Muinaslugu muusikast

  • Niguliste muuseumi näitus „Ars moriendi. Suremise kunst”

    Ars moriendi. Suremise kunst

    Niguliste muuseumis 2. november 2012 – 2. juuni 2013

    Näitus „Ars moriendi. Suremise kunst” keskendub kesk- ja varauusaegsele mälestamis-, matuse- ja surmakultuurile, pühendudes eeskätt nende teemade kajastumisele selle perioodi kirikukunstis.

    Väljapanek kaasab ja seletab lahti Niguliste muuseumis väljas olevaid hauaplaate, epitaafe, vappepitaafe ja teisi sakraalkunsti teoseid. Matusetraditsioonide ja -riituse tavasid ning läbiviimist avavad kultuuriloolised esemed, nagu näiteks erinevad kirstukaunistused alates keskajast kuni 18. sajandini, metallsargad ja matuseregaaliad, mille seas on turvisekiivreid ning 1678. aastal Tallinna toomkirikusse maetud Fabian von Ferseni uhke kuldbrokaadist surikuub. Samuti näevad külastajad 17. sajandi lõpust pärinevat ja ligi nelja ja poole meetri pikkust gravüüri, mis kujutab Rootsi kuningas Karl X Gustavi matuseprotsessiooni ning haruldast mehhaanilist surmafiguuri 1666. aastast, mis kaunistas kunagi Narva saksa kiriku kooriruumis asunud suurt kella.

    Näituse raames esitatakse filmikollaaži surma, suremise ja teispoolsuse kajastumisest Eesti ajaloolises mängufilmis. Teispoolsuse geograafiat ja surmajärgse elu sihtpunkte aitab lahti seletada Niguliste kooriruumis asuv mänguline põrandakaart.

    Surm on elu lahutamatu osa, kuid arusaam surmast, teispoolsusest ja nende tähendusest on sajandite vältel muutunud. Surm ei olnud elu lõpp, vaid ühe uue teekonna algus. Inimhinge lõplik peatuspaik sõltus suuresti aga tema enda elatud elust, tegudest ja otsustustest. Paremat teekonda taevasse aitasid sillutada kirikutele tehtavad annetused, head teod, patukustutuskirjad, hingemissad ja palved. Kui keskajal oli taevasse pileti lunastamise vahendajaks kirik, siis luterliku arusaama kohaselt oli vaid usk see, mis määras inimhinge lõpliku saatuse.

    Pühakojad ja surnuaiad on aegade vältel olnud elavate ja surnute kooseksisteerimiskohaks. Lahkunud olid selles ühises ruumis füüsiliselt kohal oma matusekohtades ja vaimselt tajutavad läbi neid representeerivate ja mälestavate memoriaal- ja sepulkraalkunsti teoste ja esemete.

    Surmaks ettevalmistumine oli inimese elu osa. Usuti ka, et inimhinge surmajärgsel teekonnal on määravaks see, kuidas ta suri. Keskaegse surmaks ettevalmistuse ja surivoodi kombestiku võttis kokku traktaat „Ars moriendi ehk suremise kunst”. Alates 15. sajandi algusest laialt levinud tekst lohutas ja juhendas nii surijaid kui ka nende eest hoolitsejaid.

    Näituse pealkiri „Suremise kunst” parafraseerib „Ars moriendi” algset tähendust, vaadeldes eeskätt surma-, matuse- ja mälestamiskultuuri visuaalset väljendumist kesk- ja varauusajal. Selle edastajateks olid kirikutele annetatud kunstiteosed ja matustega seotud esemed. Altariretaablite, kirikuhõbeda ja teiste esemete tellimine ja kirikutele kinkimine osutas sageli soovile kindlustada endale parem teekond teispoolsuses ning samas oli see ka mälestuse jäädvustamiseks ja mahajäänute julgustamiseks, et nad lahkunu hinge eest palvetaksid. Luterliku memoriaalkunsti iseloomulikumad teosed olid epitaafid ja vappepitaafid, mida püstitati eeskätt Jumala auks, kiriku kaunistamiseks ja inimestele mälestuseks. Matusekohti tähistavad hauaplaadid väljendavad kõige otsesemalt sajanditepikkuse mäletamis- ja matusekultuuri visuaalset traditsiooni. Hauatähise suurus ja kujundus osutasid lahkunu(te) staatusele ja tuletas maapeale jäänutele meelde nende surelikkust.

    Matustega seotud esemed annavad meile aimu, kui suurejoonelised võisid olla lahkunute ärasaatmised, viidates kadunukeste staatusele ja märgistades tollaseid matusetraditsioone. Kuninglike peade ja aadlike matusetseremooniad kaasasid sellesse viimse maise hetke etendusse nii leinavate osaliste kui ka pealtvaatajatena kõiki ühiskonnakihte. Palju lihtsamad ja tagasihoidlikumad olid aga tavainimeste ärasaatmised.

    Näituse ajaline raamistus algab keskajast ning lõppeb 18. sajandiga, hõlmates visuaalset materjali nii katoliiklikust kui ka luterlikust ajast. Üleminek luterlusele 16. sajandi esimesel poolel kajastub eeskätt muutustes memoriaalkunsti tähenduses ja kasutuses ning teoste pildiprogrammide teisenemises. 18. sajandi lõpp märgib olulist pööret siinses matuse- ja mälestamiskultuuris. Katariina II ukaas 1772. aastast keelustas kirikutesse matmise ning seadis ette uute surnuaedade rajamise elukohtadest eemale. Kirikuruumis tähendas see aga matuste- ja mälestamisega seotud visuaalia seiskamist, kus uusi memoriaal- ja sepulkraalkunsti teoseid seati pühakodadesse üles vaid haruharva.

    Näitusega kaasnevad loenguprogrammid, kuraatoriekskursioonid, haridusprogrammid, kevadine filmiprogramm ja muud üritused. Samuti on muuseumipoes saadaval näitusega seotud tooted ja meened. Isadepäeval 11. novembril toimub Niguliste muuseumis mängupäev, kus külastajad saavad koos mängumeister Asko Künnapiga mängida „Surmatantsu” lauamängu.

    Näituse kuraator Merike Kurisoo, kujundaja Liina Siib.

