Marko Pajević

  • Põnev kohtumine

    Kuid lootusi hoidis ülal Nikolai Aleksejev ERSOga ja meile seni tundmatu sitsiilia sopran Daniela Bruera. Viimane on lõpetanud Milano konservatooriumi, võitnud 1990. aastal sealse ooperi- ja kontserdiorganisatsiooni konkursi ning laulnud nüüdseks nii La Scala, Berliini Staatsoperi,Veneetsias Teatro La Fenice ning Lissabonis Teatro São Carlose laval. Tema  repertuaar sisaldab Mozarti, Donizetti, Verdi ja R. Straussi tipprolle koostöös selliste dirigentidega nagu Riccardo Muti, Daniel Barenboim, Alberto Zedda, Gianandrea Gavazzeni jt. Võib kujutleda, et ooperi hiilgeajal võistlenuksid tema pärast paljud juhtivad ooperiteatrid, sest temas on see „miski”, mida pole võimalik õppida. Ta hääl on küll kaunis, kuid on ka kaunimaid – selles pole ülemäära ülemhelisid ega jõudu. Kuid on ülitundlikkus nüansside  loomisel, siirus väljenduses ja julge pp kasutamine kartuseta jääda alla saali akustikale, on kaunid ja veendunud kõrgused. Kõigele lisaks tuletas tema musikaalsuse ja välise ilu kooslus meelde Theresa Stratast, kes nelikümmend aastat tagasi, 25aastasena, laulis imekombel ka meie Estonia ja Riia ooperiteatri laval Mimid Puccini „La bohème’is” ja nimiosa „Madama Butterflys”, misjärel jäi aastakümneteks Metropolitan Opera staariks. 

    Kontserdi ülesehitus oli trafaretne: alustati Donizetti „Don Pasquale” avamänguga, millele järgnesid kaks selle helilooja tunnusaariat: Nemorino aaria „Una furtiva … ” „Armujoogist” ja Norina kavatiin „Quel guardo il cavaliere … ” „Don Pasqualest”. Tundus, et Donizetti mänglev liigendatus ja graatsia pole dirigent Aleksejevi lemmikmaastik. Ehk vajanuks lauljadki enamat sisseelamist – igal juhul jäi särinat väheks.  Mozarti „Così fan tutte” avamäng keeras uue lehekülje nii orkestri kõlavärvides kui ka dirigendi aktiviteedis. Eriti sümpaatseks kujunes duett sellest ooperist, aga ka tenori fraasikujundus ja temperament Idomeneo aarias „Fuor del mar” („Idomeneo”). Ainsaks küsitavuseks terve kontserdi jooksul jäi vahest soprani lähenemine Donna Anna rollile („Don Giovanni”) – sirgeseljaline ja sihikindel kangelanna, kelles sügav lein isa kaotuse pärast ühineb  kindla sooviga tasuda oma häbi ja valu eest, jäi pisut õrnakeseks. Bruera rollide hulgas on R. Straussi kangelannad (Zerbinetta „Ariadne auf Naxos” ja Sophie „Roosikavalerist”), mistõttu tahaks loota, et need ooperid ükskord meiegi lavale jõuavad (lauljad kõigile rollidele olemas!), et siis seda toredat külalist ka neis rollides võiks kuulda. Emotsionaalses plaanis oli elamus, kuidas muutus Nikolai Aleksejevi žest veristide  P. Mascagni ja R. Leoncavallo fraseerimisel. Meie vokaalmuusika suurkuju Aleksander Arder pani õpilastele südamele „Võta oma hääl kaissu!” ja mulle tundus, et dirigendil oli soov need meloodiakaared „kaissu võtta”. Igal juhul mõjus see ka lauljatele inspireerivalt. Kui tenoril vahest polnud selle stiili jaoks vajalikku häälemahtu, siis oli tal ometi pakkuda verismile iseloomulik avatud, südantlõhestav tunneteavaldus.

    Kava lõpetas Verdi „La traviata” avamäng,  mis mõjus kargena. Triumfiks kujunes Violetta stseen ja aaria „E strano … ”. Nedda aaria („Pajatsid”) puhul jäi selle kulminatsiooni ilmselgeks piduriks puldilt noodi kiikamine, kuid Violetta roll paistab lauljannal nii põhjalikult läbi tunnetatud ja sisse lauldud, et siin avanesid kõik tema oskused, varjundirikkad emotsioonid ja sisulised tagamaad. Võlus lauljanna hillitsetus troostitult lootusrikkas duetis „Mu arm, lahkume Pariisist …” ning selle juures kontsertettekandel nii vajalik diskreetsus olekus. Oli äärmiselt põnev kohtumine, mis äratab taaskohtumise soovi.

  • Esivanemate unustatud varjud

    1920. aastate Eesti kultuurielu tõusulainel kasvas ka usk rahvusliku mängufilmi

    võiduvõimalustesse. Kahekümnendate keskpaik oli ju tummfilmi kuldne õitsenguaeg. Eestigi ajakirjanduses prooviti lahti harutada, mis imemeedium see kinokunst ikkagi on, keegi tegi häält, et rahvuslik film võiks olla lõbustusmaksust vabastatud, selle finantseerimine võinuks olla seega pisut teistel alustel, kui suurte filmimaade kommertslikult edukas toodang. Filmileht avaldas Thomas Manni ja Fritz Langi filmimõtteid, tõsi, üsna miniatuurses mahus.

