 2.aprillil kell 14.00

    Maalimise aktis ja armastuse aktis on kireta võimatu rahuldavat tulemust saavutada. Armastus on eeldus igasuguseks aktiivsuseks. Maalimise akt on tõenäoliselt enamike maalikunstnike jaoks kirg, põlemine, puhas armastus. Maalikunstnikud on kunstilise igiliikuri ammu üles leidnud, ehk sellega on seletatav ka maalikunsti siin ja praegu definitsioonide kategoorilisus – tegemist oleks justkui vääramatu jõuga.

    Millega muuga kui armastusega saab põhjendada müsteeriumi, et jätkatakse suunal ja meediumiga, mis pakub kunstiväljal maalinärvita kriitikutele pinget vaid siis, kui kuraatorid selle mingisse teemapaketti paigutavad. Armastusega loodu avaneb vaid armastajale.

    Kunstnikud on teemat käsitlenud avaralt, alates abstraktsetest tõlgendustest ( Liisa Jugapuu, Vano Allsalu,

    Nelly Drell. Naistepäev. 2022.

    Mirjam Hinn, Liis Koger, Anne Parmasto jt.) kuni kuraatoritekstist inspireeritud stseenideni, armastajapaaridega peaosas (August Künnapu, Nelly Drell, Lilian Mosolainen jt.), Paljude keskmise ja vanema põlvkonna kunstnike aineses on jälgitav metafoorsel tasandil juurdlemine tegelikkuse üle, need on maalid, kus suurepärane tehniline pagas on paaris filosoofilise sügavutiminekuga (Tiit Pääsuke, Mari Roosvalt, Jüri Arrak, Kristiina Kaasik, Tiiu Pallo-Vaik jt.) Erki Kasemetsa maalitud surmatantsu allegoorial on kujutatud kahemeetrist, tikkontsadel supermodelli. Poliitilse kunsti otseütlevas võtmes on maalitud Valeri Vinogradovi psühholoogiline portree.

    Kunstnikud:

    Rain Ader, Vano Allsalu, Stanislav Antipov, Ivi Arrak, Jüri Arrak, Nelly Drell, Jaan Elken, Herlet Elvisto, Pille Ernesaks, Evi Gailit, Anne-Mai Heimola, Mirjam Hinn, Ashot Jegikjan, Liisa Jugapuu, Eva Jänes, Santa Zukker, Ly Kaalma, Kristiina Kaasik, Kalli Kalde, Satu Kalliokuusi, Erki Kasemets, Liis Koger, Liive Koppel, Ilmar Kruusamäe, Eve Kruuse, Piret Kullerkupp, Maret Suurmets Kuura, Anna Kõuhkna, Andro Kööp, August Künnapu, Vilen Künnapu, Mati Kütt, Urve Küttner, Silvi Lepparu, Philiph Arvo Luik, Ivika Luisk, Helle Lõhmus,Vitali Makar, Ahti Meier, Anne Moggom, Lilian Mosolainen, Anu Muiste, Marju Must, Peeter Must, Marko Mäetamm, Karl Kristjan Nagel, QBA /Martin Kaares, Alina Orav, Ulvi Oro, Tiiu Pallo-Vaik, Riin Pallon, Anne Parmasto, Per William Petersen, Sirje Petersen, Sirje Piir, Tiit Priidel, Lii Pähkel, Tiit Pääsuke, Piret Rohusaar, Mari Roosvalt, Uno Roosvalt, Andrus Rõuk, Kaja Sikk, Sandra Sirp, Angela Soop, Karin Strohm, Kuzja Zverev, Karl-Erik Talvet, Tiina Tammetalu, Lola Tehver, Margus Tiitsmaa, Heli Tuksam, Maris Tuuling, Einar Vene, Valeri Vinogradov.

    Mirjam Hinn. Aeg ja ruum.

    Näitus on juubelihõnguline – 2022.aastal möödub kolmkümmend aastat Eesti Maalikunstnike Liidu asutamisest mittetulundusühinguna 1992. aastal. Väikeseks tähtpäevaks saab lugeda ka seda, et käesolev näitus on järjepanu kümnes Pärnu Uue Kunsti Muuseumis.

    Näituse toimkond: Marie Virta, Tiiu Rebane, Linda Elken

    Näituse kuraator ja kujundaja: Jaan Elken

    Toetab: Eesti Kultuurkapital ja Pärnu Linnavalitsus

    UUE KUNSTI MUUSEUM

    Rüütli 40a

    Avatud E-P 11.00 -18.00

     

  • Festival “Hullunud Tartu” kutsub reedel ja laupäeval levist väljas olema

    12. rahvusvaheline interdistsiplinaarne Hullunud Tartu festival kutsub 1.–2. aprillini kaasa hulluma. Programm algab mõlemal päeval kell 17.00 Karlova teatris (Tähe 66) ja suubub seejärel öhe: reedel kultuuriklubis Salong (Vanemuise 19) ja laupäeval Ajuokse keldripoes (Kastani 42). Seekordseks alapealkirjaks on „Levist väljas” ning külastajaid oodatakse oma nutimasinaid taskutes hoidma ja sulanduma üheks poeesiaga.

    Lätist väisavad ülikoolilinna Artis Ostups ja Lote Vilma Vītiņa. Tartu linnakirjanik Paavo Matsinit saadab marionett-teater Čertik. Erinevates muusikalistes kooslustes leiab Jürgen Rooste, Lauri Sommeri ja Maarja Pärtna. Jaan Malin üllatab lausa mitme kollektiiviga. Kirjandusnälga ravivad Øyvind Rangøy, Kristina Viin, Aliis Aalmann, Sanna Kartau ja Susanna Mett. Festivali põhiprogrammi algust ja lõppu palistavad Tartu kultuskollektiivid Iso Pullo ja Naelravi.

    Reede õhtul toimub programmi viimane osa kultuuriklubis Salong, kus Merca esitleb suurepäraseid raamatuid. Kunstilise poole eest hoolitseb alternatiivne loomeinimeste kollektiiv Ajuokse –  muuhulgas esitletakse laupäeval  keldripoes maa-aluse kultuuriajakirja neljandat osa ja trükitakse koos loodussõbraliku siiditrükistuudioga Kuues Planeet Ukraina toetuseks T-särke. Laupäeval toimub ka festivali järelpidu kultuuriklubis Salong.

    Lisainfo ja kava on leitav sündmuse Facebooki-lehel ning kirjanduslinna Tartu kodulehel tartu.kirjandus.ee

    Festivali toetavad Tartu linn, Eesti Kultuurkapital ja A. Le Coq.
    Festival kuulub Kirjanduslinn Tartu programmi.

Sirp