  • Stiilne Mozartite kontsert barokses lossis

    See oli üks kummaliselt tähendusrikas muusikaõhtu. Esmapilgul kontsert nagu sajad sellelaadsed: väike saal kusagil linnaääre talviselt pimeda pargi serval, väike orkester, vähetuntud teosed. Ootamatult tundsin aga esinduslike, pompoossete saalide ja prestiižsete esitajate tunde kestvate kontsertide kõrval, et see oli nagu pisike kalliskivi, mis ootamatus ilus sädelema hakkas ja veel hiljemgi südant soojendas. Kipun arvama, et W. A. Mozarti hing oli tol sünnipäeval koos Euterpega just sellistes stiilsetes väikesaalides…

    Võiksime alustada ehk nii: kui isa Leopold Mozart 1719. aastal ilmavalgust nägi, olid Peeter I ja tema õuearhitekt Niccolo Michetti Kadrioru lossi ja pargi just hiljaaegu maha märkida jõudnud. Lossiansamblit ehitati aastaid – sellest sai kunstiteos. Kui Wolfgang Amadeus aastal 1756 sündis, parandati juba Kadrioru lossil esimese tulekahju (1754) haavu. Loss Kadriorus on tänapäevani üks Põhjamaade pärleid, küll mitmeid kordi ajaloo karmi kätt tunda saanud, kuid ometi ühtaegu suursugune ja intiimne, ülev ja inimlik. Milline võikski olla veel kaunim ja õigem koht W. A. Mozarti 250. sünniaastapäeva tähistamise kontserdiks?!

    Minu esimene kompliment kuulubki Tallinna Kammerorkestrile kohavaliku eest. Mozart oma 250aastase muusikustaažiga on piisavalt igielav helilooja, et lubada geeniuse sünnipäevapeole, oma võimetekohast austust avaldama igas žanris kunstnikke: heliloojaid, dirigente, pillimehi, lauljaid, tantsijaid jpt. Võisime seda kõike kuulda ja näha kümnete tundide kaupa arvukates teleprogrammides.

    Minu teine kompliment kuulub Tallinna Kammerorkestrile kava stiilse koostamise eest: isa Leopold Mozartilt tänutäheks üks sümfoonia, poeg Wolfgang Amadeuselt kaks sümfooniat ja serenaad.

    Leopold Mozartilt oli kavasse valitud tema 34. eluaastal loodud G-duur sümfoonia. Kolmeosalisena on see nagu poja noorusaja teosedki, kauni ja leidliku teemamaterjaliga, mis valatud mängleva osavusega tolleaegsesse väljakujunenud vormi. Esitajad saavad end hoogsalt ja vabalt avada, olenevalt interpreteerimisjulgusest ka dünaamikanüansside osas mängelda. Võib uskuda, et isa Leopoldi professionaalne baas andis väikesele Amadeole soliidse vundamendi, millele rajada tõeliselt suur ja uhke looming. Poja V sümfoonia B-duur “Haager” ja VIIa sümfoonia G-duur “Lambacher”, mida kontserdil kuulsime, on ju vaid 9aastase poisikese kirjutatud! Muide, selle sümfoonia III osa teemat on Mozart hiljem kasutanud oma “Figaro pulma” II vaatuse lõpus. Kui isa Leopold söandab kirjutada: “Mu kaheksa-aastane poeg tunnetab muusikat samamoodi, kui seda võiks eeldada neljakümneaastaselt mehelt,” siis nendib ta tõtt.

    Noore Mozarti sümfooniad justkui tõestaksid, et geeniuse loovad ideed on algselt valmis, sünnipäraselt kaasa antud: siin on paigas kõik põhijooned, nagu teemade ilu oma kujundite lihtsuses, julgus, hoog ja valmisolek olla alati ise, mitte karta seda hilisemate aegade kurikuulsat mõistet “iseenese kordamine”. Mozart kordab ennast teosest teosesse läbi kogu elu! Julgelt, eneseusaldusega. Ta teab, et tal on oma, aegumatu ja kulumatu sõnum. Ja kui ka nende lapseeasümfooniate kiirete osade motoo­rika meenutab kohati veel Bachi ajastut, on igas teoses ometi Mozarti käekiri ja Mozarti vaim.

    Tallinna Kammerorkester näeb välja nagu noorteorkester. Sellel kontserdil mängiti dirigendita, kontsertmeistri Harry Traksmanni nagu kapellmeistri käe järgi. Väga sooviksin noorele kollektiivile paremaid pille. Just viiulite kõla jääb ikka kohati kiledapoolseks. Etteheitena pole mõeldud ka mõte, et vabam ja julgem mänglemine nüanssidega nii dünaamika kui tämbri osas lisab mängulusti nii enesele kui kuulajaile. Võrdluseks võiks näiteks mõelda, kuidas mõned head dirigendid käivad ringi menuettide, rondode ja ka andante-osadega. Seda võiks julgelt rakendada ka kontsertmeister.

    Orkestri ettekanne oli aga tulvil Wolfgangi noorust, rõõmu ja hoogu, head koosmängu ning kena fraseerimist. Selle kõige kui tervikmulje eest minu kolmas kompliment ja tänu!

     

     

  • Kultuur ning Eesti Rahva Muuseum

     

    Kaheksa aasta eest sattusime koos filmimehest semu Janno Simmiga Lääne-Siberis Eesti Rahva Muuseumi ekspeditsioonil Obi alamjooksul Aksarka külas kohaliku miilitsa küüsi. Miilits küsima, et mis me seal teeme. Seletasime kogeldes, et uurime hantide kultuuri. Miilits pööritas selle peale raevunult silmi ja teatas: “Kultuur on…” ning virutas kaks korda rusikaga vastu lauda.

    Võib-olla ongi miilitsad sellise haruldase tegevusala esindajad, kelle jaoks kultuuri olemus on implitsiitselt määratletud. Teadlased ei julgeks sel teemal vist küll midagi kindlaksmääravat osutada. Nemad vaatlevad kultuuri kui inimelu lõputut igapäevast kulgemist, hargnemist ning põimumist, aga täpselt ju ikkagi ei tea.

    Ameerika antropoloog Melville Hesko­vits on väitnud, et kultuur on inimese loodud keskkonnaosa. Ehk saaks öelda sedagi, et kultuur haarab põhimõtteliselt kõike inimese poolt tajutavat ja mõtestatavat. Samas on igal inimesel mingi kultuuri omailm. Kui kellegi arvates seisneb kultuurne käitumine vaid ühe pintsakunööbi kinnipanemises, siis läheb kultuuri piir läbi nööpaugu. Ja selliseid vaatetasandeid on musttuhat.