    Theodor Luts ja Balduin Kusbock õppisid Prantsusmaal ja Saksamaal. Esimene oli praktilise meelega teoinimene ja viis oma filmimõtted ellu, teine alkoholilembene visionäär, kes pritsis ajakirjanduses manifestlikke ideid: “Tõesti, see on progress, milline paigutab teatri asemele kino /—/ Teater on jäänud liiga aeglaseks meieaja temperamendile.” (Filmileht 1927, nr 10). Tema filmidest, nagu teame, suurt asja ei saanud. Kusbocki ainsaks katsetuseks jäigi 1925. aasta lõpus Tartus valminud “Esimese öö õigus”.

    Filmikriitikutena ütlesid sõna sekka kirjanikud Juhan Jaik, Karl August Hindrey ja Richard Roht. Viimase kirjanduslikke tooteid kritiseerib Tuglas artiklis “Richard Roht ja kino”, alustades “Lugesin jälle rohkesti Richard Rohti. Lõpuks mõistsin: Richard Roht – see on kino. Võib-olla hea kino, kuid ikkagi kino.” Ja jätkab: “Praegu on kino ajajärk. Inimese asemel automaat, teatri asemel kino, fresko asemel afišš, söögi asemel surrogaat, keele asemel esperanto.” Ning Tuglas lõpetab: “Kuid ma ei armasta kino. Käisin siis palju kinos, kui see kunst oli veel noor ja ta tehnika alles abitu ja naiivne. Noil ajul kirjutas ka Andrei Belõi oma ilusa kino-ülistuse. Nüüd on kino oskus hiilgav, kuid olemuselt on ta jäänud sinna, kus oli. Kõik on talle kerge nagu taskukunstnikule: tuldpurskava mäe näitelavale asetamine või linna tormiga vallutamine. See on suurepärane tehnika. Kuid nüüd käin ma väga harva kinos.” (Ilo, märts 1920; “Kogutud teosed”, 2004).

    Tuglase skepsis filmikunsti kui meediumi suhtes näib olevat omane teistelegi nonde aastate kirjandusinimestele. Oma rahvuslik mängufilm ei saanudki ju vähem kui kahekümne katsetusega, mis aastatel 1914–1932 Eestis tehti, meie kultuurielus kuigi kaalukalt kaasa rääkida. Suur majanduskriis ja helifilmi tulekuga kallimaks paisunud tootmine muutsid niigi “väikese üksiklase”  praktiliselt nähtamatuks, vaikiv ajastu soosis poliitiliselt kallutatud kroonikaid, 1940.-1950. aastad tõid nn gastrollrežissööride plejaadi,  alles 1960. aastail tuli filmi esimene eestlastest lavastajate põlvkond. Need on teada asjad, aga oma filmi võõristavalt suhtumist tunneb aeg-ajalt veel tänagi, olgu või ridade vahel.

    Anton Hansen Tammsaare võtab kinoteemal sõna 1935. aastal: “Veel kord kinost ja lastest” ja “Lastest kinos ja kodus” (“Publitsistika III”, 1926–1940, “Kogutud teosed”, 17. köide). Kirjaniku seisukohti võib pidada mõnevõrra prohvetlikeks tele(kino)ajastu sünni eel: /—/ “kino ei ole meil veel kodus nagu raadio ja grammofon. Tuleb ta ükskord koju, siis pole vististi enam midagi parata. Sest siis hakkame inimese ergukava lõdvendama ja vapustama, sööma maast madalast kõrva ja silma kaudu vahetpidamata, nii et varsti pole enam vaja vaielda steriliseerimisseaduse üle (tema tarvidus saab kõigile ilma selletagi arusaadavaks) ning igale kodanikule antakse kümne-aastaselt mikrofon tasku ning suurendusklaas pihku, kui ta muidu ei näe ega kuule.” (“Veel kord kinost ja lastest”). Üsna levinud arvamine, et meelelahutus võib olla pigem taandarendav kui arendav, oli muide omane ka kirjanikust filmiinspektorile, teisi sõnu tsensorile Artur Adsonile. Filmide kasutamisest Eesti rahva harimisel 1920.-1930. aastail on Sirbis juba põgusalt juttu olnud.

    Huvitava artikli “Milles seisneb kino kinolikkus?” kirjutas 1927. aastal Postimehes Vanemuise lavastaja Voldemar Mettus (Postimees 9.  ja 24. VIII 1927). Ei tea, kas inspireeris teatraali filmianalüüsi kirjutama Vanemuise ümber tiirlev Theodor Luts – enamik näitlejaist “Noortes kotkastes” oli ju selle teatri trupist – või sügavam isiklik huvi filmi vastu. Luts ju ilmutas sama aasta septembris Postimehes optimistliku artikli “Eesti film on võimalik”. Filminäited, millele Mettus oma arutluses tugineb, on igati soliidsed: Fritz Langi “Metropolis”, “Doktor Mabuse – mängur”, “India hauasammas”, Murnau “Nosferatu – õuduste sümfoonia” jm. “Kino eriomadused, mis teda eraldavad teatrist, jagunevad kolme liiki: puhtvälistesse, dramaturgilistesse ja kitsamas mõttes kinolikkudesse”. Üpris meelevaldne jaotus? Aga oma aja filmianalüüsi huvitav “näidiskatsetis” siiski.