    Eesti Rahva Muuseum on kultuuri muuseum laias mõttes ning just sellisest avaralt haaravast vaatest tuleb lähtuda ka ERMi uue maja, püsinäituse ja kogu muuseumi tulevase arengu kavandamisel.

    Arengulooliselt on ERM välja kasvanud põhiliselt eesti ja muude soome-ugri rahvaste esemelisele kultuurile keskendunud etnograafiast, folkloristikast, natuke ka kunstiteadusest, kirjandusteadusest ning arheoloogiastki.

    Tänapäeval (tulenevalt nõukogude aja alguses toimunud ERMi sisulisest laialijagamisest) leidub ERMis peamiselt etnograafilist ning folkloristlikku ainest. Kogud sisaldavad üle 130 000 eseme, kuussada tuhat lehekülge käsikirjalist materjali (nii professionaalsete teadlaste etnograafiliste kirjelduste, välitööde päevikute kui inimeste saadetud kultuurikirjeldustena), üle kahesaja tuhande foto, üle viiekümne tuhande etnograafilise joonise, video- ning filmimaterjali. Saja aasta eest vaadeldi asjalist vanavara ja rahvaluulet kui ühtesid vähestest eesti identiteeti põhjendavatest nähtustest. Tänapäeval ei mõelda etnograafilistest asjadest tavaliselt enam nii üllalt.

    Siiski ei tohi ERMi põhimõtteliselt käsitleda vaid kui “vanavara tagavaraladu” (Arne Tallgreni, Eesti museoloogilise mõtte ühe alusepanija hoiatav tähelepanek 1920ndate algusest). Praegused kogud ei saa olla määravad ERMi arenguvisioonide piiritlemisel. Strukturalistlik arusaam, et muuseumi kui sellise keskmes on kogud ning muud tööd lähtuvad sealt, ei vii meid kuhugi. Teooriad küll tulevad ja lähevad, ent alles jääv materjal pole siiski muutumatu. Meie kultuuripärandi mõtestamise viis vahetub ju kogu aeg. Muuseumis on olulised kõik selle funktsioonid. Säilitamise kõrval siis ka uurimine, inimestele tagasi vahendamine ning muidugi ka arusaam lõputust juurde kogumisest. Kultuuriväljal näeme haaramatut paljust, mida mingite ideede alusel siiski dokumenteerime korrastatud kogumiteks.

    ERM võib uuel püsinäitusel ning ajutistel näitustel põhimõtteliselt välja panna kõike, sest kultuur on lõpmatu ning tõsikindlalt kinnistamatu. Eksponeerima peab nii eesti traditsioonilist rahvakultuuri kui ka tänapäeva Eesti multikultuuristuva ühiskonna esemestatavat ja visualiseeritavat kulgu, soome-ugri kultuure (millistega seotud kogud on ERMis ühed maailma kopsakamad) ning ka muud maailma (hiljuti lõi ju näiteks laineid Aafrika-teemaline väljapanek). Eksponeerima peab muidugi nii mänguliselt (on ju kindel, et vaatajad naudivad katsumist, konkreetset näitusesseminekut ning tehnoloogiliselt moodsaid lahendusi rohkem kui niisama vitriinisisu uudistamist) kui õpetavalt (näidatav peab harima, andma uusi teadmisi ja õhutama uut moodi mõtlema), kuid siiski teatud mõttes ühtselt, kõikehaarava kontseptsiooni kaudu.

    Ehkki tehnilist ja sotsiaalset näitusearendust on ERMil veel küllalt teha, on olulisem ikkagi mõte, milles liigutakse. Tehniliselt virtuoosselt lahendatud muuseumiekspositsioonid ei toimi ilma huvitava ideeta. Muuseum on põhimõtteliselt võimas relv ühiskondlike identiteedisümbolite loomisel. Inimesi ei tohi aga zombistada mingi jamaga. Heade mõtetega muuseumi püsiekspositsioon toimib ka tehnilise sigri-migrita. Loomulikult on parim viis viia need kaks asja kokku. See tähendab, et vormitakse head ideed publikut haaravate tehnikatega. Lummav näitus on lähedal musttuhande asja kultuurilõpmatusele ning üritab samas evida ka omal moel selget mõtet.

    Kahtlemata on küsimus selles, kui palju peab ERMis rahvast käima, et see õigustaks rahva muuseumi nime. Aastal 1993 oli ERMis 110 ruutmeetrit näitusepinda ja sealt käis läbi 6000 külastajat. Nüüdne 12 aastat püsinud põhinäitus on ammu kitsaks jäänud arenguks, ERMi külastatavus kõigub hulk aastaid 50 000 kandis. ERMi kohta pole see muidugi mingi hõiskamist väärt hulk.

    Uues majas ei tohiks ilmselt alla 100 000 külastaja mingit juttu ollagi, aga kas mõtleme ka näiteks 200 000st? Tegu on ühe olulisema Eesti identiteeti vormiva muuseumiga. Sada aastat kestnud liiga kitsastest võimalustest hoolimata on see potentsiaal ikkagi ERMi peidetud.

    ERMi missioon on kätketud ta nimesse muuseumi algusest peale. Seega peaks nüüd, uue maja ja püsinäituse arendamise käigus, püüdma ERMi asjas lähtuda mitte hetkehuvidest, vaid kaugperspektiivsetest sihtidest. ERMi uue majaga avanevaid võimalusi ei tule võtta mitte ühe sammu kaupa kobamisena, lähtudes pidevalt eelmise aasta olukorrast, vaid suurelt, kultuuri haaramisega laias mõttes. Kultuuril endal kardetavasti küll eesmärke pole. Kultuuri muuseumisse fikseeritud kulgemisel aga siiski.

     

  • Elu valgel linal

     

    11. ? 19. märtsini peetakse Tallinnas seitsmendat korda Eesti filmi päevi, millest Eesti Kinoliit teavitas pressi loosungiga ?Eesti film on elus!?. Kas kinoliit arvab, et keegi on kunagi tahtnud eesti filmi tappa? On see olnud aastaid tõvevoodis, vaevatud kurjadest valutavatest vähipesadest (saamatud ja ahned re?issöörid?) või vaakunud näljahädas (veel eostamata stsenaristid?), olles nakatunud immuunsuspuudest (Hollywoodi InvasioonViirus?)?

    Võimalik, võimalik, et see kõik on nii olnud või peaaegu nii olnud, sest tasuta arstiabi muutus ühel päeval tasuliseks?

    Tänapäeval on siiski juba veider vehkida loosungiga, et eesti film on elus. Kogu aeg on olnud. On paremaid ja halvemaid aastaid, üleminekuperioode, kasvuraskusi, õpiaastaid ja küpsemist. Pole kunagi saladus olnud, et filmitegemine tahab raha saada, samuti pole saladus see, et raha ei kasva lollidemaal puu otsas. Ja et kellel juba on, sellele antakse juurde. Ja et küünalt ei maksa vaka all hoida. Ja pole halba ilma heata. Ja nii edasi.

    Ma usun, et iga keskmine eestlane teab, mis valdkonnaga siduda järgmisi nimesid: Mark Soosaar, Arvo Iho, Priit Pärn, Rein Maran, Peeter Urbla, Jaak Kilmi, Andres Maimik, Ilmar Raag, Tiina Lokk? Rohkem ei julge praegu nimetada, aga neid on veel. Kahjuks on juba vähekene kahtlasem see, kas keskmine eestlane teab, kus asub Tallinnas Kinomaja. Või et selline loom on üldse olemas. Tee Kinomajani ei ole küll rohtu kasvanud, kuid see võiks olla palju laiem. Üksi elusolemisest ei piisa, lisaks sellele tuleb ka elada.

    Algaval nädalal on selleks suurepärane võimalus: 11 eesti filmi esilinastust. Ma võin kihla vedada, et mõni nendest on hea. Võib-olla isegi väga. Ja palju õnne sel puhul juba ette nii tegijatele kui nägijatele.

     

  • Tallinna 6. rakenduskunsti triennaal 2012 „KOGUMISE KUNST”

    23. november, kell 10.00
    SEMINAR
    Kanuti Gildi SAAL (Pikk 20, Tallinn)
     
    Kava:
     
    10.00–10.10 Avasõnad
    10.10–10.40 Love Jönsson (Rootsi), „Märkmeid kogumise kunsti kohta”
    10.40–11.10 Monika Auch (Holland), „Kunsti morfoloogia”
    11.10–11.40 Morten Espersen (Taani), „Ma olen anum. Ei pooltäis ega pooltühi. Sündinud tühjana, jään täituma”
     
    11.40–12.10 kohvipaus
    12.10–12.40 Sayaka Abe (Jaapan/ Holland), „Nostalgia?”
    12.40–13.10 Kari Steihaug (Norra), „Arhiiv: lõpetamata tööd”
    13.10–13.40 Karin Johansson (Rootsi), „Liblikakogu”
     
    Moderaator: Kai Lobjakas
     
    Seminar toimub inglise keeles.
     
    Seminar on kõigile tasuta.
     
    Palume registreerida oma osavõtt aadressil kristi@trtr.ee hiljemalt 19. novembriks.
     
    Love Jönsson on õppinud kunstiajalugu, kirjandust, filosoofiat ja ideede ajalugu. Ta on tarbekunsti- ja disainikriitik ning kirjutab regulaarselt nii Rootsi kui ka välismaistele päevalehtedele ja ajakirjadele, sh Rootsi ajakirjale Form, Norra ajakirjale Kunsthåndverk, Saksa ajakirjale KeramikMagazinEurope ja Ühendkuningriigi ajakirjadele Ceramic Review ning Crafts Magazine. Ta on kirjutanud esseid raamatutesse ja kataloogidesse ning toimetanud antoloogiat „Craft in Dialogue: Six Views on a Practice in Change”, mille andis 2005. aastal välja Rootsi valitsuse projekt, mida ta ka juhtis aastatel 2003–2005. Love Jönsson on õpetanud Göteborgi Ülikooli disaini- ja tarbekunsti instituudis ja peab loenguid rahvusvaheliselt. Ta on Rootsi kunstiajakirja Paletten vastutav väljaandja ja alates 2012. aastast Röhsska disainimuuseumi kuraator.
     
    Monika Auch on Saksamaalt pärit kunstnik, kes enne Gerrit Rietveldi Akadeemiasse kunsti ja tekstiili õppima asumist õppis ja praktiseeris Amsterdamis arstiteadust. Alates 2001. aastast töötab ta visuaalkunstnikuna. Auchi loomemeetod põhineb käteosavusel ja hästi hoolikal ning tundlikul materjalikasutusel mis ulatub kõrgtehnoloogilisest kiududest kirurgiliste torude ja arhailiste hobusejõhideni. Mänguliselt eksperimentaalses lähenemises kombineerib ta nüüdisaegseid CAD/CAMi vahendeid ja aeglasi traditsioonilisi tehnikaid nagu kudumine ja siiditrükk. Auchi töid on eksponeeritud paljudel rahvusvahelistel näitustel ja ta on saanud mitmeid stipendiume. Alates üleminekust meditsiinilt kunstile on Auch osalenud Hollandi kunstnike ja disainerite organisatsioonides, täites juhatuseliikme ja nõuandja rolli. Ta on Taanis kord kvartalis ilmuva kunstimaterjalide ja -tehnikate ajakirja kM käsitööd, disaini ja tekstiili käsitlevate väljaannete toimetaja. 2009. aastal oli ta raamatu „Hollandi kontseptuaalne käsitöö” („Mapping Dutch conceptual crafts”) toimetaja. Auch on külalislektor Sandbergi instituudis ning juhib õpikodasid Hollandis ja välismaal.
     
    Morten Espersen on Taani keraamik. Ta on õppinud Duperré kõrgemas tarbekunstikoolis Pariisis ja Taani disainikoolis Kopenhaagenis. Ta on õpetanud Koldingi disainikoolis ja töötanud professorina Göteborgi Ülikooli disaini- ja tarbekunsti instituudis. Tema töid on eksponeeritud nii isiku- kui ka rühmanäitustel alates 1990. aastate keskpaigast. Põhihuvi savi, arhetüüpsete vormide ja glasuuride vastu on tal jäänud samaks oma kunstnikukarjääri algusest peale.
     