    Voldemar Mettus eritleb: “P u h t v ä l i s e l t erineb kino sõnalavast kõige pealt selles, et temas on üheaegsetena (ühe etenduse kestel) ühendatud suur-, vabaõhu-, kammer- ja mikroskoobiline teater. Sõnateatril puudub viimane täiesti, teisi saab ta anda ainult üksikult ja lahus.” Mettus osundab siinkohal Max Reindardtit. Ja jätkab oma analüüsi: “Kui nüüd veidi vägivaldse hüppega siirdud kino d r a-m a t u r g i l i s t e l e eriomadustele, peab kõige pealt ütlema, et tema ei tunne e e l s ü n d m u s t i k k u.” Kaunis vaieldav seisukoht, mida Mettus selgitab: “Selle sõnaga tähendame teatris kõike seda, mis ühe tüki tegelastega ja nende vahel sündinud e e s r i i d e  t õ u s m is e n i, ja milles me saame teada alles näidendi tegevuse meie silmade ees arenedes. Kino on selleski mõttes “biblia pauperum” (vaimust vaeste piibel). Et tema “paremaks selgituseks” armastab näidata kõike, mis vähegi võimalik.”

    Kirjutise teises osas analüüsib Mettus filmi “puht-kinolikke eriomadusi”, puudutades ka mõningaid tehnilisi erijuhtumeid nagu siluettfilm vm. Teatrijuht lõpetab oma artikli vastusega küsimusele: “Kuhu poole peab siis kino õieti püüdma? Meie nägime, et kõige huvitavamad on just puht-kinolikud momendid [ta toob “Metropolisest” näiteks n-ö “haiglased nähtused”], seepärast peab tema ikka enam ja enam vabanema teatrilikkusest, et saada võimalikult kinolikuks. Siis kaob ka see võitlustunne tema ja teatri vahel, mis teatud määral täna veel olemas /—/.”

    Näib, et  vähemalt 1927. aastal oli Tartu see linn, kus küpses eesrindlik filmimõte. Ja filmi kui kunsti tegemise tarm oli suur.

     

  • Jalutuskäik galeriides:Mööduvuse määratus ja määramatus

    Milieu II. Süsi, pastell, paber, 2006. Repro

     

    Gretchen Sagani näitus “Transience/Mööduvus” Artdepoos kuni 4. XI.

     

    Kui Chagall ja Malevitš poleks Vitebski kunstikoolkonda asutanud, siis ei oleks Aleksandr Sagan sinna Magadanist õppima läinud. Juhus viis ta Vitebski suusavõistlustele, kus ta nägi eestlaste seljas T-särke, mis olid kujundatud mujal Nõukogude Liidus tiražeerimistehnikana keelatud siiditrükis. Aleksandr Sagan läks Tallinnasse edasi õppima, kus tema salajasest siiditrükiharrastusest ametlik õppeaine sai. Alaska pealinnas Anchorage’is oma näitust avades kohtus ta tulevase kaasa Gretcheniga, kes töötas galeristina. Mehe eeskujul lõpetas Gretchen Tallinna kunstiakadeemia 2002. aastal. Kui haakumised inimeste ja sündmuste vahel oleksid selles möödumiste sarjas teistmoodi toimunud, ei oleks näitus “Transience/Mööduvus” tõenäoliselt Artdepoosse jõudnud.

    Alaska lauskmaal on talv suvest kahe kuu kaugusel, mägedes kahe kilomeetri kõrgusel. Suvi läheb põhjas üle päevaks ja talv ööks, kevadest ja sügisest saavad koit ja eha. Ilma järgi muutuv taimestik paneb liikuma loomad. Nende järel eskimod, kelle elulaad on pidev ettevalmistumine muutusteks. Loomi tuleb varitseda sellise kannatlikkusega, et jahilkäigust saab kahe võrdse partneri suhtlemine. Lisaks öökullide, karude ja kadunukeste hingedele täidavad ilmaruumi virmalised ja tähed, mis kogunevad polaartaevasse kui põgenikelaagrisse tapva linnasära eest.

    Gretchen Sagan kinnitab, et ta ei kujuta oma piltidel kodumaa maastikku. Vaatamata sellele on söekord ta paberil õhuke ja õrn nagu tundrahuumus igikeltsal. Ateljee Anchorage’s, mehe ateljee Hongkongis ning näitused üle ilma teevad temast nomaadi nagu põhjapõdrakasvataja. Eskimo polaarmütoloogia kõrvale mahuvad kirjandus ja filosoofia kui vennad. Gretchen Sagani abstraktsete söe- ja pastellijooniste teemanäited on “Sallivus”, “Entroopia”, “Lõpmatus”. Need on välja uhutud, välja pigistatud igapäevasest kogemusest, kus vahelduvad maad ja inimesed, raamatud ja mõtted. Vaataja ei pruugi üle saada tundest, et põhja sadeneb ikkagi loodustaju mälestus.

    Gretchen Sagan ei maini Ameerika Ühendriikides oma päritolu, sest temast võidakse teha kultuurantropoloogiline maskott. Las mõistatavad, on ta latiino või juut. Las teised eskimod naeravad tema taimetoitluse kosmopoliitset narrust. Aga kui ma küsin, kuidas ta saavutab sellise söefaktuuri, nagu oleks sealt roosipungadega üle rullitud, vastab ta tõsieskimoliku huumoriga, et ei, ta teeb seda krüsanteemidega. “Kas tõesti?” lasen end hetkeks lolliks teha. Gretchen Sagan vastab, et tegelikult oli see talle suur kompliment. Vahel jääb ta ise mõne näitusepildi ette seisma, imestades, kuidas see tehtud on, ning talle teeb heameelt, kui ka tema tööde ees vaataja samal põhjusel peatub.