    Sayaka Abe on jaapani päritolu, Amsterdamis Rietveldi akadeemias ja Sandbergi instituudis õppinud kunstnik, kes on tutvustanud end loojana läbi kaasaskandmise kogemuse. Tema harjumus kanda kaasas asju – taskurätti, raamatut või midagi muud – muutus kasvades eneseväljenduse osaks ja kaitseks, kohati ka suhtlusvahendiks. See viis ta ka näiteks ehete kui kaasaskantavate kaunite objektide valmistamiseni.
    Kari Steihaug on norra kunstnik, kes on õppinud Oslo ja Bergeni kunstiakadeemias, aga ka Manchester Metropolitan University’s. Tema töiseks väljundiks on enamasti installatsioonid, milles ta kasutab kangafragmente või leidobjekte, tegeledes neis aja, mööduvuse, mälu ja ajaloo teemadega. Kari Steihaug on ka raamatu „Arhiiv: lõpetamata asjad” (Magikon, 2011) autor, kus ta arutleb aja kogemuse ja isiklike lugude üle, mida võib leida kootud rõivastest.
     
    Karin Johansson on rootsi ehtekunstnik, kes on lõpetanud Göteborgi ülikooli ja on aastast 2007 samas ehtekunsti eriala külalisprofessor. 1997. aastast on ta üks kaasaegsele ehtekunstile pühendunud galerii Hnoss vedajatest. End kunstnikuna iseloomustab ta kui igapäevaelu asjade ja kujundite kogujat. See kasvav kogum nähtavat ja nähtamatut moodustab olulise osa tema ateljeest. Tema tööks on aarete otsimine nende asjade ja ideede keskelt, millest lõpuks saavad ehted, mida ihaldatakse, kantakse, küsitavaks peetakse või armastatakse.
     
    Triennaali peanäitus toimub Eesti Tarbekunsti- ja Disainimuuseumis, Lai 17.
    Kuraator: Love Jönsson (Rootsi)
    Näituse kujundus: 3+1 Arhitektid
    Graafiline kujundus: Tuuli Aule, Jaan Evart
     
    Triennaali toetavad:
    Eesti Kultuurkapital, Tallinna linn, Kultuuriväärtuste Amet, Eesti Tarbekunsti- ja Disainimuuseum, Eesti Kunstiakadeemia, Göteborgs Slöjdförening, Rootsi Saatkond, Taani Saatkond, Ameerika Ühendriikide Suursaatkond, Asuurkeraamika, Saaremaa Vodka, IASPIS, Puumerkki AS, Proplastik OÜ.

  • Psühhiaater-lavastaja Berliini ooperis

    Maria (Julia Zenko) ukerdab inimmetsa jalgade vahel. pressifoto 

    Berliinis esietendunud Astor Piazzolla tango-ooper “María de Buenos Aires” on omaette märk uue suuna ooperilavastuste reas. Nii tugevalt psühholoogiliseks lavastatud ooperit näeb harva. See ei olnud mitte enam psühholoogi, vaid juba psühhiaatri pilguga lahti harutatud ja publiku ette toodud.

    Muidugi pole ooperi faabula kaugeltki mitte isemängiv, aga samas laia vaimset tagapõhja avav. Ilmselt suunas ka see eripära lavastaja Katja Czellniku nii raske, aga süvitsi mineva ja õnnestunud lahenduse poole.

    Komische Oper Berlin on Euroopa kultuuripildis ooperimaja, kus on rõhk innovaatilistel lavastustel ja avaral repertuaaripoliitikal. Noortest koosnev trupp ei esita kaugeltki mitte vaid koomilisi oopereid või operette, nagu maja nimest võiks välja lugeda. Klassika kõrval mängitakse XX sajandi põnevat ja veel avastamata repertuaari nagu Šostakovitši “Mtsenski maakonna leedi Macbeth” ja 2006. aasta eredamaid esietendusi, Piazzolla “Mária de Buenos Aires”. Ning ooperiteatri suund on just tugeval teatraliseeritusel, psühholoogiliselt põhjendatud lavastustel.

    Piazzolla ooperi lugu on müstiline, irreaalne, peategelasteks Argentina naine Maria ja jutustaja (Duende), tegelikult kõige suunaja ja niiditõmbaja. Lavastaja nimetab teda helilooja alter ego’ks. Ja Maria ise: “Ma olen Maria… Tango-Maria, Aguli-Maria, Öö-Maria, Kire-Maria, see ma olen.” Ta jätab maha oma kavaleri, kes neab ta ära, sellegipoolest läheb ta suurlinna Buenos Airesesse. Ja lavastuslikult on see lahendatud vapustavalt.

    Lavakarp on terve etenduse vältel vaid hele kast, sinakasvalge haiglavalgusega, mis tõmbub vaid lühikeseks ajaks kollakaks. See on ka kogu valgusrežii. Ei ühtki dekoratsiooni – selle asemel 30-liikmeline kõnelev (mitte laulev) koor, mis käitub nagu inimmets, moodustab suuri plaane ja liikumisi-langemisi, tõusmisi, kuhjumisi. Need on bandoonioni-inimesed. Tagasihoidlikult ja nüüdisaegselt riietatud kooriliikmetel on kõigil käes punase lõõtsaga bandoonion (bandoneon, akordionilaadne Argentina rahvuspill, tangomuusika oluline instrument).

    Linna jõudnud Maria kompab läbipääsmatut bandoonionimüüri, ukerdab inimmetsana seisva koori jalgade vahel, otsib kedagi… otsib sisse- või väljapääsu. Ja siis tuleb Duende, seob ta pikad juuksed silme ette hobusesabaks ja paneb ühele põlvele toetunud kooriliikmete põlvedele käima. Paistab, et algus on Buenos Aireses raske. Publik jälgib ainiti kinnisilmi ukerdavat Mariat ja too kukub. Nüüd paneb Duende ta tagurpidi (ikka veel silmad juuksepatsi taga kinni) mööda jalgu kõndima. Maria kukub jälle. Duende võtab särgi seljast ja seob ta käed selja taha, enam ei saa ta ka kätega balansseerida.

    Aga tasapisi Maria harjub ja saab selle linna osaks, Maria sukeldub allilma. Ta mõistetakse lõpuks surma, kuid tema vari on määratud ekslema Buenos Airese tänavatel ja saama piinatud päikesevalgusest. Halastusest antakse varjule aga luba sünnitada ja ta toob sellesse langenud linna lunastaja. Ent mitte poisslapse, vaid tütrekese kujul.

    Kõnekas on veel etenduse ainus tangotants: üks kooriliikmeist heidab särgi seljast ja läheneb nurgas seisvale naisterahvale. Arglikud tantsuliigutused, Duende saab jaole ja tõstab naise käe partneri õlalt. Kui Duende eemaldub, paneb naine käe tagasi. Tango tärkab. Duende tuleb ja surub nad nurka tagasi, tantsijad aga tõusevad ikka ja jälle, kuni jõuavad lava keskele – enam pole Duendel midagi teha ja hoopis tema lükatakse eest. Lava on täis lamavaid inimesi, esimesed tangosammud on kohmakad üle inimeste astumised, aga jalad tõusevad uhke kaarega, milles aimub kirge ja väljaelamata emotsioone. Äkki aga on tantsijad jõudnud pikkade koridorideni, mis lamajate vahel peidus, ja nii muutub tants aina hoogsamaks, kuni jõutakse rambini – sisemine vabanemine.

    Tekst, mis võimaldaks ka kahemõttelisusi, on lavaliselt edasi antud ilma madaluse ja näpuganäitamiseta, samas mõjuvate kujundite ja lummava teostusega. Publik on kogu etenduse aja nii pinges, nagu vaataks mingit põnevusfilmi, samas kui laval toimuv füüsiline tegevus on minimaalne.

    Alateadlikku pinget kruvib muidugi muusika, kusjuures pole ühtegi lausa kiiret ja lahtiselt pealeminevat osa. Toimib just see hispaanialiku kultuuri paljukogetud fenomen: tule tuha all hõõgumine, mis haarab ega lase lahti, mõjub maagiliselt. Siin oli suur osa ansambli pillimeestel: nende energial, stiilitundel ja improviseerimisoskusel.

    Berliini publiku lemmik oli aplausi järgi otsustades noormees, kes laulis kõiki meesrolle. Hispaania näitleja Duende osas veenis oma psühholoogilise tugevusega, Maria osatäitja köitis oma häälega, kord madala ja “suitsuse”, siis lahtiselt valulisega.

    Igatahes lavastus, mis jääb assotsiatsioonidega kauaks alateadvusse toimima.

     

  • See aasta tuleb kevad teisiti (kui ülepea)*

     

     

    See aasta tuleb kevad meieta,

    tiu-tiu ja meieta…

    Taas kiigub valgus peenikestel okstel

    ja pungad sumisevad vaigus nagu summ

    ja kõuekärki ootab taevatrumm ?

    nii õhuke, nii sinine ja sitke.

    Tiu-tiu!

    Teeb sirel lahti väiksed lahked pihud:

    et palun, õnne ? õnne, palun, palun!

    Ja lõhnatolmu mattub öösel tuba

    ja poolest ööst on väljas kosta juba:

    tiu-tiu!

    See on see kevad ? kevad meieta…

    Ehk annaks kõike parandada veel!

    ? Ei, mõistad sa: su nool on juba teel.

    Tiu-tiu!

     

    Linnar Priimäe peatselt ilmuvast kogust

    ?Kelle tee on varjul?.

     

  • Galeriid

    Vene kirikutes näeb sageli ikoone, kus hõbedast või kullast kohrutatud oklad katab kogu kujutist. Ainult mõni ava on metallreljeefi jäetud, millest paistavad kunstniku maalitud nägu ja käed. Justkui laadapiltniku stend, mille näoaugust pühakud end kirikuskäijatele näitamas käivad. Sipsiku debüüt imaginaarses pappkuvaris tegi temast Eesti videoinstallatsiooni pioneeri. Omanäoline popkunstnik Nukke suhtleb oma publikuga juba aastaid okladi näomulgu kaudu.

    Alguse sai see 1998. aastal, kui Mallele kingiti tühi ikooniraam. Sealt tuli mõte ikoon sisse joonistada. Kunstnik väidab, et esimene katsetus läks täiesti untsu ning ajalugu peab selle unustama. Ent uute maalitehnikate rajaleidja Nukke sai väljakutse. Nagu hoonedefektid vangistavad insenerist inspektori tähelepanu ka poodi minnes, nii süveneb Mall Nukke näitusi külastades eelkõige piltide tehnilisse teostusse. Ta on käinud ikoone uurimas muuseumides ja kaugetes kolkakloostrites. Ning kasutab patanit, mis ainsa aseainena mõjub kui ehtne kullatud pind.

    Riietades oma tööd ikoonivormi, taotleb Mall Nukke sama siiralt täiuslikkust, nagu drag queen nunnavormi selga ajades. See on kit? oma ürgses hinguses, mis hoovab Pierre?i ja Gilles?i popiidolitest, kes on fotolavastatud roosiõliste pühapiltide rollimängudes. Puhas kit? on sama puhta ilu ihalus, mis kirgastab ka maalivaid munki.

    Ikoonid on kõige esoteerilisemaid ja mitmekihilisemaid kunstiavaldusi. Nende sisu ei ole kunagi lihtne. Ikoonimeistrite taotlus oli konkreetse pildiga edasi anda sama sõnumit, mida kannab pühakirja abstraktne sõna: esitada puust ja puna-sini-kuldseks värvitud taevariigi mudel. Sealt võib otsida niihästi numeroloogilisi ja alkeemilisi algoritme kui ka filosoofilisi ja ajaloolisi allegooriaid. Ikoonid on, muuhulgas, kaunid piltjutustused ja ilusaid narratiive maalib ka Mall Nukke. Ta on sõnumikunstnik.

    Ikoonide universaalsest sisust tuleneb ka nende prohvetlikkus. Nagu piibel pakub igal ajal juhtnööre ja õpetussõnu, nii jutustab ikoon oma mõistukõnes sündmustest, mis olid, on ja tulevad. Kõik kordub põhijoontes, lihtsalt iga sündmus viib sammukese Jumalariigile lähemale. Tänu kõrgele üldistusastmele on vaatajal lihtne samastada ennast või tuntud inimesi ikoonitegelastega.