    Kui loomingul on algläte, olgu kaos või üsk, siis Gretchen Sagan on selle leidnud. Tema pildid “Milieu I – III” justkui illustreerivad Arkadi ja Boriss Strugatski fantaasiametsa kirjeldust raamatus “Tigu nõlvakul”: “Kloaak sigitas. Ägedad kramplikud pursatused paiskasid tema lauskjatele kallastele ühe valkja ning võbelevalt tõmbleva tainatombu teise järel, need veeresid abitult ja pimesi mööda maad, tardusid siis, vajusid lamedaks, sirutasid välja ettevaatlikult kulendid ja hakkasid äkki oiukalt liikuma – ikka veel hajali ja kobamisi, aga juba ühes suunas, kõik ühes kindlas suunas, sagides ja tõugeldes, aga kõik ühes suunas, ühte raadiust mööda emakast eemale, tihnikusse, ühe voolav-valkja kolonnina nagu hiiglaslikud kohmakad nälkjataolised sipelgad… Nad liikusid aeglase ja väsimatu kolonnina üksteise järel, otsekui voolates mööda maad ja valgudes üle kõdunenud puutüvede, üle lohkude, üle seiskunud vee loikude, läbi kõrge rohu, läbi okkalise võsa.”

     

     

     

     

  • Nagu ei meeldi

    Näitlejate ja teatri arendamise sildi all pole küll mõtet niimoodi teha.

  • Postimehe lavastamine alamkolka linnas

    Rahvateater-raamatuklubi nimega Eesti Kirjanike Liit oli sedapuhku teinud julge repertuaarivaliku, võttes etendada valitud palu sama päeva (reede, 16. aprilli) Postimehest. Kuigi mõned kangelaste aariad olid kenasti ära trükitud, jäi küllalt ruumi ka ridade vahelt lugemiseks ? isegi improks, mille puhul võis siiski kindel olla, et see ei suuda väärata kavandatud stsenaariumi.

    Jan Kaus säras hamletliku kangelase osas. Tema esinemine oli märksa enesekindlam kui Tartus toimunud peaproovil. Nagu uuel juhil kombeks, ei lubanud ta midagi konkreetset, kuid tegi seda kütkestavalt ja kaasakiskuvalt. Dramaatilises kõrgstiilis taandumist markeerivale patriarhile Sirkelile ja veidi rabedaks jäänud heerold Veidemannile suunatud etteheited kroonprintsi nooruse ja ülehaibituse osas jäid harvadeks, liidu uus juht sai üsna üksmeelse toetuse.

    Kuid see oli alles esimene vaatus! Mõistagi osutus põnevamaks teine, milles mängiti lahti eelmisest kõlama jäänud kontrapunkt: äkiline põlvkonnavahetus liidu eesotsas vs. mitmete keskealiste ja eakamate kohalviibijate mure oma eakaaslaste kõrvalejäämise pärast. Kuidas seda muret leevendada? Kuidas tagada järjepidevus ja senise kursi rahulik jätkumine?

    Vihjest, et senine, valdavalt just nende põlvkondade esindajatest koosnev juhatus on oma tööd hästi teinud, ei pruukinud ju piisata. Kui paljud kohalviibinud siis üldse teadsid, kes sinna kuulusid? Kandidaatide tõstatamisel otse välja öeldud nimed kippusid mattuma kõigesse muusse, mida tublid kolleegid pidasid vajalikuks antud punkti raames hingelt ära öelda.

    Õnneks võimaldab MTÜde seadus ka volituste alusel hääletamist. Ning kui mõni, kel vaid ühe kolleegi volitus kaasas, üritas ka teda usaldanule helistada ja tolle eelistusi täpsustada, siis suurema hulga usaldusvaut?ereid väärinud ülikuil polnud küllap säärasteks pisiasjadeks mahti. Nad võisid täie kindlusega juhinduda uskumusest, et teavad liidu vajadusi ja esindavad liikmete tahet õiglaselt. Et selle tahte hulka kuulub ka valitute eranditu tallinlus, on vististi seletatav operatiivsusega ? nagu põhjendati ka juhatuse liikmete arvu vähendamist. Tuleb ju teha palju kiireid ja pakilisi otsuseid, mis kõneleksid liikmete eest parimas avatuse ja inimkesksuse vaimus.

    Nii et lootkem, et lõpp oli õnnelik. Ja uue loo algus, nagu ikka. Uus esimees siiski rõhutas, et peale juhatuse ootab ta tuge ja ettepanekuid ka kõigilt liidu lihtliikmetelt ? seda peab ta saama. Väga liikmesõbralik ettepanek: las järgmise juhatuse valibki volituste alusel ainult juhatus ise ja liikmed saavad samal ajal nautida üksteise seltskonda, Tallinna poode ja ilusat ilma.

    Ja parima osatäitja preemia? Loomulikult Kivisildnik õuenarri osas ? tabas suurepäraselt ära etenduse allteksti ja tõi selle elegantselt esile. Sain minagi eksemplari ta osaraamatust ?Poeem Putinile?. Kannan seda edaspidi koos EKLi liikmepiletiga.

  • Gennadi Kurajevi personaalnäitus

    Reedel, 19. aprillil kell 16.00 toimub Narva Muuseumi Kunstigaleriis restaureerija ja tarbekunstniku Gennadi Kurajevi personaalnäituse avamine.

    Kunstnik valdab palju erinevaid tehnikaid: sepistamist, puunikerdust, mosaiigivalmistamist, luu- ja sarvevoolimist, puuskulptuuride valmistamist, filigraani, vertimist, graveerimist, miniatuuride valmistamist ja põletustehnikat. Autor kasutab oma teostes erinevaid metalle nagu vask, messing, raud, melhior, mis sobivad hästi puidu, sarvede, klaasi ja plastiga. Nende kooslus süvendab emotsionaalset mõju, mis aitab  paremini edastada sõnumit. Ohjeldamatu fantaasia, leidlikkus, oskus näha tavalises kõveras oksas tulevast tulilindu ja meistri kuldsed käed loovad omapäraseid teoseid. Iga ese, mis on tehtud Gennadi kätega, on iselaadne ja kordumatu.