    Ikoon on sobiv meedia Mall Nukkele, kuna ta on tundlik ümbritseva elu suhtes. Tema pilditemaatika sünnib päevasündmustest ja poliitilistest kihvatustest. Selle kujutamine ikoonide äravahetamiseni algupärasel kujul tugevdab iroonilist efekti, võõristust, et pilt ei ole üldse mitte see, mis esmapilgul näib. Ent teisest küljest, ka minut-minutilt lenduv ja ajaloolaste poolt korrastamata tänapäev väärib kujutamist igavikulises vormis, mitte ainult performance?ites ja plastikaadimähistes. Mall Nukke on kindel oma intuitsioonis ning usub, et mida hetkeolustikulisemat stseeni kujutada, seda põnevam on seda tulevikus vaadata.

    Vana ikooni kerkivast templist saab kaubakeskuse labürint, inimesed asjade all kookus. Kodulinnast Mustamäelt paistab, kuidas kõrged saadikud globaliseerivasse Tallinna saabuvad. Pühak süütab nimbuse vooluvõrgust. Teine kaitsepühak tervitab EUR-keerubeid Eesti Wabariiki. Või üritab ta hoopis sõjahaamriga EEKi kaitsta? Leida võib isegi kunstnike liidu võimumängu tahvelmaali ja arvutikunsti vahel. Kas selle trips-traps-trulli võidukas joon läheb läbi pegasuse või kompuutri? Poliitiku elulugu ja prohveti ettekuulutus, igale vaatajale oma.

    Mall Nukke ei ole religioosne inimene, ent suhtumises ikooni on ta korralik luterlanna. Pühakud ja harva läbivilksav Kristus on pagendatud üleloomulikust rollist. Imetegudest on saanud argised koomiksistseenid. See on ikonoklasm ilma ikooni rüüstamata, mis aga ei tähenda Mall Nukke ikoonide väärtusvaakumit. Maarja taevalik võrgutamine on kaotanud aupaiste, kuid jäänud on hirm Maarjamaa võrgutamise ees kõliseva raha ja kõrge võimu poolt magusa demagoogia abil. Kuigi see võrgutamine kannab vilja, pakub Mall Nukke kunst pigem lõõgastavat naeru narrija üle kui nutvat vastupanu. Nii vähemalt jääb võrgutaja üleolekutundest ilma. Ohver ei alusta kirgastusest, et kannatusse langeda. Ta saab alandushetkest kiiresti üle, et jätkata elu tõusuteed.

    ANDRI KSENOFONTOV

     

    Möllavad (nais)hormoonid

    Fideelia ?Kurjaloomakobrikas? Y- galerii P- ja T-saalis 5. ? 16. IV ja Anna Kainulaineni ?Keha, tants ja mäng? A-saalis 6. ? 16. IV; Piret Räni ?Punk.Fem? E,K,P,T saalis ja Die ?Müsteerium 35 aktis? Y A saalis kuni  2. V.

    Naiskunsti on meil igasugust. On karmi feministlikku, on pehmet maaemalikku, on pretensioonitut naivistlikku. Aga on ka sellist, kus patsutatakse endale vastu rinda ja öeldakse ?Mina olen naine? ja lastakse feromoonid jooksma. Y-galeriis hiljaaegu eksponeeritud Fideelia (Signe Roots) on Tartus popiks saanud neosümbolismi üks esimesi naisesindajaid. Fideelial on kaks suurt teemat: naise sisemaailm ja omavahelised suhted. Seda just autobiograafilisest vaatepunktist. Ta on kirjutanud rea jutukesi oma lapsepõlvesuhetest vanaemaga, vanatädiga jt. Seal seguneb piinarikas realism muinasjuttude müstikaga ja east tingitud teadvusmoonutustega. Fideelia uuemas loomingus esineb viiteid popkultuurile ja puhtfeministlikku irooniat. Maal ?Sünd? kujutab hiiglaslikku hirmunud silmadega lapsenägu, milles on jaapani hentai-koomiksite mõju. Fideelia üks viimaseid teoseid ?Kust tulevad lapsed? on juba otseselt sarkastiline. Punasele lõõmavale keerisele on markeriga joonistatud karikatuursed stseenid supermarketist, kus müüakse 15 protsenti alla hinnatud mehi (?Average men are in fashion again?/ ?Tavalised mehed on jälle moes?). Soomlanna Anna Kainulainen on TÜ maaliosakonna paha tüdruk, kes õppejõu Jüri Kase sõnul on nii looja kui hävitaja, rõhuga viimasel. Kirg on soomlanna õige nimi, sest tema maalide teemad on seks ja selle mängud (zoofiilne ?Greif?, sadomasohhistlik ?Tants?, homoteemaline ?Kommipoisid?), hullumeelne flamenco, keha. Isegi jäätis on tema maalidel menstruaalpunane (?Naine ja jäätis?).

    Seni rohkem naiskunstiansambli Puhas Rõõm liidrina ja aktsioonikunstnikuna tuntud Pir (Piret Räni) on nüüd sukeldunud fotograafia võlumaailma. Väljas on kaks suurt sarja. ?Tuumikpere lahustumine? esindab sotsiaalsest pealkirjast ja alltekstist hoolimata siiski head teatrifotot, eriefektide abil on pildistatud Võru teatriateljee lavastust ?Ennola?. Seevastu ?My Girlfriend?s girlfriend? pole üldse lavastatud, kuid tegeleb pealtnäha tühise motiiviga: jäädvustatud on üht raju metal-seltskonna pidu, kasutades eriefekti, mis tekib välklambi sähvatust ja pikka säriaega kombineerides. (Räni ise on fotosid nimetanud 10 sekundi filmideks). Siiski on piltidel kujutatud seltskond huvitav, eriti asjaolu tõttu, et naised ja mehed on peaaegu eristamatud. Kui tavaliselt kujutatakse androgüünseid tüüpe pigem mehelikena ? kiilakate ja rindadeta, siis seal kannavad pikajuukselised mehed rinnahoidjaid. Kõik suudlevad kõiki. Ja seda macho-ideoloogiat, seksismi ja vägivallakultust sageli propageerivas metal-scene?s!

    Y-galerii A-saalis on väljas TÜ usuteaduskonna tudengi Diana Ostrati alias Die fotoinstallatsioon. Metal-kultuurile omane rafineeritus seguneb seal pungilikult eksitava näitusepealkirja, state of art teostuse (seebikatega tehtud 10X15 pildid) ja lõpliku tõdemusega, et ka kõige ?müstilisema? naise igapäev koosneb samadest elementidest, mis peaaegu kõigil tema suguõdedel.