    Gennadi Kurajev sündis 23. jaanuaril 1940 Venemaal Orenburgis. Hariduselt on ta mehaanikainsener. Alates 1975. aastast hakkas tegelema dekoratiivse tarbekunstiga ja 1978. aastal toimus esimene isikunäitus. 1980. aastal kolis ta Narva ja töötas kuni 1995. aastani Vabariikliku Restaureerimisvalitsuse Narva jaoskonnas restaureerijana. Tema töid võib kohata Narva Muuseumi kogudes ning Eesti ja välismaa erakogudes.
    Alates 1976. aastast on Gennadil oma näituste sissekannete raamat, kust võib leida vaimustunud kiidusõnu, tänusõnu ja isegi ülistusluulet. See raamat räägib iseenda eest. Kunstniku suurim õnn on inimestele kinkida rõõmu, mida Gennadi Kurajevi avatav isikunäitus ka hulgaldaselt pakub.

    Näitus on avatud kuni 3. juunini.

    INFO: Anna Judina, näituste ja ürituste kuraator, tel. 35 99242, naitused@narvamuusem.ee

    http://narvamuuseum.ee/?next=pressiteated&id=1279&menu=menu_kula

  • Kommentaariks

    Eesti makroanalüütikutest on kõrval refereeritud sloveenlaste artiklis väga õigesti viitatud Teet Rajasalule. Pärast tema lahkumist 2003. aastal ei ole Eestis enam ühtegi rahvusvahelise tasemega transiotsiooni/ konvergentsi uurijat olemas. Pole meil enam ka sisuliselt ühtegi makroökonoomilise uurimise rühmagi kuskil ripakile jäänud. Majanduse suunamine võimkonna poolt näib meil käivat nüüd põhiliselt ideoloogiliselt  ja maailmavaateliselt populistlikult partokraatlikult aluselt, mitte kompetentsi pinnalt ning ilmselt vist eeskätt võimkonna poliit-majandusliku jätkusuutlikkuse põlistamise eesmärgil. Riiklikul tasemel ei paista olevat mingit probleemi masendava töötusega (ilmselt Sloveenias see läbi ei läheks). Sloveenlaste artiklis märgitakse väga teraselt, et sellist kompetentsivaba majanduspoliitilist absurdi konsolideerib Eestis  eeskätt „Vene oht” suure venemeelse diasporaa kaudu, kellel veelgi suurem vaesusrisk kui lihteestlastel. Omalt poolt lisan veel väga madala kvaliteediga rahvusliku avaliku sotsiaalmajandusliku teadmusruumi faktori koos sellele vastava massimeediaga.

    Lõpetuseks Poolast. Rahvusvaheliselt on kadestamisväärselt silma paistnud mitmed Poola majandusministrid, ausad makroökonoomika tippteadlased, samuti on kadestamisväärsed  Poola rahvusvaheliselt kuulsad makroökonoomilised uurimiskeskused. Kindlasti on see ka ülalnimetatud seikade panus, et Poola majandus, mis moodustab muide lõviosa nn uute liikmesriikide majandustest, jääb ilmselt selles kriisis pealtvaataja rolli, seda nii The Economisti kui ka EL komisjoni analüüside ning prognooside põhjal, IM Fist rääkimata. 

  • Noored puhkpillitalendid

    Kavas olid Johann Georg Albrechtsbergeri  Tromboonikontsert B-duur ja Saverio Mercadante Flöödikontsert nr. 2 e-moll, nende kõrval Tõnu Kõrvitsa „Thule eleegiad” (2007) ja Erkki-Sven Tüüri „Insula deserta” keelpilliorkestrile (1989). Kontserdi esimeses pooles soleerinud Andres Kontus tegutseb 2005. aastast ERSO tromboonirühma kontsertmeistri ning 2006. aastast EMTA õppejõuna. Alustuseks Tõnu Kõrvitsa kolmest eriilmelisest osast koosnev tsükkel „Thule eleegiad”, mille esitus  jäi muusikalise arengu, polüfoonilise diferentseerituse ja tämbrikasutuse poolest kohati üheplaaniliseks ja liiga tagasihoidlikuks.

    Ludwig van Beethoveni õpetaja Johann Georg Albrechtsbergeri kontsert B-duur on üks keerukamaid klassitsismiajastu tromboonikontserte Michael Haydni, Leopold Mozarti ja Georg Christoph Wagenseili samalaadsete teoste kõrval. Juba esimeses osas ilmnevad keerukad trillerid, mille tõttu mõnda aega  ekslikult arvati, et teos on kirjutatud algselt mõnele muule puhkpillile, sest selle esitamine tromboonil näis võimatu. Andres Kontus mängis kohati väga ilusa ja kerge tooniga, kuid samuti jäi ruumi juhuslikkusele, mustale intonatsioonile ja kaduma kippuvatele nootidele. Esindusorkestri esitrombonistilt oodanuks suuremat muusikalist haaret ja stabiilsust, veenvamat eneseväljendust ja tähenduslikumaid muusikalisi kujundeid. 

    Erkki-Sven Tüüri „Insula deserta” haaras publikut juba märksa tugevamalt, sama võis täheldada Oksana Sinkova mängu puhul. Sinkovat peetakse Eesti üheks väljapaistvamaks flöödisolistiks, kes on võitnud preemiaid kohalikel ja välismaistel puhkpillikonkurssidel ning töötab rahvusooperi Estonia orkestris. Saverio Mercadante Flöödikontsert e-moll näib olevat nagu saar keset rikkalikku ooperimuusikat, mida XIX sajandi Itaalia pakub  ohtrasti. Mercadantet tunti omal ajal tema 60 ooperiga eelkõige kui ooperiloojat, ent heliloojateed alustas ta instrumentaalkontsertide ja orkestrimuusikaga. Sinkova mängus domineerisid tugev artistlikkus, virtuoossus, selge toon ja oskus panna publik end kuulama. Kontserdi tõlgenduse võtmeks näis olevat bel canto stiil, mis lähtub omakorda itaalia XIX sajandi ooperikultuurist. Tehniliselt ja muusikaliselt on tegemist kõrgetasemelise ja andeka  flöödimängijaga, kes haaras oma tõlgendusega kaasa orkestrandid ja dirigendigi.

  • Kaotuse päritavus ja paratamatus: maailm pärast kolonialism

    Minu esimene kokkupuude Kiran Desaiga leidis aset Radžastani ja New Delhi vahelisel maanteel, kus turistide peatuspunktiks mõeldud kioskite reas leidsin india extra-soft erootikakirjade, Robert Ludlumi ja Shakespeare’i keskelt Kiran Desai esikteose „Hullabaloo in the Guava Orchard”. Kui küsisin lehemüüjalt, millega tegu, ei osanud ta mulle täpsemalt midagi kosta, nii et pidin usaldama nimede nagu Salman Rushdie tunnustavaid sõnu noorele talendile. Seesugune olukord iseloomustab iseenesest hästi ka maailma, millest Desai oma „Kaotuse pärandis” kõneleb ja mida ta ühtlasi katsub kõnetada. See on maailm pärast kolonialismi, maailm, kus identiteedid on vahel isekeskis niivõrd segunenud, et raske on ära tunda nende tegelikku algupära.

     

    Paradoksaalne raamat

    Desai kirjutab selgelt ja haaravalt. „Kaotuse pärandisse” on põimitud mitu paralleelset lugu, mis vahel ristuvad, vahel teineteisest eemale triivivad. Ühed neist lugudest leiavad aset Indias, teised Ühendriikides, tagasivaatelisi viiteid on ka koloniaalsele Inglismaale. Desail õnnestub lugeja korduvalt südamest naerma ajada, ometigi pole see enamikul puhkudel naer nalja ja lõbu üle, vaid hoopis selline naer, mis saadab valusa absurdsuse äratundmist. Paradoksaalsust leidub Desai raamatus veelgi. Esimene paradoks sisaldub õigupoolest juba teose pealkirjas. Nimelt kui sõna „pärand” viitab enamasti millegi võrra rikkamaks saamisele, olgu see siis materiaalses või mõnes muus mõttes, siis pärand, millest räägib Kiran Desai, on midagi, mida ei naudita. Pärand ei tähenda siin seega midagi muud kui võlga või kaotust. Kaotus on tõepoolest midagi, mida kogevad kõik raamatu peategelased ühel või teisel hetkel, olgu see siis pärimuse kaotus, kodumaa kaotus eksiilis, esimese armastuse kaotus noorusliku uhkuse ohvrikivil või vahetu vara ja riiete kaotus, mis langeb osaks Ameerikast Indiasse naasvale Bijule raamatu finaalis. Kõige laiemas tähenduses räägib Desai kolonialismi põhjustatud kaotusest, elust ühiskonnas, mis on olnud allutatud võõrale võimule ja kultuurile. Kolonialism on alati lähtunud teatud ülimuslikkuse tundest ning sedasi on ka kõike võõrast tihtilugu esitletud millegi kõrgema või enamana. Sellest, mis on olnud kolonialismieelse algupärase ühiskonna rikkuseks, on nii maalitud hoopiski ta puudus. India on ses osas muidugi suurepärane näide, sest ehkki India on üks vanemaid ja rikkalikumaid kultuure maailmas, nägid kolonialistid selles, mis hindudele oli voorus, pigem piiratust. Ühed Desai tegelaskujud on samuti sest uskumusest nakatunud: „Võimalus lennata Londonisse ja liköörišokolaadi tooma oli tähtis; tähtis oli see, et teistel see võimalus puudus” (lk 270). Teised igatsevad seevastu niinimetatud primitiivse mineviku järele: „Veel oli ta võtnud Amit Chauduri raamatu Kolkatas toimunud elektrikatkestusest, mis pani kogu India inimesed ühiselt igatsema, et elekter lõplikult ära läheks” (lk 244). Kultuuridest ja maadest, mis on tegelikult olnud inimtsivilisatsiooni häll, on kolonialismi tõttu saanud ühtäkki „Kolmas Maailm”, „arengumaad”, „mahajääjad”. See asjaolu võimaldab „Kaotuse pärandi” Harishil kinnitada (lk 166): „Tõtt-öelda, kallid härrad ja prouad, meie elasime kõrgelt arenenud kapitalismis juba ammu enne seda, kui Ameerikast sai Ameerika; jah, teie võite seda ju oma eduks pidada, ent kogu tsivilisatsioon pärineb siiski Indiast, jah”.

    Desai toob ka kaasaegsema näite (lk 176): „„Tenzing oli see õige kangelane,” oli Gyan öelnud. „Hillary poleks kohale jõudnud, kui šerpad poleks tema kotte kandnud.” Kõik olid nõus olnud. Tenzing oli kahtlemata esimene, või siis kästi tal kottidega oodata, et Hillary saaks astuda esimese sammu ja teha kolonialistiteo: torgata lipu pinda, mis pole sinu oma”.