  • Pärnu kunsti ülevaatenäitus 2012

    PÄRNU KUNSTI ÜLEVAATENÄITUS 2012
    avatakse 31. oktoobril kell 17 Pärnu Linnagaleriis (Uus tn 4).
    Näituse avamisel antakse üle Pärnu linna kunsti aastapreemia.
    Tänavu pälvib preemia Mari Kartau.
     
    Pärnu kunsti 2012. aasta ülevaatenäitusel osaleb üle kahekümne kunstniku
    oma uudisloominguga.
    Näitus jääb avatuks 24. novembrini 2012.

  • Brüsseli saadikud Tallinnas

     

    Barokkmuusika festival: ansambel IL FONDAMENTO (Belgia) PAUL DOMBRECHTI juhatusel Estonia kontserdisaalis 8. II.

     

    Tänu Belgia saatkonnale sai barokifestivali publik kaasa elada maailmakuulsale ansamblile Il Fondamento Paul Dombrechti juhatusel. Nii Dombrecht kui kollektiivi külalisdirigent René Jacobs on tunnustatud barokkinterpreedid ja -asjatundjad. Brüsselis tegutsev ansambel esitab barokkmuusikat autentsetel pillidel kõikjal Euroopas, on oma ala juhtivaid kollektiive. Nende plaadistusi on tunnustatud kõrgeimate autasudega, näiteks viimane plaat Faschi avamängudega – tema kompositsioonistiilist sai nüüd osa ka Tallinna publik – pälvis Diapason d’Or’i kõrge auhinna.

    Mikrofraasid, kahe noodi järgnevused, ütlesid flaamlaste esituses paljugi. Mitte ainult kahe noodi vaheline müstiline energiasfäär vaid ka üksikud noodid kõnelesid selgelt tunnetatavas kuuluvuses harmooniaga. Musitseerimises kuuldus palju ilu, nõtkeid fraase ja kordumatuid kõlavärvi kombinatsioone.

    Kontserdil olid kavas saksa baroki nii varjus kui valguses seisvate heliloojate teosed: J. S. Bachi kõrval niisiis Graun, Fasch ja Graupner, saksa barokkmuusika itaalialike mõjudega esindajad.

    Carl Heinrich Grauni (1703 – 1759) elulugu kaunistab aastast 1740 kuningliku kapellmeistri tiitel Friedrich II õukonnast. Ta on rohkem kui 30 ooperi autor (kirjutanud ka palju nii vaimulikku kui ilmalikku vokaal- ja kontsertlikku instrumentaalmuusikat). Ansambli Il Fondamento esituses kõlas avamäng ooperile “Iphigenia Aulises”, mille esietendus oli aastal 1728 Braunschweigis, kus autor oli tollal õukonnalaulja. Ettekanne veenis kuulajaid, et tegemist on teenimatult varju jäänud helimeistriga.

    Tõeliselt huvitav, nauditav helilooming sai viimistletud ja inspireeriva esituse osaliseks. Jagus nii dünaamilisi kontraste kui ka hästi jälgitavat polüfoonilist kudet. Tantsuosade (Gavotte) hüplik ja rõõmus karakter vaheldus uhkelt vonkleva suurte intervallidega meloodiajoonisega (Bourreé). Tähelepanu äratasid keerukad fagotisoolod (Yukiko Murakami) ning puhkpillide virtuoosne II menuett.

    Taaskohtumiseks tuttava teosega kujunes Johann Sebastian Bachi Klavessiinikontserdi/Viiulikontserdi d-moll BWV 1052 ettekanne, solist oli Guy Penson. Teoses on mängimisrõõmu nii klavessinistidele kui viiuldajatele: eksisteerivad variandid mõlemale soolopillile. Ettekanne tundus siiski üllatavalt väheilmekas, kohati üksluine, tekkis ka “sordiini tunne” (eriti soolopilli puhul) ning vastupandamatu soov astuda lähemale, et kuulda täpsemalt, “mida see kontsert minust tahab…” Arvatavasti peab põhjust otsima kontserdi koha valikust: veidi suurevõitu saal ei teeninud just hästi barokkinstrumentide peeni nüansse, mis tunduvad märksa mõjusamad õukondliku vestluse kauguselt.

    Seevastu leidus põnevamat piano-nüansside poolel. Vaikseimast vaiksem lõik Allegro osas virtuoosse kadentsi lõpus klavessiinilt koos tšellode-kontrabassiga oli selle kujukaks näiteks. Kummalisel kombel oli dünaamiliselt vaheldusrikkam teine osa. Soleeriva klavessiini repliigid “kõnelesid” siin rohkem: orkestri sügavad “ohked” vaheldusid soolopartii “muremõtetega”, sulatades Bachi tunderõhuga kromatismid rikkasse meloodia ja harmoonia kooslusse. Kolmandas osas tuli juurde oodatud intensiivsust ning kõlatäidlust, eriti klavessiini kadentsis.

    Johann Friedrich Faschi (1688 – 1758) Kontsert G-duur oboele, keelpillidele ja basso continuo’le, kus solistiks Paul Dombrecht, kõlas rõõmsalt ja läbipaistvalt. Kaunilt mõjus Siciliana’s orkestri helisev pizzicato ning oboe tundeline meloodia. Ka kiiremates osades tundus mõni oboe hästi “välja kõneldud” üksik pikk noot väärtuslikumgi perfektsetest uhketest passaažidest. Johann Kuhnau õpilasel Faschil oli eluajal au olla hinnatud helilooja (tema teoseid leidus ka näiteks Bachi noodikogus).

    Christoph Graupner (1683 – 1760) on tohutult produktiivne helilooja, kelle teoste arv ületab 2000 piiri, ka tema oli eluajal hinnatud ning töötas kapellmeistrina Hessen-Darmstadti õukonnas. Ta jõudis töötada ka Saksamaa esimeses ooperiteatris Hamburgis. Graupneri Avamängus Es-duur avaldas muljet puhkpillide virtuoosne koosmäng. Küllap on professionaalsus igal pool norm, ent siin lisandus pillitämbritele eriline soe sära.

    Pastorelle’i naiivsuseni värske ja hommikune kõlamaailm viis mõtted muusika visuaalsusele. Meloodiajoonis imiteerib siin karjuseflööti ning viiulite pikad noodid tungisid päikesekiirtena läbi helikoe. Hetkeks ununeski väljas valitsev veebruarikuine külm.

     

Sirp