    Kolonialism, mis on ikka väitnud end täitvat üllaid eesmärke, olgu need siis religioossed või majanduslikud, on seega harva loonud sisulist lisaväärtust. Sagedamini on ta tulemuseks olnud maailma mitmekesisuse pärssimine või lausa hävitamine, kui mõelda kas või hävinud indiaani hõimudele. Muide, ka viimastele viitab Desai oma raamatus, mainides, et Hudsoni jõe tegelik nimi on Muhheakunnuk (lk 297): „Jõgi, mis voolab mõlemat pidi. See, kurat, on selle õige nimi”. 

     

    Lugu hindudele

    Julgen väita, et ehkki „Kaotuse pärand” on algupäraselt ingliskeelne ja üllitatud USAs, on Kiran Desai raamat kirjutatud eelkõige hindudele mõeldes. Olen seda meelt esiteks juba seepärast, et Desai käib ülimalt vabalt ringi hindikeelsete sõnade ja lausete pikkimisega oma ingliskeelsesse teksti ning teeb seda paljudel puhkudel semantilise lisajõuta. Jahu on ju lõpuks ikkagi jahu (atta) ja koer koer (kutti), nende nimetamine võõrkeelse sõnaga ei lisa neile täiendavaid varjundeid, pigem risustab seesugune kasutus raamatu teksti nende jaoks, kes hindi keelt ei mõista. Selline keelekasutus läheneb kaasaegse kosmopoliitse postkolonialistliku tõusikhindu kõnepruugile, kelle omakeelsesse teksti on tihti pikitud ingliskeelseid väljendeid või kes vahel ka teise hinduga kõneldes oma harituse väljendamiseks üldsegi inglise keelele üle läheb. Lisaks sellele tuleb arvestada, et raamatu mitmed nüansid on mõistetavamad siiski inimesele, kes tuttav mitte üksnes India kultuuripärandi, vaid ka kaasaegse Indiaga. Osa nalju võib aga Indiat mitte tundvast inimesest hoopis mööda lipsata.

    Süžeeliselt ülesehituselt on aga tähelepanuväärne see, et Desai ei sea hindusid üksnes kannataja rolli ega püüa neile vaid kaasa tunda. Ta üritab oma rahvuskaaslastele mõndagi ka öelda. Tõsi, Desai kriitika kolonialismi pihta on terav (lk 282): „Kirikud olid pimedad, misjonärid putkasid ohtlikel aegadel alati koju, et šokolaadiküpsiseid nosida ja raha koguda, kuni rahu oli jälle jalule seatud ning nad julgesid värskena, uue jõuga tagasi minna, et end nõrkenud, meeleheitel rahvale peale suruda”. Ent „Kaotuse pärandi” sõnum ei lasu mitte selles, et „kolonialism on paha, vaadake, millega maailmas on hakkama saadud”. Pigem jääb Desai olukorra sekkumatuks vaatlejaks ja omapärane on tema raamatu puhul seegi, et hindud on seatud siin nii koloniseeritute kui ka koloniseerijate positsioonile – viimasele piirialade mägirahvaste suhtes. Desai näitab mägialade kodusõja kirjelduses ilmekalt ka seda, et koloniseeritud ei osutu kokkuvõttes suurt üllamateks või vähem silmakirjalikeks kui nende vallutajad, nad on inimestena võrdsed. Äärmuslikud patrioodid pole vähem naeruväärsed kui nende rõhujad (lk 178): „Kas need mehed pidasid rongkäiku tõesti kogu südamest tähtsaks, või olid nad sellest irdunud? Kas nende südamed tuksusid tõe taktis? Kas nad karjusid ja marssisid ehtsast tundest aetuna? Nägid nad end sel hetkel ajaperspektiivis, need lõastlastud Bruce Lee fännid, seljas Ameerika T-särgid, mis olid Hiinas tehtud ja Katmandu kaudu sisse toodud?”.

    Ameerika kujund on „Kaotuse pärandis” küllalt keskne ka väljaspool „Hiinas tehtud Ameerika T-särke”. (Meenub, muide, popstaar Bono iroonia globaalmajanduse üle U2 laulus „Yahweh”: „Võta see särk, polüestrist valge praht, toodetud Eikusagil.”) Õigupoolest saab Ameerikast Desai raamatus omamoodi sümbol. Ameerika on unelm, juba oma tekkelt maa, mis rajatud ülimast idealismist, lootusest teha uus algus, rajada uus ja võrdsem maailm. Ning ehkki need unelmad on suuresti juba ammu hinge vaakunud, suhtuvad Desai hindud Ameerikasse endiselt märkimisväärse idealismiga, nähes selles paika, kus nende katsumused lõpevad ning saabub elu unistatud külluses. (Kusjuures, olles rännanud ringi nii Indias kui teistelgi „arengumaadel”, võin kinnitada, et Desai kirjelduses on tõepoolest palju reaalsust.) See on mõistagi kummaline – mitte ainult selle pärast, et enamasti Ameerika nende unistusi tegelikult ei täida, vaid enamgi seepärast, et tähendab ju nende pürgimus Ameerikasse uut pürgimist võõrale maale,
    uut pürgimist alama seisusse. Nende idealism tähendab sedasi juba eos uut kaotust: sedasama pärandit, mille eest nad ühelt maalt pagevad, kohtavad nad taas ka järgmises paigas.

    Ning kui kaunis Sai lausub romaani finaalis kadunud kutsika üle mõtiskledes (lk 355): „Koer oli neile ainult mõiste. Nad püüdlesid idee poole, selle poole, mida tähendas peen tõukoer. Nad pettusid temas nagu ka moodsas elus, nad sidusid ta puu külge, lõid teda jalaga…,” siis näib, et see „ideelisus” iseloomustab Desai nägemuses lisaks tõukoerale ka „harivat” kolonialismi ja kaasaegse inimese „vabadust”.

     

    Maailma lahendamatus

    Desai ei tüüri oma romaani ilmse lahenduseni ega paku väljapääsuteid. Pigem ta uurib, kas „kaotuse pärand” on inimloomuse paratamatus (lk 357): „Öö otsa sajab. Sadu kestab, vaibub ja algab taas, algab ja vaibub taas, selle ägedusele saab vastu ainult kallaletungile reageeriva maa raev. Metsik lokkav rohelus pääseb lõast, linn libiseb mäest alla. Aeglaselt, hoolega nagu sipelgad, rajavad inimesed jälle teed ja tsivilisatsioonid ja peavad sõdu – ainult selleks, et kõik taas minema pühitaks…”

    Desai isegi on näide muutunud aegadest: Ameerikas elavat alla 40aastast kuulsat india naiskirjanikku oleks raske sobitada maailma kas või paari sajandi taga. See asjaolu vaid kinnitab Desai tegelaskujude kogetud reaalsust: me naudime uut aega ja maailma, ent ka kannatame nende all. „Kaotuse pärandi” eelmainitud indialiku suunitluse kiuste leian, et Desai peaks olema küllalt mõistetav ka eestlastele – õigupoolest just eestlastele, sest oleme meiegi kolonialismijärgne ühiskond. Siinkohal ei pea ma seejuures silmas mitte ainult aastaid nõukogude diktatuuri all, vaid võõrvõimu all elatud sajandeid, mis on eestlase kultuuritavadesse ja väärtushinnangutesse oma jälje jätnud. Õigupoolest võiksin mõnevõrra provokatiivselt küsida, kas me ikka elame kolonialismijärgses ajastus või on kolonialism võtnud lihtsalt teised, peenemad vormid näiteks suurvõimude poliitilise jõupositsiooni ja massimeedia kujul. On ju igas eesti kohvikus müügil Coca-Cola (vaid üksikutes aga näiteks Värska või kama) ning, mis puudutab Indiat, siis on väidetavalt kümme aastat televisiooni laialdast levikut teinud india kultuuri kallal suurema laastamistöö kui kogu Briti impeeriumi valitsemisaeg kokku.

     

     

  • Teater kui kirjanduslik teejuht

    Esmaspäeval tähistab teater Varius Kirjanike Maja musta laega saalis oma 20. sünnipäeva teatraliseeritud õhtuga „Mis on meist alles„, mis võtab kokku paarikümne aasta jooksul tehtu. Ja tehtut pole vähe: Variuse lavastustes on elustunud minevikutegelased nii Eesti kui ka Rootsi, Taani ja Norra kultuuri- ja kirjandusilmast. Ikka teatri särava, väsimatu ja entusiastliku liidri Heidi Sarapuu juhatusel. Kust võtab Heidi Sarapuu visaduse, millega läbi kahe aastakümne vedada teatrit, kirjutada teatritekste ja neid lavastada, innustada uusi tegijaid Variuse lavastustega liituma, sellele annavad vastuse ilmselt Variuse lavatööd. Neist aimdub alati siiras ja pühendumuslik soov midagi oma publikule teada anda, meie endi või naabrite kultuurilugu tutvustada. Praegu võtame iseenesestmõistetavalt meie teatrite repertuaari ilmunud kultuuritegijaid käsitlevaid teatritekste, ometigi on Varius  ja Heidi Sarapuu juba kaks aastakümmet seda tänuväärset valgustuslikku ülesannet täitnud.

    Variuse esimene suurem töö, 1988. aasta veebruaris esietendunud „Arbujate aegu„ saavutas toona enneolematu menu (kokku anti 32 etendust) ja pani tõenäoliselt püsiva aluse teatri edaspidisele tegevusele. Publiku ja avalikkuse soe poolehoid innustas jätkama ja tänaseks on variuslaste egiidi all vaatajani jõudnud üle 30 lavastuse. Alustanud harrastusteatrina, on Varius aasta-aastalt professionaliseerunud, ometigi on säilinud just harrastusteatrile omane ind, pühendumuslikkus– omamoodi Variuse võluv kaubamärk. Hämmastav seejuures, et on suudetud püsima jääda, kuigi elatakse „õhust ja armastusest„ – teatrite rahastaja kultuuriministeerium võtab Variust kui enesestmõistetavat nähtust, mis peab hakkama saama ilma riigi toeta (mingeid raasukesi on vist siiski poetatud). Sellest võib välja lugeda suhtumise: „Kui on enne hakkama saadud, siis saavad nüüdki!„ Näitekunsti sihtkapital toetab meelsasti suvelavastusi, mille hulgas nii mõnegi eesmärk on eelkõige publiku meelt lahutada ja vaatajailt raha sisse kasseerida. Kas asjaolu, et Varius tegeleb kultuuri- ja kirjanduslooga, mängib väikestes saalides, tuleb rahajaotajate silmis lugeda teatri puuduseks? Marginaalne, nurgatagune nähtus see meie kultuuri- ja kirjanduslugu? Vägagi tabavalt on sõnastanud Jan Kaus mõned aastad tagasi Sirbis Variuse olemuse: „Võib arvata, et Variuse pretensioonitus, paljuski välismaailma poolt peale sunnitud marginaalsus, on nende loomelaadi ja eneseväljenduse justkui painetest vabastanud. Tähtis pole nende puhul ükskõik mis valdkonnas aasta parimate nimekirja jõudmine – see tundub olevat keldritrupi jaoks vähetõenäoline – , vaid olemasolu ise. Tõsiasi, et nad tegutsevad, mõjub tillukese imena.„ (Sirp 1. III 2002).

    Tilluke ime kestab aga edasi!

     

     

Sirp